¿Qué significa impresionismo?
Impresionismo (Le Impressionisme) En la historia del arte occidental, la palabra Impresionismo tiene dos significados: uno se refiere a la escuela impresionista que se originó en Francia; el otro se refiere a la tendencia artística impresionista que incluye innovaciones técnicas. su amplia influencia, la última de las cuales es de importancia mundial.
El impresionismo entró en la escena de la pintura francesa con una actitud innovadora en las décadas de 1860 y 1970. Su ventaja fue oponerse a la antigua escuela de pintura clásica y al romanticismo pretencioso que se permitía en la literatura caballeresca medieval. El impresionismo absorbió los nutrientes de Corot, la Escuela de Barbizon y el realismo de Courbet. Inspirado por la ciencia y la tecnología modernas (especialmente la teoría y la práctica ópticas) en el siglo XIX, el impresionismo se centró en el estudio y la expresión de la luz externa en las pinturas.
Inglés: Impresionismo
Francés: Impressionnisme
Español: Impresionismo
1 Campo del arte
Concepto <. /p>
Las características comunes de las pinturas impresionistas son que las pinceladas no están modificadas y son obvias, y la composición es amplia e ilimitada. Se centran especialmente en los cambios de luces y sombras, la impresión del tiempo y utilizan elementos comunes. La vida como objeto de representación.
Antecedentes
En el proceso de desarrollo de la pintura occidental, los pintores siempre introdujeron los logros científicos de la época en la creación artística. A medida que surgieron los resultados de la investigación sobre la óptica y el color, y más tarde Charles Henry combinó directamente la luz y el color con la estética y los aplicó a las reglas del arte, esto influyó e inspiró profundamente a los pintores que buscaron la innovación. Intentaron la representación pura de "luz exterior". así como nuevos análisis de relaciones de color, y combinan las leyes de esta ciencia natural con sus puntos de vista artísticos para crear. Creen que todos los objetos en la naturaleza muestran su apariencia debido a la irradiación de la luz; y todos los objetos son una combinación de diferentes colores. La luz del sol se compone de siete colores primarios. Sin luz y color no habría mundo.
También creen que si un pintor quiere entender el mundo, debe entenderlo principalmente desde las perspectivas de la "luz" y el "color", ya que la "luz" y el "color" se han convertido en el centro de su vida. el mundo, es también la forma que tiene el pintor de entender el mundo central, por lo que la tarea del pintor radica en cómo expresar los efectos de la luz y el color. La "luz" es la madre del "color", y sólo cuando hay luz puede haber color. Cualquier objeto y evento específico en el mundo es solo un medio para transmitir luz y color, ¡y su propio significado es secundario! Este concepto artístico se convirtió en su idea dominante y, por tanto, dominó sus actividades creativas.
Debido a que consideran la "luz" y el "color" como los principales objetivos que persiguen los pintores, inevitablemente detienen la comprensión del pintor de las cosas objetivas en la etapa sensorial y se detienen en la impresión "momentánea", que conduce. a los esfuerzos en la creación por representar la impresión instantánea de las cosas y expresar el fenómeno del sentimiento, negando así la esencia y el contenido de las cosas. En su opinión, todo en el mundo es igual bajo el sol. Renoir dijo una vez: "En la naturaleza, no hay distinción entre pobre y humilde. Bajo el sol, una choza en ruinas puede considerarse lo mismo que un palacio. El noble emperador y el pobre mendigo son iguales".
Este concepto artístico les llevó a esforzarse por plasmar la "luz" en sus creaciones. Sólo se enfatiza la forma del arte y se ignora o incluso se niega el contenido del arte. Como dijo Zola, que apoyaba el impresionismo: "La pintura da a la gente sentimientos, no pensamientos". Así que lo que vemos en las pinturas impresionistas son combinaciones de bloques de colores llenos de sol y aire. En general, la creación impresionista sólo enfatiza los sentimientos, ignora la esencia del pensamiento y la reemplaza por fenómenos instantáneos; reemplaza la materia por los materiales, reemplaza la necesidad por el accidente;
Dado que se basa en sentimientos, debe ser subjetivo, por lo que lo que representa el impresionismo son cosas objetivas subjetivas. Esto marca una ruptura con los conceptos artísticos tradicionales, los métodos de expresión artística y los efectos artísticos. Por tanto, el impresionismo es una escuela de arte que hace época en la historia de la pintura occidental.
