Acerca de la pintura al óleo

Herramientas de pintura al óleo

Utiliza aceite vegetal transparente para mezclar pigmentos y crear imágenes artísticas sobre tela, papel, tablas de madera y otros materiales que se hayan utilizado como base. Se originó y desarrolló en Europa y se convirtió en un tipo de pintura importante en todo el mundo en los tiempos modernos. La pintura al temple, que apareció en la pintura europea antes del siglo XV, fue la predecesora de la pintura al óleo. Mientras usaban pintura al temple, muchos pintores continuaron buscando agentes de mezcla más ideales. Generalmente se cree que los pintores holandeses hermanos Van Eyck de principios del siglo XV fueron los fundadores de las técnicas de pintura al óleo. Basado en los intentos de sus predecesores de disolver pigmentos con aceite, usaron aceite de linaza y aceite de nuez como agentes mezcladores para pintar, lo que hizo que las pinceladas fueran suaves al pintar, y la pintura tardó un tiempo moderado en secarse en la pantalla, lo que hizo que el El proceso de pintura es más fácil. Se cubre y modifica muchas veces para formar niveles de color intensos y brillo. Después del secado, el pigmento tiene una fuerte adherencia y no es fácil de despegar ni decolorar.

Utilizaron nuevos materiales de pintura al óleo para crear obras y fueron muy influyentes en el mundo de la pintura en ese momento. La tecnología de la pintura al óleo pronto se extendió a otros países de Europa occidental, especialmente a Venecia, Italia, donde se desarrolló rápidamente.

Materiales y herramientas Los principales materiales y herramientas para pintar al óleo incluyen pintura, pinceles, cuchillos de dibujo, lienzos, barnices, marcos exteriores, etc. ① Los pigmentos se dividen en dos categorías: síntesis mineral y química. Los pigmentos iniciales eran en su mayoría pigmentos minerales, que se molían a mano hasta obtener un polvo fino y luego se mezclaban al pintar. En los tiempos modernos, las fábricas los producen en lotes y los colocan en tubos de estaño, y los tipos de pigmentos también están aumentando. El rendimiento de los pigmentos está relacionado con los componentes químicos que contienen. Al mezclar colores, las reacciones químicas pueden provocar reacciones adversas entre algunos pigmentos. Por lo tanto, dominar las propiedades de los pigmentos te ayudará a dar rienda suelta a tus habilidades para pintar al óleo y hacer que los colores de tus obras permanezcan sin cambios durante mucho tiempo.

② Los pinceles están hechos de pelo de animal con una elasticidad moderada y vienen en formas redondas con bordes afilados, planas con bordes planos, planas con bordes cortos y en forma de abanico.

③ La espátula para pintar, también conocida como espátula, está hecha de láminas de acero delgadas y elásticas. Hay formas puntiagudas y redondas. Se usa para mezclar pintura de manera uniforme en la paleta. Con un cuchillo en lugar de un bolígrafo, puedes pintar directamente con el cuchillo o formar parcialmente capas de pintura y textura en el lienzo para aumentar tu poder expresivo.

④ El lienzo, un lienzo estándar, se fabrica tensando lino o lienzo sobre un marco interior de madera, luego mezclando pegamento o aceite con polvo blanco y pintándolo sobre la superficie de la tela. Generalmente, se convierte en una base que no absorbe aceite y tiene un cierto efecto de textura, o se puede convertir en una base semi-absorbente de aceite o completamente absorbente de aceite según las necesidades creativas. El grosor del patrón de tela depende del tamaño de la pintura y también se selecciona en función de las necesidades del efecto de la pintura. Algunos pintores utilizan lienzos que han sido pintados con un color de fondo, que puede formar fácilmente un tono unificado en la imagen, y el color de fondo puede revelarse sin darse cuenta al pintar. Después de la imprimación, en lugar de lienzo también se puede utilizar madera o cartón que no absorba aceite.

