¿Cuál es la base estructural y de diseño, y cuál es el contenido?

La composición no es sólo una parte integral de las técnicas pictóricas, sino también un eslabón en el proceso creativo. También es una forma que combina las distintas partes de la obra en un todo. La forma de la composición debe estar sujeta al contenido de la obra y a los sentimientos internos del autor, y debe determinarse de acuerdo con las reglas de belleza formal de la composición. Los conceptos y leyes de la composición están estrechamente relacionados con la conciencia estética, los conceptos, teorías y estilos artísticos. Aprender a dominar los principios y leyes de la composición puede ayudar a los artistas a elegir los fenómenos de la vida, utilizar, organizar y procesar materiales e incluso lograr la perfección formal, mejorando así el atractivo artístico. Sin embargo, es difícil crear una obra de arte viable basándose únicamente en las reglas de composición. Por tanto, la teoría y ley de la composición no es un procedimiento estático; será constantemente negado y desarrollado en los cambios en la práctica artística.

2. Principios básicos de la composición

Ya sea creación o práctica, ya sea que el contenido sean personajes, paisajes o naturaleza muerta, la composición generalmente sigue las siguientes reglas:

1.Arte Todo en la obra debe estar subordinado a la expresión del contenido básico de la obra.

2. Todos los factores formales en una obra de arte deben permanecer conectados.

3. La composición de la obra debe formar un centro visual y atraer la mayor atención del público.

4. La estructura compositiva de un cuadro debe ser un todo cambiante y unificado. Utiliza el contraste y la armonía de formas, luces y sombras, líneas, colores y otros factores, así como el procesamiento del espacio, la combinación de volúmenes, el ritmo y el ritmo, para hacer que la forma de la obra sea novedosa y vívida, con la expresión artística más fuerte.

5. En la disposición de los objetos de la imagen y el procesamiento de los detalles, evite cualquier posibilidad y preste atención a la estrecha conexión con el tema.

6. Utiliza el equilibrio en la composición para expresar estabilidad y quietud; utiliza el desequilibrio en la composición para expresar inestabilidad y movimiento.

7. El tamaño de la obra debe coincidir con su contenido; la relación largo-ancho de un marco debe obedecer a las necesidades de la composición.

El principio del equilibrio en la composición tridimensional

El equilibrio es la regla básica de la composición pictórica. El equilibrio produce belleza formal a través de la visión. El equilibrio es diferente de la simetría. La simetría es el equilibrio más estable y simple. La simetría es una forma de belleza y se utiliza principalmente en decoración y patrones. Los edificios y templos tradicionales chinos adoptan un formato simétrico. Las estructuras fisiológicas del cuerpo humano y de algunos insectos hermosos también son simétricas. Las reglas de la composición simétrica también se aplican en la pintura, pero no son absolutamente simétricas en la forma. La simetría presenta un estado muy limpio, con efectos de perfección, solemnidad, armonía y quietud, pero también tiene las desventajas de la monotonía y la falta de interés.

En cuanto a tonos claros y oscuros, se puede equilibrar un poco de negro con un poco de gris claro. Cuando se combinan blanco y negro, se reduce el peso del negro. En cuanto al color, un poco de rojo brillante se puede equilibrar con un toque de rosa o amarillo cálido. Si una obra logra un efecto equilibrado se puede dividir en cuatro partes. Es más fácil distinguir la parte superior e inferior del campo de la imagen, o el ancho izquierdo y derecho, o el ancho de las dos mitades diagonales de la imagen. Los espectadores experimentados aún pueden encontrar factores desequilibrados e inestables en la observación general de la imagen, y no es necesario utilizar el método anterior para comprobarlo. De hecho, la sensación y el concepto de ligereza y ligereza en la imagen se generan por la compleja combinación de varios factores en la imagen.

