¿Cuáles son algunas películas posmodernas?

Las películas dirigidas por Wong Kar-wai se pueden clasificar básicamente en la categoría de películas posmodernistas. A continuación se muestran algunas películas posmodernistas famosas. ¡Te sugiero que las veas todas! ¡Muy bien!

Cine posmodernista

El director griego Angelopoulos hizo "Ulises" en 1995 y utilizó a un director de cine para encontrar una película. La historia de la película que quedó de los primeros días del cine mira hacia atrás. La historia del cine y Grecia. Algunas personas consideran a Angelopoulos como el último maestro del cine modernista del siglo XX. De hecho, es muy inexacto que las películas de Angelopoulos sean difíciles de resumir. Cada una de sus películas proviene del prototipo de la mitología griega. En el enfrentamiento entre la voluntad personal y el destino, siguió "copiando" la epopeya. Hay una escena clásica en "El viaje vital de Ulises": el director A se encuentra en el tren con la madre que recuerda de su infancia, y su madre lo lleva a casa. Él trae su cuerpo en los años 1990 y se une a los años 1945, 1948, 1976. ... En el baile de Año Nuevo de..., todos son tan jóvenes como los recuerdos, sólo él tiene la piel del envejecimiento. Angelopoulos utilizó el cine para crear un collage de sus propios sueños posmodernos.

El director británico Alan. "The Wall", dirigida por Parker, cautivó al mundo tan pronto como se estrenó. La razón más importante aquí es Pink. Pink Floyd, una banda británica de rock progresivo fundada en 1966, tiene su propio encanto musical. Sin embargo, "The Wall" es ante todo una película, una película que acelera visualmente el ritmo y acerca al público a la era MTV. Ahora, MTV se ha convertido en el arte audiovisual más visto del mundo, y ni siquiera el fútbol puede compararse con él. Allen. A Parker se le puede llamar el "padre de MTV". No es exagerado decir que hay fans de "The Wall" en las academias de arte de todo el mundo. "The Lost Wall" se ha convertido en un hito en el cine posmoderno y también declaró que la falacia de que "la posmodernidad no tiene clásicos" es contraproducente. Los amantes del arte hablan de él y lo aman como si no fuera sólo una película sino una exhibición de arte conceptual. Esta película es una culminación de la música rock, el arte moderno y diversas formas de imágenes. Es una película llena de timidez sobre las imágenes posmodernas.

"La Naranja Mecánica" es una película que se centra en la realidad social, exagera al extremo la inquietud adolescente de los adolescentes, y presenta el cuadro destructivo que se puede presentar en esta etapa de la vida frente a las personas. una mirada. La intención de la película es muy clara: subvertir las normas morales tradicionales y ortodoxas y apuntar a algo más humano. "La naranja mecánica" está basada en el escritor británico Anthony. Adaptado de la novela homónima de Burgess.

En Alemania, "Run Lola Run" del joven y talentoso director Tang Tik en 1999 fue una exitosa película posmodernista. La estructura de la película estableció tres finales para la historia, que reflejaban los esfuerzos del director por romper la narrativa tradicional. reglas en términos de estilo audiovisual, cortes rápidos, animación, música rock, personajes dinámicos, grandes contrastes tonales, etc. se integran en una mezcolanza, demostrando plenamente las características del cortar y pegar. "Hit the Blind" del director polaco-francés Kieslowski, la alemana "Run Lola Run" y la británica "Sliding Doors" proponen dos o tres finales para la película y muestran la influencia decisiva del destino sobre las personas.

Lola, una chica berlinesa de 20 años, y su novio, el también joven Manny, de 20 años, están en un gran problema. Manny perdió accidentalmente el dinero de un jefe mafioso, y fueron 200.000 marcos. En 20 minutos, el jefe vendrá a pedir dinero. Si no puede recuperarlo, Manny morirá. ¡Manny llamó a Laura para pedir ayuda! Laura, de 20 años, solo tuvo 20 minutos. No tuvo tiempo de pensar en ello y se escapó...

¡Veinte minutos después, Laura consiguió el dinero! Pero Manny no pudo esperar más y corrió al supermercado de enfrente para robar. La policía que llegó le disparó en el pecho...

Esta es una película filmada por el joven director alemán Tom Tykwer. En la historia de "Run Lola Run", el pobre Manny murió horriblemente.

¡No te preocupes, todavía no ha terminado!

