¿Quiénes son los maestros escultores más famosos del mundo y sus obras representativas?
Escultores famosos
Friedrich Auguste Bartholdi
Gian Bernini
Rossella Cosentino
黄土水
Ju Ming
Antoine Canova
Jean-Baptiste Carpeau
Max Kringle
Auguste Rodin
François Rudd
Aristide Maiot Earl
Miguel Ángel Buonarroti
Henry Moore
George Minne
Pu Tiansheng
Bartelle Thorvaldsen
Jean-Antoine Houdon
Wu Xuansan
Wang Xiajun
Yang Yingfeng
Introducción parcial
Frédéric Auguste Bartholdi (Frédéric Auguste Bartholdi, 2 de abril de 1834 - 4 de octubre de 1904), escultura francesa Home, autor de la famosa Estatua de la Libertad en Nueva York, Estados Unidos.
Bartholdi nació en Alsacia, Francia, y estudió arquitectura y pintura en París. La Estatua de la Libertad fue entregada a los Estados Unidos por Francia, el antiguo enemigo de Gran Bretaña, debido a la independencia de Estados Unidos de Gran Bretaña. Se dice que Bartholdi modeló la Estatua de la Libertad a partir del rostro de su propia madre. Eiffel, el arquitecto francés que diseñó la Torre Eiffel, diseñó el marco de hierro de soporte interno y toda la estructura de soporte. Para instalar la estatua de la diosa, Bartholdi viajó personalmente a Estados Unidos para elegir un lugar. Los estadounidenses recaudaron fondos para construir la base de la torre. La estatua de bronce completa se dividió en 350 piezas, se empaquetó en 214 cajas y se envió a los Estados Unidos. El prototipo fue construido a orillas del Sena en París, frente a la Torre Eiffel.
Sus otras obras incluyen el enorme "León de Balfort" tallado en el monte Balfort en la frontera de Alsacia y Suiza para conmemorar la victoria en la guerra franco-prusiana regalada a Basilea, Suiza por la estatua de Er de Estrasburgo; Swiss Aided Strasbourg" para agradecer a Suiza por su ayuda en la guerra franco-prusiana; la Fuente Bartholdi en el Parque Bartholdi en Washington; la estatua de Lafayette en Union Square en Nueva York; la Catedral de Boston "Cuatro Trompetistas"; y la Fuente Bartholdi en Lyon, Francia.
Bartholdi murió de tuberculosis en París y fue enterrado en el cementerio de Montmartre.
Gian Lorenzo Bernini; también conocido como Giovanni Lorenzo Bernini (7 de diciembre de 1598 - 28 de noviembre de 1680) escultor, arquitecto y pintor italiano. Destacado artista del primer barroco. Los principales logros de Bernini se produjeron en la escultura y el diseño arquitectónico. Además, también fue pintor, dibujante, escenógrafo, fabricante de pirotecnia y diseñador funerario.
Bernini nació en una familia florentina en Nápoles, y más tarde llegó a Roma con su padre, Peter Bernini (un famoso escultor manierista). Sus primeras obras se inspiraron en esculturas de la mitología griega que fueron traídas a Roma durante el Imperio Romano. Entre estas obras se encuentran la ninfa Amaltea amamantando a Zeus con leche de cabra (terminada en 1609 y actualmente en la Galería Borghese de Roma), así como algunos bustos alegóricos y mitológicos, como el "Alma Maldita" Caído y el "Alma Bendita". (terminado en 1619 y ahora en la Piazza di Spagna, Roma En la década de 1620, las esculturas de Bernini maduraron gradualmente y su obra representativa es "Papa Pablo V" (1620), "El rapto de Proserpina" (1621-1622), "David" (1623), "Apolo y Dafne" (1622-1625), y la conocida escultura "El Éxtasis de Santa Teresa" (1645-1652) en la Iglesia de Nuestra Señora de la Victoria
En el proceso de esculpir la estatua de David, Bernini le dio una conexión emocional y emocional. A diferencia de la obra del mismo nombre de Miguel Ángel, la obra del primero es dinámica, mientras que el torso retorcido y las cejas fruncidas del segundo reflejan plenamente las características del arte barroco. acumulado en la época del Renacimiento.
Miguel Ángel expresó la esencia heroica de David y Bernini capturó el momento del temperamento heroico de David. Esta obra fue encargada por el cardenal Borghese, principal mecenas de Bernini, cuando éste tenía 25 años.
