¿Puede una obra de arte parecer nada?
1. Análisis de materiales didácticos
(1) Objetivos de enseñanza
Esta lección trata sobre detalles. Comprender y comprender el tercero de los tres tipos principales de arte: el arte abstracto. Como uno de los tres principales tipos de arte de la humanidad, el arte abstracto también es una forma importante para que los humanos comprendan y comprendan el mundo, pero utiliza un lenguaje artístico puro, que. Es diferente del arte figurativo y del arte de imágenes. Por lo tanto, el objetivo didáctico de este curso es permitir a los estudiantes comprender las dos formas básicas del arte abstracto (abstracción fría y abstracción caliente), el proceso simple del arte que avanza hacia la abstracción y. el lenguaje y la belleza artística del arte abstracto. Tenga una comprensión general, no busque la perfección.
(2) Estructura del contenido
Esta lección incluye principalmente cuatro partes.
La primera parte cuenta la historia del artista ruso Kandinsky, el fundador del arte abstracto moderno, quien "descubrió" el arte abstracto. Esta lección tiene como objetivo ilustrar a través de esta historia que el arte abstracto es una forma independiente. se produce mediante el "descubrimiento" humano. Hay dos puntos a tener en cuenta aquí: 1. La diferencia entre el arte abstracto y el arte concreto y el arte de la imagen es que no expresa directamente nada visible en la realidad, pero no se puede decir que no tenga nada que ver con la realidad. Se puede decir que el objeto último de cualquier arte es la realidad. 2. El lenguaje utilizado en el arte abstracto no es realista y es una expresión pura del lenguaje ontológico del arte, que incluye puntos, líneas, superficies y colores. Estos deben ser explicados por el profesor en las clases.
La segunda parte es "Dos artistas abstractos y dos artes abstractas".
La tercera parte, "¿Por qué el arte avanza hacia la abstracción? ¿Cuáles son las manifestaciones de su belleza artística?" Una breve introducción a los métodos básicos de clasificación del arte es suficiente para que los estudiantes tengan una comprensión general.
La cuarta parte es "¿Alguien puede crear arte abstracto?" Basado en las tres funciones principales del arte, explica que la apreciación del arte no es sólo el aprendizaje de conocimientos, sino más importante, se trata de cultivar a los estudiantes. ' comprensión La capacidad del mundo, la visión estética, el gusto estético saludable y el desarrollo de la vida futura son de gran importancia.
(3) Puntos clave y dificultades en la enseñanza
El enfoque de este curso es "cultivar la visión estética", dominar los métodos generales de apreciación del arte y comprender la importancia del arte. aprecio al valor y significado del desarrollo personal de la vida futura.
La dificultad de enseñanza de este curso es principalmente cómo ilustrar los principales métodos de clasificación del arte, el concepto de apreciación del arte y el proceso o método general de apreciación del arte.
2. Información del contenido docente
(1) Análisis de la obra
Improvisación 31 (pintura al óleo, 1931) Kandinsky (Rusia)
Kandinsky nació en Moscú. Su padre era comerciante de té. Cuando era joven vivió con sus padres en Roma y Florencia, y luego regresó a Odessa. He dibujado, escrito poesía y tocado el piano y el violonchelo desde que era adolescente. Se licenció en ciencias sociales y derecho en la Universidad Estatal de Moscú. En 1896, cuando Kandinsky tenía 30 años, decidió estudiar pintura. Estudió pintura en la Academia de Bellas Artes de Munich hasta 1900, luego inició una activa práctica artística.
