¿Qué es la ópera? Describe brevemente la historia del desarrollo de la ópera extranjera.
El auge de la ópera se produjo por primera vez en Italia.
La inacción política y la lentitud comercial de Italia en el siglo XVII no aniquilaron su pasión artística y su vitalidad creativa, ni debilitaron su antiguo estatus como "potencia musical".
Hay varias razones principales para esto: en primer lugar, Italia siempre ha sido un país rico en melodías; en segundo lugar, Italia es un jardín experimental para nuevas y diversas variedades musicales en Europa; Hay una serie de compositores y cantantes talentosos cuya vocación es cultivar nuevas variedades de música; la última y más especial razón es que también hay un grupo de mecenas e inversores aristocráticos que objetivamente brindan apoyo a la industria musical por diversas razones.
Por lo tanto, en comparación con otros países de Europa, Italia tiene las condiciones e incluso la responsabilidad de dedicar la ópera como regalo del siglo a toda Europa y entusiasmarla.
La ópera italiana se puede dividir en ópera florentina, ópera romana, ópera veneciana y ópera de Nápoles.
Estas óperas de diferentes regiones, diferentes épocas y diferentes estilos tienen diferentes influencias.
1. Ópera Florentina
En la segunda mitad del siglo XVI, apareció en Florencia una sociedad llamada "Florence Camerata (Salon)" (también conocida como Florence Art Group) ) es un grupo de investigación musical no oficial cuyos miembros son principalmente poetas y compositores jóvenes de estatus aristocrático.
Fueron ellos quienes llamaron por primera vez a la puerta de la ópera.
Este grupo de arte está presidido por Count Buddy. El contenido central de la discusión es cómo integrar mejor la música y el teatro para producir un mayor atractivo artístico.
Después de estudiar cuidadosamente la música griega, llegaron a la conclusión de que la razón por la que la música griega puede producir un gran atractivo y fuertes efectos de interpretación es porque la música griega es una melodía monofónica, este tipo de melodía desarrolla la expresiva natural. potencia del rango de la voz, fluctuaciones de tono, cambios de ritmo, etc., que pueden afectar y dominar decisivamente las emociones de la audiencia.
Por el contrario, con el método anterior de usar diferentes voces para cantar diferentes melodías y letras, es difícil para el público escuchar las letras con claridad y comprender a los personajes. Este tipo de música sólo puede ser una. conjunto instrumental en el mejor de los casos.
Por ello, eligieron la forma correcta de componer letras: un método de canto que utiliza la música para "hablar", es decir, utilizar la melodía solista para fortalecer y expresar la cadencia del lenguaje del actor.
Entre los grupos artísticos florentinos que hicieron mayores contribuciones a la ópera se encuentran Caccini Giulio (1551-1618), Giacopo Peri (Peri Ja copo1561-1633), Emilio de Cavalieri (Cavalieri Emilio De155O-1602) y otros más. los pioneros de esta tierra virgen de la ópera.
Caccini es cantante, compositor e incluso intérprete profesional. Esta identidad múltiple jugó un papel especial y beneficioso en su carrera operística.
Caccini creó un nuevo estilo de canto basado en letras y sílabas, esforzándose por una enunciación clara y flexible y un acompañamiento con bajo digital, convirtiéndose así en uno de los fundadores del recitativo (tono de recitación).
También añadió sonidos decorativos en lugares apropiados de la línea melódica, formando una técnica de canto del siglo XVI.
En el cancionero (New Music), Caccini ha recopilado un gran número de canciones monofónicas en nuevos estilos con acompañamiento de bajo digital.
Al respecto, amplió: "Para crear y cantar mejor óperas, lo más importante es comprender los conceptos y el lenguaje, y comprender los temas expresados por ellos con interés y emoción. También es necesario entender el contrapunto utilizado en la música polifónica”.
Estas canciones y las nuevas ideas del autor mostraron un modelo que podía seguirse para la formación de la ópera, e inspiraron la vitalidad creativa y la inspiración de quienes vinieron después.
Caccini tiene altos logros en la música vocal. También fue la primera generación de educadores vocales influyentes en el período del Bel Canto.
En cuanto a sus logros en la educación musical vocal, también lo presentaremos específicamente a continuación.
Perry, al igual que Caccini, también es cantante y compositor. Una vez interpretó con éxito al legendario cantante Arion en un interludio.
