El creador del mundialmente famoso cuadro "Paloma de la Paz" es Picasso (2)
Acerca de "Botella, vidrio y violín"
A partir de 1912, Picasso recurrió a su estilo de experimentos pictóricos "Cubismo sintético". Comenzó a crear obras utilizando técnicas de collage. Esta obra, titulada Botella, vaso y violín, muestra claramente este nuevo estilo.
En este cuadro podemos distinguir varias figuras basadas en objetos reales cotidianos: una botella, un vaso y un violín. Todos ellos están representados por recortes de periódicos. Aquí, el foco de atención del pintor sigue siendo en realidad la cuestión de la forma básica.
Sin embargo, este tema se trata con una actitud completamente nueva en este momento. En las obras del cubismo analítico, los objetos se reducen a sus elementos básicos, es decir, se descomponen en muchos pedazos pequeños. Picasso utilizó estos bloques como elementos constitutivos para crear un nuevo orden de objetos y espacio en sus pinturas. Al yuxtaponer y conectar bloques con pinceladas cortas y desenfrenadas, obtuvo una estructura pictórica clara y transparente, que refleja un procedimiento de pintura estricto y racional. Ahora, en sus extensas obras cubistas, ha adoptado exactamente el procedimiento opuesto. Ya no toma objetos reales como punto de partida y los descompone en sus elementos básicos, sino que toma los elementos básicos como punto de partida y transforma formas y superficies básicas en gráficos de objetos objetivos. Esto significa que antes de mostrar las botellas, las tazas y los violines, ya había organizado y dispuesto la estructura abstracta del cuadro. Al abandonar la pintura y las pinceladas, ganó incluso una realidad más objetiva. Utiliza periódicos, papel tapiz, papel de grano de madera y otros materiales similares para hacer collages de bloques de diferentes formas. Por un lado, estos bloques muestran el mundo exterior al cuadro; por otro, su combinación orgánica muestra la unidad e independencia del mundo propio del cuadro; No es de extrañar que su marchante de arte y amigo Kahnweiler dijera de él: "Aunque no sepa jugar con los pinceles, puede producir obras excelentes". ?En este collage, el trozo de periódico de la izquierda representa una botella y el trozo de papel impreso con vetas de madera representa un violín. Unas pocas líneas fuertes dibujadas con carboncillo permiten esta transformación e incorporan los materiales irrelevantes del collage en una unidad orgánica.
Se puede decir que este lenguaje artístico del collage es el principal símbolo de la pintura cubista. Picasso dijo una vez: ?Se puede preferir el cubismo incluso desde un punto de vista estético. Pero la pasta de papel es el verdadero corazón de nuestro descubrimiento. ?En el uso de este lenguaje de collage, Picasso es obviamente más audaz y fantasioso que otros pintores cubistas (como Braque, Gris, etc.). Cuando otros pintores hacen collages de diferentes trozos de papel, tienen que considerar si es coherente con la lógica realista. Siempre limitan el papel con vetas de madera a representar elementos de madera (como mesas, guitarras). Picasso, por otra parte, estaba completamente libre de tales limitaciones. En sus pinturas, se puede utilizar un trozo de papel pintado estampado para representar una mesa, y también se puede cortar y pegar un trozo de periódico para formar un violín. Picasso explicó una vez sus puntos de vista sobre el collage en una conversación con François Gilot:
El propósito del uso de pasta de papel es señalar que se pueden introducir diferentes sustancias en la composición, y en la pantalla, esto se convierte en una realidad. que rivaliza con la naturaleza. Intentamos deshacernos de la perspectiva y encontrar el trampantojo del espíritu. Los fragmentos de periódico nunca se utilizan para representar periódicos; los usamos para representar una botella, un piano o una cara. Nunca utilizamos el material literalmente, sino fuera de su contexto habitual, para crear un conflicto entre la imagen visual original y su nueva definición final. Si se pueden convertir trozos de periódico en una botella, la gente pensará en los beneficios de los periódicos y las botellas. Los objetos son desplazados a un mundo extraño, un mundo que está fuera de lugar. Sólo queremos que la gente piense en esta rareza, porque nos damos cuenta de que vivimos solos en un mundo muy incómodo.