Kandinsky abogó por la improvisación para expresar las necesidades del artista. Cree que los factores espirituales son los más importantes en el arte. El arte no es una imitación de la naturaleza o una producción elaborada, sino una necesidad interior. El arte, como la naturaleza, la ciencia y la política, es un ámbito autosuficiente, regido por sus propias leyes que se adaptan a sus propias necesidades. Encontrar esta ley es el objetivo de toda la vida del pintor. En particular, destacó la combinación de pintura y música, que es la más abstracta de todas las artes. Kandinsky desarrolló la profunda relación entre la música y la pintura en "Sobre el espíritu del arte". Según Kandinsky, la pintura debe crear una nueva realidad en armonía con los objetos naturales. Los colores de la pintura son como notas musicales, pueden conmover al público por sí mismos. El pintor utiliza este arte abstracto para expresar su mundo interior y evocar en el público las emociones artísticas producidas por la música que son difíciles de expresar con palabras. Kandinsky persiguió un sentimiento musical en sus pinturas, y eventualmente desarrolló pinturas abstractas emocionales.
Las obras abstractas de Kandinsky contienen fuertes sentimientos personales, por lo que algunas personas llaman a su arte "arte abstracto caliente". La mayoría de sus obras abstractas están completamente divorciadas de los objetos objetivos. Para evitar que el título condujera a la asociación del público, a menudo daba a sus cuadros nombres como "Improvisación" y "Obra X", al igual que los títulos de las obras musicales.
"Jazz on Broadway" (óleo, 127cm×127cm, 1942-1943, Museum of Modern Art, Nueva York) Mondriaan (Países Bajos).
El holandés Mondrian siempre imaginó que sus pinturas estaban compuestas por los elementos más simples del lenguaje artístico: líneas rectas y colores sólidos. Espera que su arte revele la realidad eterna escondida detrás de las apariencias subjetivas en constante cambio. Él mismo dijo: "Fui eliminando curvas paso a paso hasta que la obra finalmente consistió en líneas rectas y horizontales, formando una cruz... Las líneas rectas y las líneas horizontales son la expresión de dos fuerzas opuestas; este equilibrio opuesto está en todas partes y lo controla todo. "Busca el llamado "equilibrio entre el exterior y el interior, el equilibrio entre lo individual y lo colectivo, el equilibrio entre la naturaleza y el espíritu, y el equilibrio entre la materia y la conciencia" a partir de la combinación de grandes y pequeños bloques de colores primarios y ángulos rectos rectangulares. Él cree que esto refleja la ley objetiva más esencial del universo. La gente llama a sus pinturas abstractas "abstracción fría", también conocida como arte geométrico (geometric de stijl).
"Jazz on Broadway" es una de las obras más famosas de Mondrian, y una de sus pocas obras que se deriva directamente de sentimientos reales. En esta obra, Mondrian utilizó su propio lenguaje para expresar sus sentimientos y comprensión de la música de Broadway, creando una especie de música visual. Las líneas amarillas brillantes como instrumentos de metal, con los puntos rojos, azules y grises parpadeantes como luces de neón, presentan un ritmo de jazz. También podremos experimentar el ajetreo y el bullicio de la noche de Broadway más concurrida de Nueva York. Las líneas verticales y horizontales, tan densas como una telaraña, recuerdan fácilmente a la gente que Broadway es una intersección en ángulo recto.