Veinte minutos después, Laura llegó con las manos vacías, pero Manny sufrió un accidente y murió en la calle...

Veinte minutos después, llegó Laura con los 100.000 marcos que había probado. lo mejor que pudo conseguir Cuando llegué al lugar, me sorprendió ver que el jefe del inframundo también llegaba a tiempo...

"Forrest Gump", protagonizada por Tom Hanks, ganó el puesto 67 como Mejor Película y Mejor. Actor en 1995 Seis laureles, incluido el de protagonista y el de mejor director. La amabilidad y calidez que se muestran en la película tocan lo mejor de nuestros corazones, mostrando honestidad, confiabilidad, seriedad, valentía, amor y otros hermosos sentimientos

"Forrest Gump" está basado en un Forrest Gump persona normal. considerado un "imbécil" por el mundo, es el protagonista y recorre una historia humanista reescrita: organiza y vuelve a contar hábilmente los principales acontecimientos y personajes de la historia estadounidense moderna, y utiliza mucha ironía y parodia, simulación por computadora, Mezclando géneros, parodia y "no narrativa" y otras técnicas deconstructivas, se burlan y ridiculizan todos los aspectos de la política, la historia, la cultura pop, la moda de marca, la publicidad, etc., de Estados Unidos en los tiempos modernos, y reinterpretan la historia, las guerras y los héroes. , proporciona a la audiencia un principio de placer recreativo, construyendo así el modo narrativo y el estilo de los textos posmodernos. No solo rompe las mentiras de la historia humanista, sino que también reproduce una fábula falsa a través del collage de mentiras. Por supuesto, si está familiarizado con la historia estadounidense desde principios hasta mediados del siglo XX, podrá comprender mejor los elementos de humor negro de la película, como el estilo musical de "Elvis Presley", "Ping Pong Diplomacy". , "Incidente de Watergate", "Movimiento contra la guerra de Vietnam", muchas de las tramas definitivamente harán sonreír a todos.

Con el estilo de una película de deportes, un tratamiento sangriento pero apropiado, una historia apasionante y una poderosa advertencia social, "Fight Club" es simplemente la "La Naranja Mecánica" de los años 1990. En esta era en la que sólo se han producido unas pocas películas impactantes, "El club de la lucha" ciertamente no será ignorada. Es muy impresionante y provoca pensamientos profundos. Lo que la diferencia de las 95 películas de terror actuales es que deja al público con muchas preguntas para recordar y debatir. La historia de múltiples capas que invita a la reflexión presentada en "El club de la lucha" proporcionó material suficiente para cientos de reseñas, artículos y reflexiones posteriores. El director de esta película, David Fincher, ya tuvo tres películas destacadas antes de rodar "El club de la lucha": "Alien 3", "Seven" y "Mind Game". Fincher se propuso hacer de Fight Club una obra maestra visual. Al igual que las tres primeras películas, "Fight Club" también tiene un tono oscuro y un ritmo rápido. Algunas personas la llaman "estilo MTV", pero a diferencia de otras películas similares, Fincher's In. Además de evitar que el público se aburra, cada cambio rápido de cámara también tiene su propio efecto único. Es innegable que "El club de la lucha" es efectivamente una película violenta. Algunas tramas son tan crueles que algunos espectadores se darán la vuelta, como un hombre que se saca los dientes flojos de la boca. Por supuesto, todas estas escenas sangrientas pretenden revelar el tema principal de la película: los seres humanos son crueles por naturaleza, y el trabajo pesado diario entumece los corazones de las personas y desencadena la locura, con consecuencias impredecibles. Los miembros de Fight Club son todos víctimas de la sociedad moderna que hace que la gente pierda su humanidad y sus sentimientos. Se han convertido en engranajes de una rueda y la única manera de recuperar su sentido de individualidad es volver a sus instintos más primitivos y salvajes de dolor y violencia.

Director: Danny. Boyle

"Trainspotting", también conocida como "Train", se rodó en sólo 49 días y es una película de pequeña producción con un coste de 2,5 millones de dólares. Esta película describe la vida de mala calidad de un grupo de jóvenes drogadictos en Edimburgo, Escocia. Su tono satírico tranquilo, su actitud narrativa verdadera, su sentido del humor negro y su procesamiento audiovisual moderno la convierten en un clásico entre las películas alternativas. La película describe con gran detalle el placer que produce el consumo de heroína. Al mismo tiempo, las emociones depravadas y los valores y la autoconciencia mostrados en la película despertaron gran preocupación y controversia en la sociedad, por lo que la película se convirtió en un tema candente. en la opinión pública tan pronto como se publicó.