Es innegable que los pintores impresionistas hicieron importantes descubrimientos en la exploración de la luz solar y el análisis del color, y enriquecieron las habilidades expresivas de la pintura en la expresión de la luz y el color. Abogaban por salir del estudio, enfrentarse a la naturaleza para dibujar y utilizar la rapidez. técnicas para captar la impresión del momento. Da a la imagen una sensación inusual, fresca y vívida y revela las ricas y espléndidas escenas de la naturaleza, lo que es una gran contribución a la creación artística. Su arte pertenece a la categoría del realismo y es un reflejo de la búsqueda de la democracia, la libertad y la igualdad en el arte. Sus creaciones artísticas son innovadoras y progresistas.
Características creativas
El impresionismo enfatiza los sentimientos y las impresiones de las personas sobre la luz y la sombra de los objetos externos. Se opone al conservadurismo en las técnicas creativas y aboga por la innovación artística.
En términos de técnicas de pintura, los impresionistas exploraron la luz y el color, desarrollaron métodos para usar la luz externa para describir objetos y se dieron cuenta de que los cambios de color son causados por la luz de color: los cambios de color con la posición de observación y la luz. recibidos cambios debido a diferentes condiciones e influencias ambientales.
El impresionismo se centró en representar la escena momentánea de la naturaleza, haciendo eterno el momento, y aplicó este principio científico a la pintura. El sutil estilo pictórico del impresionismo de observar y experimentar directamente los cambios de color tuvo una profunda influencia en el arte moderno posterior.
El Impresionismo temprano persiguió la descripción de la luz, trasladó el caballete del interior al exterior y pintó en la naturaleza, por lo que también se le llamó escuela al aire libre.
El impresionismo rompió con la dependencia de las formas de arte anteriores de la historia y la religión, y los artistas abandonaron audazmente los conceptos y fórmulas creativas tradicionales. El artista cambia el enfoque hacia la forma de experiencia visual pura, y el contenido y el tema de la obra ya no son importantes. Esto es diferente del expresionismo que expresa emociones internas e ignora la imagen externa del objeto representado.
Logros Artísticos
Impresionismo
Pintor Representativo
Claude Monet
Adour ·Manet
Edgar Degas
Auguste Renoir
Camille Pissarro
Mary Cassatt
Alfred Chesley
Gustave Cayubert
Obras representativas
"Impression Sunrise", "Water Lily Series", "Red Sailing Boat", "Cafe Concert", "Pancake Mill Dance", etc.
Influencia
Como tendencia artística, la pintura impresionista juega un papel importante en la historia del arte mundial. Promovió la innovación de las técnicas artísticas y el cambio de conceptos en el futuro, y tuvo una gran o pequeña influencia. impacto en los pintores de Europa, América, Japón e incluso China. Promovió el surgimiento del postimpresionismo.
Claude Monet (Claude Monet, 14 de noviembre de 1840 - 5 de diciembre de 1926), pintor francés, es conocido como el "líder del impresionismo" y es el representante y fundador del impresionismo. . Monet es uno de los pintores más importantes de Francia y promovió la mayoría de las teorías y prácticas del impresionismo. Monet era bueno en la experimentación y las técnicas de expresión de luces y sombras.
Edouard Manet (?douard Manet, 1832.01.23 - 1883.04.30) fue uno de los fundadores del impresionismo en el siglo XIX. Nació en París, Francia, en 1832. Nunca participó en una exposición impresionista, pero fue profundamente innovador.
Camille Pissarro (10 de julio de 1830 - 13 de noviembre de 1903), maestra impresionista francesa, nació en St. Thomas, Antillas, en 1903 falleció en París. Un año antes de su muerte, Gauguin, que se encontraba lejos en Tahití, escribió: "Él es mi maestro". Tres años después de su muerte, Cézanne, el "padre de la pintura moderna", escribió en el catálogo de sus obras expuestas Firmado respetuosamente. "Paul Cézanne'.
2. Campo Musical
Descripción general
En términos musicales, Debussy suele ser considerado el principal impresionista.