Mangle (Oleo, 1908) Mondrian (Países Bajos)
"Árbol gris" (Oleo, 1912) Mondrian (Países Bajos)
Floreciendo el manzano (pintura al óleo, 1912) Mondrian (Países Bajos)
Mondrian (1872-1944), pintor holandés, nació en Amherft, Países Bajos, y murió en Nueva York, Estados Unidos. Mi padre es director de escuela primaria y le encanta pintar. Influenciado por su padre, amaba la pintura desde pequeño y aprendió pintura de su padre y de su tío, pintor. A los 17 años obtuve el certificado de calificación de profesor de pintura de escuela primaria y tres años después, obtuve el certificado de calificación de profesor de pintura de escuela secundaria. Llegó a Amsterdam en 1892 e ingresó en la Academia Nacional de Bellas Artes para comenzar una formación formal y rigurosa en pintura realista. Se convirtió en un buen estudiante con sólidas habilidades básicas y fue muy elogiado por sus profesores. Antes de 1908 pintó un gran número de cuadros de paisajes realistas con pincelada definida, imágenes generalizadas y alto nivel artístico. A partir de 1908 comenzó a explorar nuevas técnicas de expresión. A finales de 1911 llegó a París e inmediatamente fue influenciado por el cubismo y comenzó a explorar expresiones abstractas con el tema de los "árboles". Después de 1914, abandonó el cubismo y se dedicó a la pintura geométrica simbólica, formando finalmente un estilo abstracto geométrico puro único a principios del siglo XX. Finalmente, utilizó la intersección de líneas rectas y ángulos rectos como elementos básicos de la pintura para formar figuras geométricas rítmicas de diferentes tamaños, y luego las combinó con los bloques de colores más simples de colores primarios para convertirse en un "nuevo arte plástico" único que se convirtió en famoso en todo el mundo. Tan pronto como la gente ve las gruesas líneas negras horizontales y verticales que forman cuadrados y rectángulos de diferentes tamaños en rojo, amarillo, azul y gris, saben que es obra de Mondrian. Cree que sólo esta forma gráfica abstracta es la parte más esencial de la pintura. Abandonó todas las técnicas tradicionales en el pasado y no hay rastro de ninguna otra escuela pictórica en sus cuadros. Con nuevas formas de obras, abrió los horizontes artísticos humanos y llevó a la humanidad a buscar la armonía más pura.
Los tres "árboles" publicados en el libro de texto están seleccionados de las obras de Mondrian que exploraron diferentes formas de expresión sobre el tema de los árboles bajo la influencia del cubismo. Posteriormente, realizó muchas más pinturas geométricas abstractas utilizando las sombras de los árboles, de modo que la composición de líneas y colores de 1913 y la composición número 6 de 1914 son todas obras geométricas puramente abstractas. Si organizas estos trabajos, podrás sentir claramente el proceso de exploración de lo concreto a lo abstracto.
"Mangrove" fue escrito en 1908. Fue la primera obra de Mondrian que rompió con la pintura realista tradicional y comenzó a explorar nuevas formas de arte expresivas. A juzgar por su pincelada y colores, evidentemente tiene influencia de Van Gogh.
"Ashe Tree" fue creado en 1912, lo que demuestra que Mondrian fue influenciado por el cubismo después de llegar a París. Basado en el método de análisis del cubismo, abandonó el espacio tridimensional, persiguió la composición plana, se centró en el equilibrio de la composición y exploró más la abstracción. Resumió la forma de la rama del árbol en una composición abstracta de varios arcos que se cruzan, pero aún conservó la imagen del árbol y la perfección de la forma del árbol. La pintura está en tonos grises fríos. Esta pintura brinda a las personas un fuerte sentido del arte debido a sus líneas fuertes y su pincelada sólida.
"Blooming Apple Tree" fue creado en 1912. Es la exploración simplificada y abstracta del pintor de los árboles después del árbol gris, buscando la composición más esencial en la forma. El árbol de la pantalla se transformó en un arco que perdió la forma de sus ramas y se convirtió en un cuadro casi abstracto. Se trata simplemente de una obra abstracta en la que el artista todavía tiene en mente la sombra de un árbol antes de adentrarse en la creación pictórica puramente abstracta. Se puede decir que esta obra fue el detonante del giro creativo de Mondrian hacia obras abstractas compuestas por líneas rectas y ángulos rectos. A partir de entonces se adentró en la creación puramente abstracta compuesta de líneas rectas, encontró su propio estilo y creó un nuevo mundo del arte.
Nijinsky (pintura al óleo, 116,9 cm × 89,5 cm, 1950, colección privada en Estados Unidos) Crane (EE.UU.)
Franz? Crane (1910-1962) fue originalmente un pintor especializado en figuras y paisajes urbanos, con un sabor de realismo social. Hasta 1950 estuvo inmerso en la tradición pictórica de Rembrandt y Goya. Del 65438 al 0949, comenzó a aplicar bocetos en blanco y negro a composiciones abstractas a gran escala, creando una pintura abstracta con fuertes características personales. Luego rápidamente llegó a los extremos. El método de pintura es básicamente el mismo que el de Pollock, es decir, pintó inconscientemente, pero en la pintura hay algunos radicales o trazos radicales de caracteres chinos que son similares a la caligrafía china, y luego los amplió para mostrar claramente la audacia de estos. Trazos en blanco y negro. Figuras gruesas que parecen caligrafía.
