Lección 8 ¿Son todas las obras de arte igualmente importantes?

-El significado y juicio de valor de las obras de arte

1. Análisis de los materiales didácticos

(1) Objetivos docentes

Teóricamente Una vez que se produce una obra de arte, ya no pertenece al artista, sino a toda la sociedad o audiencia. Por lo tanto, diferentes obras de arte tendrán diferentes significados y valores a los ojos de diferentes sociedades y audiencias. Ya hemos hablado de la importancia de comprender la intención creativa del artista en la lección anterior. Lo que esta lección quiere ilustrar es que la intención creativa del artista es sólo un aspecto de nuestra comprensión de la obra de arte, no el único, o puede proporcionar alguna referencia para nuestra comprensión de lo que la obra de arte requiere. nuestra audiencia nos dé su propia interpretación. Por lo tanto, el propósito docente de este curso es permitir a los estudiantes darse cuenta de que el significado y el valor de las obras de arte tienen un aspecto tanto absoluto como relativo. La participación activa es condición previa y garantía para la apreciación del arte. Sólo así podremos mejorar nuestra capacidad de apreciación del arte y cultivar nuestra visión estética.

(2) Estructura del contenido

Esta lección incluye principalmente cuatro partes.

La primera parte comienza con la historia de los antiguos pintores chinos Ma Yuan y Xia Gui. Como introducción, esta sección señala su contribución a la historia del arte chino, pero los emperadores Ming dieron explicaciones diferentes, explicando que la apreciación del arte requiere no sólo comprender la intención del artista, sino también el juicio del público sobre su significado y valor.

La segunda parte, “La Era y Región de las Obras de Arte”, narra la relación entre el significado y valor de las obras de arte y la época y región en la que fueron producidas, es decir, su producción es limitada. por la época y la región en ese momento la conciencia está estrechamente relacionada con ellos. Aquí hay un ejemplo del "padre" de Luo Zhongli. Esto puede entenderse en conjunto con las intenciones creativas del artista descritas en la lección anterior.

La tercera parte "¿Cómo juzgar el significado y el valor de las obras de arte?" toma como ejemplos las tres estatuas de David creadas por tres escultores en diferentes períodos de la historia occidental para explicar mejor el significado y el valor de las obras de arte. Las obras de arte y la época. La relación con la región señala que el significado y el valor de las obras de arte tienen un aspecto tanto absoluto como relativo. Este artículo también plantea la cuestión de la innovación artística, principalmente desde la perspectiva de comprender el significado y la integridad del valor de las obras de arte. Debido a que esta pregunta es relativamente compleja, no continuaré con ella y solo se usará como referencia en la enseñanza.

La cuarta parte es "¿Cómo ver las diferencias en el significado y el juicio de valor de las obras de arte?" Es una pregunta que sigue los aspectos relativos del significado y el valor de las obras de arte mencionados anteriormente. Parte enfatiza la importancia de los sentimientos y juicios personales de la naturaleza, dando diferentes ángulos y métodos para juzgar el significado y el valor de las obras de arte. Estos ángulos y métodos nos dicen que el significado y el valor de las obras de arte no son estáticos, sino que pueden entenderse en varios niveles, y cada nivel es parte del significado y el valor de las obras de arte. Esta explicación tiene un significado positivo para que los estudiantes participen activamente en la apreciación del arte. Pero también señala que a pesar de estas diferentes perspectivas y enfoques, la obra de arte en sí misma sigue siendo la base sobre la cual juzgamos el significado y el valor.

(3) Puntos clave y dificultades en la enseñanza

Hay dos puntos clave en la enseñanza de este curso: 1. Hacer comprender a los estudiantes que el significado y el valor de las obras artísticas están estrechamente relacionados con la época y la región, es decir, tanto la formación de este significado y valor como la capacidad y el alcance de las obras artísticas para generar significado y valor están limitados por la época. y región en la que se encuentran; 2. Hacer que los estudiantes comprendan que existen diferentes ángulos para juzgar el significado y el valor de las obras de arte, es decir, que puedan ver y comprender el significado y el valor de las obras de arte desde diferentes ángulos.