Sin embargo, sus logros en la creación de ópera son mayores.
Perry es mejor conocido por establecer el estilo recitativo en la práctica de la composición operística.
Creó con éxito un recitativo que se sitúa entre el canto y el habla ordinarios. A medida que la voz humana avanza en intervalos consonantes y disonantes, el bajo digital se mantiene estable, imitando el progreso continuo del habla.
Este recitativo suena como una recitación libre con tonos en constante cambio.
Ya sean recitativos, arias u otras canciones solistas de una sola parte, Perry crea música dramática de acuerdo con las necesidades de la ópera.
Los resultados de la investigación del Florence Art Group no son sólo una discusión a pequeña escala al estilo de un salón, sino que realmente se han puesto en práctica.
En cierto sentido, la ópera italiana nació en sus salones.
La intención original del Florence Art Group era restaurar la música griega, pero en realidad crearon un nuevo género artístico que no sólo estaba en línea con sus propios ideales y objetivos, sino que también tenía las características de la veces.
Este gran aporte puede ser algo que no esperaban.
Dafne, representada en Florencia en 1597, está considerada la primera ópera de Italia y Europa.
Esto fue creado conjuntamente por Ottavio Rinuccini (letra) y Perry (compositor), ambos miembros del Florentine Art Group.
"Daphne" se basa en una antigua historia de amor griega y el contenido brilla con humanismo. Las canciones de la obra son todas piezas vocales de una sola parte, en su mayoría recitativos con ritmos libres y relajantes. Canciones con fuertes características de canto. El estilo musical es novedoso y expresa bien las ideas de la letra.
En 1600, continuaron colaborando y representaron "Euridice" creada para la boda real en Florencia.
Se trata de una conocida historia mitológica que alaba el amor de Orfeo y Eurídice. Para satisfacer las necesidades de las ocasiones festivas, el final se cambió a un final feliz.
En "La música de Eurídice", Perry explica los muchos estilos de canciones monofónicas de la obra, como un nuevo recitativo típico en Daphne, que comienza La emoción es estable, la melodía es relajante y armoniosa Cuando Euridice. es mordido por una serpiente, la melodía se vuelve emocionante, los intervalos de disonancia aumentan y la armonía también sufre cambios repentinos. El aria "Tilsi's Song" está arreglada en una sinfonía Entre la música tradicional, el ritmo es claro, la melodía es hermosa, y la armonía de la cadencia es fuerte.
Caccini también escribió parte de la música de "Euridice". En comparación con la música dramática de Perry, la música dramática de "Euridice" de Caccini es más melódica y lírica.
La ópera florentina tiene las características generales de la ópera italiana original, y ha formado un estilo artístico pastoral, grácil y elegante con características florentinas.
En los casi 30 años posteriores a las obras "Da" y "Yu", sólo se representaron unas pocas óperas en Florencia.
El centro de la ópera comenzó a trasladarse a Roma.
2. Ópera Romana
Los temas de la ópera romana se centran en mitos y fábulas, con un fuerte color religioso, y el arte escénico persigue efectos lujosos y magníficos.
El autor principal de las primeras óperas romanas fue Cavalielli del Grupo de Arte Florentino.
Era un noble florentino responsable de los asuntos artísticos en la corte ducal. Era a la vez un funcionario cultural y un experto en negocios.
Como miembro del Grupo de Arte Florentino, ha representado varias óperas cortas en Florencia.
Ya en 1600 compuso una obra de teatro (Representación del alma y del cuerpo) y la representó en Roma.
Se trata de una obra de teatro moral que promueve ideas religiosas en forma de fábula.
En las obras de Cavalielli, se puede ver que el compositor expresaba y atendía conscientemente los pensamientos del gobernante debido a su estatus oficial, pero la creación musical del drama (espiritual) aún reflejaba la búsqueda de Cavalieri en el arte florentino. grupo.
En 1623, el Papa Urbano VIII, que amaba y promovía el arte de la ópera, ascendió al trono en Roma. Su llegada al poder tuvo una gran influencia en el establecimiento de la posición de liderazgo de la ópera romana en Italia.
De hecho, la familia Urban ha hecho muchas cosas prácticas para apoyar el desarrollo de la ópera, incluida la presidencia de la construcción de un teatro de ópera con capacidad para 3.000 espectadores y el desarrollo de escenografía mecánica para escenarios de ópera.