Al realizar esta pintura abstracta, Crane utilizó tinta china y luego cambió a colores o pigmentos publicitarios, pintando con un pincel grande. En 1949, Crane dibujó un boceto de Nijinsky. Al año siguiente, rápidamente pintó una pintura abstracta compuesta de negro basada en este retrato de Nijinsky. El negro fue "dibujado con pluma y tinta" para crear una imagen engañosa. excelente, lo cual lo hizo muy feliz. Después de eso, amplió la imagen tanto como pudo, haciendo que las pinceladas negras abstractas volaran extremadamente majestuosas.
Texto blanco sobre fondo blanco (óleo, 1918) Malevik (Rusia)
¿Pintor ruso Casimir? Malevich (1878-1935) fue uno de los fundadores del movimiento "suprematista" ruso en vísperas de la Revolución de Octubre. Alrededor de 1913, utilizó un lápiz para dibujar un cuadrado negro sobre fondo blanco, excluyendo el estilo cubista-futurista ruso del que había sido pionero anteriormente en su vida. Según sus propias palabras, "Debemos liberar el arte del peso de los objetos". Dijo en el libro "Mundo no objetivo": "El fenómeno visual del mundo objetivo en sí no tiene sentido, y lo significativo es el sentimiento". por lo tanto, está completamente aislado del entorno, por lo que debe ser evocado". Malevich llama a esta visión "suprematismo".
Obra 36 (óleo, 1953) Pollock (Estados Unidos)
¿Jackson? Pollock (1912-1956) fue una figura representativa del expresionismo abstracto estadounidense y el primer artista estadounidense con influencia internacional después de la Segunda Guerra Mundial. Rompió por completo el concepto tradicional de pintura de caballete, logró nuevos avances en materiales, técnicas y conceptos y creó una nueva situación en la pintura moderna.
Pollock nació en Wyoming, el menor de cinco hermanos, y creció en el sur de California. Inicialmente se interesó por la escultura, pero pronto se centró en la pintura. A los 17 años empezó a seguir a Thomas en el Art Student Union. Investigación Benton. A mediados de la década de 1940, comenzó a crear algunas obras abstractas y todavía pintaba con pinceles tradicionales. Sus obras en esta época son poderosas, coloridas y sugerentes. Luego fue pionero en la famosa pintura por goteo. Pollock primero colocó un lienzo grande directamente en el suelo o lo clavó en la pared, y usó varias herramientas para gotear pintura y pintar sobre el lienzo. El proceso de goteo depende principalmente de los gestos del artista, movimientos aleatorios de pintura o movimientos del cuerpo. Por último, añade arena, pintura u otros materiales según las necesidades del cuadro.
La creación de Pollock abrió una nueva situación para el arte. Rompió con el concepto tradicional de pincel y lienzo y sustituyó la pluma por cualquier otra herramienta. El cuadro no tiene el diseño y composición de las pinturas tradicionales. La pintura llena todo el cuadro, creando un impacto visual en el público y creando un nuevo lenguaje visual. En segundo lugar, elige nuevos materiales, utilizando pintura, arena o cualquier otro material para crear nuevas texturas en la superficie de la obra, produciendo efectos únicos. Abandonó herramientas y materiales tradicionales como caballetes, marcos, pinceles y pinturas al óleo, lo que le dio más libertad en la creación artística. Por tanto, después de Pollock, el arte moderno estadounidense se desarrolló a pasos agigantados.
Looming 3X (Comprehensive Materials, 1986) Stella (EE.UU.)