Otras esculturas de Bernini incluyen las estatuas del Cardenal Borghese [1] (1632, Galería Borghese) y Luis XIV (1665, ahora en el Palacio de Versalles).
La primera obra arquitectónica de Berigni fue el baldaquino de cobre sobre el altar de la Basílica de San Pedro en el Vaticano (construido entre 1624 y 1633) [2]. Además, también construyó el Palacio de San Pedro en Roma. Fachada de la Iglesia de Santa Bibiana (1624-1626). En 1629, antes de finalizar el retablo, el Papa Urbano VIII contrató a Bernini para que se hiciera cargo de toda la construcción de la Basílica de San Pedro. También fue responsable de la construcción de las tumbas de dos papas, Urbano VIII[3] y más tarde Alejandro VII[4], ubicadas en la iglesia. La Catedral de San Pedro (1657-1666)[5] ubicada en el ábside de la Basílica de San Pedro es también una obra maestra de Bernini.
Además de su obra más famosa: la plaza y la columnata frente a la iglesia de San Pedro, Bernini también diseñó muchos edificios famosos en Roma, como el Palacio Barberini (construido a partir de 1630), Monte Carlo. Palacio (Palazzo Ludovisi, 1650), Palacio Chigi (Palazzo Chigi, 1664), etc. En 1665, cuando la fama de Bernini estaba en su apogeo, viajó a París con la esperanza de diseñar la puerta de entrada oriental del Louvre para el emperador francés Luis XIV, pero fue rechazado. La última parte del edificio fue terminada por Claude Perrault y tiene un color más clásico.
Además, Bernini también diseñó muchas iglesias famosas, aunque la Basílica de San Pedro no fue suya (ver Carlo Maderno). Una pequeña iglesia barroca en Roma que ejemplifica el estilo arquitectónico de Bernini. No sólo fue responsable del diseño de la iglesia de Sant'Andrea al Quirinal (Sant'Andrea al Quirinal), sino que también esculpió la enorme estatua de San Andrés en el altar. En el campo cerca de Roma, Bernini también diseñó una iglesia para Castel Gandolfo, la residencia de verano del Papa.
La primera fuente diseñada por Bernini fue la Fuente del Príncipe del Mar (1640), y su obra más famosa es la Fuente de los Cuatro Ríos en Piazza Navona (1648-1651)[6], la fuente presenta el cuatro ríos más importantes del mundo: el Nilo, el Ganges, el Danubio y el Labrador, con poderosas tallas antropomorfas, y utiliza cocoteros y animales para representar el paisaje en diversos lugares. También hay un dato interesante sobre la fuente: justo enfrente de la fuente se encuentra la iglesia de Santa Inés, diseñada por el rival de Bernini, Boromini. Se dice que Bernini se burló de la iglesia por estar en peligro, por lo que se levantó la mano de la estatua de La Plata que estaba frente a la iglesia.
En 1644, la muerte del mecenas de Bernini, el Papa Urbano VIII, unió a los oponentes de Bernini y asestó un duro golpe a su carrera. Pero el Papa Inocencio X siguió invitando a Bernini a completar las obras de la Basílica de San Pedro y le encargó el diseño de la Fuente de los Cuatro Ríos. En el momento de la muerte de Inocencio X, Bernini se había convertido en una figura destacada del arte romano. Bernini murió en Roma en 1680.
Las obras de Benigni son aclamadas como símbolos y templos de la ciencia en la novela "Ángeles y demonios" de Dan Brown.
Huang Tushui nació en Monga, ciudad de Taipei. En 1907, después de la muerte de su padre, se refugió con su tercer hermano en Dadaocheng. Debido a que el tercer hermano de Huang Tushui era carpintero, se interesó en tallar bajo su influencia. Después de graduarse de una escuela normal en 1917, su maestro lo recomendó para estudiar en el extranjero en el Departamento de Escultura de la Escuela de Arte de Tokio. Fue el primer estudiante taiwanés en la Escuela de Arte de Tokio. En 1920 ingresó nuevamente a la escuela de posgrado de la escuela. Además, también estudió arte con los famosos escultores japoneses Koun Takamura y Fumio Asakura.
En 1920, su escultura "Fan Boy" fue seleccionada en la Exposición Imperial Japonesa, ocupando el primer lugar entre los taiwaneses. Más tarde, hubo obras famosas como "Estatua de Sakyamuni", "Retratos de búfalos", "Néctar de agua" (Exposición del Emperador), "Mujer posando" (Exposición del Emperador) y "Suburbano" (Exposición del Emperador). En 1930 murió de peritonitis en su residencia de Ikebukuro, Tokio, a la edad de 35 años.
