¿Cómo utilizar la psicología estética fotográfica para analizar obras fotográficas a partir de ejemplos concretos?
La primera es observar su propósito funcional, es decir, a quién sirve; la segunda, mirar; en su trasfondo cultural, en tercer lugar, observe las características realistas de la obra y, finalmente, observe su forma, como las características de las técnicas de composición; Obviamente, la aplicación del lenguaje artístico, especialmente el lenguaje artístico creativo y personalizado en las obras, es un foco importante del análisis del trabajo.
Muchas personas tienen sus propias opiniones sobre el análisis de obras fotográficas, pero pase lo que pase, los pasos más básicos del proceso de análisis son indispensables, es decir: mirar, pensar, volver a mirar, pensar de nuevo. Depende de lo que digas, cómo lo digas y hasta dónde llegues. El análisis generalmente comienza mirando imágenes. Lo mejor es que el analista tenga algún conocimiento de la expresión visual, como psicología visual, fotografía, historia de la fotografía, lenguaje visual, etc., y trate de comprender la verdadera intención que se expresa en las imágenes. Imagen fotográfica tanto desde dentro como desde fuera de la imagen. Es importante señalar que los analistas deben tener claras las categorías de fotografía que analizarán y los estándares creativos básicos a los que se aplican respectivamente. Los apreciadores comunes y corrientes no deberían tener expectativas después de leer las imágenes. Pero los apreciadores serios no se conforman con leer imágenes. También quieren saber sobre el fotógrafo, este tipo de fotografía, y aprender más sobre la obra, el autor y este tipo de fenómeno creativo, para poder realizar más investigaciones comparadas y análisis en profundidad de las habilidades expresivas del fotógrafo. la fotografía misma.
En resumen, existen los siguientes cuatro pasos:
1. Empiece por mirar la imagen:
2. :
3. Interpretar al fotógrafo (si es posible, intentar comprender los antecedentes relacionados con la creación de la obra):
4. la imagen (también llamada “intención y estructura” o “concepción” y actuación”).
Mira el significado - lee el significado de la imagen
◎ Examina el título del trabajo fotográfico y capta el título del tema (incluido el subtítulo) revelado en la imagen, generalmente la mayoría de las fotografías. obras El broche de oro o el resumen más conciso del contenido. Ya sea que la obra fotográfica sea una serie de fotografías o una sola fotografía, guiándote por su título, conocerás inmediatamente el contenido y significado general de la obra. Entonces, cuando miramos una obra, debemos mirar la imagen junto con el título, o mirar el título junto con la imagen. La información que proporciona la pregunta proviene del tiempo (un determinado año, mes y día, que indica un determinado período histórico), del espacio (un determinado lugar, que indica un determinado lugar de rodaje), de acontecimientos, tramas e incluso de la expresión de determinadas Emociones. Mentalidad y sentimientos extraños. Estas son las piezas de información más importantes en el trabajo.
O parte de información importante. En definitiva, el título puede expresar o implicar más o menos el contenido de la obra y la intención del creador.
◎A partir de la imagen, resuma el tema (concepción) de la obra. El tema (concepto) es el alma de la obra y el valor de la obra. En el proceso de análisis específico, primero determinamos la profundidad ideológica y la postura humanista de la obra con base en el concepto de la obra, e inferimos de ello su valor de existencia y efecto social. Inferimos el concepto de la obra a partir del título y la imagen. . Luego, a partir de la interpretación paso a paso de la obra, podemos apreciar con detenimiento el refinamiento y resumen del artista sobre el tema fotografiado, así como su dominio de diversas técnicas de expresión. En realidad, esto es una reproducción y restauración del proceso de operación mental del creador. A partir de esto podemos juzgar el éxito o el fracaso de la creación fotográfica.
