¿Qué es un preludio del período barroco?
Resumen:
Época: alrededor de 1600 a 1750, también conocido como el Período del Bombardino.
Tres etapas: el período de principios de 1600 a 1640 es el período de formación del estilo barroco;
el período de mediados de 1640 a 1690 es el período de finalización del estilo barroco;
El apogeo del estilo barroco desde finales de 1690 hasta 1750 fue también el período de su perfección;
Antecedentes: (razones del surgimiento del estilo)
El principal impulsor de este estilo fue el pensamiento humanista del siglo XVI.
El desarrollo de la ciencia y la cultura, especialmente el progreso de la ciencia experimental.
La religión todavía florecía, y tanto las luchas protestantes como las católicas explotaban el nuevo estilo en su beneficio.
Contenido detallado:
Las principales características de la música barroca
****Seis puntos
Dos hábitos de composición
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Monteverdi propuso la idea de “dos hábitos”. Es decir, la primera rutina es el "estilo antiguo" y la segunda rutina es su propio método nuevo. Esta idea, como las raíces de Platón, enfatiza que la música debe estar al servicio de la letra.
2. Bajo modal
Es una textura armónica principal diferente a la textura polifónica del Renacimiento.
Origen: la parte de "bajo de órgano" utilizada en la música de órgano de iglesia a finales del siglo XVI.
Implementación: al menos dos instrumentos, uno es el instrumento básico para tocar acordes, el otro es un instrumento de bajo que toca la parte de bajo.
La primera persona en proponer el término "bombardino" fue Viadana
Significado: El uso del bombardino continuó durante todo el período barroco y se convirtió en una de las características técnicas más importantes de la música barroca. .
3. Teoría de la emoción
4. Armonía tonal y contrapunto
Durante el Barroco, el sistema de armonía tonal de tonalidades mayores y menores fue madurando paulatinamente.
La primera obra musical del compositor italiano Corelli desarrolló plenamente el lenguaje de la armonía tonal.
En 1722, el compositor francés Rameau publicó en París el libro "Armonía", en el que explicaba teóricamente por primera vez este sistema de armonía.
5. Ritmo y notación
En la historia de la música, los cambios de ritmo suelen conllevar cambios de notación.
Los juegos típicos de Barroco y Go generalmente se dividen en dos categorías: uno es muy regular y el otro es muy gratuito.
Las líneas de compás aparecieron durante el período barroco y se utilizaron sistemáticamente en el metro regular.
Los compositores están acostumbrados a marcar la clave al inicio de sus obras.
6. Música vocal y música instrumental
El desarrollo de la música instrumental y la música vocal durante el período barroco se complementaron.
Música vocal: aparición de nuevos estilos de canciones de una sola parte, óperas, oratorios y nacimiento de la cantata.
Música instrumental: El género musical puramente instrumental ha experimentado un gran avance.
Música instrumental: Se formó la familia del violín, en la época tardía aparecieron los primeros pianos;
El nacimiento de la ópera y su desarrollo temprano
Época: Apareció en Florencia, Italia alrededor del año 1600.
Definición: La ópera es un drama con música. Es una forma de arte integral que integra arte, música, literatura, teatro, danza y otras artes relacionadas.
La ópera más antigua está directamente relacionada con la "Torre de la Cámara" de Florencia.
Formación: La antigua Grecia tuvo tragedias relacionadas con la música; el drama litúrgico medieval era una especie de drama cantado; durante el Renacimiento se desarrolló más plenamente el drama con música, y apareció la ópera pastoral a finales del XV; Siglo , aparecieron interludios en algunas cortes italianas (todos tenían música, compuesta en su mayoría por melodías decorativas y acompañamiento armónico simple).
La fuente más directa de la ópera son los entretenimientos de la corte y la música de interludio resultante en el norte de Italia a finales del siglo XVI.
Ópera temprana: "Daphne" es un drama pastoral compuesto por Linuccini y compuesto por Corsi. Perry tardó tres años en completarlo y se representó en 1598.
p>Eurídice es la. primera ópera con música bien conservada, compuesta por Pelli y Caccini y escrita por Linuccini
Cavalieri es también uno de los primeros compositores de ópera.