⑤ El aceite de barniz generalmente se aplica después de completar y secar la pintura al óleo para mantener el brillo de la imagen y evitar la erosión del aire y la acumulación de suciedad.

⑥ Marco exterior. Una pintura al óleo completa incluye un marco exterior, especialmente una pintura al óleo muy realista. El marco exterior forma el límite del campo de visión de la obra del espectador, haciendo que la imagen parezca completa y concentrada. La imagen del objeto se desarrolla en profundidad en la percepción del espectador. El grosor y tamaño del marco dependen del contenido de la obra. Los marcos exteriores de las pinturas al óleo clásicas están hechos en su mayoría de madera y yeso, mientras que los marcos exteriores de las pinturas al óleo modernas están hechos en su mayoría de materiales metálicos como la aleación de aluminio.

Técnicas Las limitaciones de las herramientas y materiales de la pintura al óleo conducen a la complejidad de las técnicas de pintura al óleo. A lo largo de los siglos, los artistas han creado una variedad de técnicas de pintura al óleo en la práctica para resaltar todo el efecto expresivo de los materiales de pintura al óleo. Las principales técnicas de pintura al óleo son:

① Método de superposición de color transparente, es decir, el uso de pigmentos que no agregan blanco sino que solo se diluyen con una mezcla de aceite para crear representaciones de múltiples capas. La siguiente capa de color debe pintarse después de que cada capa esté seca. Dado que el color de cada capa es más fino, el color de la capa inferior puede revelarse vagamente, formando un cambio sutil de tono con el color de la capa superior. Por ejemplo, aplicar un azul constante sobre una capa de color rojo oscuro producirá un rico efecto de azul a púrpura, es decir, frío pero cálido. Este es a menudo un tono que no se puede resaltar en la paleta. Este método de pintura es adecuado para expresar la textura y el grosor de los objetos. Puede representar de manera especialmente vívida los delicados cambios de color de la piel de los personajes, haciendo que la gente sienta que la sangre fluye debajo de la piel.

Sus desventajas son que la gama de colores es estrecha, el proceso de producción es meticuloso, lleva mucho tiempo completar la obra y no es fácil expresar las emociones inmediatas de creación artística del artista.

② Método de coloración opaca, también llamado método de coloración multinivel. Al pintar, primero use un solo color para dibujar la apariencia general del cuerpo y luego use varias capas de color para darle forma. Las partes oscuras a menudo se pintan más finas y las partes de tonos medios y brillantes se pintan de manera espesa capa por capa. cubriéndolos o dejándolos formando un bloque de color contrastante. Los diferentes espesores revelan el rico encanto y la textura de los colores. No existe una distinción estricta entre los dos métodos de pintura, transparente y opaco, y los pintores suelen utilizar ambos en una sola pintura. Al expresar objetos en partes oscuras o sombras, el método de superposición transparente puede producir una sensación estable y profunda de volumen y espacio; el método de superposición opaca puede dar forma fácilmente a formas fuera de las partes oscuras y aumentar la saturación de color de la imagen. La mayoría de los pintores anteriores al siglo XIX utilizaban estos dos métodos de pintura. La producción de las obras generalmente tomaba mucho tiempo. Algunos pintaban una capa y la dejaban durante mucho tiempo, esperando que la capa de color se secara por completo antes de pintar.