La dificultad de impartir este curso es que el significado y el valor de una obra de arte tienen un aspecto tanto absoluto como relativo. Juzgar con precisión el significado y el valor de una obra de arte implica muchos factores. No es fácil captar con precisión la relación entre ellos en la enseñanza, y es necesario prestarles atención en la enseñanza. Además, juzgar el significado y el valor de las obras de arte desde varios ángulos puede fácilmente hacer que los estudiantes tengan la ilusión de que las obras de arte pueden entenderse a voluntad. Esto es incorrecto y los profesores deben prestar atención para corregirlo en la enseñanza.

2. Información del contenido docente

(1) Análisis del trabajo

"Small Snow Mountain Tour" (pintura tradicional china) (Dinastía Song)

El hogar ancestral de Ma Yuan está en Hezhong (ahora condado de Yongji, provincia de Shaanxi) y nació en Hangzhou. Nació en una familia de pintores y ahora es la cuarta generación. Se desempeñó como pintor en las tres dinastías de Guangzong, Ningzong y Li Zong. Al igual que sus antepasados, Ma Yuan es un pintor integral que combina paisajes, figuras, flores y pájaros, y pinturas diversas. Es único en la pintura.

Sus obras más exitosas e influyentes son sus pinturas de paisajes. Debido a que la composición de sus pinturas a menudo coloca escenas reales en una esquina del cuadro, se las llama "esquinas de caballos". Pero además del primer plano de una esquina, también tiene un paisaje panorámico y también aprovecha sus ventajas en todos los sentidos. Sus obras a veces combinan flores y pájaros, paisajes, figuras y paisajes, y otras veces combinan figuras, flores, pájaros y paisajes, que son sumamente ricos y diversos.

La flauta de pesca silenciosa (pintura tradicional china) Xia Gui (Dinastía Song)

Siempre se ha llamado "Ma Xia" en la historia de la pintura porque sus estilos de pintura son realmente muy similar. La diferencia es: Ma Yuan es más caro, Xia Gui es más espontáneo; la pintura de Ma Yuan es más ajustada, la holgura de Xia Gui es más suelta, además, la tinta de Xia Gui es más vívida;

Xia Gui, natural de Qiantang, nació un poco más tarde que Ma Yuan. Estaba en Ning Zong y Li Zong, esperando una carta para la Academia de Pintura. Aunque es tardío en su generación, su reputación no es baja. Hay diez personas en el Imperial College, Xia Gui es una de ellas y disfruta del mismo trato que Su Hanchen, Lin Chun, Li Di y Ma Yuan. Había muchos rastros de Tang Li en sus primeros años, y gradualmente formó su propio estilo después de la mediana edad. En términos de diseño, le gusta concentrar el paisaje en un lado, o en la mitad inferior o en los lados izquierdo y derecho, mostrando el interés confuso del espacio, que se llama "Xia Banbian". El estilo en sus últimos años fue más conciso y atrevido. Como señaló Dong Qichang, Xia Gui también absorbió la técnica de la tinta de la pintura de paisajes de Mijia. Le encantaba salpicar tinta hasta marearse y luego usó un bolígrafo desnudo para teñirlo con tinta quemada. La pincelada es flexible y cambiante, con puntos, líneas cortas, ejes pequeños y ejes grandes utilizados alternativamente, con sombras y colores claros alternos, y las nubes son ligeras y el viento es suave.

Padre (Pintura al óleo, 240cm×160cm, 1980, Museo Nacional de Arte de China) Luo Zhongli.

Luo Zhongli (1948—) nació en el condado de Bishan, provincia de Sichuan. En 1964, fue admitido en la escuela secundaria afiliada a la Academia de Bellas Artes de Sichuan. Después de graduarme, viví en Dabashan, Sichuan, durante 10 años. En 1978, fue admitido en la Academia de Bellas Artes de Sichuan y creó el cuadro al óleo "Padre" durante sus estudios. Basándose en sus muchos años de experiencia trabajando y viviendo en las montañas de Sichuan, se basó en el realismo de la fotografía artística moderna occidental y creó la imagen de un viejo granjero trabajador, sencillo, amable y pobre en la forma de un gran líder. . Su rostro de bronce, las huellas dejadas por los largos y arduos años, sus manos rastrillando leña y su boca desdentada están llenos de los profundos sentimientos y reflexiones del pintor sobre esta realidad, despertando así la comprensión de la realidad por parte de la gente, especialmente de los agricultores. preocupación por el destino. Por ello, la exposición pública de esta obra despertó inmediatamente fuerte repercusión social y es una de las obras de arte más influyentes desde la fundación de la Nueva China.