En las primeras óperas, algunos papeles importantes solían ser desempeñados por castrati, una práctica que continuó en los períodos de Mozart, Gluck y Meyerbeer.
El uso de castrati en los coros no fue prohibido oficialmente por el Papa hasta principios del siglo XX.
Monteverdi y "Orfeo"
Claudio. Monteverdi fue uno de los grandes compositores del Barroco temprano y sus obras fueron un puente importante desde finales del Renacimiento hasta el Barroco.
En 1601 se hizo famoso y fue ascendido a director musical de la corte de Gonzala.
En febrero de 1607 se representó en Mantua su primera ópera "Orfeo".
Las obras conservadas incluyen: tres óperas, un ballet, doce volúmenes de madrigales y cinco obras de música religiosa.
Su última ópera fue "El servicio conmemorativo de Popea"
"Orfeo" tiene un total de cinco actos y en la partitura se utiliza recitativo puro. La proporción es pequeña, pero. Se utilizan una gran cantidad de madrigales, solos, arias y diversas formas instrumentales. Esto refleja plenamente la profunda visión de Monteverdi de la naturaleza humana y su capacidad para utilizar la música para retratar personajes.
Esta no es la ópera más antigua, pero sí la que tiene mayor logro artístico entre las primeras óperas.
Ópera en Roma, Venecia y Nápoles
Roma
Antecedentes: El desarrollo de la ópera en Roma se debió principalmente al interés y mecenazgo de los eclesiásticos adinerados
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Compositor y obras: "Umilio" de Aghazari
"La muerte de Orfeo" de Randy, "San Alejandro"
"El palacio mágico" de Rossi
"Un drama del alma y el cuerpo" de Cavalieri
Venecia
En 1637, Venecia construyó la primera ópera pública: el Teatro San Casciano.
Compositor y obra: "Andrómeda" de Manelli
La mayoría de las 33 óperas de Cavalli se representaron en Venecia
"Callisto", "Chiasson", etc.
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"Cofre", "Manzana de Oro"
Nápoles
A finales del siglo XVII, la creación y representación de ópera en Nápoles fue cada vez más próspera, llegando a alcanzar un alcanzó un pico sin precedentes y formó la forma estándar de la ópera italiana en el siglo XVIII.
Forma estándar:
Dos formas recitativas diferentes: 1. Recitativo seco, utilizado para diálogos o monólogos más largos, con acompañamiento únicamente de bombardino cuando se canta solo.
2 Recitativo acompañado, utilizado para escenas emotivas y dramáticas, con acompañamiento de orquesta cuando se canta solo.
Aria se ha desarrollado mucho.
Scarlatti
Autor de 115 óperas y numerosos oratorios y cantatas.
Las obras representativas incluyen "Griselda", etc. ]
Características: En sus óperas hay menos temas mitológicos y prefiere temas históricos con tramas rigurosas; los protagonistas son en su mayoría nobles que han experimentado altibajos en el amor, y los finales son en su mayoría finales felices; para aquellas óperas con más narrativas dialogadas, suele utilizar el recitativo seco para abordar las escenas de la trama.
Orquesta de Scarlatti: cuerdas, contrafagot, oboe y tuba, ocasionalmente trompeta o corno francés.
Ópera temprana en Francia, Inglaterra y Alemania
Francia
Antecedentes: Fuerte tradición teatral; destacados dramaturgos Gonayer, Racine y Maury Lament
Larga tradición del ballet; influencia de la ópera italiana.
Compositores y obras: El principal representante de la ópera francesa temprana es Lully, quien cuenta con 13 óperas (tragedias líricas), y entre sus obras representativas se encuentran "Armid" y "Alceste". La obertura de la ópera se llama "". Obertura francesa" (tiene dos partes: 1 es Adagio, estilo dominante; 2 es Allegro, estilo fuga)
En 1669, se estableció en París la primera ópera pública de Francia.
Reino Unido
La ópera británica recibió influencias de Francia e Italia.
El asedio de Rodas está generalmente considerada como la primera ópera inglesa.