Las obras de Huang Tushui se hicieron muy populares después de ser localizadas en Taiwán a finales de los años 1980. Sus obras son a menudo consideradas obras maestras en la comunidad escultórica de Taiwán.
Obras conocidas
Montañero tocando la flauta (1918)
Escultura de yeso, seleccionada para la Segunda Exposición de la Academia Imperial de Bellas Artes en 1920, la Primera vez que se selecciona a un artista taiwanés. Un ejemplo de la exposición de arte más autorizada de Japón. Se desconoce el paradero de la obra original.
Néctar (1919)
Estatua de mármol, seleccionada para la Tercera Exposición de la Academia Imperial de Bellas Artes en 1921. Originalmente estaba escondido en la Asamblea Provincial de Taiwán y se desconoce su paradero.
Busto de niña (1920)
Estatua de mármol, Huang Tu Shui fue donada a la colección de su alma mater, la Escuela Pública Dadaocheng (ahora Escuela Primaria Municipal Taiping de Taipei).
Mujer posando (1922)
Seleccionada para la Cuarta Exposición de la Academia Imperial de Bellas Artes en 1922. Se desconoce el paradero de la obra original.
Faisán Emperador y Hualu (1922)
Presentado a la colección del Ministerio de la Casa Imperial (ahora Agencia de la Casa Imperial), Japón.
Suburbano (1924)
Seleccionado para la Quinta Exposición de la Academia Imperial de Bellas Artes en 1924. Se desconoce el paradero de la obra original.
Estilo sureño (1927)
Seleccionado para la primera Exposición de Arte Shotoku Prince de Tokio. Se desconoce el paradero de la obra original.
Sakyamuni emerge de la montaña (1927)
Encargado por el templo Lungshan de Taipei. La estatua de madera original fue destruida en el ataque aéreo de Taipei en 1945. Posteriormente fue reconstruida a partir del molde de yeso superviviente y se almacena en el Museo Nacional de Bellas Artes de Taiwán (ahora Museo Nacional de Bellas Artes de Taiwán), el Museo de Bellas Artes de Taipei. , el Museo de Bellas Artes de Kaohsiung y el Museo Nacional de Historia de Bellas Artes de Taiwán, el Templo Menga Longshan, el Templo Tainan Kaiyuan, la Familia Huangtushui. En 1997, el Pabellón de América del Norte reformuló cinco más, y el mundo exterior cuestionó si el museo había reproducido demasiados.
Retrato del Príncipe Kunihiko y su esposa en el Palacio Jiuer (1928)
Presentado a la colección del Palacio Jiuer.
Buffalo Herd (1930)
El relieve de yeso, la última obra maestra de Huang Tushui en su vida, es también la obra clásica más famosa. La obra original está incrustada en la pared de la sala trasera del Salón Zhongshan en Taipei, y hay tres copias del modelo original, que se almacenan en el Museo Provincial de Arte de Taiwán (ahora Museo Nacional de Bellas Artes de Taiwán, hecho de fibra de vidrio), el Museo de Bellas Artes de Taipei (hecho de bronce) y el Pabellón del Museo Municipal de Bellas Artes de Kaohsiung (hecho de bronce).
Ju Ming (nacido en 1938), escultor taiwanés, nació en la ciudad de Tongxiao, condado de Miaoli, y tiene un doctorado honorario de la Universidad Católica Fu Jen. Al principio, era famoso por sus esculturas con temas locales, como "vacas" y "pastores". Recientemente, es famoso por sus esculturas modernas que incorporan la filosofía china, como el "Tai Chi". Su verdadero nombre es Zhu Chuantai y su apodo de infancia era "Jiuer". Ju Ming nació en una familia numerosa en el condado de Miaoli. Es el hijo menor de la familia, con cinco hermanos y cinco hermanas.
En 1953, bajo el liderazgo de su padre, fue al templo de Mazu en la ciudad de Tongxiao para aprender del maestro tallador Li Jinchuan.