"La Última Cena" (pintura al óleo, 365cm×568cm, 1592-1594, San Giorgio Tintoretto, Venecia (italiano).

Tintoretto (1518-1594) es considerado un Pintor manierista del Renacimiento. "Tintoretto" no es su verdadero nombre, porque nació en una familia de Dyer, por lo que recibió este apodo (que significa Dyer). Era un hombre ambicioso que amenazaba con combinar los colores de Tiziano con la figura de Miguel Ángel para convertirse en el más grande. Maestro del arte Para lograr efectos artísticos únicos, siempre eligió materiales raramente utilizados por otros en sus creaciones. El ángulo y la composición persiguen un gran encanto, un fuerte dramatismo y un excepcional sentido de la luz, ignorando la representación del temperamento interno y la personalidad de los personajes. y se centra principalmente en el efecto de la imagen.

"La Última Cena" es una "Última Cena" tradicional. El tema de "La Biblia" ha sido pintado por muchos pintores en diferentes épocas. "La Última Cena" de Tintoretto fue creada en 1547 y ahora se encuentra en la Iglesia de San Marcos, en Venecia. Pero las tres pinturas terminadas entre 1565 y 1594 son las más famosas (las primeras en la iglesia de Saint- Troba, el segundo del Gremio de San Rocco, y el tercero es este), este cuadro es más atrevido que cualquier otro. Aquí, aunque los movimientos humanos todavía están invertidos y el cuadro todavía está lleno de una fuerte mitología, la relación entre ellos. Jesús y los 12 discípulos tienen una sensación de movimiento. La composición diagonal y el fuerte contraste entre la luz y la oscuridad dan a la gente una fuerte impresión visual y psicológica. Las 12 palabras sobre la mesa se perturban con las palabras de Jesús: "Uno de vosotros me traicionará". ", y la actuación dinámica es diferente. Además, la esquina superior izquierda es de ensueño. El tragaluz y las fuentes de luz de las nubes dan a esta escena un efecto escénico mítico.

El pintor dispuso ingeniosamente esta "Última Cena" en Una perspectiva vertical, que hace que el público parezca estar parado en la puerta o de pie, visto desde una posición elevada en un lado de la escena, todas las acciones de los personajes son agrupadas, ocupadas y narrativas.

Según la reseña del historiador de arte italiano Vasari sobre las pinturas de Tintoretto, "no sólo trabajó con rapidez, sino que también dejó pinceladas ásperas en sus obras, por lo que es imposible saber si sus pinturas estaban terminadas". Se dice que hay muchas asperezas técnicas en sus pinturas, pero son resultado de su búsqueda de la luz y el movimiento con su pincelada. Prefiere usar colores cálidos, pero sus colores cálidos no persiguen la belleza. La luz y la oscuridad en los colores cálidos sirven para fortalecer los factores psicológicos de los personajes. Este estilo de pintura fue apreciado más tarde por los impresionistas franceses del siglo XIX, quienes copiaron sus métodos pictóricos y absorbieron el efecto expresivo de luces y sombras.

"La Última Cena" (fresco, 484 cm × 880 cm, 1495-1497, monasterio de Santa Maria della Gocin, Milán) da? Vinci (Italia)

¿Leonardo? ¿Papá? Leonardo da Vinci (1452-1519) fue el pintor, científico e inventor más destacado de Italia durante el Renacimiento. Completó muy pocas pinturas durante su vida, pero casi todas son monumentales. Sus obras tienen un estilo personal distinto de principio a fin. Es bueno combinando la creación artística con la exploración científica, y es profundo, implícito y racional. Se dedicó a la investigación científica en sus últimos años y dejó un gran número de notas, manuscritos y bocetos, que abarcaban casi todo, desde la física, las matemáticas hasta la anatomía fisiológica. También están sus inventos tecnológicos en los campos civil, militar, de ingeniería y mecánico. Por ello, Engels lo elogió: "No sólo es un gran pintor, sino también un gran matemático, mecánico e ingeniero. Ha realizado importantes descubrimientos en varios departamentos de física".