Esa lente deslumbrante y Lou. Rhett, Iggy. La música rock pop es como una droga psicodélica. Nos quedamos mirando la pantalla y nos sumergimos en la escena. Cuando la aguja de Mark penetró en el tejido subcutáneo, pensamos que la sustancia química blanca estaba integrada en nuestra propia sangre. el camino después de un robo, y sentíamos que nuestro corazón latía violentamente. Casi cada escena califica como un cortometraje condensado exquisito e inesperado:

“Elige la vida, elige el trabajo, elige la carrera, elige una puta televisión grande. Elige una lavadora, un reproductor de CD y un abrelatas eléctrico. Elige un traje saludable, bajo en calorías y bajo en azúcar, elige un amigo, elige un puto traje de tres piezas... Elige hacerlo tú mismo, elige ver programas aburridos en el sofá un domingo por la mañana y. Llena tu boca con comida chatarra. Elige estar podrido, hecho de tu esperma para reemplazarte. Niño egoísta, se puede decir que es la cosa más descarada, pero ¿por qué debería elegir vivir mientras? ¿Hay heroína? "¿La razón?"

El amor entre un asesino adulto y una niña menor de edad, protagonizado por Jean y Reno en "El asesino no es demasiado frío", es conmovedor y conmovedor. Debido a que la mayoría de los espectadores de las nuevas películas son jóvenes, sus requisitos para las películas son "un placer emocionante o un peligro inofensivo". Las tragedias graves y la moraleja de las películas tradicionales no se presentan en sus obras, y esos personajes no lo son. cargas pesadas o tienen misiones elevadas. Existen para sí mismos y persiguen su propia felicidad. Luc Besson es conocido como uno de los representantes del cine neobarroco francés y una figura destacada del cine posmoderno. Los espectadores a los que les gusta ver películas francesas hablan de las películas de Besson "Metro", "La Mer", "Nikita", "El asesino no es tan frío", "El quinto elemento", "Juana de Arco", etc. Innumerables tesoros.

"Pulp Fiction" se compone de tres historias: "Vincent and Martha's Wife", "Gold Watch" y "Bonnie's Situation", así como el principio y el final de la película.

Ver "Pulp Fiction" es como ver un "arte pop" móvil, una mezcla de películas de gánsteres estadounidenses, películas de terror y películas románticas, reunidas en forma de parodia. Además del plato de imágenes visuales, la aclamada estrategia narrativa de "estructura circular" de "Pulp Fiction" es también un producto de collage de personas diversas. La película completa consta de un prólogo (un robo en un restaurante) y cuatro capítulos (llamados respectivamente "Joseph y Vincent", "Vincent and Martha's Wife", "A Gold Watch" y "Bonnie's Situation"). Esto rompe por completo la lógica narrativa lineal de las películas tradicionales, conectando un extremo con otro, como un círculo que comienza desde un punto aleatorio y finalmente regresa al punto de partida. La violencia es un tema recurrente en las obras de Quentin. Las frecuentes escenas violentas de esta película hacen eco de su "estructura circular" e indican claramente que la ocurrencia de eventos violentos es cíclica e interminable. La violencia aquí se ha convertido en una forma de supervivencia, una resistencia a la alienación, la alienación y la oscuridad; sin embargo, la actitud del director hacia la violencia nunca es positiva, la palangana dorada de Jus para lavarse las manos y el deseo de amor de Vincent pueden ilustrar este punto, todos lo son. buscando una salida a la violencia impotente, aunque esta salida parece escasa en Estados Unidos, una sociedad donde la violencia es rampante. Como dispositivo funcional de la narrativa: los grandes héroes, las grandes aventuras, los grandes viajes y las grandes metas se pierden, lo que está en consonancia con la definición de posmodernidad de Lyotard: desconfianza en la metanarrativa. Esta característica posmoderna de desconfianza hacia las metanarrativas se resume en la pérdida del héroe en la película. No solo Vincent y Juss fracasaron como asesinos, sino que también Martha fracasó como gángster (al ser violada por un pervertido sexual), y Butch como boxeador profesional (no puedo evitar recordar el heroísmo personal interpretado por el boxeador Rocky). ) también fracasó (perseguido por mafiosos y cayó en manos de pervertidos sexuales).