?(Francois Gilot y otros, "Picasso como pareja", Tianjin People's Publishing House, 1988, p. 60)
Acerca de "Guernica"
"Guernica", pintado por Picasso , 1937, óleo sobre lienzo, 305,5 x 782,3 cm, recopilado por los Museos de Arte Reina Sofía de Madrid. Aunque Guernica Picasso estaba interesado en la innovación artística de vanguardia, no renunció a la expresión de la realidad. Dijo: "No soy un surrealista, nunca me he divorciado de la realidad". Siempre me quedo dentro de la realidad de la realidad. ?Esta puede ser también una razón importante por la que eligió pintar "Guernica". Sin embargo, la expresión de la realidad en su pintura es completamente diferente al método de expresión del realismo tradicional. El rico simbolismo de sus pinturas es difícil de encontrar en obras realistas ordinarias. El propio Picasso explicó una vez el significado simbólico de esta pintura, diciendo que el toro simboliza la violación, el caballo herido simboliza el sufrimiento de España y las luces brillantes simbolizan la luz y la esperanza. Por supuesto, en el cuadro también se representan muchas escenas realistas. En el lado izquierdo de la pintura, una mujer llora al cielo mientras sostiene a un bebé muerto en brazos. Debajo de ella hay un soldado tirado en el suelo sosteniendo flores y una espada rota. En el lado derecho de la pintura, un hombre aterrorizado levantó las manos en el aire y gritó. No muy lejos de él, a la izquierda, la mujer que huía estaba tan asustada que sus patas traseras parecían no poder seguir el ritmo y cayó. muy atrás. Todos estos son retratos reales de las víctimas del terrible bombardeo aéreo.
Muchas imágenes del cuadro reflejan la absorción por parte del pintor de elementos pictóricos tradicionales. La imagen de la madre sosteniendo a su hijo muerto parece derivar de la tradición de los iconos de la Virgen que lloran a Cristo; la mujer que sostiene una lámpara de aceite recuerda a la imagen de la Estatua de la Libertad que levanta las manos hacia el cielo y exclama; a los patriotas en las pinturas de Goya La figura asesinada no es diferente y la imagen del soldado tendido en el suelo con los brazos extendidos parece estar emparentada por matrimonio con la imagen de algunas pinturas de guerra del primer Renacimiento italiano. De esto se desprende que Picasso no sólo es un innovador audaz y lleno de espíritu rebelde, sino también un artista que respeta y domina la tradición.
A primera vista, esta pintura parece muy aleatoria en la organización de imágenes y composición, e incluso podemos pensar que está un poco desordenada. Esto parece ser coherente con la atmósfera caótica en la que los residentes huyeron presas del pánico durante el bombardeo. Sin embargo, cuando miramos de cerca esta pintura, encontramos que la disposición de todas las formas e imágenes en este largo espacio pictórico ha sido cuidadosamente concebida y considerada, y tiene un orden estricto y unificado. Aunque muchas de las imágenes son dinámicas, su composición revela claramente un cierto significado clásico. Vemos que en el centro de la imagen, diferentes imágenes de colores brillantes se superponen para formar un triángulo isósceles; el eje central del triángulo divide toda la imagen larga en dos cuadrados; Las imágenes en los lados izquierdo y derecho de la pantalla están muy equilibradas entre sí. Se puede decir que esta composición llamada pirámide tiene algunas cualidades similares a la composición de Leonardo da Vinci (La Última Cena). Además, toda la pintura se puede dividir en cuatro secciones de izquierda a derecha: la primera sección resalta la imagen del toro, la segunda sección enfatiza el caballo herido y luchando, y la deslumbrante luz eléctrica sobre él parece un animal asustado y solitario; ojo ; en el tercer párrafo, la más llamativa es la "Estatua de la Libertad" asomando la cabeza por la ventana sosteniendo una luz y en el cuarto párrafo, la imagen del hombre asustado con los brazos extendidos hacia el; El cielo inmediatamente nos llama la atención. Atractivo, su gesto desesperado es inolvidable. Picasso utilizó esta composición cuidadosamente organizada para presentar imágenes exageradas y deformadas que están llenas de movimiento y emoción de una manera unificada y ordenada. No solo representa detalles ricos y variados, sino que también resalta y enfatiza puntos clave, mostrando sus profundas habilidades artísticas. Aquí, Picasso todavía utiliza el lenguaje artístico del clip art. Sin embargo, el efecto visual de cortar y pegar en la pintura no se logra mediante métodos reales de cortar y pegar, sino que se expresa pintando a mano. Los gráficos de "cortar y pegar" que se superponen se limitan a los colores negro, blanco y gris, resaltando así de manera efectiva la atmósfera tensa y aterradora de la imagen.
Sobre "La Casa de Estaque"
La Casa de Estaque
La Casa de Estaque "La Casa de Estaque", de Braque, 1908, óleo sobre lienzo lienzo, 73 x 59,5 cm, recopilado por el Kunstmuseum Bonn.