El que se ha conservado íntegramente hasta el día de hoy es Juan.
"Venus and Adonis" de Blow y "Dido and Ini" de Henry Purcell (fue el mayor compositor del período barroco británico, y esta es su única ópera verdadera, la trama se basa en la tragedia de Dido, reina de Cartago)
Alemania
Heinrich Schutz es un importante escritor de música religiosa alemana.
En 1678, se construyó una ópera pública en Hamburgo, en el norte de Alemania.
Compositores y obras: El compositor de ópera más importante de Hamburgo es Keizer, que compuso 75 óperas entre 1696 y 1734 y las representó en Hamburgo.
Otros compositores incluyen Matthiessen, Telemann, Handel, etc.
Otros géneros vocales de gran escala
Oratorio
El oratorio es un género vocal de gran escala similar a la ópera;
Se originó en la "Lauda" de la iglesia, cantada por la congregación durante el culto, apareció casi al mismo tiempo que la ópera;
Los oratorios en su mayoría tienen contenido religioso y se interpretan en iglesias o salas de conciertos;
Los oratorios se basan en la narrativa. El tema principal se centra más en el coro, sin movimientos escénicos ni vestuario;
Además del coro, los oratorios también utilizan varias arias, recitativos y arias de óperas;
La forma más popular de crear oratorios es. El compositor importante fue Karisimi.
Cantatas
Las cantatas se pueden realizar en géneros religiosos o seculares y en escalas grandes o pequeñas.
Roma fue el principal centro de la creación temprana de cantatas. Los dos compositores más prolíficos son Rossi y Marazzoli
A. Scarlatti fue el compositor de himnos más importante y prolífico (unos 600)
Los himnos religiosos alcanzaron su cima de perfección en la composición de Bach.
La Pasión
Un género antiguo que utiliza la música para expresar la historia de la Pasión de Jesús en los Evangelios de la Biblia
En 1650 apareció una canción en Alemania Una nueva pasión al estilo de un oratorio.
Música religiosa estilo concierto
Es una combinación de música vocal e instrumental
Importantes compositores
"Saúl" de Schütz. "¿Por qué me perseguís?", "Oratorio de Navidad", "Salmos de David" (su primera obra religiosa)
El desarrollo de la música instrumental
Fuga, sonata y El nacimiento de el Concierto
La Escuela de Bolonia
Antecedentes: la vida musical pública de Bolonia se centró en muchas iglesias locales
La Iglesia de San Petronio es una de ellas. iglesias más importantes;
Aquí comenzó la famosa Escuela de Música de Bolonia.
En el período barroco, las sonatas generalmente se referían a obras instrumentales y las cantatas generalmente a obras vocales.
Hacia 1600, las sonatas se dividían en dos categorías: sonatas de iglesia y sonatas de cámara.
Características de las sonatas del siglo XVII: 1 La mayoría están compuestas para dos instrumentos agudos y contrabajo
p>2 Un tipo único de sonata se hizo popular gradualmente después de 1700
3 Sonatas sin acompañamiento para solistas y sonatas para orquesta
Compositores y obras: Cazzatti, Vitale y Corelli
Corelli fue el violinista más influyente del período barroco. Compuso casi exclusivamente para instrumentos de cuerda frotada, la mayoría de los cuales fueron sonatas en trío populares en fa menor
Música para teclado de varios países
.La música de teclado del período barroco incluye órgano y clavicordio
Alemania
Órgano
Órgano
El lugar más desarrollado para el órgano La música y la manufactura en el siglo XVII eran Alemania, y la mayoría de los compositores de órgano famosos se concentraban en la Alemania luterana del centro-norte.
p>Géneros: tres: tocata, fuga y obras de himnos
Hay cuatro tipos de música para himnos: fuga de himno, preludio de himno y variaciones de himno
Variaciones de himno y fantasía de himno
A principios del siglo XVII, Sweelinck de los Países Bajos. y Schäuble de Alemania fueron importantes compositores de órgano.
El organista alemán más destacado de finales del siglo XVII fue Buxtehude.
Fortepiano
Incluyendo clavicordio y clavicordio pulsado
Forma musical: Toccata; Preludio; Suite; tema y variaciones y suite.