Esta pérdida de héroes es vergonzosamente divertida y, al mismo tiempo, es la "condición posmoderna" de nuestra era: la racionalidad de la Ilustración creída y defendida por los progresistas en la historia de la humanidad es recibida con desconfianza, y los juicios morales y los juicios de valor son indefinidamente retrasado (el público puede sentirse confundido por las llamativas innovaciones de Quentin en tecnología cinematográfica, pero el entusiasmo obviamente ha pasado de la segunda Crítica de Kant a la tercera Crítica, y están ansiosos por obtener una extraña e inesperada redención estética). Dado que todos los problemas de la vida no se pueden resolver y no todo es como decía la élite cultural, la gente puede tener motivos para contentarse con la posesión y el consumo superficial de los fenómenos (al mismo tiempo, ¿no es esta la epopeya antiépica de nuestro tiempo? ?) Entonces, el resto es cultura popular y popular, como sugiere el título de esta película: "Pulp Fiction".

Director: Soderbergh

Actores principales: Andie MacDowell, Peter. Gallagher

Récord de premios: Palma de Oro a la Mejor Película en el 42º Festival de Cannes (1989)

Mejor Actor en el 42º Festival de Cannes The Actor (1989)

Una familia aparentemente pacífica de clase media se ve desequilibrada por la visita inesperada de un amigo, que revela la verdad de que está llena de mentiras sobre la disfunción sexual. Resulta que mi hermana Andy tiene misofobia. McDowell lleva mucho tiempo casada con su marido, Peter. Gallagher no tiene vida sexual, excepto su hermana Laura. mora. Sin embargo, Giacomo secretamente tenía una relación acalorada con su cuñado. James, el compañero de clase de su marido. Spade vino de visita con una grabadora de vídeo y, de hecho, hizo que las dos hermanas hablaran sobre sus secretos a la cámara por curiosidad. El nuevo director de gran éxito, Steven. Sodaberg utiliza un enfoque tranquilo y creativo para analizar los frágiles aspectos psicológicos de la gente moderna, destacando especialmente el encanto indestructible de la alta tecnología (grabadoras de vídeo).

El famoso director británico Greenaway rodó muchos cortometrajes altamente experimentales en sus inicios. Más tarde, hizo películas para el canal de televisión británico 4, que durante mucho tiempo promocionó un estilo alternativo. sido famosos por su extraño estilo y técnicas. Su experiencia pictórica como estudiante hizo que sus obras persiguieran la sofisticación y el impacto visual de la pintura. Estos dos puntos han sido reforzados e integrados en la película "The Pillow Book".

Todas las películas de Greenaway tienen tramas extrañas, y esta película no es una excepción. La trama de Nozi escribiendo trece capítulos de "Pillow" sobre un cuerpo humano y luego entregándoselo al editor es realmente increíble. De hecho, el editor estaba dispuesto a entregar su vida después de ver el último capítulo, "El libro del verdugo". Estas tramas y detalles extremadamente estilizados son difíciles de aceptar, pero después de la interpretación cinematográfica más estilizada de Greenaway, revelan una belleza encantadora. Sin embargo, después de que la belleza visual a corto plazo se desvaneciera, frente a la pantalla vacía, todo en la película se volvió muy confuso.

La característica más distintiva de la técnica de rodaje de la película es el uso creativo de técnicas de imagen en imagen. Estas pequeñas imágenes con formas, posiciones y tamaños cambiantes forman una variedad de relaciones visuales y estructurales con el panorama general. La mayoría de ellas son ilustraciones de imágenes pequeñas que contrastan con la caligrafía del panorama general. Muchas de ellas son fotografías de recuerdos. Y algunos son similares a la función del lenguaje cinematográfico de imágenes superpuestas. El anidamiento y la yuxtaposición de imágenes grandes y pequeñas multifuncionales y de múltiples capas forman un estilo de lenguaje y una expresión de imagen complejos y cambiantes. Este es un experimento en el lenguaje cinematográfico llevado a cabo por Greenaway en la película.

La historia de la película y lo que representa son elementos importantes que deben incluirse en una película, pero definitivamente no son los únicos. La historia de la película de Greenaway ha quedado relegada a una posición secundaria frente a un gran número de imágenes exquisitas llenas de sentimientos orientales y lenguaje cinematográfico experimental, y sólo les proporciona un soporte adecuado. Entre las muchas películas narrativas convencionales, "Pillow" de Greenaway nos permite ver una película "alternativa" maravillosa y esclarecedora.