Mural "La Última Cena" "¿Es papá? ¿Vinci es la Santa María de Milán? Restaurante del monasterio de Dragosin. No es un fresco ordinario, la superficie es gris, pero está mezclada con un poco de pintura al óleo, por lo que algunos libros de historia del arte no lo llaman mural, sino que lo etiquetan como "pintura de huevo al óleo". Debido a que se trataba de un nuevo intento inmaduro, la pintura original se desvaneció gradualmente y se enmoheció a partir del siglo XVI, y ahora está muy borrosa debido a la mala conservación por parte de las generaciones posteriores. Actualmente, las partes interesadas están intentando utilizar tecnología moderna para repararlo, pero el progreso es lento.

"La Última Cena" está basada en la leyenda de la Biblia cristiana, en la que Jesús fue traicionado por Judas, uno de sus 12 discípulos. Lleva el nombre de la última comida que Jesús tuvo con sus santos antes de su arresto en Jerusalén. Desde la Edad Media hasta el Renacimiento se crearon continuamente pinturas religiosas con esta temática y se formó un conjunto de técnicas de expresión estilizadas. ¿Papá? Las obras de Fincher se han convertido en obras maestras inmortales por su originalidad, excelente composición y profunda descripción psicológica de los personajes. ¿Papá? En esta obra, Finch sostuvo firmemente a Jesús mientras cenaba con sus discípulos 12** y de repente dijo: "Uno de ustedes me va a traicionar". Después de eso, todos los discípulos aparecieron de repente de varias maneras expresivas, centrándose en representar el momento. El mundo interior de cada personaje, expresando el claro amor, odio y odio del artista por el bien, el mal, la belleza, la fealdad, la sublimidad y la despreciabilidad. Posteriormente, la sutil descripción psicológica de los personajes alcanzó un nivel sin precedentes. La composición de todo el cuadro es perfecta: el estandarte se centra en Jesús, formando una composición estrictamente simétrica. Los 12 discípulos están estrechamente conectados, sus posturas son diversas y son ricos y unificados. Además, en el procesamiento del espacio y el fondo de la imagen, se utiliza la perspectiva para dibujar un espacio de gran alcance. Todo esto hace de esta obra una obra maestra de fama mundial.

David Donatello (escultura de bronce, altura 126 cm, 1443-1444, Colección Nacional de Arte de Florencia) (Italia)

Donatello (1386-1466) es el escultor más destacado de la primera época italiana Renacimiento y uno de los importantes pioneros del arte realista. David es su obra importante y la primera escultura humana desnuda del Renacimiento. Marcó la restauración de las tradiciones griegas y romanas del arte corporal. La imagen de David proviene de la leyenda de la Biblia y es un tema común entre los artistas europeos del Renacimiento. Cuenta la leyenda que el antiguo rey judío David era famoso por matar a Goliat cuando era niño con sus habilidades para lanzar piedras. "David" de Donatello muestra la alegría y el orgullo del joven David cuando pisa la cabeza de un gigante después de matar a un hombre. La imagen de David no sólo está proporcionada con precisión al cuerpo humano, sino que también tiene líneas elegantes y suaves, lo que muestra las magníficas habilidades de Donatello para dar forma al cuerpo humano.

David (escultura, altura 250 cm, 1501-1504, recogida por la Academia de Bellas Artes de Florencia) Miguel Ángel (Italia)

¿Es Miguel Ángel una Juda? Después de Vinci, fue otro maestro del Alto Renacimiento.

Cuando era adolescente entró en los famosos "Jardines de los Medici", donde recibió formación artística y entró en contacto con una gran cantidad de tesoros de arte antiguo allí reunidos. ¿No se parece a papá? Finch está lleno de espíritu científico y pensamiento filosófico, pero persigue persistentemente la encarnación del espíritu humano y el poder humano en el arte. Su estilo artístico es magnífico, emotivo y trágico.

El David de Miguel Ángel es un joven gigante de gran coraje. Se quedó allí tranquilamente, sosteniendo la honda en el hombro con la mano izquierda, manteniendo la cabeza en alto y mirando atentamente al enemigo. Sus cejas se llenaron de confianza para ganar. El escultor utilizó esta postura casi estática para transmitir eficazmente la alta tensión antes de la guerra y el enorme poder escondido en David.