Dado que Roma es la sede de la Santa Sede y la familia real, la ópera romana aboga por escenas lujosas y deslumbrantes y puede satisfacer mejor los gustos de la nobleza y satisfacer su vanidad, que es muy diferente del estilo. de la ópera florentina.
La mayoría de las óperas de este periodo eran dramas mitológicos y dramas santos basados en poemas épicos.
En 1634, "San Alessio" fue compuesto con libreto de Yulio Rospiriosi, quien más tarde se convirtió en el Papa Clemente IX, y música de Stefano Landi. Interpretada en la ceremonia de inauguración de la recién construida Ópera de Roma.
La obra describe la historia de un "santo" romano en la Edad Media, y su tema sigue siendo la predicación de la moral religiosa.
En 1662 se representó en Roma "Las cadenas de Adone", compuesta por Domenico Mazzocchi. Se trata de una ópera que generalmente se considera de estilo típico "románico". nobleza, y el efecto escénico fue muy lujoso y magnífico.
El principal compositor de la ópera tardorromana fue Luigi Rossi, que compuso "Orfeo" en 1647, que fue muy utilizado como tema de ópera en la época.
En la obra "O", los temas antiguos son solo una canasta vacía, que está llena de materiales de moda, extraños y otros materiales populares que se espera que causen sensación.
La ópera romana también tiene algunas ventajas encomiables en la creación musical.
Por ejemplo, la diferencia entre recitativo y aria es más obvia, el recitativo es más lingüístico, mientras que el aria es más melódico; "The Chains of Adone" no solo abandona el estilo aburrido y aburrido de la composición recitativa, y su preludio de ópera se convirtió en una de las primeras formas de la obertura de ópera de uso común.
Sin embargo, debido a las limitaciones de los temas ideológicos y las tendencias aristocráticas de la ópera romana, gradualmente cortó su conexión con el público en general, exprimió su propia vitalidad con todo lujo y, finalmente, lentamente se desvaneció de la ópera. La etapa no se desarrolló más.
La causa directa del declive de la ópera romana fue la muerte de Urbano VIII en 1644. Sus enemigos políticos expulsaron a la familia Urbana y a la ópera de Roma.
3. Monteverdi
En esta época apareció en Italia un gran compositor que jugó un papel decisivo en el impulso de la causa de la ópera El famoso Monteverdi.
Monteverdi se dedicó principalmente a la composición pastoral en sus primeros días, por lo que gozó de una gran reputación.
De 1990 a 1612 fue músico y director del Duque de Mantua. Durante este período compuso e interpretó las óperas "Orfeo" (1607) y "Arianna" (1608).
Fue a Venecia en 1612 y se desempeñó como director musical de la Basílica de San Marcos al año siguiente.
Residió en Venecia durante 30 años hasta su muerte a los 76 años.
Durante este período, compuso unas 10 óperas para iglesias y teatros de ópera, entre ellas "La batalla de Tancredi y Clorinda" (1624), "El regreso de Ulises" (1641), "El epílogo del papá", que escribió cuando tenía 75 años, puede considerarse una obra clásica. Es mejor que cualquiera de sus obras anteriores en términos de descripción de personajes y creación de imágenes musicales, y se ha convertido en una de las 17 obras maestras operísticas del siglo.
En comparación con otros compositores de ópera italianos de este período, Monteverdi tiene dos características principales:
Primero, Monteverdi era un compositor emocional y reflexivo. propias emociones en la creación de ópera.
Monteverdi creía que la música no es un arte con una estructura técnica, no sólo debe proporcionar a las personas placer sensorial, sino que también debe expresar plenamente la mente y las emociones humanas.
En el pasado, la música sólo se conformaba con expresar las emociones de las personas como la melancolía, la tristeza, la esperanza y la tranquilidad, lo cual estaba lejos de ser suficiente.
La música, especialmente la ópera, también debe expresar los intensos y complejos mundos interiores de las personas, como la ira, el miedo, la decepción y el odio, formando una música de ópera "emocionante".
En consecuencia, Monteverdi creía: "La música no sólo se utiliza para señalar el significado original de la letra, sino que también debe expresar algo más profundo".