"El libro prohibido sobre la almohada" toma como eje narrativo principal los diarios de dos mujeres que están separadas por el tiempo pero que tienen una conexión tácita en sus corazones y hace un amplio uso de las nuevas tecnologías informáticas. dibujar" los acontecimientos que ocurrieron en varias épocas, tiempos y espacios. El formato de "pintura media" se despliega en el mismo plano cinematográfico, excavando una gramática cinematográfica sin precedentes. A veces, obviamente, sentíamos que podíamos utilizar el cambio de tomas, pero él las reemplazó con formas de "imagen en imagen". El montaje paralelo se convirtió en "montaje plano" en sus películas.

A través de la "imagen en imagen", las posiciones del espectador, los actores de la obra y el director de cine oculto son iguales. Las personas y las cosas que el público ve no necesariamente se ven a través de los ojos del director.

Nombre chino: Torre de Babel

Nombre en inglés: Babel

Alias: Torre de Babel, Crossing Fire

Tipo de recurso: DVDScr

Fecha de estreno: 27 de noviembre de 2006

Director de cine: Alejandro González I?árritu

Actores de cine: Brad Pitt

Cate Blanchett

Gael García BernalDoce personas, tres El país, cuatro destinos diferentes y un evento accidental, todo se originó a partir de ese disparo involuntario... La red entrelazada del destino incluye almas de diferentes razas, regiones y orígenes culturales. Todos en el mundo están inextricablemente vinculados. En la década de 1960, el psicólogo social estadounidense Milgram propuso la teoría de los "seis grados de separación". Creía que podías conectar con cualquier extraño a través de sólo seis personas. Pero el hilo de esta conexión es muy débil. Incluso si somos conscientes de la existencia de la otra parte, todavía no podemos escuchar el grito de lucha de la otra parte. Incluso si lo escuchamos, todavía no podemos entenderlo y no podemos. comunicarse de manera significativa. Después de que terminó la película, apareció un subtítulo: "Dedicado a mis hijos. La noche más oscura, la luz más brillante". Obviamente, esta no es de ninguna manera una película desesperada, sino una historia de lucha en un mundo desesperado, y considera a los niños como. la esperanza del futuro. El mundo brillante seguramente será construido por ellos, y la Torre de Babel también será construida por ellos. Espero que no haya más malentendidos, barreras y tristezas en el mundo futuro.

Obviamente, la película tiene un fuerte estilo único de Alejandro González Iñárritu. Probablemente sea difícil encontrar un director en el mundo que pueda utilizar la técnica de narrativa cruzada de múltiples pistas. Parece tener impulso para superar a "Crash" como Mejor Película en los últimos Oscar. Además, la historia que Alejandro captó esta vez y los conflictos en la historia parecen más grandiosos y humanos. Al mismo tiempo, esta técnica narrativa de múltiples pistas ya no es solo una herramienta de expresión en sus manos, sino una salida de expresión muy profunda y perspicaz, que es la única forma para él de mostrar el tema de la historia. Iñárritu ha dicho que tejer hilos de historias se ha convertido en un hábito en su trabajo. "Cuando estoy sentado en mi auto y veo a alguien pasar, empiezo a pensar que esa persona es más interesante que cualquier otra cosa en mi cabeza. Por eso, mi mayor deseo es mirar dentro de las mentes de otras personas. Mientras tanto, todo En realidad, también es muy limitado. Espero explorar el mundo externo más amplio, y cómo el mundo externo desconocido me afecta personalmente, etc., se convertirán en los objetivos de mis obras... ”

A. Obra clásica del maestro de cine polaco Kieslowski (1941-1996). Las tres películas que llevan el nombre de los tres colores de la bandera francesa representan tres temas: fraternidad, igualdad y libertad. El director utiliza efectos de luz, vídeo y sonido extremadamente delicados para analizar estos tres temas. "Rojo, blanco y azul" fueron las últimas tres obras de la vida de Kishlovsky. El maestro murió de enfermedad dos años después. "Blue" trata sobre la melancolía y la libertad. Sólo rompiendo con las creencias mundanas podemos obtener la libertad de la humanidad y las emociones; "White" trata sobre la dignidad y la igualdad en la película. " se trata de sinceridad y fraternidad. , el mundo está lleno de todo tipo de sospechas y contradicciones, y sólo la fraternidad puede desbloquear los grilletes que atan el alma. Estas tres obras son obras maestras llenas de pensamientos humanitarios y humanistas de Kieslowski. Cuenta la historia con tramas detalladas y precisas, y explica su respeto y sus conocimientos sobre la vida desde el destino de la vida de la gente común. En la película, independientemente de la duración de su aparición, Kieslowski da la posición de protagonista a las mujeres, quizás porque son más vulnerables y pueden encarnar mejor la melancolía, la dignidad y la sinceridad.