Cuarto, la ley del contraste y la unidad en la composición

Los cambios y la unidad en la composición también se pueden llamar contraste y armonía. Porque en la pintura siempre se persigue el cambio en la comparación y la unidad se logra en la armonía. Si se ignora esta regla de composición y se pierde el efecto de cambio unificado en la imagen, el tema expresado no será vívido y será imposible obtener la belleza formal más perfecta. Hay muchos factores que causan cambios de contraste en la imagen, incluidos cambios en el punto de vista y el campo de visión, cambios en la repetición y cambio de posición y cambios de contraste en las formas (como formas cuadradas y redondas, delgadas y completas, etc.). Contraste de tamaño y tamaño del espacio (los caracteres en el marco son pequeños, lo que hace que el espacio sea más grande; la carrocería del automóvil es más grande, lo que hace que el espacio sea más pequeño). Cambios en el contraste de luz y oscuridad. Cambios de contraste en el color (como tono, luminosidad, pureza, calidez y frialdad, etc.) Cambios de contraste en los atributos de la línea (líneas horizontales y verticales, líneas paralelas, curvas paralelas verticales, líneas diagonales, etc.). (como superficie rugosa y superficie lisa). Y el método de expresión mediante el uso de cambios de contraste, como pinceladas y grosor del color. La mayoría de estos factores tienen que ver con la composición.

Factores de contraste, ¿cómo conseguir un efecto unificado y armonioso en el procesamiento de la composición? Este artículo toma como ejemplo la impresión en blanco y negro "El pescador" (Figura 5) del rumano Dick Frenk para realizar un análisis de composición unificado con el fin de obtener una comprensión específica. La composición de esta obra es compleja, plena y rigurosa. Hay muchos factores contrastantes en la imagen: bloques blancos y negros, líneas verticales y paralelas, líneas rectas y curvas, líneas largas y cortas, líneas verticales y paralelas, líneas diagonales; hay puertas y ventanas cuadradas en la orilla del río; Los factores formales armoniosos en la imagen: la parte superior de la imagen es principalmente vertical, pero también hay elementos paralelos en la segunda mitad, hay elementos paralelos y también elementos verticales; Este procesamiento cruzado de factores de contraste superiores e inferiores crea un eco, dando al contraste una sensación de armonía. La forma de cuadrados de tamaño similar también es un factor importante para aportar contraste y armonía a la imagen. En las partes con alta densidad de puntos y líneas, el efecto visual espacial es un tono medio gris, lo que hace que el fuerte contraste entre el blanco y el negro sea suave y armonioso. El tema de la pintura es un grupo de pescadores en un barco, llamativos mientras procesionan en la brillante orilla del río. Las líneas y superficies onduladas irregulares y cambiantes formadas por los personajes son los factores contrastantes que unifican toda la imagen, resaltando así el tema y formando el centro visual de la imagen.

La armonía es una relación aproximada y el contraste es una relación de diferencia. El contraste se basa en la tendencia y relación aproximada de varios elementos formales en la imagen para obtener una sensación de armonía. Una composición dominada por la armonía y la unidad también debe tener algunos factores para hacer frente a algunos cambios, de modo que el cuadro completo no sea monótono, sino dinámico.

Factores de forma en la composición: luz, sombra y líneas

1. La luz y la sombra son uno de los factores importantes en la composición y el diseño. Las sombras se refieren a los distintos niveles de luz y sombra entre los tonos oscuros más profundos y los tonos claros más claros. El nivel de luz y oscuridad no solo se utiliza para expresar la estructura física del objeto, sino también para expresar la luz y la oscuridad en la composición de la imagen.