Esta "profundidad" se refleja en la descripción detallada de los pensamientos y sentimientos de los personajes a medida que cambian en las actividades, y en la conexión orgánica entre los pensamientos y sentimientos de los personajes en el pasado, presente y futuro.
En la práctica de la creación de ópera, Monteverdi aplicó estos principios a diversas imágenes artísticas, haciendo que estas imágenes fueran coloridas y conmovedoras.
Especialmente antes y después de la grave enfermedad y muerte de su esposa, integró vívidamente en sus obras el dolor y las emociones desgarradoras que había experimentado personalmente, y este estado mental sobre la separación y la muerte está estrechamente relacionado con la obra. La trama y los personajes encajan a la perfección.
Cuando aparecen sus "Orfeo" y "Arianna".
Después de que aparecieron una tras otra, esas imágenes artísticas vívidas y conmovedoras hicieron llorar tristemente a miles de espectadores.
Esta característica artística de Monteverdi queda plenamente reflejada en el recitativo de “Orfeo” (Morirás para siempre).
Orfeo es un antiguo poeta y cantante cuya música movía rocas, árboles y piedras. bestias
Cuando supo de la muerte de su esposa Eurídice, decidió ir con ella:
Tú falleciste, mi amada esposa,
yo soy Todavía en este mundo, pero me dejaste, para siempre.
Nunca volverás Y todavía me queda un respiro.
No, no, si el poema puede conmover a la gente. corazones,
Caminaré con valentía hacia el infierno más profundo,
Haré cambiar de opinión a Plutón, te traeré de regreso a la luz del día. El destino cruel me rechaza,
Me quedaré contigo en el inframundo.
¡En este recitativo!, Monteverdi compuso la letra en un canto extremadamente triste, movilizó muchas técnicas de creación musical, expresó. el poder de la emoción y dio rienda suelta a las fortalezas de la voz humana, haciendo que la canción esté llena de emociones fuertes y una atmósfera trágica digna, convirtiéndose en una típica música de ópera "emocional al estilo Monteverdi".
En segundo lugar, la música de Monteverdi Su aportación destacada es que fue el primer compositor que formalizó la música de ópera dramática.
En la música de ópera de Monteverdi, todas las técnicas de expresión sirven al drama y dependen de las necesidades del mismo. Las técnicas de expresión dramática incluyen: primero, por primera vez, se introdujo una técnica similar al "motivo principal" en la música de ópera (como "Orfeo" se utilizaron letras dramáticas y se analizó el alma del personaje a través de imágenes musicales para reflejar el carácter). se resaltaron la personalidad del personaje; se resaltaron las voces agudas, se amplió y enriqueció la voz solista; se destacó la expresividad del recitativo, etc.
En particular, Monteverdi utilizó por primera vez un instrumento musical compuesto por unos 40 instrumentos. en su ópera la composición de la orquesta también se basó en las necesidades de la trama y los personajes.
Antes de esto, las óperas de Perry y otros sólo utilizaban unos pocos instrumentos como el laúd y el clavecín.
Estas características creativas de la música de ópera de Monteverdi se han convertido en principios que han sido imitados por generaciones posteriores durante un largo período de tiempo, convirtiéndose no sólo en un destacado compositor de ópera italiana, sino también en el compositor de todo el siglo XVII. Un gran compositor europeo
4. Ópera veneciana
El estatus de Venecia como centro de las actividades de la ópera europea se formó alrededor de las décadas de 1730 y 1740
Allí. Hay diferencias muy obvias entre la ópera veneciana y la ópera romana, e incluso en gran medida diferentes de la ópera florentina.
Estas diferencias están relacionadas en primer lugar con el ambiente comercial tradicional de Venecia.
Aunque la actividad comercial en Venecia se redujo durante el siglo XVII, el sentido comercial de la ciudad no murió.
Este tradicional ambiente de negocios jugó un papel vital en las actividades de ópera de la ciudad.
En otras ciudades de Italia, las representaciones de ópera se suelen representar en pequeños teatros de palacios o residencias nobles. Ver representaciones de ópera siempre ha sido dominio exclusivo de la clase alta de la sociedad.
En Venecia se adoptó una forma más democrática, con la ópera abierta al público.
En circunstancias normales, la ópera ya no acepta el patrocinio de nobles y adopta un método de operación autofinanciado.