Frank. Frank Stella (1936-) nació en Maiden, Massachusetts. Estudió en la Academia Phillips y la Universidad de Princeton en Andover, Massachusetts, y se mudó a Nueva York en 1958. En la década de 1960, se convirtió en una de las figuras importantes que se opusieron al expresionismo abstracto y realizó exposiciones por toda Europa y Estados Unidos. Al principio, Stella abandonó la imagen tridimensional y utilizó varios métodos para enfatizar la planitud de la pintura. Posteriormente, comenzó a pintar con lienzos de diversas formas, en los que la imagen se convertía en el cruce e intersección de franjas de colores, con el objetivo de crear una pintura "irrelevante" e incompatible con la "estructura primaria" y la "estructura primaria" de la época. Los artistas "minimalistas" se acercan mucho. Posteriormente, sobre esta base, amplió los materiales a metales y pinturas industriales, pinturas metalizadas, etc. Sus obras son generalmente de gran formato. El "Looming 3X" aquí es uno de los representantes.
26-4-94 (pintura al óleo, 1994) Zao Wou-ki
Zhao Wou-ki (1920-), natural de Nantong, provincia de Jiangsu, fue admitido en el Instituto Nacional de Arte de Hangzhou en 1935 y estudió con Lin Fengmian y el famoso pintor al óleo Wu Dayu. Después de graduarse, permaneció en la escuela para enseñar. Zao Wou-Ki estudió en Francia de 1943 a 1948 y se dedicó a la investigación y creación artística en París. La visión artística de Zao Wou-ki es amplia. Es bueno absorbiendo nutrientes de todos los aspectos y superándose a sí mismo constantemente.
La década de 1950 fue un período en el que el arte abstracto occidental estaba en auge, y también fue un punto de inflexión en el arte de Zao Wou-ki. Frente a la avalancha de arte abstracto occidental en ese momento, Zao Wou-ki. Comenzó a plantearse su propio camino de desarrollo artístico. Finalmente encontró una combinación razonable de arte abstracto occidental y pintura con tinta china, formando su arte abstracto lírico, poético y misterioso, que era único en el mundo del arte occidental en ese momento y fue rápidamente aceptado por el mundo del arte occidental dominante. Ki se convirtió en el primer artista chino en ingresar al mundo del arte occidental. Los logros artísticos de Zao Wou-ki están sin duda estrechamente relacionados con las enseñanzas de sus maestros Lin Fengmian y Wu Dayu. Sin embargo, la creatividad, la improvisación, la originalidad y la singularidad de Zao Wou-Ki son inseparables de su amplia visión. Las obras de Zao Wou-Ki son majestuosas, profundas, llenas de cadencia y ritmo. Pero esta pintura fue realizada en sus últimos años. A partir de su anterior entusiasmo, cambios y conflictos, se ha vuelto tranquilo, gentil y contemplativo, reflejando verdaderamente su estado mental actual. Zao Wuji regresó a China muchas veces para dar conferencias e inspecciones, y fue invitado a su alma mater en 1985. En ese momento, la Academia de Bellas Artes de Zhejiang organizó un taller de pintura y cultivó muchos talentos destacados para el arte contemporáneo chino.
"Ventana Roja" (Pintura al Óleo, 1964) Vasarely (Hungría)
Vasarely (Victor Vasarely, 1908-?) se graduó temprano Estudió en la Academia de Arte Muxili en Budapest, Hungría Se mudó a París en la década de 1930 y participó en la "Sociedad de Pintura Creativa-Abstracta". En la década de 1940 comenzó a dedicarse a la investigación y la creación de teoría visual. Su "arte con efectos de luz" o "arte del ópalo" atrajo a muchos artistas y fue muy influyente en la década de 1960. Generalmente organiza varias figuras geométricas regulares en el plano, después de un cuidadoso procesamiento del color y una inteligente disposición, crea el efecto de imagen de instrumentos electrónicos o movimientos mecánicos, mostrando habilidades soberbias y belleza técnica, y con las características de la civilización industrial moderna.