La alternancia de tonos oscuros puede cambiar el cambio. y equilibrio de la imagen y crear una sensación de ritmo. Generalmente se cree que la luz y la sombra son el lenguaje artístico único de la pintura occidental; la pintura tradicional china parece ser indiferente a la luz y la sombra. Por ejemplo, los trabajos de dibujo lineal no requieren tonos claros y oscuros en términos de conceptos formales y técnicas de expresión. Sólo utiliza líneas puras para expresar la forma y estructura de los objetos, y contrasta la densidad de las líneas en la composición y el diseño. De hecho, esto refleja el contraste entre la luz y la oscuridad, es decir, donde las líneas son densas, el tono es oscuro y donde las líneas son escasas, el tono es claro. Se puede observar que la densidad de las líneas también contiene el significado de los tonos claros y oscuros. El contraste de la densidad de las líneas es el contraste de la luz y la oscuridad. Además, aunque las impresiones en blanco y negro solo tienen un tipo de negro, de hecho, mediante el procesamiento y aplicación de puntos, líneas y superficies, los cambios en los niveles de luz y oscuridad producidos en la imagen son muy ricos, lo que juega un fuerte papel. expresión artística en la composición. Por lo tanto, los factores formales de luz y oscuridad se utilizan ampliamente en diversos grados y de diferentes maneras en diversas pinturas. Ahora expliquemoslo desde los siguientes aspectos:

(1) Categorías de tonos de imagen. Al expresar diversos temas y estados de ánimo en las pinturas, existen muchas clasificaciones de luces y sombras, que se pueden resumir aproximadamente en las siguientes tres categorías:

Tonos brillantes: la mayoría de los colores utilizados en la imagen son brillantes y brillante. Este tono es adecuado para expresar emociones alegres, estiradas, tranquilas, brillantes y sencillas, y también se puede utilizar para temas tristes y trágicos. Los tonos brillantes son más poderosos que los tonos oscuros.

Tonos oscuros - A diferencia de los tonos claros, la imagen se compone de colores más oscuros. Los tonos oscuros se utilizan a menudo para temas emocionales como profundos, solemnes, ricos, tranquilos, misteriosos y aterradores. En términos de combinación de colores, utilice más colores oscuros, menos blanco y más negro.

Tonos medios - varios tonos cálidos y fríos entre tonos claros y oscuros Son los tonos más variados y utilizados. Bajo la luz normal, el entorno de vida y actividad de las personas suele tener un tono neutro. Por lo tanto, en la expresión de varios temas de pintura natural, se utilizan más tonos medios.

(2) Varias formas de procesamiento de claroscuro:

El fondo oscuro resalta el sujeto brillante; varias formas son muy efectivas para resaltar el sujeto y se usan con frecuencia, especialmente en numerosos bodegones y retratos clásicos. Por ejemplo, casi todos los retratos del pintor holandés Rembrandt del siglo XVII adoptaron esta forma contrastante. Los personajes brillantes resaltan con el fondo oscuro y el efecto es simple, concentrado y fuerte.

Un fondo (o entorno) brillante resalta un sujeto más oscuro: muchos retratos del pintor itinerante ruso del siglo XIX Repin a menudo adoptan esta forma de luz y oscuridad. Un fondo brillante hace que la imagen brille y los objetos principales se destaquen.

Los tonos medios resaltan el objeto principal con un contraste brillante: según la experiencia de las personas al observar la vida diaria, los objetos cercanos siempre sienten que la imagen es concreta y prominente, el color es brillante y el contraste entre el negro y el Los tonos blancos son fuertes.

En comparación con el paisaje cercano, el paisaje lejano siempre aparece borroso y el contraste entre el blanco y el negro se debilita. Por eso, en la pintura, el uso de esta forma de claroscuro es muy común. Tiene un sentido de realidad y es más fácil expresar efectos espaciales, dando a las personas una sensación de inmersión.

El tratamiento de las formas claras y oscuras en la composición debe estar sujeto a la necesidad de expresar el tema. Al mismo tiempo, también se debe utilizar el contraste entre claros y oscuros para mostrar la relación correcta entre la parte principal y la parte metálica de la composición. En una pintura, también puedes utilizar una variedad de factores de contraste claros y oscuros para abordar temas complejos y expresar temas importantes.