En 1637, Venecia construyó su primer teatro de ópera llamado "San Cassiano". En los tres años siguientes se construyeron tres grandes teatros públicos. Como máximo, esta ciudad de sólo 140.000 habitantes tenía 8 teatros.
La ópera es la "unidad" de todos los amantes: los nobles ocupan los palcos, la clase media compra billetes para las entradas, el billete cuesta 4 liras, los asientos cuestan 2 liras extra y el general El público puede acceder de forma gratuita. Hay gente en el recinto, pero la mayoría son "entradas de pie".
Desde su construcción, la Ópera de Venecia ha tenido un carácter económico a la altura de esta ciudad comercial.
Esto determina que la ópera veneciana debe estar abierta al público en general, y su contenido y forma deben ser compatibles con los gustos estéticos de la clase ciudadana, de lo contrario no sobrevivirá.
Desde el punto de vista comercial, la sucesiva construcción de teatros de ópera en un corto período de tiempo se debe a la gran demanda del mercado y a las buenas perspectivas del mercado.
Eso es exactamente lo que pasó.
A mediados del siglo XVII, las representaciones de ópera en Venecia estaban tan concurridas que las multitudes no tenían precedentes: los palcos estaban llenos de nobles elegantes y elegantes y sus esposas e hijas con mucho maquillaje y flores deslumbrantes, y los asientos de la piscina estaban llenos de barqueros y barqueros, vendedores y público de diferentes identidades se reunían; risas ruidosas, aplausos entusiastas, silbidos disolutos y besos iban y venían, fanáticos fanáticos de la ópera, incluidos sacerdotes y nobles, gritaban a veces el nombre del; El cantante que admira a veces salta al escenario para interpretar el papel de la obra.
En un sentido positivo, la ópera veneciana se ha convertido en un alimento espiritual para el público en general.
A medida que hay cada vez más teatros de ópera, son cada vez más grandes, lo que promueve en gran medida el desarrollo de la industria de la ópera.
Las fortunas de los compositores, cantantes y orquestas de ópera aumentaron y se produjeron un gran número de obras de ópera. En más de 70 años, desde la década de 1730 hasta finales de siglo, se representaron más de 350 obras.
Como consecuencia de este fenómeno, las sucesivas representaciones provocaron una salida de actores y orquestas, y el número de personajes de la obra se redujo.
Debido a consideraciones financieras, los teatros ordinarios ya no pueden permitirse contratar bandas más grandes.
Todos estos han formado las características de la ópera veneciana: democratización, ciudadanía, comercialización y entretenimiento.
A juzgar por el estilo artístico de la ópera veneciana, tiene las siguientes características: el repertorio con temas históricos se ha convertido en la ópera más exitosa; las arias líricas han logrado grandes avances en el canto; el desarrollo tiende a ser complejo; la estructura del guión se vuelve gradualmente más rigurosa, constituyéndose generalmente en tres actos, y cada acto se divide en varias escenas.
Cabe destacar especialmente que la escenografía está básicamente mecanizada y puede simular batallas navales, tormentas, dioses, elefantes y leones en marcha, y también se puede subir y bajar.
Algunas de las realizaciones más destacadas del arte escénico veneciano se siguieron utilizando hasta el siglo XIX.
En 1637, la ópera "Andrómeda" compuesta por Ferrari y Manelli se representó en la recién construida Ópera de San Cassiano, marcando el comienzo de la ópera veneciana.
Esta ópera no es cara, Ferrari también toca instrumentos, la orquesta tiene sólo 12 personas, hay 6 actores, entre ellos Manelli y 3 castrati.
(Una) ópera, como muchas óperas venecianas posteriores (incluidas las de Monteverdi), tiene un elenco y una orquesta pequeños, en parte debido a las consideraciones económicas de la ópera.
Los principales compositores de la ópera veneciana son dos alumnos de Monteverdi, Cavalli Pietro Francesco (1602-1676) y Antonio Chesti (Cesti Antonio1623-1669).
Cavalli*** creó 42 óperas, lo que también refleja la demanda de Venecia por obras de ópera.
Las obras representativas de Cavalli incluyen "Las bodas de Teti y Perreo" (1639), "Reina Dido" (1641), "Egisto" (1643), (Amante Ercoti) (1662), etc.
En 1649 creó la ópera más famosa "Jason", en la que el aria y el recitativo comenzaron a formar dos estilos obviamente diferentes.