③ Método de coloración opaca de una sola vez, también llamado método de coloración directa. Es decir, después de dibujar el contorno del objeto en el lienzo, los colores se colocan según la sensación de color del objeto o la concepción del color de la imagen. Básicamente, la pintura se completa al mismo tiempo. Se raspa con una espátula y luego se continúa coloreando. En este método de pintura, la pintura utilizada en cada trazo es relativamente espesa, la saturación del color es alta y las pinceladas son más claras, lo que facilita expresar los sentimientos vívidos al pintar. Muchos pintores después de mediados del siglo XIX adoptaron principalmente este método de pintura. Para lograr el efecto de una capa de color completo después de una coloración, es necesario prestar atención a la aplicación de pinceladas, es decir, el método de recubrimiento. Los métodos de recubrimiento comúnmente utilizados se dividen en recubrimiento plano, recubrimiento suelto y recubrimiento grueso. . La pintura plana consiste en utilizar trazos uniformes y de fuerza unidireccional para pintar una gran área de color, que es adecuada para dar forma a formas estáticas en una composición estable y suelta, se refiere al uso del pincel de acuerdo con la tendencia de giro natural; la forma pintada y los trazos son relativamente sueltos y flexibles; el empaste es una gruesa pila de pintura en su totalidad o en parte, que a veces forma capas de color o bloques de color de hasta varios milímetros, lo que hace que la pintura muestre el interés de la textura y fortalece la imagen. Como lenguaje artístico, la pintura al óleo incluye muchos factores de modelado como color, luces y sombras, líneas, textura, pinceladas, textura, percepción de la luz, espacio, composición, etc. La función de las técnicas de pintura al óleo es incorporar varios factores de modelado de manera integral o Centrándose en elementos individuales, el rendimiento de los materiales de pintura al óleo ofrece plenamente la posibilidad de utilizar técnicas de pintura al óleo en un plano bidimensional. El proceso de producción de pintura al óleo es un proceso creativo en el que el artista controla consciente y hábilmente los materiales de pintura al óleo, selecciona y utiliza técnicas que pueden expresar ideas artísticas y formar imágenes artísticas. Las pinturas al óleo no sólo expresan el contenido ideológico dado por el artista, sino que también demuestran la belleza única del lenguaje de la pintura al óleo: la pictórica.

Desarrollo El proceso de desarrollo de la pintura al óleo ha pasado por varios períodos: clásico, moderno y moderno. Las pinturas al óleo en diferentes períodos están dominadas por las ideas y técnicas artísticas de la época, y muestran diferentes apariencias.

Las condiciones históricas en las primeras etapas del desarrollo de la pintura al óleo establecieron la tendencia realista de la pintura al óleo clásica. Durante el movimiento renacentista europeo del siglo XV, el pensamiento humanista se basaba en la crítica a la religión y tenía una exigencia positiva de prestar atención a la realidad social para ir desprendiéndose poco a poco de la creación única de los clásicos cristianos, muchos pintores famosos comenzaron a hacerlo. Observe y represente directamente los personajes, paisajes y objetos de la vida en ese momento, de modo que las obras de temática religiosa contengan elementos realistas y seculares obvios. Algunos pintores representaron completamente las escenas reales de la vida real. Los pintores de la época del Renacimiento heredaron los conceptos artísticos de Grecia y Roma, es decir, no sólo se centraron en describir un determinado evento o hecho en sus obras, sino que también revelaron las causas y consecuencias del evento o hecho, formando así un modelo que centrado en la concepción y las técnicas artísticas para crear imágenes típicas. Al mismo tiempo, el pintor también exploró la aplicación de la anatomía, la perspectiva en la pintura y el papel de la distribución de la luz y la oscuridad en la imagen, formando principios científicos del modelado.

El uso de la anatomía humana permite que las figuras en las pinturas tengan proporciones, formas y relaciones estructurales que son tan precisas como la realidad; el establecimiento de una perspectiva enfocada permite que las pinturas formen un espacio de profundidad ilusorio a través de la composición. La escena tiene la misma experiencia visual instantánea direccional que en la realidad; el método del claroscuro unifica los objetos de la pintura bajo la luz de una fuente de luz principal, formando capas claras de cerca a lejos.

El tema artístico del humanismo y la búsqueda de conceptos de modelado realistas no se pueden perfeccionar en otros tipos de pinturas

debido a las limitaciones de los materiales de las herramientas, y las propiedades materiales de las herramientas de pintura al óleo son adecuadas para encarnar completamente los dos. . Como resultado, las pinturas al óleo clásicas adquieren apariencias muy realistas que se han producido durante un largo período de tiempo.