(3) En términos de composición, los cambios en la forma y el área de los bloques claros y oscuros pueden producir efectos diferentes. Los cambios de área de varios tonos en la imagen pueden ser grandes o pequeños, es decir, solo hay tonos oscuros más grandes o tonos brillantes, también pueden ser pequeños y numerosos, es decir, muchas pequeñas manchas de tonos oscuros o tonos brillantes; el tono y la forma son sencillos, límites claros y límites borrosos, que pueden expresar diferentes emociones y producir diferentes efectos de interpretación:

El área del tono es grande, el contraste entre sí es obvio, los límites son claros. y puede producir efectos enérgicos, vivos y conmovedores.

Los grandes tonos oscuros y los pequeños tonos brillantes tienen un efecto solemne, trágico, profundo y misterioso.

La configuración de una gran zona de tonos brillantes y una pequeña cantidad de tonos oscuros tiene el efecto de resultar confortable, luminoso y cordial.

Los tonos claros tienen un humor bello y puro; los tonos suaves tienen una expresión sugerente, lírica, bella y tranquila.

2. Las líneas son un factor de forma importante en la composición. La pintura prehistórica china comenzó con líneas, al igual que las pinturas infantiles. El dibujo lineal en la pintura tradicional china es la base del modelado. Las líneas se han convertido en una de las características artísticas de la pintura tradicional, refiriéndose principalmente a la aplicación de líneas en el modelado. En cuanto al papel de las líneas en la composición de una imagen, es aún más amplio. Las líneas pueden guiar al público a centrarse en el tema central de la obra, y las líneas mismas tienen su propia expresividad y belleza. Organizar líneas puede dar ritmo y ritmo a la forma compositiva. Las líneas se pueden dividir en muchos tipos:

(1) Línea continua, es decir, una línea con valor propio.

(2) El contorno de la forma de un objeto, como una línea recta, una curva o una combinación de ambas. Cuanto más simple y claro sea el contorno, más llamativo e intenso resultará. Como las xilografías en blanco y negro en las impresiones.

(3) Algunos objetos estrechos también tienen efectos lineales. Como el suelo, la superficie del mar, carreteras, postes telefónicos, troncos de árboles, etc. Cuando el punto de vista es muy bajo.

(4) Líneas horizontales, líneas verticales y líneas diagonales.

(5) Líneas desiguales (como el contorno de un edificio y el fondo, la intersección entre los árboles y el cielo, etc.).

(6) Curvas: curvas planas , curvas verticales, curvas y otras curvas.

(7) Horizonte (el horizonte es muy importante en la imagen y está muy relacionado con la composición).

(8) Líneas de movimiento y líneas que muestran fuerza.

Estas líneas distintivas están estrechamente relacionadas con el efecto artístico de la composición. En la aplicación de líneas, las más importantes son las curvas, las rectas y las diagonales.

Hay curvas verticales, curvas planas y curvas irregulares. Las curvas son suaves, gentiles, elegantes y suaves. El uso inadecuado de las curvas hará que la composición parezca inestable, débil y carente de fuerza. Las curvas verticales, como las llamas, indican una especie de vitalidad; las curvas horizontales, como las olas del agua o las ondulaciones de montañas distantes, tienen una sensación de movimiento elegante y lento.

La línea recta tiene factores emocionales como fuerza, estabilidad, ira, determinación, silencio y seriedad. Las líneas verticales tienden a ser atractivas desde el punto de vista compositivo. Por ejemplo, las líneas verticales de los edificios en las pinturas de paisajes juegan un papel importante al crear una sensación de estabilidad en la escena. Los fondos de algunos retratos a menudo se procesan en líneas verticales o paralelas, como celosías de ventanas y marcos de cuadros, que contrastan con el paisaje. Curvas de los objetos principales y hacen que la imagen sea más vívida y hermosa. Hay líneas verticales, líneas horizontales y líneas diagonales. Las líneas verticales tienen elementos emocionales como seriedad, solemnidad, paz y esperanza; las líneas rectas horizontales tienen una sensación de tranquilidad, tranquilidad, extensión y estabilidad, y pueden usarse para simbolizar la profundidad y la inmensidad del terreno. Las líneas rectas inclinadas son líneas comunes en las imágenes, con elementos emocionales como excitación, movimiento, agitación e inestabilidad. Las líneas rectas horizontales transmiten una sensación de serenidad, tranquilidad, extensión y estabilidad, y pueden usarse para simbolizar la profundidad y la inmensidad del terreno. Las líneas rectas inclinadas son líneas comunes en las imágenes, con elementos emocionales como excitación, movimiento, agitación e inestabilidad.