La música de ópera de Cavalli se centra en el drama y es buena en la representación psicológica. En particular, las arias son ricas en melodía y canto, y son muy emocionantes. Aunque el recitativo carece de la variedad y la meticulosidad de Monteverdi, lo es. Todavía natural y suave.
A diferencia del estilo de Cavalli, las óperas de Chesti están más centradas en el lirismo y la decoración.
Intentó restaurar y desarrollar los factores musicales puros inherentes a Italia, prestando atención a la melodía elegante y suave, y tallando meticulosamente sus obras.
Como resultado, las arias de la ópera se desarrollaron, pero el dramatismo quedó ligeramente debilitado y la obra careció de impulso y potencia.
La obra principal de Chesti (Olontea) (1649) se ha representado durante mucho tiempo en Venecia, Roma, Florencia, Milán, Nápoles y otros lugares. Es una de las óperas más representadas del siglo XVII.
La típica ópera palaciega de estilo barroco "La Manzana de Oro", creada en 1667, es la obra maestra representativa de Chesti.
Esta ópera fue creada especialmente para la boda real en ese momento. Para ello se construyó incluso un gran teatro con capacidad para 5.000 espectadores.
La obra consta de 5 actos y hasta 25 arias, lo que da rienda suelta a las habilidades del cantante. p>El cartel de actuaciones es enorme y la escenografía y el equipamiento son muy lujosos.
El principal compositor de la ópera veneciana tardía fue Pietro Simone Agostini (alrededor de 1635-1680) y Antonio Sartorio (1630). -1680)
Buscaron crear una nueva aria de estilo popular y adoptaron pasajes de coloratura expresiva.
La obra representativa del primero es "La humillación de las sabinas", mientras que la del segundo. "Adelaida"
A mediados del siglo XVII, la ópera italiana se finalizó básicamente en Venecia. En unos 200 años, la forma de la ópera no ha sufrido cambios fundamentales. Las características importantes de estos géneros son: el canto solista se ha convertido en la principal forma de cantar en la ópera; el aria y el recitativo se han separado y las arias son cada vez más valoradas por los autores y bienvenidas por el público; el nuevo método de canto del bel canto ocupa una posición absolutamente dominante en la ópera. el canto; la relación entre música y letra, que inicialmente insistía en que la música estaba subordinada a la letra, fue cambiando gradualmente y comenzó a existir una tendencia a que la música prevaleciera sobre la letra.
5. Ópera de Nápoles
En la década de 1780, el centro de la ópera italiana se trasladó a Nápoles.
La ópera estuvo inicialmente influenciada por la ópera veneciana, y las obras de Cavalli, Chesti y otros fueron bien recibidas y causaron sensación en Nápoles.
Más tarde, la ópera de Nápoles se desarrolló rápidamente y gradualmente reemplazó a Venecia como el nuevo centro de actividad de la ópera de Italia.
La ópera napolitana aún mantuvo su fuerte vitalidad hasta mediados y finales del siglo XVIII. Varios compositores napolitanos destacados extendieron sus huellas por toda Europa, contribuyendo a la promoción y promoción de la ópera en toda Europa. La popularización ha jugado un papel positivo en la promoción de la ópera.
El estilo general de la ópera napolitana es: ópera cómica con características humorísticas, brillantes y enérgicas; se centra en una forma externa hermosa y elegante, y la intensidad dramática está relativamente debilitada, pero la música hermosa es suficiente para compensar todas las deficiencias.
El fundador y más importante. El compositor representativo de la ópera napolitana es Alessandro Scarlati (Scarlati Alessandro1660-1725).
Nació en el seno de una familia de músicos. En 1679 representó en Roma su primera ópera, "La culpa de la ignorancia", que fue un éxito.
Luego se desempeñó como director del teatro privado de la reina sueca Cristina que residía en Roma. Durante este período, compuso "Amor verdadero" (1680) y "Pompeya" (1683).
Llegó a Nápoles en 1684 y ejerció como director musical en la corte del Dux. Compuso más de 40 obras, entre ellas "Pirro y Demetrio" (1694) y "La caída de los diez" (1697). ópera.
Desde 1702 es director musical de la Catedral de Santa María de Roma.