La pintura al óleo clásica en su conjunto es el resultado de la aplicación simultánea y exhaustiva de varios factores en el lenguaje pictórico. Sin embargo, sobre esta base, artistas de diferentes países y diferentes épocas prestaron especial atención a uno o más. varios factores, formando diferentes estilos. Literatura y arte

Los pintores italianos del Renacimiento prestaron más atención al uso del claroscuro. Las partes oscuras de la escena del cuadro estaban uniformemente envueltas en sombras, y el límite entre la luz y la oscuridad mostraba una suavidad. transición, creando un efecto concentrado y fluido. "La Virgen de las Rocas" de L. Leonardo da Vinci es un representante de este estilo. Los pintores holandeses de la misma época representaron claramente cada detalle del paisaje en la pintura. La diferencia entre los paisajes fue la diferencia de color más que la transición entre la luz y la oscuridad. El retablo de tres hojas de R. Camping "Notificación de la Concepción" fue presentado meticulosamente. Todo en interior y exterior. Tiziano en Italia fue el primer pintor que prestó especial atención a la expresividad del color en las pinturas al óleo. Pintó sobre un fondo oscuro y, a menudo, utilizó colores brillantes con brillo similar y tonos ligeramente diferentes para crear un hermoso tono dorado. A veces es grueso y a veces fino, combina orgánicamente color y forma, creando un efecto de textura.

El siglo XVII fue un período de rápido desarrollo de la pintura al óleo clásica europea. Pintores de diferentes regiones y países llevaron a cabo diferentes exploraciones en profundidad en el lenguaje de la pintura al óleo en función de sus orígenes sociales y temperamentos nacionales. Los tipos de pinturas al óleo fueron El tema se divide en pinturas históricas, pinturas de historias religiosas, retratos de grupo, retratos individuales, pinturas de paisajes, pinturas de bodegones, pinturas de género, etc. Las técnicas de pintura al óleo también se han enriquecido cada vez más y se han formado escuelas en varios países y regiones.

Algunas pinturas al óleo del siglo XVII enfatizaron la sensación de luz de las pinturas al óleo, utilizando el contraste de colores cálidos y fríos, el contraste de intensidad de luz y oscuridad, y el contraste de espesor y espesor para crear una sensación. de luz, formando una atmósfera dramática en la imagen. El pintor italiano Caravaggio rompió el efecto de luz ordenado y armonioso de sus pinturas al óleo anteriores. Intensificó el contraste entre la luz y la oscuridad en la imagen, utilizando a menudo grandes áreas oscuras en el plano de fondo para resaltar las figuras brillantes en el primer plano, haciendo personas. Siento que la luz del cuadro es deslumbrante. El pintor español El Greco trató el paisaje bajo luces y sombras moteadas. No utilizó los dos aspectos de la luz y la oscuridad, sino que la distribución intermitente de la luz y la oscuridad también formó cambios continuos intermitentes, utilizando el pincel. Los colores son dignos y se infiltran entre sí durante la extrusión. Las imágenes dan a la gente un efecto confuso, y algunas incluso están llenas de una atmósfera de misterio e inquietud. El pintor holandés Rembrandt también utilizó el sentido de la luz en sus cuadros como medio para expresar el estado mental de las personas. En una gran cantidad de retratos que realizó, los personajes aparecen envueltos en grandes zonas de oscuridad, quedando únicamente los rostros, las manos, etc. Expresar expresiones Las partes importantes muestran un brillo vívido. Usó colores tranquilos para aplicar múltiples capas delgadas en las áreas oscuras para que parecieran profundas, mientras pintaba las áreas brillantes usando pintura espesa y una técnica de color de pila de cuchillos para crear una sensación de volumen pesado.