Comenzó a enseñar en 1955 y al año siguiente se fue al norte para trabajar en una tienda de instrumentos budistas en Keelung. Sin embargo, hasta 1966 la situación económica siguió siendo mala. En 1968, se ofreció como voluntario y trajo sus propias tallas de "Retrato de una madre amorosa" y "Niña jugando en la arena" para convertirse en discípulo del maestro escultor Yang Yingfeng, y cambió su nombre a Ju Ming. mejor. Ese mismo año, se mudó a la ciudad de Banqiao, condado de Taipei (ahora ciudad de Banqiao) y se estableció en el área de Jiangzicui.
En 1978, Ju Ming expuso en el Museo Central de Arte de Tokio, Japón, y su obra "Single Whip Down" fue coleccionada por el Museo del Bosque de Escultura de Japón.
En 1980, viajó a Nueva York para estudiar solo, lo que supuso un punto de inflexión al abrir sus horizontes internacionales. Un año después, su serie de obras "Human World" se convirtió en la más aclamada de su carrera. carrera.Representante clásico. Sin embargo, al año siguiente se produjo un robo en el Museo Nacional de Historia de Taiwán y la escultura "Anciana" de Ju Ming fue robada.
En 1989, colaboró con el arquitecto I.M. Pei para utilizar bronce como material para crear una serie de Tai Chi "centrada en la armonía" frente al edificio del Banco de China en Hong Kong, que se inauguró al año siguiente. . Situado a la izquierda de la puerta de entrada del edificio.
En 1999, Ju Ming estableció el "Museo de Arte Ju Ming" en el lago Xishi, municipio de Jinshan, condado de Taipei, con una superficie de 11 metros cuadrados y coleccionando muchas esculturas modernas.
En 2000, el "Museo de Arte Juming", que tardó décadas en planificarse y establecerse, ganó el premio en el extranjero del Premio de Creación de Tokio.
Actualmente asentado en el área de Cingjing Farm del municipio de Renai, condado de Nantou.
La escultura de bronce “Gate” de Ju Ming es también un hito de la Universidad China de Hong Kong, ubicada en la torre de baliza fuera de la biblioteca principal de la universidad.
"Gate" fue donada a la Universidad China de Hong Kong por el Dr. Situ Hui y es miembro de la "Serie Tai Chi" de Ju Ming.
Su obra "Teseo mata al Minotauro" fue un gran éxito. La sencillez y expresión natural de esta obra formaron su estilo futuro.
Otra de sus obras, un monumento al Papa Clemente XIV, tardó cuatro años en completarse y lo consagró entre los artistas más famosos de su tiempo.
Le llevó otros cinco años completar el monumento al Papa Clemente XIII. Desde entonces, su reputación aumentó, aceptó una serie de encargos y creó "Cupido y Psique", el ruso. El zar lo invitó una vez a San Petersburgo, pero él se negó. Dijo: "Italia es mi país y la cuna del arte. No puedo dejarla. Crecí aquí. Si mi poder se puede utilizar en otras tierras, entonces. "Debe ser beneficioso para Italia. ¿Cómo puede abandonarse para servir a otros países? "Pero aún quedan muchas de sus obras coleccionadas en Rusia.
Canova, de 1795 a 1797, creó una serie de obras célebres. En 1798, debido a la invasión del ejército francés, regresó a su ciudad natal y realizó sólo algunas pinturas. Regresó a Roma un año después, pero su salud ya no era tan buena como antes. Viajó a Alemania por un período de tiempo. Después de regresar, su salud mejoró e inmediatamente volvió a trabajar.
En 1815, el Papa le ordenó ir a París para supervisar la recuperación de las obras de arte saqueadas por Napoleón. En otoño visitó Londres. A principios de 1816, regresó a Roma y fue nombrado miembro de la. principal academia de arte de Saint-Loup en Roma El Papa lo designó personalmente decano de la Academia de Kronen, y se le concedió el título de Marqués de Ischia, con un salario anual de 3.000 coronas.
El monumento que recoge el corazón de Canova completó una serie de obras religiosas, entre las que destacan la estatua del Papa Pío VI, "Marte y Venus", "La Piedad", y "San Juan" y " María Magdalena", entre otros. En mayo de 1822 visitó Nápoles para inspeccionar la estatua de Fernando VII, que estaba siendo moldeada en cera. Su salud se deterioró aún más y mejoró algo después de regresar a Roma a finales de año, en su camino de regreso a su ciudad natal. Murió en Venecia a la edad de 65 años. Su cuerpo fue enterrado en un templo de su ciudad natal y su corazón fue escondido en la tumba piramidal de mármol que había diseñado para Tiziano.