La música de Debussy tiene características diferentes desde su primera obra hasta su última obra. Por lo tanto, sólo la música completada entre 1892 y 1903 aproximadamente y algunas obras posteriores que son similares en estilo a la música de este período pueden considerarse impresionismo en un sentido general. . Sus obras de impresión incluyen la ópera "Pelleas et Melisande" (estrenada en 1902), el poema sinfónico "Clouds" (uno de los "Nocturnes" (Nocturnos), compuesto en 1899) y la música para piano "Sail" (ver Douze Preludes, Volumen 1, 1910). Otros compositores considerados impresionistas incluyen a Maurice Ravel, Frederick Delius, Ottorino Respighi, Karol [Maciej] Szymanowski y Griffith (Charles Griffes).
A menudo se considera que el impresionismo en la música se refiere a un tipo de música que es sutil y frágil, negativa y desordenada y emocionalmente ambigua. Las características de la música impresionista son, para ser precisos, moderación, moderación y calma, un efecto colorido formado por la imaginación del compositor del sonido puro como un propósito hermoso y misterioso en sí mismo. Aunque el Impresionismo se considera un movimiento alejado de los excesos del Romanticismo, muchas de sus características se pueden ver en algunos compositores que fueron los precursores del Romanticismo, también conocido como Expresionismo (como Liszt, Wagner y Scria. Se pueden encontrar las raíces). en las obras de Aleksandr Scria bin.
La música impresionista es un estilo musical que fue principalmente popular en Francia en el siglo XIX y fue influenciado por la "literatura simbolista" y la "pintura impresionista". [5] Estas músicas no describen hechos reales, sino que se basan en el color, el movimiento y la sugestión (Sugerencia), que es en realidad el sello distintivo del arte impresionista. La mayoría de los impresionistas eran franceses. Creían que la imaginación artística pura tenía un papel más profundo que la descripción de acontecimientos reales. Figuras representativas de la música impresionista son Debussy y Ravel. La música impresionista tiene un color completamente abstracto y trascendente, que es el comienzo de la entrada de la música al modernismo.
Características creativas
La música no describe principalmente objetos físicos, pero algunas obras musicales están escritas para adaptarse a la situación. Esta música se llama música de título. Las obras de música impresionista son casi todas títulos musicales. Esto significa que estas obras estarán basadas en paisajes, poemas o imágenes, como "El mar" y "Primavera" de Debussy. Al igual que las pinturas impresionistas, que tendían a representar la luz y el color de los objetos en lugar de sus contornos claros, estas obras dan a las personas una sensación de sueño, impresión o sugerencia. Para lograr tal efecto, una de las técnicas más importantes es el uso de escalas diatónicas, lo que queda bien reflejado en la obra "El velero" de Debussy. Además, los compositores impresionistas rara vez escribían melodías largas, prefiriendo frases cortas y delicadas para crear una atmósfera. Debussy también utilizó escalas con características griegas y asiáticas, como el uso de los antiguos modos pentatónicos chinos. Incluso utilizando las mismas teclas que otros compositores, Debussy fue capaz de crear acordes novedosos. El famoso crítico musical Camille Mauclair escribió:
“El uso de la luz en las pinturas impresionistas es como la extensión sinfónica de los temas de la música. Los paisajes de Claude Monet son en realidad una sinfonía de ondas de luz. no se basa en una serie de temas, sino que hunde sus raíces en el valor relativo del sonido en sí, que es similar al de las pinturas. Está compuesto por placas que producen sonidos.
Logros artísticos.
Figuras Representativas
Debussy y Ravel son dos reconocidos compositores impresionistas. Además, Falla, Szymanowski, Paolo Duca, el italiano Respighi y el británico Vaughan Williams también son destacados representantes de este género musical.
Obras representativas
"Pelléas y Mélisande", "La tarde del Fauno", "Primavera", "El Mar", "Colección de Imágenes" y "La Tumba de Couperin"
Influencia
Durante el periodo popular del Impresionismo y tras la muerte de Debussy en 1918, un gran número de compositores utilizaron técnicas del Impresionismo para crear sus propias obras musicales, algunas de las cuales incluso fueron denominadas “ postimpresionistas", entre estos compositores se encuentran Darius Milhaud, Lili Boulanger, Puccini, etc.