En esta trilogía, Kieslowski sigue manteniendo el mismo propósito desde "Los Diez Mandamientos" y expresa su profundo conocimiento de las condiciones de vida de la gente contemporánea con historias dramáticas que contienen connotaciones espirituales religiosas y filosóficas.

"Blue" ganó el León de Oro de Venecia en 1993 y fue nominada a 9 premios César;

"White" ganó el premio al Mejor Director del Festival de Cine de Berlín en 1994;

"Red" ganó la Mejor Película en Lengua Extranjera de la Asociación de Críticos de Cine de Nueva York y de la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles, y fue nominada a 7 premios Caesar.

En las tres películas, hay elecciones morales desgarradoras. En "Rojo", el viejo juez le cuenta a Valentín que hay una familia en el barrio que parece feliz, pero el marido tiene una aventura con su mujer y su hija a sus espaldas. Entonces, ¿debería Valentine ir y exponerlo de inmediato? ¿Entonces verán la verdad clara pero dolorosamente, o seguirán escondidos bajo la paz? En "Blue", la vecina de Juliet trabaja como stripper en un club nocturno. Ella cree que es feliz haciendo esto y los hombres también lo son. ¡Pero un día descubrió que su padre estaba sentado en la primera fila del público! En "White", el empresario Mikoola tiene éxito pero está cansado de la vida. Le ruega a Karu que le dispare. Como recompensa, ayudará a Karu a regresar a su país y tener el capital para iniciar un pequeño negocio. Aparte de esto, Carew parece no tener otra forma de ayudarlo a regresar a casa. En la década de 1970, el maestro cinematográfico polaco K. Zanussi fue pionero en la "película de ansiedad moral", y las obras de Kieslowski llevaron la "ansiedad moral" a un nivel más profundo. Kieslowski cree que en las sociedades liberales la situación moral de las personas está más aislada. Porque la sociedad liberal no tiene moralidad nacional, moralidad nacional, moralidad de clase, ni ninguna otra moralidad nacional ficticia u obligatoria. La responsabilidad moral del individuo y su debilidad se revelan más plenamente en la sociedad liberal. La llamada ética liberal es, ante todo, el frágil reconocimiento de la responsabilidad moral del individuo. En una sociedad liberal, ¿cuál es el estatus moral de los individuos? Kieslowski todavía explora la carga ética de los individuos libres en la vida diaria a través del dilema moral de la individualidad. La ideología de la sociedad liberal es la libertad, la igualdad y la fraternidad. La trilogía "Azul, Blanco y Rojo" explora el significado privado de estos valores. Ningún concepto de valor es abstracto, y las grandes ideas del sistema social también se reflejan en acontecimientos específicos de la vida privada de cada individuo. La forma más adecuada de conocer el sabor de la gran idea ética del sistema de vida es apreciar las lágrimas en los ojos de los individuos que viven en este sistema de vida.

"Here Comes the Rain" fue una gran sorpresa. Milcho Manchevski (Milcho Manchevski, la ópera prima del director macedonio (este es su primer largometraje), ganó el primer premio de un solo golpe. Ganó más de. 30 premios internacionales, entre ellos el León de Oro del Festival de Cine de Venecia de 1994, el Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera de 1995 y el Premio a la Libertad Independiente de 1996. Esta película se divide en tres partes: un amor imposible y un dilema La decisión, una masacre fratricida. , conecta el trasfondo social de la inminente tormenta en la antigua Yugoslavia con varias historias. La irracional venganza étnica y religiosa rompe sin piedad los lazos amorosos y familiares, lo que hace que la gente se sienta muy triste después de verla. En la película, el director esconde su profunda tristeza. deseo: amor por la humanidad y amor por su ciudad natal

Primera parte: PALABRAS (palabras)-----Macedonia rural

Un joven sacerdote escondió a una mujer fugitiva y el amor creció. Cuando estaban a punto de ir a Londres a buscar al tío del fotógrafo, la familia de la mujer la encontró. La mujer murió por el arma de su hermano. El amor pasó volando como un pájaro. ¡No hay nada que puedas hacer! 2: CARAS (cara)---La ciudad de Londres