Jean-Baptiste Carpeaux (11 de mayo de 1827 - 12 de octubre de 1875) fue un escultor y pintor francés durante el periodo romántico.
Nació en Courbevoie, un suburbio del sur de París, y estudió escultura con el escultor francés Lüde en sus primeros años. En 1854 recibió una beca para ir a Roma y estudió en Roma hasta 1861. Su estudio del estilo barroco era relativamente maduro. En 1861 realizó un busto de la princesa Madeleine, que fue apreciado por Napoleón III. Aceptó varios encargos y decoró la Ópera de París. En 1869, el retrato de grupo "Danza" que creó se colocó en el lado derecho de la puerta. la Ópera y fue bien recibida por las críticas de muchos defensores.
Su última obra fue la fuente "Los Cuatro Polos de la Tierra" situada en la Plaza Julián. La tierra estaba sostenida por cuatro figuras que simbolizaban Asia, Europa, América del Norte y África. Murió después de completar el tema principal. , y posteriormente fue completado por otros escultores, añadiendo 8 caballos al galope, tortugas, delfines, etc.
Max Klinger (alemán: Max Klinger, 18 de febrero de 1857 - 5 de julio de 1920) fue un pintor y escultor simbolista alemán.
Klingel nació en Leipzig y estudió en Karlsruhe. Admiraba sobre todo los grabados de Goya y Menzel, por lo que se enseñó a sí mismo hasta convertirse en un excelente artista del grabado.
Su obra más famosa es una serie de grabados "En busca de un guante", que tiene su origen en su sueño de buscar un guante en una pista de hielo. Ilustra la idea freudiana del fetichismo. Como resultado, el "guante" se convirtió en un símbolo de su búsqueda de ideales románticos.
Klingel viajó por varios centros artísticos de Europa hasta regresar a Leipzig en 1893. A partir de 1897 se dedicó principalmente a la escultura. Su estatua de Beethoven fue incluida en la Exposición de Artistas de la Secesión de Viena de 1902. . Tuvo una gran influencia en Chirico y algunos otros artistas. Fue una figura representativa importante que cerró la brecha entre el simbolismo en el siglo XIX y el movimiento surrealista en el siglo XX. El asteroide número 22369 lleva su nombre.
Auguste Rodin (12 de noviembre de 1840 - 17 de noviembre de 1917), nombre completo "Francois-Auguste-Renoir Rodin" (François-Auguste-René Rodin), nacido en una familia pobre de París, Fue un escultor de fama mundial en el siglo XX.
Sus primeras obras eran de estilo realista. La exposición de su obra "La Edad del Bronce" en 1876 suscitó feroces reacciones, llegando incluso a afirmar que estaba reproducida a partir de un cuerpo humano real. Posteriormente, sus obras desarrollaron un estilo propio, enfatizando el papel de la luz y la sombra. En particular, su "Retrato de Balzac" en pijama y con el pelo despeinado no causó gran revuelo en París hasta 1939, muchos años después de su muerte. . Su relieve gigante "Las puertas del infierno" comenzó en 1880 y no se completó hasta su muerte. La Puerta del Infierno se basa en la "Divina Comedia" de Dante como tema. Quizás Rodin lo eligió como tema porque el pesimismo de Rodin coincidía con la descripción del sufrimiento de los seres humanos en la región en este capítulo, y este incidente se produjo debido a. La reflexión mutua. Gran pieza escultórica. En 1884, por encargo de la ciudad de Calais, se realizó la estatua "Los burgueses de Calais" para conmemorar a los seis ciudadanos de Calais que se entregaron como rehenes al rey Eduardo III de Inglaterra para evitar la masacre del ejército británico durante los Cien Años. ' Guerra entre Inglaterra y Francia. El mismo fue replicado en el Parque del Parlamento Británico en 1913.
En la Exposición Universal de París de 1900, Rodin expuso 150 obras. En 1916, Rodin donó todas sus obras al gobierno francés a cambio de que éste le proporcionara viviendas y estudios. "Museo Rodin". El gobierno francés tiene derechos exclusivos para reproducir las obras de Rodin. Rodin murió en 1917.
Además de esculturas, Rodin también creó muchas ilustraciones, pinturas en plancha de cobre y bocetos. También escribió varios libros, las obras principales son "Sobre el arte" y las principales esculturas incluyen "El pensador". Victoria" "Retrato de Víctor Hugo", "Retrato del Presidente Sarmiento de Argentina", etc.