Aunque el impresionismo no fue popular durante mucho tiempo y fue rápidamente reemplazado por una música moderna más radical y variada, dejó sus propias huellas en la historia de la música. Cabe mencionar que la importancia de la tonalidad fue minimizada en la música impresionista. Aunque estas obras musicales siguen siendo tonales, sus acordes "no funcionales" allanaron el camino para la música atonal representada más tarde por Schoenberg y otros. Más tarde, varios géneros como el "expresionismo", el "sistema de doce tonos" y la "música secuencial" de la música del siglo XX estuvieron más o menos influenciados por la música impresionista.
3. Campo literario
Descripción general
El impresionismo en la literatura es generalmente una técnica de escritura muy personalizada que refleja el temperamento personal del escritor. Las obras de algunos escritores se consideran comparables al impresionismo en pintura debido a su fuerte atractivo. Son Thomas Mann, Herman Hesse, F. Madox Ford y Waugh (Evelyn Waugh).
Los historiadores literarios creen que el impresionismo entró en la literatura después de la década de 1870, pero hay diferentes opiniones sobre cómo se manifiesta el impresionismo en la literatura y qué escritores y poetas pertenecen al impresionismo. Lo que se puede determinar es que algunos escritores de Europa occidental de finales del siglo XIX y principios del XX sí tenían métodos creativos similares a los de la pintura y la música impresionistas, es decir, se dedicaban a captar impresiones sensoriales vagas y fugaces. Debido a la naturaleza especial de la creación literaria, los impresionistas en la literatura prestan más atención a cómo esta experiencia sensorial momentánea se transforma en un estado emocional. Al igual que los impresionistas en la pintura y la música, también se opusieron al refinamiento lógico o racional de las conexiones entre las cosas que describían, por lo que ellos mismos se convirtieron en intermediarios entre los estímulos externos y las reacciones instintivas.
Existen similitudes entre la literatura del Impresionismo y la literatura del Simbolismo. Ambas son escuelas literarias formalistas; pero también existen diferencias entre ambas. La razón principal es que el Impresionismo se opone al uso de técnicas simbólicas para expresar ideas. descripción del sentimiento. Algunos poetas que suelen ser considerados simbolistas en realidad están más inclinados al impresionismo. Por ejemplo, el poema "El arte de la poesía" de Paul Verlaine, uno de los líderes del simbolismo, no trata tanto del simbolismo como de una pieza de impresionismo. manifiesto doctrinal.
Representantes de la escuela
Figuras representativas
Los historiadores literarios franceses consideran a los hermanos Goncourt como representantes de las novelas impresionistas, y el otro es considerado como una figura representativa de Impresionismo. El poeta y novelista francés Pierre Loti, algunos de sus poemas efectivamente "captan el sentimiento del momento" como los pintores impresionistas, pero no todas las obras son así. Algunos escritores franceses del siglo XX estuvieron seriamente influenciados por el impresionismo, y en algunas novelas sólo quedó la vaga búsqueda de las impresiones sensoriales.
En algunas obras de Wilde y otros de finales del siglo XIX en Gran Bretaña, la tendencia del impresionismo es relativamente obvia. La Image Poetry School, formada por un grupo de poetas británicos y estadounidenses en Londres de 1912 a 1918, compartía el mismo énfasis en la representación de impresiones sensoriales que el impresionismo, pero afirmaban perseguir imágenes "claras y duras". Creían que la vaguedad y ambigüedad de las imágenes eran restos del romanticismo y, por eso, las atacaron con todas sus fuerzas. Sin embargo, las diferencias teóricas a veces son difíciles de detectar en la práctica creativa. Por ejemplo, muchas de las obras de poetas estadounidenses como el imaginista E. Lowell, H. Doolittle y John Gold Fletcher no coinciden con la poesía impresionista y son indistinguibles entre sí.
La situación es similar en la literatura alemana, donde los historiadores literarios son incapaces de identificar una escuela impresionista clara. Dirigidos por Detlef von Liliencron e incluidos Richard Deimmel, Gustav Falke y otros, se consideran la escuela poética de tendencias impresionistas más evidente en Alemania, pero enfatizan la grabación veraz. La experiencia sensorial que las cosas le dan al poeta se acerca, por tanto, al naturalismo. . Además, muchos poemas de Hugo von Hofmannsthal y Arno Holz también tienen tendencias impresionistas en diversos grados.
Obras representativas
"Mrs. Juzi", "Poemas recopilados", etc.