Observa expresiones: analiza varias técnicas de expresión dentro y fuera de la pantalla
No importa cuán importante sea la idea de la imagen, en última instancia depende de la forma en que se expresa la imagen. . Una vez que los pensamientos se separan de la expresión, pierden sentido, porque las personas sólo pueden entender y aceptar los pensamientos expresados. En otras palabras, lo que la mayoría de nosotros podemos entender y aceptar como significado sólo puede expresarse. El grado de comprensión y aceptación depende enteramente del grado de expresión. Por esta razón, "los monjes sólo hablan en casa". Lo que usted dice a los demás debe ser entendido, a menos que no quiera que lo entiendan en absoluto. Misterioso, su propósito es simplemente mostrar el "conocimiento" de uno. Sin embargo, el significado visual y el significado literal son muy diferentes. De hecho, la concreción en sí misma tiene un significado significativo, pero este significado significativo es a menudo arbitrario e incierto, y tiene muchas posibilidades de comprensión. La dificultad de la expresión visual radica en su propósito (es decir, la detección y confirmación de un significado específico). En lo que respecta a la fotografía, siempre que tomes una imagen, tendrás una expresión significativa.
La pregunta es si esta expresión puede transmitir significado y si todavía está lejos de la intención original. Cómo acortar o incluso eliminar esta distancia es el objetivo principal del aprendizaje de la fotografía como expresión visual.
◎Análisis y juicio de la capacidad de modelado
Análisis de la capacidad de composición
1. Selección y énfasis de sujeto y objeto.
Esto incluye principalmente: el uso de la distancia focal de la lente al filmar trabajos, selección y control de escenas, consideración de la distancia de disparo, altura de disparo, dirección de disparo, control del rango de fondo, luces y sombras, realidad, etc. , selección de profundidad de campo, procesamiento de acciones, procesamiento de expresiones, control de trama, selección de momentos, caracterización de detalles, edición o presentación de ideas y planos, etc. También se puede decir que es el único camino a seguir. Cada imagen fotográfica específica debe reflejar fielmente la intención fotográfica específica del fotógrafo. El fotógrafo demuestra plenamente su nuevo descubrimiento de un sujeto a través de la forma en que compone la toma en la escena del rodaje, y el descubrimiento visual del fotógrafo depende principalmente de su nueva perspectiva sobre el sujeto. Nuevos ángulos crean nuevos sentimientos. Sólo en marcos fotográficos con ángulos únicos se pueden enfatizar plena y efectivamente las nuevas sensaciones. Por lo tanto, aprovechar al máximo el método de expresión único de la fotografía para seleccionar y enfatizar el sujeto y el objeto se ha convertido en la tarea principal de la expresión fotográfica. ¿Qué distancia focal de lente debo utilizar? ¿Qué ángulo de disparo eliges? ¿Qué tipo de escena debo fotografiar (si es un primer plano, debo usar una lente gran angular para un primer plano o un teleobjetivo para una toma inversa)? ¿Qué profundidad de campo eliges? ¿Cómo controlar los detalles de la imagen? ¿Cómo se organiza la situación actual? ¿Cómo elegir al instante? ¿Cómo lidiar con el tono? Si se trata de una serie de fotografías, ¿cómo concibes la presentación general? Cuando analizamos obras fotográficas, solo queremos ver qué medios utiliza el fotógrafo para resaltar el tema de la imagen y lograr el propósito de expresión.
En lo que a distancia de tiro se refiere, hay mucho que aprender. Algunas personas dicen que la distancia produce belleza y señalan la importancia de mantener la distancia en situaciones estéticas. Pero muchas veces no sólo buscamos la belleza, porque hay algo más importante que la belleza en la creación. Por eso, Robert Capa me dijo sin rodeos: “Si tu foto no es lo suficientemente buena, es porque no estás lo suficientemente cerca. De hecho, para la fotografía de noticias, es importante que la foto reproduzca fielmente la verdadera sensación de la escena”. . Por supuesto, las palabras de Capa también contienen otro significado, que es la cualidad más admirable de un fotógrafo: perseverancia, coraje y sacrificio que está dispuesto a pagar el precio de la vida en cualquier momento y en cualquier lugar. Las ideas de Capa tuvieron un profundo impacto en el fotoperiodismo en el mundo moderno. Enzo San, un fotógrafo moderno italiano especializado en fotografía documental, también tiene una importante experiencia en fotografía: "Prefiero fotografiar de cerca, muy de cerca, aunque las grandes composiciones que toma no son, en el mejor de los casos, fotografías de actualidad, sino lo que obtiene de sus fotos". Los primeros planos son la autodisolución del acto de tomar la fotografía: el sentimiento que produce la imagen. La existencia de la cámara ha sido completamente ignorada y el punto de vista de la cámara parece haber desaparecido en la experiencia subjetiva. Lo que queda en las fotos son sólo sentimientos del corazón. Casualmente, el fotógrafo chino contemporáneo Deng Wei, que ha fotografiado con éxito a celebridades políticas y culturales de todo el mundo por su propia cuenta, también aboga por tomar retratos de cerca para "escuchar los latidos del corazón de los demás". Esto se ha convertido en un gran desafío psicológico. Tensión y espíritu humanista.