David (Escultura, 1623-1624) Bernini (Italia)

Berigni (1598-1680) nació en Nápoles. Fue un gran escultor y arquitecto y el artista barroco italiano más famoso del siglo XVII. Bernini fue talentoso e ingenioso desde niño. Comenzó a esculpir obras a la edad de 8 años y mostró su talento desde el principio y ganó reputación. Bajo su cincel, el mármol pareció volverse tan suave y maleable como la arcilla. Sus esculturas son apasionadas, intensas, con un poder vertiginoso, llenas de movimiento y dramatismo.

El "David" de Berigni es un David en lucha, que parece más acorde con la vida real. Su David se parece más a un guerrero que persevera ante la adversidad. En este estado, el artista puede expresar el movimiento vertiginoso del cuerpo humano y las intensas emociones de los personajes. La sensación de movimiento es un tema central del arte barroco.

Tiempos difíciles (Escultura, altura 100 cm, 1957, Museo Militar Revolucionario Chino) Pan He.

Pan He (1925—) nació en Guangzhou. Profesor del Departamento de Escultura de la Academia de Bellas Artes de Guangzhou. Comenzó a dedicarse a actividades artísticas en 1940. En 1957, creó la obra maestra "Tiempos difíciles" para el Museo Militar Revolucionario Chino. En esta obra, Pan He reproduce fielmente la imagen y la mentalidad del Ejército Rojo durante los "años duros" de la Gran Marcha: gorras militares rotas, uniformes militares rotos, pies descalzos y el esternón grueso que deja la vida dura, como un dedo de acero. Una flauta antigua, con los labios agrietados presionados ligeramente contra el agujero de la flauta, tocando alegremente música melodiosa; la piel áspera del rostro se estiró y una sonrisa de complicidad apareció en la comisura de la boca. El profundo surco de la frente guarda el sufrimiento causado por años difíciles: esta es la imagen del veterano en la escultura de Pan He "Tiempos difíciles". Y un infantil soldado del Ejército Rojo estaba acurrucado a su lado, sosteniendo una lanza en una mano y su barbilla en la otra, escuchando el hermoso sonido de la flauta, sonriendo y soñando despierto, exiliado en el cielo infinito, esperando el ideal. del futuro. Esta imagen ha trascendido la personalidad y se ha convertido en un símbolo espiritual de una época.

"Pipe Boy" (pintura al óleo, 161cm×97cm, 1866, Colección de Arte Impresionista de París) Manet (Francia)

Manet (1832-1883) nació en una familia burguesa en Familia extensa de París. Su padre era juez, por lo que recibió una buena educación. Tiene una opinión muy alta de sí mismo, odia todo lo conservador y atrasado y persigue el progreso y la revolución. Pero Manet no tenía el espíritu revolucionario completo de Courbet, pero todavía tenía reservas. Esto también se refleja en su arte posterior. No se dedicó al arte desde el principio. Sus padres inicialmente querían que estudiara derecho o ingresara en la escuela naval, pero reprobó sus exámenes dos veces, por lo que se convirtió en marinero cadete de un barco. Durante un viaje a Brasil, quedó profundamente atraído por la belleza de la naturaleza. Después de regresar a casa, en 1850 convenció a sus padres para que ingresaran como estudiantes en el estudio del pintor clásico Coutuil. Cuando abandonó el estudio de Couture en 1856, ya era un pintor con sólidos conocimientos tradicionales, lo que ya demostraba en su "Guitarrista" y "El matrimonio Manet", ambos publicados en 1861. Expuso por primera vez en la Salón. Pero Manet estaba más interesado en las obras de sus contemporáneos, especialmente en la audaz autenticidad de las obras de Courbet y en los efectos de luz exterior de los pintores de Barbizon, por lo que también tuvo el capricho de pintar su primer cuadro al aire libre "Concierto en los jardines de las Tullerías". ". Pero además de considerar la luz como los impresionistas, Manet prestó más atención a la combinación de estructura interna y color en sus pinturas. Sus investigaciones en este campo no fueron tomadas en serio hasta Gauguin y especialmente Cézanne.

Las pinturas de Manet abrieron el telón del futuro con la libertad de la técnica y el estatus del color. Alguna vez tuvo un gran interés en la forma de arte japonesa Ukiyo-e. También le gustaba la generalización de los colores y la uniformidad de las imágenes en los grabados chinos y japoneses, y buscaba colores contrastantes en sus obras.