Crítica receptiva
La palabra impresionismo también se refiere a Este tipo de crítica literaria se le llama crítica impresionista, es decir, crítica sensorial. Este tipo de crítica rechaza el análisis científico racional de la obra, pero enfatiza la intuición estética del crítico. Cree que la mejor crítica sólo registra el proceso del sentimiento de belleza del crítico y, como máximo, señala cómo se produce y bajo la impresión de belleza. qué condiciones para sentirse. Por lo tanto, la crítica impresionista es una especie de crítica confusa de "poesía a poesía" sin un argumento claro y, a menudo, se escribe en formato de poesía en prosa. La crítica literaria se ha convertido en una categoría de arte que no es esencialmente diferente de la creación literaria. Quienes critican las palabras son a menudo poetas o escritores.
4. Campo cinematográfico
Descripción general
En la década de 1920, el creador de cine francés Louis Diluc reunió a un grupo de directores talentosos, como Abel Gance, Zhemin Dulac, y algunos directores de cine que han logrado éxito en películas comerciales quieren reformar las películas producidas por los jefes de las compañías cinematográficas por consideraciones comerciales para mejorar el cine francés en declive después de la Primera Guerra Mundial. Sin embargo, sus esfuerzos no recibieron el apoyo de los productores y el movimiento fracasó tras la muerte de Diluc en 1924. Algunas personas se inclinan por el cine comercial, mientras que otras se inclinan por el cine de vanguardia. Dado que algunas de las teorías y conceptos creativos de Diluc estaban estrechamente relacionados con el movimiento cinematográfico de vanguardia francés posterior, la mayoría de las películas impresionistas se consideran el preludio de las películas de vanguardia o se clasifican directamente como películas de vanguardia.
Entre sus obras destacan "La Rueda" de Gance (1922), "Fanasia" de Diluc (1921), "Festival Español" de Dulac (1919), etc.
Logros artísticos
Figuras representativas
Louis Diluc, Abel Gance, Zhemin Dulac, Sherman Dulac, Jean .Epstein,
Obras representativas
“La Rueda”, “Fanático”, “Fiesta Española”, “Corazón Leal”, “Bella Nivernes”, etc.
Influencias
El Impresionismo fracasó salvar financieramente a la película francesa en dificultades, ni tampoco satisfizo los deseos exploratorios de los directores de vanguardia. En el torrente de discurso complejo de las tendencias literarias y artísticas modernistas del siglo XX, el abstraccionismo/dadaísmo/surrealismo han subido al escenario del arte cinematográfico. Sin embargo, en el apogeo de este arte cinematográfico modernista, se enfrenta a una crisis mayor. En primer lugar, es la crisis existencial de su propio arte; en segundo lugar, la industria cinematográfica francesa ha experimentado un colapso aún más dramático. En tales circunstancias, un grupo de directores de cine de vanguardia comenzaron a afrontar la realidad de su propia existencia/las condiciones de la sociedad francesa y la crisis espiritual del mundo entero. Sus creaciones comenzaron a volver a la realidad, pasando de una perspectiva estética formal a una perspectiva de creación práctica orientada a la realidad. Como resultado, el documental se ha convertido en la salida para muchos directores de vanguardia, Evans/Cavalconti y otros, que han combinado conceptos estéticos artísticos individuales de vanguardia con la realidad social. En cuanto al otro grupo de directores de cine de vanguardia, adoran ideológicamente los milagros creados por el Hollywood americano. Insisten en encontrar el punto de apoyo de la supervivencia artística en los dramas de las películas de vanguardia. En tales circunstancias, el realismo/naturalismo es obviamente el discurso artístico con mayor base de audiencia, lo que se convierte en la mejor opción para los artistas de vanguardia. Verdell/Vigo/René Clair, especialmente Jean Renoir, hijo del pintor impresionista Pierre-Auguste Renoir, iniciaron una vez más la exploración del realismo en el arte cinematográfico a través de la forma cinematográfica de vanguardia/ Los efectos especiales, volviendo a la expresión de la vida/ naturaleza, son llamados "realismo poético francés" en la historia del cine.
Como su nombre lo indica, vincularon una vez más el paradigma narrativo del realismo/naturalismo con la poética de las imágenes, hicieron una nueva exploración de la "fotogenicidad" y comenzaron la exploración realista de las "imágenes postimpresionistas".