2. Gestión del espacio de imágenes.
Esto incluye principalmente: la relación entre la forma (forma principal y forma de fondo) y el espacio de la pantalla, como "suelto" y "apretado", "escaso" y "denso" la relación entre el equilibrio y la imagen; espacio, como La aplicación del principio del equilibrio en la pintura tradicional en la fotografía y los nuevos cambios en la ley del equilibrio en la composición de la fotografía moderna, la relación entre la perspectiva y el espacio de la imagen, como la apertura de la perspectiva de la imagen, el sentido de la distancia y la profundidad del espacio, el efecto de lentes de diferentes distancias focales en la perspectiva, exageración y compresión, etc. La relación entre el movimiento y el espacio pictórico, como el silencio y el vuelo, el movimiento sugestivo interno y el movimiento intenso externo, afecta la formación y configuración del ritmo pictórico y el espacio pictórico, como el placer visual producido por el ritmo y la expresión completa de lo visual; significado; requisitos de factores simbólicos y sugerentes (expresos o implícitos) para establecer el espacio psicológico fuera de la pintura, etc.
3. La composición del tono del cuadro.
Se refiere a la configuración de luz y oscuridad en la imagen fotográfica determinada para satisfacer las necesidades de expresión visual, tales como: la selección y distribución razonable de los tonos de la imagen; el procesamiento de las sombras; control técnico de fotografías de tonos completos; ajuste del tono de color y control de contraste en fotografías en blanco y negro; la relación entre el tono de color y la sensación de realidad virtual en la imagen; efecto de tono y la atmósfera emocional de la imagen, etc.
4. La composición de las líneas de la imagen.
La línea es el elemento visual más abstracto y básico que constituye la principal sensación de modelado de las imágenes fotográficas. Puede enfatizar la forma del sujeto y el fondo, formar un orden visual armonioso y generar tensión visual dentro y fuera de la imagen. En el análisis de obras fotográficas específicas, generalmente partimos de la línea principal de la imagen e inferimos la verdadera intención del fotógrafo al refinar e interceptar la línea principal de la imagen al crear. Porque cuando buscamos a lo largo de la línea principal, naturalmente podemos comprender el significado de la imagen. Por lo tanto, normalmente llamamos a esta línea principal que recorre el contenido de la trama de la imagen "línea de guía visual".
5. La composición del color de la imagen.
La sensación del color es la más fuerte y externa en la expresión visual, por lo que también es el elemento visual más difícil y activo en la creación fotográfica. Mucha gente no puede hacer nada porque no comprende el temperamento de los colores. Especialmente en la selección de colores objetivos y el control de colores subjetivos, hay trampas por todas partes y siempre se enfrentarán nuevos desafíos. El color requiere no sólo un profundo logro artístico, sino también una experiencia única del color y métodos efectivos de expresión creativa.
6. Crea la atmósfera de fondo de la imagen.
La dificultad de la expresión visual reside en la expresión de la atmósfera. Un excelente director de drama o cine no sólo es bueno dirigiendo dramas, sino también creando buena atmósfera. De hecho, tomar fotografías es lo mismo.
Razón. Muchos principiantes cogen una cámara y toman fotografías. "Una hoja no puede ver la montaña", pero sólo ven el sujeto, sin fondo y con una distribución inadecuada de la atención. Se centran en un extremo del tema e inconscientemente renuncian a gestionar la situación global. Debido a que el fondo de la foto estaba seriamente fuera de control, la actuación del sujeto tuvo que verse perturbada visualmente por el fondo desordenado, haciendo imposible expresar claramente la verdadera intención del fotógrafo. Los fotógrafos experimentados saben que el tiempo y la energía dedicados a tomar fotografías del fondo de la imagen es mucho mayor que el tiempo y la energía necesarios para controlar la selección del sujeto. En el proceso de operación específico, los antecedentes suelen ser más importantes que el tema, porque la imagen comercial debe tener una consideración integral. Para los fotógrafos, el control total de la imagen es imprescindible. El trasfondo no sólo debe resaltar efectivamente al sujeto, sino que los factores del trasfondo también deben usarse conscientemente como información estrechamente relacionada con el sujeto para expresar la realidad. El fondo en sí es una parte integral de la expresión temática.
