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Históricamente, la sociedad feudal europea fue llamada generalmente la "Edad Media". En la historia del arte se denomina "arte medieval" al arte occidental desde la antigua Roma hasta el Renacimiento, que duró aproximadamente entre 65.438 y 200 años. En la Europa medieval, el cristianismo se convirtió en un fuerte pilar del gobierno feudal. Por tanto, las esculturas medievales europeas sirvieron principalmente al cristianismo. La cultura y el arte en el apogeo de la Edad Media vivieron el período románico y el período gótico. La arquitectura de las iglesias se convirtió en ese momento en el principal medio artístico y muchos escultores destacados se dedicaban a las esculturas decorativas de los edificios de las iglesias y a las esculturas circulares para las exhibiciones internas. Muchas esculturas de la iglesia de Anglem en Francia, la iglesia de la Trinidad en Cannes y la iglesia de San Galaad en Guyenrad, Alemania, son representativas.
La iglesia románica muestra el poder de la iglesia con su figura sólida y sólida, mientras que la iglesia gótica controla los sentimientos espirituales de la audiencia con su hábil y agudo poder ascendente. Los cambios de luz y oscuridad en las pinturas de los vitrales del edificio de la iglesia, y los diversos patrones de tallado y esculturas claros y delicados en las paredes ayudan a realzar la atmósfera misteriosa de la religión. Las iglesias góticas representan los mayores logros del arte arquitectónico medieval, como Notre Dame, el Castillo, Reims, etc. , son todas iglesias góticas. La escultura gótica representa básicamente el arte religioso conservador y atrasado de la Edad Media.
En la escultura francesa del siglo XIV, el arte gótico mostró una tendencia cada vez más fuerte a reflejar la realidad: comenzó a exagerar los gestos, las expresiones, los cuerpos y otros aspectos de los personajes. Las esculturas góticas al servicio de la religión comenzaron a surgir como arte burgués emergente. Las esculturas medievales tenían tanto su esencia como su poso. Muchas obras estaban llenas de contenido religioso supersticioso y absurdo. Pero desde la perspectiva de la herencia artística, los escultores de esa época también crearon muchas buenas obras que pertenecían al pueblo y tenían elementos positivos, ocupando una posición muy importante en la historia del arte mundial.
Desde la segunda mitad del siglo XV hasta el siglo XVI, la cultura renacentista surgió y se formó en muchos países europeos. En muchos países avanzados de Europa, la cultura y el arte han alcanzado un alto grado de prosperidad. El Renacimiento marcó un punto culminante en el desarrollo de la cultura y el arte europeos. La cultura renacentista fue una cultura que se opuso a la religión feudal y abogó por el renacimiento de las religiones griega y romana. La cultura clásica estaba dominada por la burguesía emergente. La escultura renacentista heredó y desarrolló la tradición del arte escultórico griego y romano, haciendo que el arte escultórico fuera muy próspero. Casi todos los escultores famosos del Renacimiento se concentraron en Florencia. El primer escultor fue Giperdi, cuyas obras representativas son los relieves decorativos de las dos puertas de bronce del Baptisterio de Florencia. El gran escultor Miguel Ángel llamó a estas dos puertas las "Puertas del Paraíso". Grandes escultores del mismo período incluyen a Donatello y Verrozio. La aparición de Miguel Ángel marcó la cima del desarrollo de la escultura durante el Renacimiento. Utilizan técnicas realistas y anatomía humana precisa para dar forma a los personajes, dando al cuerpo humano una fuerte sensación de poder, y utilizan el lenguaje artístico de la escultura para crear imágenes vívidas y un alto grado de habilidad. El arte escultórico del Renacimiento tuvo una gran influencia en los escultores posteriores.