Piper Boy es un ejemplo. Se trata de un cuadro sin sombras, tridimensional y profundo. Debido a que el contorno crea un efecto de encogimiento, los personajes aún tienen una sensación tridimensional. Manet abandonó desde Giotto el método de transformar una superficie plana en un espacio pictórico. El fondo gris es tan sólido como los personajes. Parece que si el personaje está fuera de la imagen, habrá un agujero en el fondo similar al que se coloca en la plantilla. Para mejorar la uniformidad de la imagen, no parece importar en qué campo de visión se encuentren los personajes. Se podría decir que estaba flotando en el aire. El objetivo es crear una impresión vívida del plano de la imagen.

Piper (Escultura, 1904) Pierre Bourdieu (Francia)

Bourdel (también traducido como Bourdel, 1861-1944) fue alumno de Rodin y pintor. Espíritu creativo, amplió aún más el arte de la escultura y lo llevó al arte moderno. No solo heredó la tradición de la escultura clásica, sino que también trató de aprovechar el lenguaje de la escultura, deshacerse del énfasis excesivo de Rodin en la alfabetización y buscar nuevas expresiones. . método. Las obras de Pierre Bourdieu están llenas de poder y su lenguaje escultórico es sutil y profundo. Si Rodin puso fin a una era de la escultura centrada en el realismo y la representación psicológica, Pierre inició una era centrada en la expresión espacial y la intensidad de la escultura. Sus majestuosas y amplias esculturas crearon una nueva generación de estilo.

Volumen "Oda a la Diosa de Luo" (Pintura sobre seda, 27,1cm×572,8cm, Colección del Museo del Palacio, Pekín) Gu Kaizhi (Dinastía Jin del Este).

Este volumen toma como tema el famoso poema "Oda a la Diosa de Luo" de Cao Zhi (192-232) durante el período de los Tres Reinos. Utiliza imágenes concretas y vívidas para mostrar completamente el contenido. el poema y también refleja la literatura emergente de este período histórico sobre los requisitos de dar importancia a la vida emocional.

El autor describe el contenido de la historia sección por sección. Al principio, Cao Zhi llegó a la orilla de Luoshui con su séquito y miró fijamente a su alrededor, como si viera al Dios de Luo (familia Zhen) viniendo del Lingbo. Luego intercambian regalos y Roshen y sus compañeros juegan libremente en el aire o en el agua. En ese momento, el dios del viento detuvo el viento, el dios del río ordenó que las olas se calmaran, el dios del agua tocaba gongs y tambores, y la diosa de la creación Nuwa también cantaba Cao Zhi y Luo Shen viajaban en un dragón de seis. "carro de nubes" y tuvimos una charla de corazón a corazón. Al final, Cao Zhi lo anhelaba en el barco que cruzaba el río Luoshui, y miró hacia atrás con infinita nostalgia cuando se fue en el coche frente a la orilla.

Los personajes principales de este volumen aparecen repetidamente en diferentes imágenes en diferentes escenas. Rocas y árboles sirven como fondo de las figuras, separando y conectando diferentes párrafos en el largo rollo, manteniendo la integridad de la composición. El cinturón de Luo Shen en la pintura es elegante y ágil, discreto y tranquilo, y sus ojos son firmes, mostrando preocupación y vacilación. La imagen de Cao Zhi tiene el estilo de un poeta aristocrático, pero también muestra un estado mental melancólico y nostálgico. Los colores de esta pintura son brillantes y vivos, llenos de belleza poética. El éxito de esta pintura al retratar la psicología de los personajes y sus profundos logros en la expresión de contenido emocional reflejan el nuevo desarrollo de la pintura china durante este período.

El "Pergamino de imágenes de Luo Shen Fu" se vio por primera vez en el "Catálogo de pinturas y caligrafía de la dinastía Yuan" de Wang Yun y en las "Pinturas" de Tang Jian, y más tarde en la "Lista de pinturas famosas de Nanyang de la dinastía Ming". Hubo muchos volúmenes durante la dinastía Song y ahora hay tres volúmenes, pero este volumen es el más completo.