Análisis de habilidades con la luz
Las habilidades fotográficas son en gran medida la habilidad de utilizar la luz. El éxito de la fotografía es, ante todo, el éxito de la iluminación. Una sensibilidad especial a la luz y un control meticuloso son cualidades esenciales que deben poseer los fotógrafos. Procesamiento de luz. Sólo cuando se dominan plenamente las habilidades se puede lograr un buen efecto de expresión. De lo contrario, por muy buena que sea la creatividad, no se reflejará en las imágenes fotográficas. Lo más importante aquí es una buena iluminación y sensación. Para distinguir entre profesionales y aficionados, puedes vislumbrarlo observando la conciencia del consumo de luz en la fotografía. Los fotógrafos profesionales siempre prestan atención a las técnicas de iluminación, incluso hasta el punto de preocuparse mucho por ellas, casi hasta el punto de ser duros. Además, la sensación de luz de un fotógrafo profesional es más valiosa, porque sólo una buena sensación de luz puede utilizarse en el menor tiempo posible en el lugar de la toma. Esto es extremadamente importante. Sea decisivo en los planes de iluminación específicos. y medidas. Tomar decisiones y juicios, y controlar estrictamente cada detalle específico. La sensación de consumir luz no es sólo una cuestión de competencia y habilidad. Lo que aquí se refleja es más bien un encuentro, o una habilidad y talento especial. Por ejemplo, al tomar retratos, a la mayoría de los fotógrafos les gusta usar luz de contorno para distinguir a los personajes del fondo. También se puede usar para delinear las partes más representativas de los personajes, embelleciendo así a los personajes. de luz es clásico. Sin embargo, un buen fotógrafo nunca será supersticioso con los llamados clásicos. Siempre está intentando innovar, intentando conseguir nuevas sensaciones. Tuvieron mucho cuidado al utilizar la iluminación lateral, porque se usan en exceso las cosas favoritas de todos, que deben ser las menos creativas y lucirán kitsch. Por lo tanto, a menudo usan la luz de fondo más simple y discreta para reemplazar la luz de la silueta, y usan la creación de la atmósfera de la imagen para reemplazar el embellecimiento del sujeto del personaje, haciendo que el personaje parezca más "connotativo". De hecho, es un enfoque más inteligente.
El uso razonable del lenguaje visual y otras habilidades integrales tiene sus limitaciones, y la fotografía no es una excepción. En primer lugar, la fotografía es sólo visual, no auditiva ni olfativa. En segundo lugar, el espacio que se muestra en la fotografía es sólo un espacio plano bidimensional, que no se puede comparar con el mundo tridimensional real. En tercer lugar, la fotografía es una expresión estática. Sólo captura un momento en movimiento, pero de ninguna manera es una reproducción fiel de un proceso. Es extremadamente limitado en tiempo y espacio: ¡es sólo una "porción" en la cadena eterna del tiempo y el espacio! Estas limitaciones que tenemos ante nosotros son hechos indiscutibles e inevitables.
Sin embargo, donde hay limitaciones, habrá avances, o desde otra perspectiva. Es precisamente gracias a ciertas limitaciones que podemos encontrar nuestro propio punto de apoyo y espacio para la supervivencia y el desarrollo. Podemos ver plenamente estas limitaciones y trabajar duro para romperlas y ampliar sus fronteras. Muchos fotógrafos experimentados han hecho muchos esfuerzos fructíferos para romper las limitaciones de la fotografía, como la integración de la fotografía o los lenguajes visuales tradicionales.
Habilidades varias. Algunos incluso utilizan los últimos resultados de investigaciones científicas en psicología de la percepción visual. A esto debemos prestar plena atención al analizar sus obras.