Al mismo tiempo, muchos pintores también se centraron en explorar el uso de la pincelada. Las pinceladas

son rastros del movimiento de un pincel al óleo con pigmento sobre el lienzo. En las primeras pinturas al óleo, el grosor de la capa de pintura en cada parte de toda la pintura es relativamente consistente y las pinceladas son uniformes. aplicado, casi sin pinceladas visibles. Los pintores del siglo XVII notaron que el movimiento de las pinceladas estaba impulsado por su estado mental y ritmo emocional durante la creación. Al pintar, los pintores pueden producir emociones que controlan el movimiento de las pinceladas, como la ligereza, el peso, la lentitud, la urgencia y el movimiento. de las pinceladas. La dirección no sólo hace que la imagen moldeada parezca vívida, sino que las pinceladas en sí mismas también tienen expresión artística.

El pintor flamenco P.P. Rubens utilizó pinceles grandes bañados en colores finos y brillantes para pintar en muchas obras de gran formato. Utilizó el pincel según la forma de los personajes, dejando líneas libres y desenfrenadas, en su mayoría curvas. Las pinceladas crean fuertes movimientos del cuerpo y conflictos dramáticos de la trama. El pintor holandés F. Hals utiliza pinceladas ligeras y flexibles para representar retratos, dándoles una sensación de viveza que conserva el espíritu de los personajes, complementando su tendencia a expresar personajes heroicos y optimistas. Otro

El pintor holandés J. Vermeer es bueno al utilizar pinceladas finas y redondas que parecen perlas para representar figuras interiores, dando al cuadro una atmósfera tranquila y cálida.

El desarrollo de la pintura al óleo tuvo nuevas tendencias en el siglo XIX, principalmente el cambio de colores de la pintura al óleo. El pintor británico J. Constable fue el primero en utilizar directamente pinturas al óleo para dibujar al aire libre y obtener una rica experiencia de color. Utilizó pequeñas pinceladas para yuxtaponer colores en áreas locales y mezclarlos en bloques de colores más brillantes. La imagen es más brillante que el clásico marrón. tonos.muchos. El principio de complementariedad de los colores (el principio de que los colores en los dos polos de la rueda cromática pueden realzar el brillo y la intensidad de cada uno cuando se yuxtaponen) fue reconocido científicamente más tarde, pero Constable obtuvo el principio de colores complementarios de forma perceptiva basándose en su observación de la naturaleza. , y en Parcialmente utilizado en la práctica. Sus obras inspiraron al pintor francés E. Delacroix. Delacroix utilizó ideas románticas para dominar sus creaciones y creó grandes pinturas temáticas basadas en acontecimientos históricos de esa época. Aplicó más la relación de color complementario a la expresión cromática de la creación y utilizó pinceladas activas para formar contrastes de color en muchas partes de la imagen, realzando el brillo y la magnificencia de los colores, formando un estilo que conmocionó al mundo de la pintura en ese momento. Muchos pintores de la Escuela de Barbizon en Francia dibujaron paisajes bajo diferentes condiciones climáticas naturales. Reconocieron la relación entre el color de la fuente de luz, el color inherente y el color ambiental de la escena, y se dieron cuenta de que el color juega un papel importante al reflejar el tiempo, el entorno. atmósfera, realza el tema artístico y constituye el gran significado de la concepción artística y el sentimiento de la imagen. Sus numerosas creaciones paisajísticas representan atmósferas cromáticas específicas, como el viento, la lluvia, la mañana y el atardecer en la naturaleza. Sobre esta base, los pintores impresionistas franceses hicieron contribuciones innovadoras en el uso del color. Absorbieron los logros de la óptica y la química del teñido, y resolvieron los problemas de color de las pinturas al óleo con el principio de mezcla de colores y luces. Pintores como C. Monet y A. Sisley capturaron la impresión instantánea de color dada por los cambios de luz en la superficie de una escena al aire libre y yuxtapusieron colores contrastantes con pinceladas finas y gruesas. Se dieron cuenta de que las partes oscuras o las sombras no son cambios. en tonos de negro, cambió el método tradicional de usar un solo color armonizado para pintar las partes oscuras, y también usó puntos de color para yuxtaponer las partes oscuras y las sombras. Debido al efecto de la fisiología visual, los puntos de color yuxtapuestos aparecen como bloques de color transparentes con una tendencia al frío y al calor cuando se ven desde cierta distancia, formando una transición sutil. El impresionismo diluyó el volumen del paisaje y fortaleció el factor color. Ya no se basaba en la luz, las sombras y las líneas para formar una sensación de distancia espacial, sino que se basaba en el principio del reflejo de la luz del color.