En 1709, regresó a Nápoles para ocupar su puesto original y al mismo tiempo se desempeñó como director de una escuela de música para los pobres hasta su muerte. Durante este período, creó obras importantes como "Tigrane". (1715) y "La Gloriosa Victoria" (1718), etc.
Scarlatti fue un prolífico compositor que compuso 115 óperas, ocupando el primer lugar entre los compositores de ópera de la época. La mayoría de los temas estaban tomados de comedias de la vida o leyendas históricas.
Además, hay más de 700 cantatas, oratorios, misas, etc. escritas.
La aportación de Scarlatti a la ópera es, en primer lugar, enfatizar que la ópera es un drama expresado con música, y hay que resaltar la posición central de la música en la ópera. El desarrollo emocional de los personajes puede reflejarse y resumirse completamente. en música, formando una imagen musical típica.
En comparación con la música, las letras son sólo un recordatorio y no juegan un papel clave.
Por lo tanto, la música vocal tiene una ventaja absoluta en sus óperas; en segundo lugar, creó la forma de canto del "Recitativo Qing" (también llamado "recitado vernáculo"), que se utiliza principalmente para monólogos largos y diálogos. sólo utiliza uno o dos instrumentos musicales como acompañamiento, lo que le convierte en un medio en el desarrollo de la trama. En tercer lugar, se utiliza un aria de retorno estilo A-B-A para expresar el estado de ánimo ambivalente de los personajes, formando una especie de El cuarto es; para desarrollar y fijar la forma de las oberturas de ópera se componen de tres partes: rápida, canto lento y ritmo rápido de baile, que se convierten en un patrón fijo para futuras oberturas de ópera. En quinto lugar, estableció una banda completamente orquestada con cuatro partes; cada uno toca música con diferentes emociones según las características de cada instrumento. Este método de organización y orquestación de la banda se ha utilizado durante mucho tiempo.
Scarlatti fue un compositor diligente, riguroso e inteligente que mostró su persistente búsqueda de ideales dramáticos serios, por lo que fue llamado "Scarlatti Serio".
Hubo una época en la que sus obras no eran populares entre el público, pero era muy respetado dentro de los círculos y tuvo una importante influencia en varios compositores, incluido Handel.
Aunque algunas de las óperas creadas por Scarlatti y posteriores compositores de ópera napolitana se convirtieron en "óperas de colección" y tuvieron hasta cierto punto un carácter de concierto, los elementos dramáticos de las óperas se han ido desvaneciendo gradualmente, pero esto sí. no obstaculice el estatus histórico de Scarlatti y su papel heredado en el desarrollo de la ópera italiana.
En la primera mitad del siglo XVIII, la ópera napolitana, como la ópera en otras partes de Italia, desarrolló el aspecto lírico de la música operística y se basó más en las habilidades solistas del cantante y en la lujosa decoración escénica.
La ópera se fue desviando gradualmente de la intención original del artista florentino de retratar la psicología y expresar el carácter, y cayó en un punto bajo de calidad que complacía los sentidos.
Después de que la ópera se finalizara aproximadamente en forma de género a mediados y finales del siglo XVII, el período de Nápoles diferenció aún más los recitativos y las arias.
El recitativo se divide en: 1. Recitativo Qing, es decir, "recitado vernáculo", que se acerca al habla al cantar, con un simple acompañamiento estilo *** 2. Recitativo con acompañamiento auxiliar Recitativo; , también conocido como "recitado acompañado" y "recitado instrumental", se utiliza principalmente en escenas dramáticas tensas. Los cambios emocionales durante los monólogos o diálogos son interpretados por la orquesta.
La clasificación de las arias es relativamente complicada. En cuanto a la forma de acompañamiento, hay arias sin acompañamiento y arias de acompañamiento, hay arias ***, arias quejumbrosas, arias humorísticas, etc.; En cuanto al estilo musical, hay arias de danza pastoral, arias habladas recitadas, etc.
Además, en las obras de Scarlatti, también existe un "recitativo" entre recitativo y aria, lo que significa un recitativo como un aria.
En la época de Wagner, esta forma se convirtió en un aria libre.
A mediados del siglo XVIII, estas formas toscamente finalizadas se convirtieron en los elementos básicos de la futura creación de ópera.
Las óperas italianas de los siglos XVII y XVIII que tienen las características anteriores y toman como temas mitos y leyendas heroicas son denominadas "óperas serias" en la historia de la música.
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