Durante su vida, Rodin vivió con su alumna, la también escultora Camille Claudette. Claudette le dio dos hijos, pero Rodin se negó a asumir la obligación de criarlos. Algunos historiadores creen que Claudette le dio a Rodin muchas ideas, y algunas de las obras de Rodin incluso fueron escritas por Claudette.
François Rude (4 de enero de 1784 - 3 de noviembre de 1855), escultor francés. Lüde nació en Dijon, en el centro-este de Francia. Cuando era joven, construyó estufas con su padre. En 1809, se graduó en la escuela de arte de Dijon y fue a París para continuar sus estudios. a Roma. Después de la Restauración de los Borbones, fue a Bruselas para aceptar un trabajo, donde se casó con Sophie Frenai, una amiga de la hija de Napoleón, y regresó a París para trabajar.
"La Marsellesa" En 1833 recibió la Cruz de la Legión de Honor por su obra "El niño pescador napolitano jugando con las tortugas" y recibió el encargo de decorar el Arco de Triunfo que se estaba diseñando. ellos, "La Marsellesa" (también llamada "La Expedición de los Voluntarios en 1792") se convirtió en la obra inmortal de Lu De.
Además, entre sus obras importantes se encuentran “Retrato de Napoleón”, “Retrato de Juana de Arco”, “Hebe y el águila de Júpiter”, “El triunfo de Cupido”, etc.
El alumno más importante de Lüde fue Carbo, quien una vez creó otro "niño pescador de Nápoles" basándose en sus propios conocimientos.
Mayall nació en la ciudad de Benyul, en la frontera de la provincia de los Pirineos Orientales, en el suroeste de Francia. En 1881, fue a París para estudiar arte. En 1885, ingresó en la escuela de arte y estudió con Cabanel. y Gerard Lom estudió allí, y sus primeras pinturas estuvieron claramente influenciadas por Schavanner y Gauguin.
Gauguin le animó a dedicarse a las artes decorativas y participó en el diseño de tapices tejidos. En 1893 abrió una fábrica de tapices tejidos en la ciudad de Banyule, que tuvo una gran influencia en Francia. A partir de 1895 creó algunas pequeñas esculturas de arcilla y comenzó a dedicarse a la escultura y abandonó el diseño y el tejido de tapices.
Murió a la edad de 83 años en un accidente automovilístico en su ciudad natal, Banyule Town, durante una tormenta. Hay un museo en París que recoge sus obras, y su antigua residencia también se ha abierto como museo.
Obras
Sus obras importantes incluyen el monumento a Cézanne de 1912 y una serie de monumentos conmemorativos de la Primera Guerra Mundial.
La mayoría de sus esculturas tienen como tema el cuerpo humano femenino. Son firmes, maduras y tienen rastros del arte clásico. Es el escultor más importante en el período de transición entre el clasicismo y la escultura abstracta moderna de Moore.
Miguel Ángel (6 de marzo de 1475-18 de febrero de 1564), nombre completo Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, traducido también como "Miguel Ángel" y "Migogan" "Jero", nacido en 1475 en la localidad de Gabris , Florencia, es escultor, arquitecto, pintor y poeta. Junto con Leonardo da Vinci y Rafael, es conocido como los "Tres Maestros del Renacimiento" y es famoso por sus figuras "tonificadas". Incluso el cuerpo femenino está representado con fuertes músculos. Su escultura "Estatua de David" es mundialmente famosa. Las cuatro estatuas de "Día", "Noche", "Mañana" y "Anochecer" frente a la tumba de los Medici son novedosas en su concepción. Además, entre las esculturas famosas se incluye la "Estatua". de Moisés", "Estatua de Moisés" y "Estatua de Moisés". Gran Esclavo", etc. Sus pinturas más famosas son la pintura del techo "Génesis" y el fresco "El Juicio Final" en la Capilla Sixtina del Vaticano. También diseñó y construyó inicialmente la Basílica de San Pedro en Roma, y diseñó y construyó el mausoleo del Papa Julio II. Miguel Ángel tenía mal genio, era insociable y no se llevaba bien con Leonardo da Vinci y Rafael. A menudo contradecía a su benefactor, pero persiguió la perfección artística durante toda su vida e insistió en sus propias ideas artísticas. Murió en Roma en 1564 y su estilo influyó en los artistas durante casi tres siglos.