Suite: sonatas de cámara italianas, entre ellas "Alamande", "Curante", "Sarabande" y "Quege".
Compositor: Froberg publicó tres volúmenes de suites para fortepiano. Contribuyó al establecimiento de la forma estándar de las suites barrocas.
Italia y Francia
El compositor italiano para teclados más importante de la primera mitad del siglo XVII fue Frescobaldi. Su colección de obras más importante es "La Folie de la Musique"
La figura representativa de la música para teclado francesa es François. Sus obras representativas incluyen cuatro volúmenes de suites para clavecín y dos obras teóricas "Reglas de acompañamiento" y "El arte de la interpretación del clavecín"
Conciertos
Hay dos categorías principales de conciertos instrumentales barrocos. : Concierto (una de las primeras formas de concierto instrumental) y concierto solista
Corelli completó su primer concierto grosso en Roma alrededor de 1682.
El concierto solista es la forma más profundamente influyente.
Antonio Vivaldi fortaleció, perfeccionó y amplió el estilo concertístico barroco. Rameau
Fue el compositor, teórico y teclista más importante de la Francia del siglo XVIII.
Obras principales: 4 volúmenes de obras solistas de clavecín; 1 volumen de obras de música de cámara; unas 30 obras escénicas
Características:
Su teoría más importante Su obra fue "Armonía" publicado en 1722. Su teoría de la función armónica no sólo resumió la práctica de composición en ese momento, sino que también influyó en la teoría de la armonía en los dos siglos siguientes.
Domenico. Domenico Scarlatti
Las obras representativas incluyen 555 sonatas para teclado, todas las cuales son movimientos individuales. Cada sonata es como un estudio y requiere que el intérprete aborde ciertas interpretaciones técnicas y musicales. asuntos.
Georg. Handel's Water Music Messiah" (adaptado de la Biblia y los Salmos del Libro de Oración Anglicano, dividido en tres partes, que narra el nacimiento, crucifixión y resurrección de Jesús)
Johann Sebastian Bach
John Sebastian.Johann Sebastian Bach
Nacido en un famoso pueblo del centro de Alemania Una familia de músicos
En 1708, se desempeñó como organista en la Corte de Weimar, donde compuso obras para órgano, entre ellas "Preludios de los dieciocho himnos".
De 1718 a 1723, fue director de banda del Príncipe Leopoldo de Cotten, componiendo principalmente música instrumental profana. Sus obras incluyen "Mean Time Piano Music" Volumen 1, "Sonata para violín sin acompañamiento" y "Concierto de Brandeburgo".
En mayo de 1723 se trasladó a Leipzig y se desempeñó como director musical de la Escuela Thomas y director musical de la ciudad de Leipzig. En ese momento, planeó componer cinco salmos para el Año Eclesiástico, dos de los cuales finalmente se completaron; se conservan más de doscientos salmos de Bach; También compuso dos no Pasiones. Estas obras trascienden las limitaciones de los rituales religiosos, son extremadamente dramáticas y encarnan el profundo espíritu humanitario de las obras de Bach.
Obras importantes: "El clave bien temperado" es una obra muy importante en la creación musical instrumental de Bach. Cada obra incluye 24 preludios y fugas, **** 48 piezas. Muestra que uno puede transponer libremente en cualquier tono utilizando los doce temperamentos iguales.
En 1721, recopiló seis de sus mejores conciertos y los dedicó a Christian Ludwig, margrave de Brandeburgo. Margrave Ludwig, seis famosos conciertos de Brandeburgo. Los famosos seis Conciertos de Brandeburgo demuestran su habilidad para componer conciertos de gran escala. La obra es a gran escala y utiliza una variedad de combinaciones de instrumentos solistas.
En 1733 compuso "Misa en si menor".