(2) Definición del sustantivo
Composición
En términos simples, la composición es juntar cosas para formar una relación organizada y estructurada, pero a menudo se asocia con el "constructivismo". ". El constructivismo es una de las escuelas de arte importantes del siglo XX. Tiene dos vertientes, amplia y estrecha. A grandes rasgos, se trata de un concepto estético escultórico propuesto por el esteticista británico Reed. El escultor francés Rodin (1840-1917) alguna vez creyó que el mundo se puede dividir en dos partes: el mundo conocible y el mundo incognoscible, y toda obra de arte debe contener este último componente. Reed heredó la teoría del arte de Rodin y dividió la escultura moderna en dos tipos básicos, uno es el "constructivismo" y el otro es el "organismo". El "constructivismo" se basa principalmente en las materias primas utilizadas en la industria, como metales, plásticos, vidrio, etc. , formando varias formas geométricas para expresar la belleza formal del arte escultórico. Sin embargo, Reed también cree que, de hecho, en la apreciación del arte, no podemos distinguir si una obra de arte es "compositiva" u "orgánica" y sólo podemos recurrir al análisis espiritual. la teoría de la "inconsciencia colectiva". Este método de utilizar el concepto de "constructivismo" para describir un determinado tipo de arte se utilizó posteriormente ampliamente para expresar otras artes.
En sentido estricto, se refiere a la Rusia que tuvo lugar a principios del siglo XX, incluyendo a Tatlin (Vladimir Tatlin, 1885-1953), Gabor (Nahm Gabor, 1890-1977) y Pevsner (Antoine Peyton, 65438). ).
Pero después del siglo XX, los conceptos de "escultura", "escultura" o "suma" y "resta" ya no pueden cumplir con los requisitos del arte, o la gente comienza a mirar estos conceptos desde una perspectiva nueva perspectiva Esta es la formación del concepto de "composición". Bajo este concepto, la escultura se ha convertido en una combinación o relación de "composición" de diversos materiales como componentes de madera, metal, vidrio o plástico, abriendo un espacio ilimitado para la escultura contemporánea e incluso el arte contemporáneo, desde la perspectiva del uso de los materiales, la pintura. Los experimentos cubistas presagiaron un resultado tan inevitable. En 1912, Picasso diseñó una composición tridimensional utilizando papel y hilo, y ese mismo año hizo un boceto para otra composición. Sus guitarras en 1912 y sus instrumentos musicales en 1914 estaban hechos de chapa o madera, con cubismo en imagen pero constructivismo en estructura. A pesar de su tratamiento crudo, el artista planteó un problema fundamental con la escultura constructivista: que la escultura es espacial más que volumétrica.
El constructivismo como escuela de pensamiento fue un experimento bajo el liderazgo de Tatlin. Tatlin exhibió por primera vez lo que llamó "relieves pictóricos" con Malevik, pero Tatlin ridiculizó a Malevik por su trabajo poco profesional, a pesar de que eran consistentes en muchas direcciones, como propuso Tatlin. Una creencia más estimulante era que los artistas deberían estar directamente alineados con los medios de comunicación. de productos mecánicos, ingeniería arquitectónica, imprenta y fotografía, enfatizando así las necesidades prácticas e intelectuales de la sociedad en su conjunto. Con este fin, Tatlin denominó su actividad artística "Productivismo", que demostró su deseo de combinar el arte con las necesidades sociales. Este deseo es coherente con la ambición de la gente de crear un arte que se diferencia del capitalismo decadente y representa al proletariado avanzado. Pero lo que persiguen no es el arte político, sino la socialización del arte. Bajo este concepto claro, algunos artistas como Garbo, Pevsner. , Lyuboc Popova (1889-1924) y Lissizky (1890-1941) intervinieron. Hasta aproximadamente 1922, el arte soviético se volvió hacia la realidad socialista. Después del movimiento, se trasladaron gradualmente a Europa y ejercieron una influencia decisiva en el arte moderno europeo. especialmente a través de la Bauhaus.