La mayoría de las pinturas al óleo de la Edad Media occidental y el Renacimiento se basaron en la mitología griega antigua (y su desarrollo: la mitología romana antigua). En la historia del desarrollo de la escultura occidental, la escultura griega antigua representa una. altura estética. Los artistas griegos establecieron normas y principios que tuvieron un profundo impacto en la creación artística occidental posterior. El arte escultórico del Renacimiento y el neoclásico los utilizaron como puntos de referencia. Los artistas griegos antiguos definieron los principios más bellos del cuerpo humano. Policleto, un antiguo artista griego del siglo IV a.C., fue el primer artista en "estandarizar" la belleza. Desde la perspectiva de la teoría matemática pura, calculó las proporciones corporales que debería tener un hombre como modelo del cuerpo humano. Es el creador de la ley de la sección áurea. Además, juzgar a los demás y cultivar la propia figura y apariencia se convirtió en un hábito de los antiguos griegos.
"Sócrates siempre ha creído que cualquier persona con una figura pobre y ropa desaliñada es una persona que no tiene espíritu público y no participa activamente en los asuntos públicos. A los ojos de Sócrates, el problema de los ciudadanos obesos pertenece a la categoría de los asuntos públicos, por lo que ¿La obesidad? Una cuestión política”, dijo una vez Nietzsche: “Sé un griego de cuerpo”. Curiosamente, si Alejandro Magno de Macedonia no hubiera invadido la India hacia el este y llevado el arte escultórico a la cuenca del río Ganges, me temo que el budismo que se extendió a los países orientales no habría florecido más tarde (Yungang, Longmen, Grutas de Mogao, Bami (Yang Big Buda...), ni siquiera los ídolos están consagrados en los templos del budismo y el taoísmo (tomado de la forma misionera del budismo). Porque, en la tradición religiosa de la antigua India, no se defendía la adoración de ídolos. ¡La estatua de Buda con el pecho desnudo probablemente sólo pueda provenir de la antigua civilización griega!
Besando a "Le Baisse"
Auguste Rodin (Francia, 1840~1917)
Rodin es un famoso escultor francés cuyas creaciones El estilo está fuertemente influenciado por Miguel Ángel y se especializa en la representación en profundidad de personajes, emociones y dinámicas. "El beso" es una de las muchas obras maestras de Rodin que se puede comparar con "El pensador". A través de la obra maestra de Rodin, el trágico amor de Paolo y Francesca en la "Divina Comedia" de Dante se puede presentar emocionalmente en un momento eterno.
Renunciar "Renunciar"
Camille Claudius (Francia, 1861~1943)
En 1886, Rodin, que se enamoró perdidamente de Camille, completó Su obra maestra "El Beso". Dos años más tarde, Camille completó el prototipo de cerámica "abandonada". Esta obra está basada en el mito del amor indio. Originalmente se llamó "Shakundana", también conocida como "La Promesa", y luego pasó a llamarse "Abandonment", el cambio de nombre de la obra cuenta toda la historia de amor de Camille y Rodin; Esta obra parece también en alusión a Rodin arrodillado ante la abandonada Camille y suplicando perdón. Chimei recoge la obra original en la que Camille participó en el Salón de Artistas Franceses en 1910 y fue fundida en cobre en 1905.
Armario Humano "Armario Humano"
Salvador Dalí (España, 1904~1989)
La característica de la creación de Dalí es la distorsión aleatoria del mundo real. entidad. En su obra "Venus de Milo", creía que el cuerpo tiene varias partes que se pueden sacar por separado, y este "armario humano" también se basa en este concepto, convirtiendo el cuerpo humano en muchos cajones, de los que se puede decir que ser una obra maestra del arte moderno. Una creación bastante típica entre las obras de Li.
Niña lavando los pies "Retrete de mujeres"
Edgar Dugas (Francia, 1834~1917)
Influenciado por el impresionismo, Edgar Dugas Toda la obra de Degas Douga presenta una sensación de inestabilidad cambiante desde todos los ángulos. Las mujeres y las sillas de Dou Jia son bastante únicas, especialmente la ropa que cuelga de las sillas es bastante abstracta. Por otro lado, el cubo que tiene delante la niña es bastante realista. Bajo la interpretación única de Dou Jia, estos dos estilos extremos presentan una combinación perfecta e incomparable.