Miguel Ángel nació el 6 de marzo de 1475 en Cabris, cerca de Airi, Toscana. La familia había sido un pequeño banquero en Florencia durante varias generaciones, pero su padre, Lodovico di Leonardo Buonarroti di Simoni, no logró dirigir la empresa y más tarde asumió un cargo político temporal. Cuando nació Miguel Ángel, era administrador judicial del pequeño pueblo de Cabris y administrador de la ciudad de Quechi. La madre de Miguel Ángel era Francesca di Neri del Miniato di Siena. Se dice que su padre es descendiente de la condesa Matilde de Canossa. Este rumor probablemente sea falso, pero Miguel Ángel lo creía firmemente. Unos meses después del nacimiento de Miguel Ángel, la familia se mudó de regreso a Florencia, donde se crió. Algunos años más tarde, tras una larga enfermedad y la muerte de su madre, se trasladó a vivir con un cantero y su familia a un pueblo llamado Settignano. Allí su padre era dueño de una cantera de mármol y de una pequeña granja.
Miguel Ángel dijo una vez al biógrafo del artista, Giorgio Vasari: “Si tengo algún mérito es porque nací en tu país, el maravilloso ambiente de Arezzo, fui a trabajar con mi enfermera y aprendí a hacerlo. Usa martillo y cincel hábilmente para tallar los cuadros que había pintado." Cuando Miguel Ángel aún era joven, su padre lo envió al Conservatorio de Florencia. El teísta Francesco da Urbino estudió gramática a su alrededor. El joven artista claramente no mostró ningún interés por la escuela, prefiriendo ir a la iglesia a copiar cuadros y encontrar compañeros pintores. Miguel Ángel estudió más tarde con el pintor Domenico Ghirlandaio y el escultor Bertoldo di Giovanni. Su padre se esforzó por persuadir a Ghirlandaio para que le pagara a Miguel Ángel, de 14 años, lo cual era muy raro en ese momento. En 1489, el gobernante de Florencia pidió a Ghirlandaio que recomendara a sus dos mejores alumnos, y Ghirlandaio presentó a Miguel Ángel y Francesco Granacci. Entre 1490 y 1492 Miguel Ángel asistió a la escuela de su padre y fue influenciado por muchos de sus predecesores, quienes dieron forma y ampliaron su visión artística. Junto a su visión platónica de esa edad, también empezó a sentir las diferencias entre los sexos. Durante este período Miguel Ángel conoció a varios gigantes de la literatura, como Mirandola, Angelo Poliziano y Marsilio Ficino. Miguel Ángel completó David y la lucha de los caballeros, este último basado en un tema sugerido por Poliziano y encargado por el alcalde de Florencia, Lorenzo de' Medici.
Henry Spencer Moore OM CH, (Henry Spencer Moore, 30 de julio de 1898 - 31 de agosto de 1986), escultor británico. Moore es mejor conocido por sus grandes esculturas de bronce fundido y esculturas de mármol. Respetadas por el círculo artístico británico, sus creaciones ayudaron a Gran Bretaña a ocupar un lugar en el arte modernista.
Las figuras huecas y reclinadas son los estilos escultóricos más típicos de Moore. Se cree que esta apariencia se inspiró en una escultura maya tolteca que vio en París en 1925 llamada "Chac Mool". Los vacíos en las primeras obras de Moore a menudo adoptan formas más tradicionales, como brazos curvos conectados al sujeto. Posteriormente, evolucionó gradualmente hasta convertirse en un hueco en el cuerpo principal, lo que provocó que el cuerpo principal tuviera una apariencia cóncava y convexa o curva. Un estilo similar se desarrolló en la obra de Barbara Hepworth del mismo período, quien inicialmente fue influenciada por la obra de Moore.
Moore se hizo bastante rico en sus últimos años debido a sus numerosos encargos a gran escala. Aún así, Moore mantuvo una vida sencilla. Gran parte de su riqueza fue heredada por la Fundación Henry Moore, que apoya la educación y promoción artística.
Moore es mejor conocido por crear esculturas abstractas a gran escala, y estas obras de arte públicas se pueden encontrar en todo el mundo. Las figuras humanas, especialmente "Madre e hijo" o "Figuras reclinadas", son los temas más comunes en las creaciones de Moore. Excepto por el uso breve de imágenes de grupos familiares en las décadas de 1950 y mediados de la década de 1950, los temas de sus obras son en su mayoría imágenes femeninas. La característica más distintiva de las obras de Moore es que suelen contener agujeros o el sujeto está penetrado. Muchos creen que su forma ondulada y curvilínea se inspiró en las colinas de Yorkshire, donde nació Moore.