Sus últimas obras representativas incluyen "Variaciones Goldberg", "Musical Devotion" y "The Art of Fugue" (comenzó a escribir a mediados de la década de 1940 y resumió la fuga que se desarrolló hasta su apogeo en el período barroco)
Características de la música de Bach: 1. Las obras absorbieron ampliamente varios estilos y formas musicales populares en los países europeos a principios del siglo XVIII y los desarrollaron para convertirlos en la forma musical más popular. Las características de la música de Bach son:
1 Absorbió ampliamente los estilos y formas de la música popular en varios países europeos a principios del siglo XVIII y los desarrolló a nuevas alturas
2 La armonía; en las obras El equilibrio perfecto entre los dos elementos opuestos de la polifonía;
3 El tema es extremadamente conciso, lleno de personalidad, rico en imaginación y fuerte expresividad, y las habilidades musicales son extremadamente perfectas;
Términos y análisis en este capítulo:
Términos:
El estilo moderno (ornamento) se refiere al uso de disonancias no preparadas o soluciones informales en las obras
p>Bajos generales: una parte de bajos independiente recorre toda la obra; encima hay una parte de agudos más hermosa y decorativa.
Canción profana: Término general para una canción solista profana con acompañamiento de bajo que apareció en Italia en la primera mitad del siglo XVII.
Recitativo: Un estilo de música casi oral.
Interludio: Obra alegórica, mitológica o pastoril representada entre actos cómicos que aparecieron en las cortes italianas en el siglo XV.
"Obertura Italiana": Considerada la precursora de la sinfonía, consta de tres partes diferenciadas: rápida - lenta - rápida, con un adagio contrastado en el medio, y finalmente un allegro en tres tiempos, con un ritmo. similar a chigue.
Fuga: Género polifónico que utiliza una estricta imitación del canon.
staccato: textura arpegiada con ritmo delicado.
Concierto: Concierto en el que solistas y coros, dos orquestas independientes y diferentes instrumentos cantan y tocan juntos. Introducir el significado del término "Barroco" en la historia de la música.
El barroco portugués originalmente se refería a perlas con formas irregulares y no redondas, y ahora se refiere al estilo arquitectónico de lujo europeo del siglo XVII y principios del VIII. Los músicos tomaron prestado el término para resumir los estilos musicales del mismo período (ver más abajo).
2. ¿Cuáles son las características melódicas de la música barroca?
Las frases varían en longitud y la respiración es larga, ya sea música vocal o instrumental, la melodía es hermosa y compleja sin precedentes, con muchos sonidos decorativos y patrones de sonido progresivos. Como ocurre con las melodías del Renacimiento, sus progresiones son a menudo figurativas y simbólicas. Lo que llama la atención es la clara naturaleza armónica de la melodía.
3. ¿Cuál es el ritmo de la música barroca?
Existen dos tipos principales de ritmo: el ritmo libre y el ritmo rítmico, regular. El primero se utiliza para recitativos, toccatas, preludios, etc., y el segundo para arias, fugas, danzas, etc., y se mantendrá siempre en un movimiento. Los dos ritmos se utilizan a menudo juntos, como en baladas y arias, preludios (o toccatas) y fugas.
4. ¿Qué modos se utilizan en la música barroca?
Sistema mayor/menor, que sustituyó al antiguo "modo eclesiástico".
5. ¿Qué es la armonía de la música barroca?
La música barroca formó un sistema funcional completo de tonalidades mayores y menores centradas en la tonalidad principal, tonalidades secundarias y tonalidades subordinadas, y utilizó la disonancia para transformar la tonalidad, haciendo la armonía dinámica y emocional. La invención de los doce temperamentos iguales en el siglo XVII está estrechamente relacionada con el desarrollo general del sistema armónico.
6. ¿Qué es un contrabajo?
Un método de composición exclusivo del periodo barroco. La parte de bajo de un instrumento de teclado (normalmente un clavicordio) se escribe con una nota clara y un número que indica la armonía encima (por ejemplo, el número 6 indica que la nota debe tener sextas y terceras encima). El intérprete toca la armonía del bajo basándose en esta señal, y el intérprete elige la disposición tonal y la textura de los acordes.
7. ¿Cuál es la textura de la música barroca?
Domina la textura polifónica y sus habilidades de escritura han alcanzado alturas sin precedentes. A diferencia de la polifonía renacentista, se basa en la armonía funcional en contrapunto. Al mismo tiempo, también hay muchas obras que utilizan la textura del tono principal.