El artista constructivista Garbo insistió en que el "concepto de constructivismo" no es unificar arte y ciencia, ni explorar los misterios del mundo material, sino sentir su realidad. Esto hace que el constructivismo no quiera ser un estilo de arte abstracto, ni siquiera algo así como un arte. Alexey, ¿uno de los teóricos del movimiento constitucional? Gan escribió una vez: El constructivismo "no quiere hacer planes abstractos, sino que toma problemas concretos como punto de partida". En otras palabras, intenta partir de la conveniencia social y el significado práctico, reemplazar las actividades estáticas de los artistas anteriores y crear creaciones. basado en la ciencia y la tecnología. El nuevo arte dinámico, que se convirtió en el primer principio del constructivismo. Porque los constitucionalistas creían que las condiciones básicas de la maquinaria y la conciencia humana crearían naturalmente una estética que reflejara su época. Esto les hace gustar de utilizar dos palabras convincentes para explicar el proceso dialéctico de la creación: constructividad y existencia. El resultado de la fusión de ambas es la autenticidad del constructivismo. Para ellos, "estructural", es decir, todo el concepto se basa en el concepto básico de materia conveniente y socialmente aplicada: la combinación de contenido y forma "ser", es decir, la tendencia natural de la sustancia misma, en la sustancia; proceso de su constitución y cambio realización de condiciones especiales. Este concepto se refleja en cierta medida en De Stijl o Neoplasticismo, Bauhaus, Estilo Internacional y todo arte que persiga la "abstracción".
Escuela abstracta
El "arte abstracto" también tiene significados amplios y estrechos. Conceptualmente, "abstracto" en sí es una palabra difícil de precisar. Cuando la gente usa la palabra "abstracto", también es vaga. Suele tener dos significados. Por un lado, se refiere a expresiones antinaturales, como utilizar la exageración, la deformación o la reducción para describir un objeto, por otro lado, se refiere a una forma de arte que abandona por completo cualquier imagen natural visible; De hecho, "arte abstracto" en sentido estricto debería referirse a este último, pero la gente no es tan estricta al utilizar este término. El cubismo y el brutalismo, por ejemplo, a veces se denominan inapropiadamente "abstracciones" y, en el mejor de los casos, son "semiabstractos".
El término "arte abstracto", debido a su vaguedad, no es adecuado para describir con precisión formas de arte que no representan imágenes visibles de la realidad concreta. Por eso, muchos artistas del siglo XX nombraron sus obras según su propio entendimiento. Duesberg lo llamó "arte representacional", mientras que Mondrian utilizó "formas nuevas" y "no objetivas" para describirlo, así como "no representacional", "no representacional" y "no tradicional".
En general, se cree que el verdadero "arte abstracto" comenzó con una pintura de acuarela creada por Kandinsky en 1910, pero es difícil (o imposible) determinar quién fue el primer pintor abstracto. Arthur G. Dove (1880-1946) de Estados Unidos y Frank? Kupka (Francisek Kupka, 1871-1957), Mikolas, Lituania? Mazi Leonis y otros son candidatos adecuados. Pero no importa quién sea, se puede decir que el "arte abstracto" es el desarrollo inevitable del arte en el siglo XX. El arte abstracto se desarrolló en dos áreas, las cuales provinieron directamente del postimpresionismo. Por un lado, está la "abstracción del color", desde Van Gogh, Gauguin hasta la liberación final de Kandinsky, que luego influyó en Orfeo, la Sincronicidad, el arte tahitiano, informal o de otro tipo, la abstracción lírica, la pintura de acción o el expresionismo abstracto. Por otro lado está la "abstracción de forma y estructura", partiendo del clasicismo, pasando por el neoclasicismo, Courbet, Cézanne, Seurat Cubismo, y luego afectando al futurismo, constructivismo, radiación, suprematismo y manierismo O Neoplasticismo, Arte Representacional, Círculo y Cuadrado, Sociedad de Creación Abstracta, Pintura Dura, Minimalismo. La primera se conoce comúnmente como "abstracción caliente" porque enfatiza la expresión directa de las emociones, la naturaleza orgánica de la forma y la naturaleza pictórica de la expresión. La segunda se conoce comúnmente como "abstracción fría" porque se centra en lo racional. análisis estructural, modelado geométrico y métodos de pintura plana abstracta". El teórico y filósofo del arte alemán Wallinger publicó "Abstracción y empatía" en 1908, que desempeñó un papel clave en la promoción del desarrollo del "arte abstracto". El libro de Kandinsky "Sobre el espíritu en el arte", publicado en 1912, expuso por primera vez de manera integral y sistemática los principios y principios del "arte abstracto", que tuvo un impacto significativo en el desarrollo del "arte abstracto".