Las líneas que expresan movimiento y poder en realidad no existen en el espacio. Son sólo la sensación de las líneas del espectador debido a factores psicológicos. Por ejemplo, la fuerza de reflexión producida por la vista humana, o el impulso de un vehículo, etc. En la imagen, generalmente hay un espacio delante del objeto tridimensional, y este espacio forma una línea invisible.

El diseño gráfico suele referirse al diseño basado en la tecnología de impresión, por lo que también se le llama diseño de impresión. Los formularios generalmente incluyen diseño de carteles, diseño de marcos de libros y revistas, diseño de marcas, etc. Con el desarrollo de la tecnología de redes informáticas, el diseño web también pertenece al diseño gráfico.

Con el desarrollo de la tecnología informática y la tecnología de impresión, el diseño gráfico se ha vuelto cada vez más rico en el campo de la percepción visual, lo que plantea desafíos sin precedentes para el diseño gráfico actual y también proporciona a los diseñadores gráficos un espacio más amplio. para el desarrollo. Técnicamente hablando, un diseñador gráfico no sólo debe dominar las herramientas de diseño tradicionales como pinceles, bolígrafos y las correspondientes herramientas de medición, sino también? Es necesario dominar las herramientas de diseño modernas, como computadoras y software de dibujo, así como conocimientos relevantes de la tecnología de impresión, porque esta herramienta muy eficiente, conveniente y de alta calidad será ampliamente utilizada. Aunque el desarrollo de la tecnología moderna ha hecho que el diseño sea más sencillo y fácil, la creatividad y la personalidad del diseñador siguen siendo las más críticas en el diseño.

. com

Habilidades básicas de diseño gráfico

1. Plano desigual

"Plano desigual" es mi comprensión del efecto de imagen en diseño gráfico. Mucha gente lo llama disposición, composición, estructura, sentido de la forma... cualquier cosa. Me gusta mantenerlo simple. Después de observar muchos buenos diseños, siento que los diseñadores buscan el efecto "desigual" de forma intencionada o no. Es decir, utilizar varios elementos planos sobre materiales planos (como papel, etc.). ), nos esforzamos por ampliar el espacio visual. El pintor Cézanne empezó a experimentar con esta teoría cien años antes que nosotros y la llevó al extremo. Lo que me hace suspirar es que el cambio artístico menos comercial y más aterrador de hace cien años se haya convertido en el arte gráfico más comercial cien años después. Qué interesante. ?

Este concepto de espacio incluye el sentido de espacio natural y el sentido de espacio contradictorio. Puede elegir libremente según los pasatiempos, los requisitos de diseño y las necesidades de impacto visual del diseñador. No mucha gente está haciendo escándalo ahora, pero las técnicas (o elementos) utilizadas por los diseñadores son regulares, ya sea para expresar la sensación de espacio natural o la sensación de espacio contradictorio. Hay mucho que juntar. Por ejemplo: hacer agujeros; efectos de sombras exagerados; usar imágenes muy reales y texturizadas; usar elementos físicos contrastantes y elementos de pintura; usar efectos de superposición de líneas y barras de color; texto y texto; comparación de relaciones proporcionales entre caracteres, etc. Debido a limitaciones de espacio, no quiero explicarlo en detalle. En el futuro podrá comparar claramente los trabajos de ejemplo con los textos teóricos. ?