Entre los pintores cubistas, la influencia de Georges Braque (1882?1963) no es menor que la de Picasso. Él y Picasso son los fundadores del movimiento cubismo y el nombre "cubismo" proviene de sus obras. Además, también realizó muchas innovaciones en el movimiento cubismo, como la introducción de letras y números en las pinturas, el uso del collage, etc. La mayoría de las obras de Braque son bodegones y paisajes, con un estilo sencillo, riguroso y unificado. ?Más que todos los demás pintores cubistas, aportó una concreción irreductible y un análisis penetrante, una rara armonía de color y una elegante fluidez de línea que ninguno de sus compañeros pudo lograr.?
Acerca de "Peace Dove"
"Peace Dove" es una obra de amistad mundial creada especialmente para las Naciones Unidas. A partir de entonces, la paloma de la paz representa la paz.
Braque nació en una familia de pintores en Argenteuil-sur-Seine. Su padre y su abuelo eran ambos pintores aficionados, lo que le hizo tener un gran interés por la pintura desde pequeño. En 1893, la familia de Braque se mudó a Le Havre, donde pronto estudió en una escuela de arte local. En 1902, ingresó en la Escuela de Bellas Artes de París y fue instruido por Bona, y luego trasladado a la Académie Amber. Fundó su propio estudio en 1904. Después de visitar el Salón de Otoño en 1905, se interesó por la pintura fauvista y participó en el movimiento de pintura fauvista en los dos años siguientes. Sin embargo, sus obras tienen un tono "sereno y cantabile", completamente diferente al estilo de las obras del auténtico fauvismo con colores fuertes, pinceladas desenfrenadas y emocionantes. ?Era de un temperamento extremadamente tranquilo y por lo tanto no abusaba de la libertad en la que se deleitaban los pintores fauvistas. (En coautoría con Raymond Cornea y otros (Diccionario de pintura moderna), People's Fine Arts Publishing House, 1991, página 39). En 1907 conoció a Picasso y se sintió profundamente atraído por su obra "Las señoritas de Aviñón". Los dos se hicieron muy amigos y juntos planearon el movimiento cubista. El estilo de trabajo de Picasso
Picasso fue un verdadero genio. El siglo XX pertenece a Picasso. A principios de este siglo cambiante, vino desde España a París, la capital mundial del arte en ese momento, y comenzó el viaje de su vida para descubrir arte brillante. En el siglo XX, ningún artista fue tan versátil y conocido como Picasso. La fama de Picasso no se debe sólo a su fama temprana y a obras maestras como "Las señoritas de Aviñón" y "Guernica", sino también a su abundante creatividad y su colorida vida. Dejó una gran cantidad de obras de arte multifacéticas. . Picasso ha completado aproximadamente entre 60.000 y 80.000 obras. Además de pinturas y dibujos, también incluye esculturas, cerámica, grabados, vestuario escénico y otras expresiones de modelaje. Después de que Picasso falleciera en 1973, los principales museos de arte de todo el mundo continuaron lanzando diversas exposiciones retrospectivas de diferente índole sobre él. Los temas sobre Picasso continuaron, a menudo con nuevos argumentos, como si todavía estuviera vivo en el mundo. La principal tendencia en la pintura de Picasso es el rico modelado, es decir, el uso del espacio, el color y la línea.
Después de los 30 años, Picasso entró en un inquieto período de exploración tras otro. Sus obras, como su vida, carecían de unidad, continuidad y estabilidad. No tiene ideas fijas y tiene muchas ideas diferentes. Puede ser apasionado o maníaco, amable u odioso, sincero o pretencioso. Es impredecible e impredecible, pero siempre es leal a la libertad. Nunca ha habido un pintor en el mundo que, con una honestidad asombrosa y una creatividad inocente, recreara el mundo con total y completa libertad y ejerciera su poder a su antojo como Picasso. No quiere reglas, ni prejuicios, nada, y quiere crearlo todo.
Su recorrido artístico no siguió reglas, del naturalismo al expresionismo, del clasicismo al romanticismo y luego de regreso al realismo. De lo concreto a lo abstracto, de un lado a otro, se opone a todas las limitaciones y a todas las visiones sagradas del universo. Sólo le conviene la libertad absoluta.
Cubismo
En 1908, en la exposición del Salón de Otoño de París, cuando el pintor fauvista Matisse vio las novedosas y únicas obras de Picasso y Braque, no pudo evitar maravilla. Dijo: "¡Estos son sólo algunos cubos!" Ese mismo año, el crítico Wassell utilizó la declaración de Matisse en la revista "Jill Brass" para comentar las obras de Braque expuestas en la Galería Kaweiler. Dijo: ?Braque redujo todo al cubo. ?. Primero adoptó el término "cubismo". Posteriormente, como referencia al estilo y la escuela pictórica creados por Picasso y Braque, el nombre "cubismo" se volvió convencional.