Sueño (óleo, 204,5cm×298,5cm, 1910, Museo de Arte Moderno, Nueva York) Rousseau (Francia)

Henry. Rousseau (1844-1910) fue un pintor autodidacta. Su padre era trabajador y su madre era agricultora. Enrique. Rousseau sirvió en el ejército durante cuatro años cuando era joven y conoció a soldados que habían estado en México. Los lugares exóticos de los que hablaban le hacían añorarlo. Se instaló en París en 1868. En 1870 participó nuevamente en la guerra franco-prusiana. Tras su jubilación, se convirtió en empleado de impuestos y aduanas en París. Lo despidieron porque lo engañaron y descuidaron sus deberes, por lo que tuvo que tocar en bares para ganarse la vida. También participó en actividades de pintura, pero sin formación, sus habilidades pictóricas eran torpes. Este "gusto torpe" sin pretensiones fue apreciado y recomendado por Apollinaire, un famoso poeta de la época. Desde entonces, ha adquirido cierta reputación en el mundo de la pintura. Posteriormente, alentado por los artistas expresionistas, mantuvo esta forma franca de describir las cosas e incorporó cierto misticismo a su temática, lo que hizo que su arte fuera único.

El sueño mostraba un bosque primitivo imaginario. En las imágenes hay algunos animales extraños y plantas tropicales raras. Además de la jungla de hoja ancha, también se ven hermosas orquídeas y frutas en los trópicos. Esta es una jungla primitiva deshabitada, pero en un entorno tan inimaginable, hay una mujer desnuda recostada sobre un sofá increíblemente hermoso.

En el medio, un hombre de piel oscura toca una flauta de cara al público y un león asoma la cabeza entre los árboles. Nada de esto es real, las estaciones y las circunstancias desafían el sentido común. Era un sueño, un sueño extraño en la mente del pintor, lleno de sabor lírico y sabor decorativo.

"Sueño" tiene cierto tinte expresionista, porque las cosas condensadas en el cuadro -tierra virgen, leones, hermosos pájaros, terrorífico bisonte americano, luna desolada y solitaria, gaitero de piel oscura y El desnudo deforme sólo expresa la imaginación infantil del artista y es apreciado por muchos por su interés. Un crítico dijo con humor: "Su genio es mejor que la ingenuidad y debería ser considerado un pionero del arte del siglo XX".

Melancolía y misterio de una calle (pintura al óleo, 87 cm x 71 cm, 1914, Connecticut, EE. UU. New Cannan Private Collection) Cut Wood (Italia)

Giorgio? ¿Virtud? Chimu (1888-1978) nació en Grecia de padres italianos. Estudié dibujo en Atenas en mis primeros años y luego estudié pintura en el Politécnico de Atenas durante cuatro años. Tras la muerte de su padre, la familia se trasladó a Múnich, donde Chemu continuó sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Múnich. Fui influenciado por Franklin en Alemania. ¿Cheki también está interesado en Klimt, Klinge y Alfred? El estilo de pintores como Kubin.

Leyó la filosofía de Nietzsche en Alemania y se interesó por las obras de Schopenhauer. La búsqueda de Nietzsche de significado más allá de la apariencia de las cosas, así como su prosa que describe los cuadrados vacíos formados por los edificios arqueados de Turín, Italia, dejaron una profunda impresión en Chimu. El cuadro "Melancolía y misterio de una calle" es un ejemplo típico de este tipo de pintura metafísica.

La perspectiva de este cuadro es muy impresionante. A la derecha hay una vasta extensión de sombras, cubierta por edificios de color marrón oscuro y gris con techos abovedados, y a la izquierda hay una arcada baja y blanca que se extiende hacia afuera. El cielo estaba nublado pero las calles estaban iluminadas. En ese momento, una niña solitaria que sostenía una bola de hierro apareció desde la esquina izquierda y su sombra pareció ser arrastrada desde fuera de la pintura. Delante había otra sombra fantasmal, arrastrando al dragón por la calle luminosa. Todo esto es ilógico y aterrador. En esa sombra, hay un vagón vacío de un viejo tren con las puertas abiertas, lo que confunde y aumenta el fastidio del público. A juzgar por la hora, parecía una tarde de finales de otoño, pero la plaza de la ciudad estaba desierta. El mercado comercial está cerrado, lo que se sospecha que es el fin de la ciudad. Chiki admitió que la pintura se inspiró en las descripciones de Nietzsche de las plazas de las ciudades italianas. Es como un sueño, estamos a finales de otoño, porque en Italia el sol está más bajo y las sombras son más largas que en verano.