Utilizando el frío. y colores cálidos para formar el espacio. Las obras impresionistas eran brillantes y vívidas sin precedentes, lo que demostraba que el color tenía un poder tanto integral como puramente expresivo.

En el siglo XIX, la pintura al óleo europea surgió como una escuela con propuestas artísticas claras, aunque se reflejaba principalmente en la temática y el contenido artístico, las técnicas de la pintura al óleo también tenían características propias. Por ejemplo, el neoclasicismo se centra en el rigor y la solidez del modelado de objetos en las pinturas al óleo, lo que está en consonancia con las reglas de modelado de la tradición clásica. El romanticismo se centra en el tema de la tragedia y se esfuerza por crear pinturas con colores, elementos de pincelada y líneas en movimiento; en la composición. Aunque la apariencia de las pinturas al óleo modernas ha sido relativamente rica, todas tienen las características generales del realismo. Todas se expresan de la siguiente manera: una pintura al óleo es la unidad de la forma de arte y el tono principal de color unifica todos los aspectos de la imagen. Los colores locales, los colores locales forman una relación armoniosa entre sí en el gradiente de transición, y no hay bloques de color aislados que se utilizan básicamente para dar forma a la imagen, con un grado limitado de exposición.

y. unificados en él, ya sea largo o corto, en alguna tendencia ordenada; los objetos representados se unifican en la composición del foco central, formando un efecto isomórfico con el campo de visión real.

Desde finales del siglo XIX, la pintura al óleo occidental ha experimentado cambios fundamentales. Las funciones artísticas relativamente estrechas y las técnicas realistas integradas de la pintura al óleo tradicional han alcanzado un alto grado de saturación en sus propios sistemas y, por lo tanto, tienden a desintegrarse en medio de cambios en los conceptos filosóficos y artísticos. La pintura al óleo ya no sigue el principio de imitar y reproducir la naturaleza. La imagen artística de la pintura al óleo construida libremente por el artista se considera la nueva realidad. Los artistas ya no representan la naturaleza fielmente a través de la pintura al óleo, sino que utilizan la pintura al óleo como medio para expresar su propio mundo espiritual y emocional, construyendo obras a través de la imaginación, la fantasía y otros métodos. Tres pintores posteriores a los impresionistas fueron los primeros en abandonar el modo tradicional de pintar al óleo.

V. Van Gogh utilizó pinceladas rápidas y desenfrenadas para llenar los colores gruesos y brillantes con una fuerte sensación de fuerza, expresando su inquietud emocional interior. P. Gauguin utiliza colores y formas simbólicas para componer el cuadro. El espacio de la obra es contrario a la forma tradicional y tiene una atmósfera misteriosa y no descriptiva. P. Cézanne exploró el uso de formas geométricas para formar imágenes artísticas, creando una imagen que es un mundo rico en su propio orden. Sus obras se convirtieron en símbolos de los dramáticos cambios en la apariencia de la pintura al óleo.