Los teóricos explican el surgimiento del arte abstracto como una creación de seres humanos bajo el control de un "impulso abstracto" innato, es decir, los artistas crean formas de arte con valor eterno a través de un impulso artístico. fuerte demanda interna. Este impulso puede ser estimulado desde el mundo exterior o generado directamente por las necesidades internas del artista. Este término fue propuesto por primera vez por el teórico del arte alemán Wallinger (1881-1965) a principios de este siglo. En su opinión, el mundo real en constante cambio y las escenas coloridas han causado una intensa agitación en el alma humana. Si la gente no puede comprender y captar las leyes y el orden de este mundo, tendrá miedo espiritual de este mundo. Por lo tanto, las personas tienen una necesidad interna de ordenar la realidad caótica y encontrar un camino más allá de la existencia accidental de las cosas individuales. Este es un fuerte impulso abstracto. De modo que el impulso abstracto es producto de la gran ansiedad interior provocada por el mundo exterior. Pero este impulso abstracto también puede entenderse como el resultado de la estructura psicológica trascendental formada por la acumulación cultural que actúa intrínsecamente sobre las actividades emocionales de las personas y domina su producción espiritual.
Suprematismo
En 1913, Malevik también exhibió una serie de pinturas típicas "futuristas tridimensionales" en la famosa exposición "Target". En estas obras, los objetos pintados se representan en forma de cilindros, creando un ritmo escalonado, casi mecánico, que recuerda a la obra de Léger que muestra escenas y temas industriales. Sin embargo, Malevic todavía estaba preocupado por la anomalía del tema que quedaba en la obra, por lo que exhibió en la exposición una obra con cuadrados negros sobre fondo blanco para mostrar su búsqueda del arte puro, en sus propias palabras: "Trato de liberar arte de la carga de los objetos." Este es un boceto a lápiz, el primer ejemplo de este estilo, y lo convirtió en el primer pintor en considerar la pintura como un sistema absolutamente puro de abstracción geométrica. Malevik llamó a esta pintura "suprematismo". En un libro que escribió llamado Suprematismo: un mundo no objetivo, explicó su arte de esta manera: "Por suprematismo me refiero a la supremacía del sentimiento puro en el arte de la pintura". Los fenómenos visuales del mundo objetivo carecen de significado en sí mismos, pero lo que tiene significado es la sensación, en sí misma y en la relación completamente independiente con la que ha sido evocada.
"A partir de entonces, Malevich consideró el impresionismo académico, incluso el de Cézanne y el cubismo, como naturalismo que no tenía nada que ver con el arte, porque los "objetos" son sólo mentiras sobre la naturaleza del mundo, y el verdadero arte no debería tener nada que ver con la naturaleza. El "objetivo" existe, mientras que el "suprematismo" significa que los "derechos" han desaparecido hace mucho tiempo debido al crecimiento de los "objetos" con el paso del tiempo.
Malevic es un místico cristiano devoto. una pintura podía demostrar estar sola sin ninguna figuración o imitación del mundo exterior, dando a su arte un cierto misticismo. Entre 1915 y 1923 continuó realizando bocetos y modelos tridimensionales en los que se estudiaban problemas formales en tres dimensiones. Los problemas planteados por estos modelos tridimensionales abstractos hicieron del "futurismo tridimensional" un estilo de transición, no sólo para el crecimiento futuro del constructivismo ruso y el arte abstracto de base constructivista. Fue de gran importancia y se extendió a Alemania y Europa occidental. Los discípulos de Malewick, especialmente Lisicki, influyeron en la enseñanza del diseño de la Bauhaus y en el proceso de estilización internacional de la arquitectura moderna.