La sobrina de Moore le preguntó una vez por qué los títulos de sus obras eran tan simples. La respuesta de Moore fue:
Todo arte debe tener un sentido de misterio y requerir la participación del público. Si a una escultura o pintura se le da un nombre explícito, entonces no habrá sensación de misterio y la atención del público se desviará fácilmente, sin tener que luchar por comprender la connotación de la obra. La gente cree que está mirando, pero en realidad no está mirando.
Las primeras obras de Moore generalmente se creaban mediante talla directa[1]. En la década de 1930, Moore recurrió gradualmente al estilo modernista. Interactuó frecuentemente con varios otros escultores que vivían en Hampstead e influyeron en los estilos de cada uno. Durante el proceso creativo, Moore suele realizar extensos bocetos. La mayoría de estos bocetos han sobrevivido y proporcionan datos directos para estudiar la evolución de las creaciones de Moore. En la década de 1940, Moore utilizó más métodos de modelos para crear, primero modelando con arcilla o yeso y luego utilizando el método de cera perdida para fundir esculturas de bronce.
Después de la Segunda Guerra Mundial, las esculturas de bronce de Moore fueron todas obras a gran escala encargadas como obras de arte públicas. Por lo tanto, básicamente abandonó el método creativo de tallado directo y en su lugar utilizó modelos y contrató a varios asistentes.
En su casa de Much Hadham, Moore recopiló una gran colección de objetos naturales de diversas formas: calaveras, madera flotante, guijarros, conchas y más. Moore buscó en estos objetos inspiración en formas naturales. Para obras grandes, a menudo crea modelos de prueba a media escala antes de realizar el molde final. A veces, se hacen modelos de yeso de tamaño real para permitir refinamientos finales a la forma y agregar impresiones de superficie.
En marzo de 1946 nació la hija de Moore y Elena. La llamaron Mary en honor a la madre de Moore, que había muerto dos años antes. La muerte de su madre y el nacimiento de su hija hicieron que Moore prestara más atención al concepto de familia, lo que se refleja en la creación de numerosas obras con el tema "madre e hijo". Ese mismo año, Moore realizó una exposición retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. En 1948, ganó el Premio Internacional de Escultura en la Bienal de Venecia y se convirtió en el artista tema del Festival de Gran Bretaña de 1951 y de la "Documenta 1" de 1955.
"Retrato de familia" (1950), bronce, ubicado en la escuela Barclay de Stevenage, Inglaterra, fue el primer encargo a gran escala de Moore después de la Segunda Guerra Mundial. Al final de la guerra, Moore creó la escultura "Retrato de familia" para su universidad rural a petición de Henry Morris. Sin embargo, la escultura no se implementó debido a problemas financieros. Pero en 1950, esta obra se completó en la Escuela Barclay de Stevenage y se convirtió en la primera escultura masculina a gran escala de Moore.
A mediados de la década de 1950, Moore recibió un número cada vez mayor de encargos, incluida una obra de 1957 para el edificio de la UNESCO en París. A medida que aumentaba la producción artística del público, también aumentaba el tamaño de las esculturas de Moore. Comenzó a contratar asistentes para que lo ayudaran con su trabajo, incluidos Anthony Caro y Richard Wentworth.
Lugares de exposición permanente
Las esculturas y pinturas de Moore se pueden encontrar en numerosos museos de arte de todo el mundo. Los museos con grandes colecciones incluyen: Museo de Arte Nelson-Atkins, la colección más grande de esculturas de bronce a gran escala de los Estados Unidos.
La Fundación Henry Moore, [2], Perry Green, Much Hadham, Hertfordshire, Reino Unido
Henry Moore College, Leeds, Reino Unido
TateArt Gallery , Londres, Reino Unido
Galería de Arte de Ontario, Toronto, Canadá
Parque de Esculturas de Yorkshire, cerca de Leeds, Reino Unido
Galería de Arte Albright-Knox, Buffalo, Nuevo York, EE. UU.
Centro Sainsbury de Artes Visuales y campus de la Universidad de East Anglia, Norwich, Norfolk, Inglaterra
Galería de arte de Wakefield City, Reino Unido
Pa ?o imperial, Río de Janeiro, Brasil