En la pintura al óleo del siglo XX, diferentes conceptos artísticos formaron diferentes escuelas y restringieron la forma de arte para mostrar diversas tendencias. Ciertos factores en las técnicas tradicionales de pintura al óleo a menudo se fortalecen como expresión formal de conceptos artísticos. hasta el extremo, se valora mucho el lenguaje formal de la pintura al óleo. Por ejemplo: el cubismo, que ignora el color y se centra principalmente en la construcción libre de formas; el fauvismo, que se centra en el efecto equilibrado en un estado fuerte del color; el expresionismo, que expresa una psicología distorsionada mediante el uso desordenado de colores y pinceladas; con puntos, líneas y superficies de color El abstraccionismo de la pintura y el expresionismo abstracto de arrojar, salpicar y gotear pintura al azar sobre el lienzo. En los últimos cien años, ha habido muchas escuelas de pintura al óleo moderna en Occidente, y han cambiado una tras otra, siempre que se utilicen herramientas y materiales de pintura al óleo como medio de modelado, los artistas pueden crear cualquier apariencia de pintura al óleo. Con la continua expansión de los conceptos artísticos, los materiales de la pintura al óleo se han combinado con otros materiales, dando como resultado un arte integral que no pertenece a un tipo de pintura específico. Por lo tanto, la pintura al óleo también ha tendido a perder su estatus como tipo de pintura importante en el mundo. Oeste.

La pintura al óleo china se desarrolló a partir de la introducción de técnicas de pintura al óleo europeas. La Escuela Normal Excelente de Nanjing Liangjiang, establecida en 1902, fue la primera en establecer una especialidad de pintura occidental y contrató profesores extranjeros para enseñar pintura al óleo. Durante el mismo período, el gobierno Qing también envió estudiantes extranjeros a estudiar pintura al óleo en el extranjero. En 1887, Li Tiefu estudió en Inglaterra y Estados Unidos y recibió clases de pintores impresionistas. En 1904, Li Shuping estudió pintura al óleo en Japón. Además, hay sucesivos pintores que estudian en Europa por cuenta propia. A finales de la década de 1920, los estudiantes extranjeros regresaron a China uno tras otro y participaron activamente en la creación y educación de la pintura al óleo. Se formaron varias sociedades de pintura y arte con ellos como cuerpo principal, y se publicaron álbumes para presentar las pinturas al óleo occidentales. . De esta manera, la pintura al óleo se introdujo en China directamente desde Europa e indirectamente desde Japón, convirtiéndose en un nuevo tipo de pintura en el mundo de la pintura china.

Los estudiantes que estudiaban en el extranjero estudiaban en diferentes escuelas de arte o estudiaban con pintores de diferentes estilos, lo que hacía que las primeras pinturas al óleo chinas parecieran diferentes. Debido a la falta de atmósfera social para el arte de la pintura al óleo y las limitaciones materiales después de que el pintor regresó a China, las primeras pinturas al óleo chinas no eran tan ricas y expresivas como las pinturas al óleo occidentales. Algunas obras utilizan materiales de pintura al óleo para expresar el contenido y las características de modelado de las pinturas tradicionales chinas. Las imágenes a menudo parecen secas y estancadas, y no son fáciles de conservar durante mucho tiempo.

Desde la década de 1920 hasta la década de 1940, la Facultad de Arte de Pekín, el Departamento de Arte de la Universidad Central, la Facultad de Arte de Hangzhou, la Facultad de Arte de Shanghai, la Facultad de Arte de Suzhou, la Facultad de Arte de Wuchang y otras instituciones cultivaron una serie de talentos de pintura al óleo. Liu Haisu, Lin Fengmian y Xu Beihong fueron artistas de pintura al óleo que tuvieron una gran influencia en la educación y sus obras representaban el nivel más alto en ese momento. Muchos pintores representados por Xu Beihong insisten en tomar como tema el contenido de la vida real, representando temas específicos, centrándose en la forma rigurosa del cuerpo y los colores realistas. Los temas de sus obras están estrechamente relacionados con el trasfondo social e histórico de la época. >

estrecha relación, formando un fuerte significado educativo social. Algunos pintores, representados por Lin Fengmian y Liu Haisu, se centran en absorber varios estilos después del impresionismo europeo. Expresan principalmente sus sentimientos subjetivos sobre el paisaje a través de colores ricos y pinceladas libres. Las imágenes tienen un fuerte sentido de forma artística y en su mayoría son suaves. , interés relajado. Algunos de los pintores al óleo que regresaron de estudiar en el extranjero en la década de 1940 se adentraron en las Grutas de Dunhuang y otros lugares para estudiar el arte chino antiguo, y pintaron obras que absorbieron las formas y colores de las pinturas nacionales.