Anne es una mujer hermosa, tiene un marido que la ama, pero todavía tiene un amante que no puede dejar ir. Alex es un. Fotógrafo macedonio que vino a Londres hace 16 años. De hecho, sabemos muy bien que este Alex es el tío con el que el joven sacerdote quiere desertar. Hay una foto que nos dice. La imagen mostraba a una mujer macedonia asesinada a tiros por su hermano. El sacerdote la miró. El marido de la mujer sabía muy bien sobre su engaño. Lamentablemente, murió en un tiroteo al azar en el restaurante y su rostro estaba borroso.

Tercera parte: IMAGEN (imagen) --- Campo macedonio

Alex regresó a su ciudad natal después de 16 años de ausencia, donde hubo frecuentes disputas. Su amigo lo mató a tiros para llevarse a la niña a escapar, y la niña finalmente pudo escapar. La cámara vuelve al comienzo de la primera parte, y finalmente conocemos claramente la causa y el efecto de la historia. La niña huyó a la casa del cura, aunque luego encontró su suerte. La tierra firme finalmente recibió una fuerte lluvia y el cuerpo de Alex yació bajo la lluvia.

Toda la historia se ha convertido en una especie de destino de reencarnación debido a la forma desordenada, y está llena de confusión incontenible. Resulta que todo se debe al nacionalismo estrecho y desenfrenado. La relación entre las personas en la película también es sutil e intrincada. No hay una lluvia de balas directa, pero cada disparo es impactante. Los lazos familiares y el amor se han vuelto vulnerables. Resulta que los conflictos raciales son muy crueles. Las tres historias alcanzan el mismo objetivo por caminos diferentes. El trasfondo de la película es Macedonia y los Balcanes, envueltos en la sombra de la guerra civil. No hay romance posible, gran conflicto personal, regresión y destino. Las tres historias revelan la tragedia de la guerra a través del cruce de personajes, y el racismo de mente estrecha es el culpable de todo esto.

En 1994, el famoso director estadounidense Oliver Stone adaptó al cine el guión de Quentin Tarantino "Natural Born Killers". La película rápidamente se volvió muy controvertida por su descripción de la violencia y su sátira de los medios de comunicación estadounidenses. Aunque no está a la altura de las intenciones originales de Tarantino, "Natural Born Killers" es una muy buena película. Oliver Stone estimuló enormemente a la audiencia a través de una variedad de novedosos lenguajes audiovisuales como técnicas de filmación y edición al estilo MTV, el uso integral de telenovelas y dibujos animados y una gran cantidad de música alternativa. Esta película reexamina el loco comportamiento criminal y el igualmente loco comportamiento de los medios de comunicación desde una nueva perspectiva. Los protagonistas de la obra son una pareja a la que le gusta la sangre y la violencia. Su mayor placer es matar gente. Sus acciones llamaron la atención de un periodista, quien las informó en su programa. Como resultado, su popularidad aumentó rápidamente. Incluso después de su arresto, los periodistas continuaron informando. Todos los crímenes parecen tener una mirada diferente a los ojos de los medios. ¿Deberíamos sentirnos tristes por esto?

La primera parte de "The Matrix" cuenta la historia del nacimiento de un ciberpunk ordinario que liberó su alma bajo el cuidado del amor y el amor de su padre y se convirtió en el salvador para salvar a la humanidad del mundo virtual. La segunda parte habla de la vida. El salvador comienza a dudar del valor de su existencia, explora la relación entre profecía y elección, y si las personas pueden controlar su propio destino. La tercera parte cuenta la historia de la muerte y un nuevo comienzo. Con los esfuerzos conjuntos de los humanos representados por el salvador y las máquinas representadas por el profeta, derrotaron la destrucción de los virus informáticos y devolvieron la paz yin y yang a los humanos y las máquinas.

Al mismo tiempo, esta trilogía es también una gran historia del pensamiento humano, desde un mundo de oposición entre el bien y el mal a una relación difusa entre el bien y el mal, hasta que la oposición entre el bien y el mal desaparece por completo. , y avanzamos hacia el mundo donde somos uno, tengo la unidad de ustedes. Esta es la tendencia general del desarrollo humano. Los aretes con patrones de yin y yang del profeta ilustran este punto.