8. ¿Qué es la forma barroca?
Dominan las estructuras multimovimiento que contrastan entre sí en ritmo, velocidad y estilo, como suites, variaciones, conciertos, cantatas, oratorios, etc., y la combinación de preludios, fugas, recitativos, y arias También se usan muy comúnmente. La estructura interna de una obra musical polifónica es un continuo (no segmentos) escrito de manera imitativa, pero con elementos claros de expresión, desarrollo y reproducción. Además, existen estructuras segmentarias, variaciones, rellenos y chaconas que son variaciones de una melodía de bajo fija. [Acerca de Canadá: Maple Leaf Forum rolia.net/forum]
9.
Música vocal: misas, motetes, himnos congregacionales, óperas, oratorios, cantata, pasiones y diversas piezas solistas y corales. Música instrumental: Toccata, preludio, fantasía, fuga, variaciones, suite, sonata (principalmente sonata solista y sonata trío), concierto (concierto orquestal, concierto grosso, concierto solista).
10. ¿Cuál era el talante musical del periodo barroco?
Mantener un estado de ánimo básico dentro de un movimiento y formar contraste entre movimientos.
11. ¿Qué tan dinámica es la música barroca?
No hay cambios sutiles en crescendos y decrescendos, pero se utiliza un "crescendo escalonado" más claro.
Sección 1 El nacimiento de la ópera y sus inicios
1. ¿Cuándo y dónde nació la ópera? ¿Cómo nació?
La ópera nació en Florencia, Italia, a finales del siglo XVI y principios del XVII. A finales del siglo XVI y principios del XVII, Vincenzo Galilei, miembro de la cameraata (que significa club o pequeño grupo) de la corte Badi, y los florentinos fundaron la ópera en Florencia. Galilei y el erudito florentino May nacieron sobre la base de una gran cantidad de investigaciones sobre las tragedias griegas antiguas.
2. ¿Qué formas musicales existían antes de la ópera?
La combinación de música y teatro se remonta a la antigüedad, incluyendo la tragedia griega antigua, el drama ritual medieval, el drama de misterio religioso, el drama de milagros, así como las suites pastorales, los dramas pastorales, los interludios, etc. en el Renacimiento.
3.Introducción al teatro intermedio y a las óperas pastoriles.
Un intermezzo es un sketch musical que se realiza entre dos actos de una obra de teatro. El drama pastoral es una obra de teatro con música y música basada en leyendas o temas rurales.
4. ¿Cuál fue la primera ópera de la historia? ¿Quién lo creó? ¿Dónde se desarrolla la historia?
"Daphne" (Rollia niet>
"Daphne" fue creada en 1597. El libreto fue escrito por Linuccini y la música compuesta por Perry. La historia está basada en la mitología griega.
5. ¿Quién la compuso?
Euridice fue escrita en 1600, fue escrita por Linuccini y compuesta por Perry y Caccini. p>
6. ¿Cuál es la forma más temprana de música de ópera?
La parte vocal es la parte principal, acompañada de un pequeño número de instrumentos y un continuo. simple.
7. Describe la filosofía de creación de ópera de Monteverdi y la forma de ópera temprana que estableció. /p>
El énfasis principal está en la musicalidad y la expresión emocional, amplió las líneas melódicas del recitativo. cantando y contrastándolo con las repetidas alternancias de cantos, dúos y pastorales. Utilizó un acompañamiento orquestal más amplio y creó un fuerte efecto dramático a través del vibrato, pizzicato y armonías disonantes de instrumentos de cuerda. Añadió pasajes instrumentales a la ópera, como el. "Toccata" de apertura (que luego se convirtió en la obertura) y la danza en el medio. El patrón básico de la ópera se formó en su creación.
8. "Europa" (o traducido como "Orfeo"), "Arianna"
9. Después de Monteverdi, ¿quién fue la figura representativa de la ópera veneciana (la escuela veneciana en el ámbito de la ópera) en el siglo XVII?
Los alumnos de Monteverdi, Cavalli (1602-1676) y Chesti (1623-1669).