Escena de una calle de París (óleo, 105,1cm×152,1cm, 1972) Estes (EE.UU.)

Estes (1936-) fue un pintor que vivió en Estados Unidos a finales de Década de 1960 Uno de los principales representantes del creciente surrealismo (también conocido como "alto realismo" o "realismo fotográfico"). Este tipo de arte es una rebelión contra la tendencia de expresión personalizada en Occidente desde la década de 1950, es decir, basada en la fotografía, y tratando de imitar en el arte para evitar la individualidad. Este enfoque no es nuevo, porque Courbet alguna vez utilizó la fotografía como medio. base Paisajes pintados. Pero la diferencia es que el surrealismo utilizaba un proyector de diapositivas para proyectar fotografías directamente sobre el lienzo y luego describirlas con gran detalle. De esta manera, cada detalle de la foto se reproduce con precisión, tal como la foto. Es solo que esta gran escena original ha sido imitada de esta manera para producir un efecto visual extraño, que no solo suprime la personalidad del artista, sino que también obliga al público a aceptarla pasivamente; cuanto más quieres tratarla como algo real, cuanto más se aleja de ti. Las escenas callejeras de Estes lo ilustran bien. En esta pieza, no sólo representa cada objeto en detalle, sino que también utiliza los reflejos de los espejos en la pared para aumentar esta autenticidad visual. Sin embargo, la verdadera intención del pintor es decirle a la gente que lo que vemos es ilusorio y, aunque esté representado de manera tan realista, sigue siendo solo una pintura.

(2) Definición de términos

Humanismo

El significado básico del humanismo es que todo está centrado en las personas y todo es para las personas, y aboga por el humanitarismo. . Incluye dos significados: primero, como visión del mundo y perspectiva histórica; primero, como principios éticos y normas morales. El primero considera que el mundo y la historia están centrados en el ser humano; el segundo, enfatiza la naturaleza humana universal. Pero hay dos puntos de vista sobre cómo ver el humanitarismo: el humanitarismo burgués y el humanitarismo socialista. El primero se centra en el individualismo, mientras que el segundo se centra en el colectivismo. Los diferentes humanismos tienen diferentes expresiones en obras artísticas de diferentes épocas.

"Fake Heaven"

Es un fenómeno literario formado durante la Revolución Cultural y está relacionado con los principios literarios propuestos durante la Revolución Cultural. El primero son las "tres protuberancias". El término "Tres Prominencias" fue propuesto por primera vez por Yu Huiyong, director del Comité Preparatorio del Comité de la Revolución del Sistema Cultural de Shanghai en ese momento, y luego fue modificado por Yao Modification como: "prominencia entre todos los personajes positivos; destacando a los héroes entre los personajes positivos; destacando a los héroes entre los personajes positivos; "El personaje central entre los héroes" también estipulan que no se permite escribir sobre los defectos del personaje principal; sobre la obra del protagonista; no se permite escribir más de dos héroes principales, etc. Otro principio creativo establecido durante la Revolución Cultural fue el método creativo de "combinar realismo revolucionario y romanticismo revolucionario". Este método creativo fue propuesto antes de la Revolución Cultural, pero se desarrolló aún más durante la Revolución Cultural. Según se entendía en ese momento, el llamado "método creativo que combina el realismo revolucionario y el romanticismo revolucionario" es la idea de combinar la teoría marxista de la revolución continua y la teoría de las etapas revolucionarias, y la idea de combinar la teoría marxista de la revolución continua y la teoría de las etapas revolucionarias. ideales y luchas realistas. Este tipo de pensamiento se manifiesta en la creación literaria y artística como "la combinación de realismo revolucionario y romanticismo revolucionario". "Está 'basado en el realismo revolucionario y dominado por el romanticismo revolucionario', y su núcleo es 'describir 'nuevos personajes y un nuevo mundo' bajo la guía del invencible pensamiento de Mao Zedong - mostrando la nueva situación en la que trabajadores, campesinos y Los soldados son los amos de la época del país, crean imágenes heroicas de trabajadores, campesinos y soldados, y hacen de la literatura y el arte un arma poderosa para unir al pueblo, educarlo y atacar y destruir a los enemigos.'"