b. Música en color

El color es el alma de la obra gráfica. Si quieres utilizarlo bien, debes entender el papel y la tinta. La combinación de diferentes papeles y diferentes tintas producirá efectos absolutamente diferentes. Pero la diferencia entre nosotros y los pintores es que los diseñadores gráficos sólo tienen cuatro tubos de pintura en sus manos, pero pueden confiar en las propiedades de densidad de los puntos para mezclar todos los colores que podemos percibir. Este es realmente un invento sorprendente. Como país originario de la tecnología de impresión, damos las gracias a los alemanes. ? La combinación de puntos y papel (blanco) puede hacer que la tinta parezca más uniforme, brillante y limpia. Pero esto es sólo una cuestión técnica. Los diseñadores deberían confiar más en la espiritualidad en el uso del color en el trabajo de diseño.

El primer paso: a partir de la comprensión de puntos, líneas y superficies, aprender y dominar los conocimientos básicos de composición plana, composición de color, composición tridimensional y perspectiva, necesitamos tener una visión objetiva; Experimentar y establecer conceptos básicos racionales del pensamiento, dominar las leyes fisiológicas de la visión y comprender los conceptos de los elementos de diseño. ?

Paso 2: ¿Puedes dibujar? Los resultados de la encuesta del Comité Asesor de Diseño Industrial de Australia de 1998 muestran que la primera de las 10 habilidades que los graduados en diseño deben poseer es: "Excelentes habilidades para dibujar y pintar a mano alzada. Como diseñador, debe tener una capacidad de expresión gráfica visual rápida y sin restricciones, pintar arte". es la fuente del diseño, y los bocetos de diseño son la forma en papel de la creatividad. ¡Tenemos razones para creer que la pintura es la base del diseño gráfico!

Paso 3: ¿Qué te perdiste? Falta aprendizaje en cursos tradicionales, como cerámica, grabado, acuarela, pintura al óleo, fotografía, caligrafía, pintura china, pintura en blanco y negro, etc. ¡Demasiados, todavía tienes que preguntarte! En cualquier caso, estos cursos fortalecerán tu capacidad práctica, capacidad de expresión y capacidad estética en diferentes niveles. Lo más importante es darte a conocer qué es el arte y, más importante aún, descubrir tu propia personalidad, pero esto también es un proceso de largo plazo. ?

Paso 4: "¿Puedo empezar a diseñar?" Por supuesto que no.

¿Qué vas a diseñar? Justo cuando estás a punto de empezar a jugar, ¿conoces las reglas del juego? Pero no tienes que preocuparte, has entrado en el autoestudio profesional, lo que también significa que acabas de empezar. Entrarás en este campo con perseverancia, sin impetuosidad, sin quejas y con una actitud pragmática y con los pies en la tierra. actitud. Tomemos como ejemplo el diseño de logotipos. ¿Qué tipo de conocimientos previos necesitamos, significado, origen, características, principios de diseño, reglas artísticas, formas de expresión, métodos de composición y por qué necesitamos conocerlos? ¿Por qué la Coca-Cola es tan popular en todo el mundo? ¿Por qué anhelamos los jeans Lee? Como diseñador, ¿está satisfecho con el entorno visual que nos rodea? Pregúntate, ¿cuál es tu diseño ideal? ?

Paso 5: Podrás ver la calidad del diseño. ¿Sabes por qué? En el paso anterior, al aprender los conocimientos básicos del diseño, sin saberlo, entró en la etapa de imitación del diseño. Para avanzar, debemos mirar hacia atrás en la historia y pasar del estudio de libros teóricos al estudio de predecesores y diseñadores destacados. Esta etapa va acompañada de un proceso a largo plazo y su nivel de diseño puede ser muy inestable. A veces estoy confundida, a veces estoy feliz. Con mucha práctica y dominando gradualmente todo el proceso de operación de diseño, comenzará a convertirse en un diseñador maduro. ?