El "Bullet Time" en The Matrix tiene lugar en el mundo virtual de Matrix. En un mundo tan programado, cualquier cosa se puede cambiar, incluida la naturaleza, que los humanos no pueden cambiar en el mundo real. . Por lo tanto, ya sea Neo esquivando balas o el muro cortina de vidrio explotando en ondas, todos son el resultado de la destrucción o modificación temporal de las leyes naturales simuladas por máquinas en el mundo virtual. Se puede ver que el uso del "tiempo bala" no es simplemente para mostrar efectos especiales, sino que en realidad está integrado con la estructura general de la historia de la película. Hoy en día, "Bullet Time" casi se ha convertido en un "efecto de abuso visual". No importa qué película, todo el mundo quiere usarla para lucirse, pero en 1998, cuando se filmó la película, todavía era algo muy original en la pantalla.

La aplicación del efecto especial "Bullet Time" en "The Matrix" consiste en rodear al sujeto con 120 cámaras Nikon y luego dejar que los obturadores de estas cámaras comiencen a tomar fotografías en el orden y el intervalo de tiempo preprogramados por la computadora, y luego tome las fotografías desde todos los ángulos. Todas las fotografías obtenidas se escanean en la computadora, y la computadora prácticamente repara las diferencias entre las dos fotografías adyacentes. De esta manera, los movimientos coherentes y suaves del sujeto bajo la lente de 360 ​​​​grados. Finalmente, la computadora combina la La fusión de imágenes dinámicas y fondos crea las tomas sorprendentes y novedosas que vemos en las películas. La trilogía "Matrix" comienza con la esclavitud y el odio. Primero cuenta la historia del judaísmo y el cristianismo. Es la oposición total entre el bien y el mal, y es una lucha de vida o muerte entre Dios y Satanás. La escena ambientada en la película es griega, es la "Alegoría de la caverna" de Platón, que cuenta cómo la gente define la realidad y cómo descubrirla. Neo se convirtió en el salvador porque confió en el amor más poderoso del cristianismo. Entonces, en ese momento, cuando Neo resucitó con un beso, se convirtió en el salvador del cristianismo. "Reloaded" es una historia existencial. Esta es una era en la que "Dios está muerto" y Superman comienza a dudar del significado de la existencia. Esta es también la etapa ambigua de la oposición entre el bien y el mal. Al igual que la literatura de Camus, no es la oposición entre el bien y el mal, sino la oposición entre la luz y la oscuridad, y los límites se difuminan. Al mismo tiempo, la confusión que enfrenta Neo es también la confusión de Guo Jing. ¿Qué puede determinar el bien y el mal? Si la libertad es buena, ¿qué pasa con la destructividad de Smith? El existencialismo cree que la libertad humana es la libertad de elección. No significa necesariamente elegir hacer algo, sino que también se puede elegir no hacer nada. La inacción es más libre que hacer algo, porque no hacer nada no ofenderá las acciones de los demás. Por eso, Neo no aceptó el caramelo del profeta en “La Batalla Final” y tomó la decisión opuesta a la del segundo episodio.

La estructura única de la película "Memento" realmente hace que las personas sientan que han perdido la memoria y tienen el misterio de su propia identidad y a quién deben creer, e incluso ellos mismos no pueden creer. él. Si has visto otra película "Party" del director de esta película, Christopher Nolan, entonces sabrás que ver la película de este director no es una tarea fácil. Hará que el público mire en el proceso. No podemos evitar imaginarlo. y adivina el resultado final. La película adopta un método de flashback, comenzando con un caso de robo y terminando con este caso. Sabemos lo que pasó pero no por qué. Todas las respuestas se encuentran en las acciones intermitentes del protagonista, cada vez que vemos. Al regresar, encontraremos algunas nuevas pistas o fiestas relevantes, que llevan a la audiencia y a Leonardo al final, que también se puede decir que es el comienzo original.

Puede que haya muchas películas maravillosas llamadas posmodernas que no puedo recordar en este momento. Quizás hay muchas que no he visto, como “Rashomon” de Kurosawa Akira y “Love Letter” de Iwai Shunji. Espera, echa un vistazo cuando tengas la oportunidad.

Quizás las películas posmodernistas son películas que no puedes entender al principio, pero parece que las entiendes un poco después de verlas, pero no las entenderás todas sin importar cómo las mires, pero siempre puede hacerte sentir algo. Por supuesto, incluso si no lo entiendes, no lo digas, simplemente finge entender.