Después de la fundación de la República Popular China, la pintura al óleo china ha adquirido un amplio desarrollo. A finales de la década de 1950, la enseñanza y la creación de pintura al óleo sufrieron nuevas influencias extranjeras y se adoptó principalmente el modelo de pintura al óleo ruso-soviético. En el trabajo básico, las características de las técnicas de pintura al óleo son: centrarse en representar el efecto de los objetos bajo una fuente de luz principal, utilizando la progresión de tonos claros y oscuros, es decir, la relación entre el boceto, como factor dominante en el modelado.

El color expresa los tonos entre los objetos debido al efecto de los colores ambientales. Generalmente, se utiliza un método de pintura multicapa para mantener la transparencia de las partes oscuras y la superposición de las capas de color en las partes brillantes. Las pinceladas suelen ser amplias y obvias. , formando una transición y textura decentes del objeto.

La creación de pinturas al óleo chinas sigue principalmente los principios artísticos de reflejar la vida social real. Sobre la base de observar la vida, los materiales creativos se recopilan a través de métodos de dibujo para formar una concepción artística con un tema claro. creando escenas de un cierto estado instantáneo de la vida. Refleja el tema artístico y enfatiza la trama y la naturaleza literaria del contenido. La imagen generalmente tiene un sentido realista de enfoque y perspectiva, utilizando luces, sombras y formas para resaltar el tema. La tendencia del tono forma la concepción artística de la imagen y resalta el tema. Muchas obras basadas en la vida real y hechos históricos modernos reflejaron la conciencia social general en los años 1950 y la primera mitad de los años 1960, y las técnicas de pintura al óleo se hicieron cada vez más ricas, convirtiéndose en una forma de pintura vibrante en el mundo de la pintura china. A finales de la década de 1960, la pintura al óleo china pasó de un estrecho camino artístico a la conceptualización, con un contenido de expresión única. Muchas obras se convirtieron en ilustraciones de lemas políticos de la época, y las características de la pintura al óleo se perdieron casi por completo.

Después de 1979, la pintura al óleo china se desarrolló gradualmente con normalidad, cambiando la situación anterior de absorber un solo modelo de pintura al óleo y absorbiendo de manera integral varios estilos y escuelas occidentales, desde el clásico hasta el moderno. Los artistas prestaron más atención a la función estética de la pintura al óleo y a la diversificación e individualización del lenguaje formal de la pintura al óleo, lo que formó la prosperidad inicial de la pintura al óleo china. Entre ellos, el destacado estilo de pintura al óleo absorbe las técnicas de la pintura al óleo clásica francesa y presta atención a formas rigurosas y resumidas artísticamente.

Los delicados cambios de color y los colores de múltiples capas constituyen tonos armoniosos. Las obras son elegantes y la concepción artística es fresca. Algunos se basan en las técnicas del fotorrealismo americano y utilizan pinceladas extremadamente finas para representar objetos construidos racionalmente. Sus obras se basan en situaciones de la vida real y, a menudo, muestran un estado de ánimo sombrío. Cada vez más pintores buscan la expresión artística emocional, utilizando materiales de pintura al óleo de manera flexible para crear obras de arte individuales.

El rico poder expresivo de la pintura al óleo se ha vuelto cada vez más evidente en su desarrollo. Es un lenguaje artístico importante en el mundo para comunicar las emociones humanas.