Tesio derrotó al monstruo centauro.
"Centauro Bienor Combatiente"
Andouin-Louis Barry (Francia, 1795~1875)
Barry fue el soldado francés más importante de mediados del siglo XIX. Escultor de animales. Un prototipo en yeso de esta obra se exhibió en el Salón de Artistas Franceses de 1850. La batalla entre Centaure y Lapithes es un tema común en el arte clásico y un símbolo de la victoria de la civilización sobre la barbarie. Esta obra fue copiada por Barbedienne y firmada por Barye 1860. Es la obra original a gran escala (sólo se emitieron dos en ese momento) y la más cara de todas las creaciones registradas de Barrie antes de su muerte. Actualmente, obras del mismo tamaño en las colecciones del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York y del Louvre fueron refundidas tras la muerte de Barrie.
“Torso” humano
Alexander Akibianke (ruso-estadounidense, 1887~1964)
Desde principios del siglo XX hasta el primero Durante los quince años Después de la Guerra Mundial, surgieron en el mundo del arte europeo dos conceptos artísticos que representan conceptos plásticos modernos: el fauvismo y el cubismo. Archibianke fue un importante escultor del cubismo.
El cubismo sintió la belleza de las formas simples en el arte africano, al igual que el uso de formas geométricas extremadamente simples para presentar el cuerpo femenino, y las obras revelaron la belleza de la racionalidad y la pureza. Esta obra fue terminada en 1914, marcando el apogeo de la creación de Alquibianco.
Archer "Viajes"
Pierre Le Faguier (Francia, nacido en 1892)
El arte decorativo apareció en Europa y América en los años 1960, 1920 y 1960 0930. Presta atención al gusto sensorial, defiende la estética y crea un festín visual sin precedentes. Pierre Le Fagues es uno de los representantes más exitosos del estilo Art Déco francés. Utilizando materiales multimedia como marfil, bronce, plata y piedra, esculpió con éxito a un antiguo guerrero romano con líneas concisas y poderosas, y utilizó un gran poder para delinear la elegante postura del guerrero cuando tensó el arco, demostrando plenamente el poder y Belleza del arte decorativo Extremo.
Gallati y los delfines "Galatia Riding Dolphins"
Ansiglioni (Italia, 1832~1894)
En esta obra, el cuerpo regordete de Galati se retorcía y se apoyaba contra el delfín. , su cabello rizado ondeando al viento, luciendo muy dinámico. El cuerpo de Galati tiene muchos patrones finos, líneas o puntos, tallados con cuchillos de trinchar, similares a la textura de la piel humana real en el abdomen, los codos y las articulaciones de los pies, lo que hace que toda la estatua parezca realista. Para resaltar el tema de la diosa del océano, la piedra de la base está especialmente seleccionada de mármol de grano fino, que es como las ondulantes olas del mar. Los delfines nadando en ella también hacen eco del tema, haciendo que la obra esté llena de color. vitalidad y vitalidad.
Otero "Otelo"
Piedo Calvi (Italia, 1833~1884)
El escultor italiano Calvi es famoso por dar forma a los personajes de las obras de Shakespeare. "Otelo" es el tema de cuatro tragedias de Shakespeare. Tenía celos de los moros que vinieron de África en el siglo XV y se convirtió en general. Accidentalmente mató a su esposa y luego se suicidó. El autor utilizó como modelo al primer actor masculino que interpretó este papel y completó esta obra maestra de bronce y mármol en 1869.
Susan Sussen
Auguste Rodin (francés, 1840~1917)
Rodin (1840~1917) es el padre de la escultura moderna. Utilizando arcilla, bronce y mármol, retrató directamente las pasiones y el dolor de la gente corriente con una franqueza sin precedentes. El temperamento contemporáneo y romántico expresado en su arte es un pico en la historia de la escultura. Durante su dilatada carrera artística estuvo profundamente influido por Miguel Ángel, los impresionistas y el escritor contemporáneo Hugo? La influencia de Baudelaire.