10. ¿Quién fue el principal representante de la ópera (Escuela de Nápoles o Escuela de Nápoles) en Nápoles, Italia en el siglo XVIII? ¿Cuáles son las características de sus obras?
A. Alejandro Scarlatti (1660-1725). Dio gran importancia al papel lírico de la música en la ópera, enfatizó el poder expresivo de las arias y creó la estructura formal ABA, llamada "regreso al comienzo del aria" o "reaparición del aria" (da capo aria). Su orquesta era más completa y creó la obertura de ópera "rápido-lento-rápido" (entonces conocida como la "Sinfonia").
11. ¿Cuáles son las características de la ópera de Nápoles?
La ópera se centra en la belleza de la voz del solista y los efectos externos de la música, y persigue la estilización del lenguaje y la forma musical. La textura musical es simple, con la melodía solista como foco principal y el estilo. El acompañamiento armónico es sencillo. Sus defectos son la falta de autenticidad y la tensión dramática. Esta tendencia provocó el declive de la ópera en el siglo XVIII.
12. Introducir el recitativo y el aria.
El recitativo se usa en la ópera (u oratorio) para el diálogo de los personajes y el desarrollo de la trama, y la melodía está cerca de la recitación; el aria se usa para expresar las emociones de los personajes y mostrar habilidades de canto. Precioso y la gama es amplia.
13. ¿Qué es el recitativo de recitación vernácula (también traducido como recital claro, recital seco, recitativo secco, recitado seco) y recitativo con acompañamiento (recitativo obbligato, acompagnato)? { Maple Forum rolia.net/forum }
La primera es una recitación acompañada únicamente de clavicémbalo e instrumentos bajos, y se utiliza principalmente para diálogos y monólogos a gran escala. Este último va acompañado de una orquesta y se utiliza en escenas dramáticas intensas y también se le llama rioso (rioso o recitativo arioso) porque tiene en cierta medida las características de un aria.
14. ¿Qué es "Da Capo Aria"?
El "Da Capo Aria" es un aria de tres partes que el cantante puede reproducir como desee.
15. ¿Cuál es la obertura de la ópera italiana creada por A. Scarlatti?
(Ver pregunta 10 de este apartado)
16. ¿Cómo se formó la ópera francesa?
La ópera francesa introducida desde Italia en el siglo XVII tuvo inmediatamente las características de la francesa: enfatizaba el recitativo y resaltaba el ritmo y el ritmo del francés en el recitativo. La escena de la danza es extremadamente; magnífica, que muestra la grandeza de la vida del emperador; la obertura de la ópera adopta el arreglo rítmico opuesto al de Italia: lento-rápido-lento. -velocidad.
17. ¿Qué compositor estableció la forma de ópera francesa?
Lully (1632-1687), originario de Italia. (Consulte la pregunta 15 anterior para conocer el estilo de la ópera)
18. Describa la contribución histórica del compositor francés Rameau.
Creó un gran número de óperas y obras para clavicordio, pero lo más importante es que publicó "Teoría básica de la armonía" en 1722, que sentó las bases de la teoría de la armonía moderna.
19. ¿Quién es la figura representativa de la creación de ópera británica? Por favor nombra una obra maestra.
Purcell (1659-1695), cuya obra representativa es "Didon and Ini".
20. Describir musicales alemanes.
Ópera de diálogo popular alemana, la música tiene características nacionales distintivas. Tuvo una importante influencia en el desarrollo de la ópera alemana.
21. Introducción al Oratorio, Pasión y Cantata.
Oratorio: Música de letras de temas religiosos o épicos, interpretada en forma de solista, cantata, coro y música orquestal en iglesias o salas de conciertos. Los oratorios, a diferencia de las óperas, no cuentan con técnicas escénicas complejas ni acciones dramáticas.
Oratorio: La forma musical es la misma que el oratorio, pero cuenta principalmente la historia de la pasión de Cristo.
Cantata: También traducida como cantata, es un género con solista, dúo, coro y orquesta, con contenido tanto religioso como profano. Al igual que ocurre con el oratorio, no hay recursos escénicos ni acción dramática.