Entró en el estudio Carrier-Bellouse en 1870. En aquella época, todas sus obras debían estar grabadas con la firma de Carriere. Para ahorrar más dinero, Rodin pasaba las tardes tallando bustos de mujeres y vendiéndolos bajo su propio nombre. "Susan" es una obra de este período con una visión fuerte y aguda, que describe la expresión gentil y elegante de Susan, su rostro delicado, su cabello extremadamente molesto, suave y rizado atado con cintas suaves y su temperamento noble. obra, que puede considerarse una maravillosa y delicada obra maestra temprana en la carrera creativa de Rodin.
Paciente madre e hijo "Madre e hijo"
Arti Leo Picelli (ítalo-estadounidense, 1860~1945)
Esta obra ganó una medalla de oro en el 1915 Exposición de San Francisco. La actual entrada a Columbus Circle en el Central Park de Nueva York es una versión ampliada. La mayoría de las obras del autor están realizadas en mármol o madera, pero algunas están realizadas en yeso y bronce. Esta obra representa a un niño agraviado acurrucado en los amorosos brazos de su madre. El niño parece haber encontrado un consuelo seguro, llorando y hablando con las cálidas preguntas de la madre, formando una entidad de corazón a corazón perfecta, natural y realista entre madre e hijo.
Deportista "atleta"
Donaldo Baccaria (Italiano, 1849~1930)
Baccaglia de la Academia de Milán (Bacaria) fue reconocido por su capacidad creativa cuando Expuso por primera vez a la edad de diecisiete años y su estilo creativo estuvo profundamente influenciado por Canova. Esta obra "Atletas" se completó en 1898. Se exhibió en Milán ese año y ganó el primer premio en San Petersburgo en 1902. Su forma proviene de la concepción del héroe griego Hércules, que combina un alto grado de realismo con una belleza ideal. Es la creación más representativa del autor Baccaria en su vida.
Cupido y Posica.
Giulio Bergansoli (Italia, 1822~1868)
Se dice que la belleza de Sergi ponía celosa a Venus, por lo que utilizó sus irresistibles flechas para poner celosa a Venus. El hijo de Cupido se enamoró. con el monstruo más feo. Inesperadamente, incluso Cupido quedó fascinado por la belleza de Serge y cayó en el remolino del amor. Esta escultura muestra a Cupido flotando ligeramente en el aire, besando tiernamente a Sergey. Cupido y Sergey forman una postura en forma de X, y la tendencia ascendente transmite el romance del legendario amor persistente. Es una de las obras representativas del escultor italiano Zaizori.
Serie de niñas Juan Clara (España, 1875~1957)
Juan Clara utiliza técnicas naturales y vívidas para esculpir la naturaleza inocente y encantadora de los niños, y no olvida utilizar el humor. Muestre el lado travieso de su hijo. Estas cuatro obras fueron completadas una tras otra a principios del siglo XX. Los movimientos parecen estar conectados entre sí, lo cual es muy interesante e infantil.
Cuatro cuadros representan a una adorable niña sentada en una silla alta. Se sintió atraída por las galletas que tenía delante y quiso levantarse rápidamente. Inesperadamente, se resbaló y pensó que sería mejor cambiar de silla y volver a subir para intentarlo. Pero le preocupaba que su madre se enterara, por lo que no pudo evitar darse la vuelta con frecuencia y finalmente se paró a salvo en la silla alta. Ahora estaba nerviosa otra vez, porque había tanta comida deliciosa frente a ella y realmente no sabía cuál elegir. Como resultado, solo quería disfrutar de la galleta que con tanto esfuerzo había ganado en mi mano. De hecho, el perro también se mostró agresivo y se agarró con fuerza la falda. Al apreciar los pequeños trucos en las obras de estas cuatro chicas traviesas, se puede apreciar la ternura de la inocencia infantil.