Describe brevemente el origen y desarrollo del cine.

(1) En la década de 1930, el cine inició el período de preparación técnica antes de su nacimiento, también conocido como período de invención.

Ya en 1829, el famoso físico belga Joseph Prado descubrió que cuando un objeto desaparece de los ojos de las personas, la imagen del objeto permanecerá en la retina de las personas durante un período de tiempo. Este descubrimiento se conoce como el "principio de persistencia de la visión". Partiendo de este principio, Prado inventó el "disco trucado" en 1832. La "bandeja de acrobacias" puede hacer que las imágenes pintadas en la caja de cartón en zigzag se muevan debido al movimiento, y también puede hacer que las imágenes en movimiento generadas se descompongan visualmente en varias imágenes. La aparición del "disco misterioso" marcó la entrada de la invención del cine en la etapa de experimentación científica. En 1834, el experimento del "videodisco extraíble" del estadounidense Hallner tuvo éxito; en 1853, el general austríaco von Uchetios utilizó el invento anterior para mostrar los cómics originales en una presentación de diapositivas.

El avance de la tecnología de la fotografía es un prerrequisito importante para el nacimiento de las películas. También se puede considerar que el desarrollo de la tecnología de la fotografía proporcionó las condiciones necesarias para la invención de las películas. Ya en 1826, el francés W. Nieps tomó con éxito la primera fotografía del mundo, "Vista desde la ventana", con un tiempo de exposición de 8 horas. Después de que apareció la fotografía de daguerrotipo original, la foto se redujo a unos 30 minutos. Debido a la continua actualización y uso de materiales fotosensibles, el tiempo de fotografía también se ha reducido. En 1840 bastaban sólo 20 minutos para tomar una fotografía, en 1851. Una vez elaborado el Wet Tincture Master, la velocidad de disparo se reduce a 1 segundo. En ese momento, la filmación de "fotos en movimiento" ya había tenido éxito en los rodajes experimentales de Crowdy, Dubosque y otros. De 1872 a 1878, el fotógrafo de San Francisco Edward Muybridge utilizó 24 cámaras para tomar fotografías de caballos al galope. Después de más de seis años de innumerables experimentos cinematográficos, finalmente lo consiguió, lo que luego demostró con éxito en diapositivas. Era yo viendo el caballo corriendo en la pantalla. Inspirado por esto, en 1882, el fisiólogo francés Male mejoró el método de fotografía continua y produjo con éxito una "pistola fotográfica". Basada en la "cámara giratoria" fabricada por otro inventor, Johnson, creó la "película negativa en movimiento". Camera", en septiembre de 1888, utilizó película de disquete para tomar fotografías del evento.

Durante el período comprendido entre 1888 y 1895, Francia, Estados Unidos, Reino Unido, Alemania, Bélgica, Suecia y otros países experimentaron con el cine y la proyección. En 1888, el francés Renault produjo una "cámara de cine óptica" y la utilizó para rodar la primera película animada del mundo, "Una taza de deliciosa cerveza". En 1889, el inventor estadounidense Edison inventó la cámara de película. Después de cinco años de experimentos, inventó el espejo de película. Publicó las imágenes de su película en Nueva York, lo que causó sensación en Estados Unidos. Pero su película "Night Vision Goggles" sólo puede ser vista por una persona a la vez y muestra decenas de pies de película a la vez, incluidas carreras de caballos y espectáculos de danza. Su película Mirror utiliza la rotación continua de la película para crear la ilusión de movimiento. Se puede decir que el invento cinematográfico más original debería pertenecer a Edison. Después de que su película "Mirror" fuera introducida en China, se llamó "Peep Show".

En 1895, los hermanos franceses Auguste Lumière y Louis Lumière desarrollaron con éxito una cámara basada en el "espejo de película" de Edison y su propia "cámara continua" surgió la "máquina de película móvil". La "máquina cinematográfica móvil" tiene tres funciones principales: fotografía, proyección e impresión. Graba y proyecta películas a 16 fotogramas por segundo, con imágenes claras y estables. El 22 de marzo de 1895, su primera película, Las puertas de la fábrica Lumière, fue un éxito en el Congreso Tecnológico Francés en París. En el mismo año, el 28 de febrero de 2014, estrenaron oficialmente al público una tanda de cortometrajes documentales de producción propia, entre ellos 12 películas como "El tren llega a la estación", "El jardinero regador", "El almuerzo del bebé". ", y "Puerta de la fábrica". Los hermanos Lumière fueron los primeros en proyectar películas en la pantalla grande. Los historiadores creen que el rodaje y la proyección de los hermanos Lumière han abandonado la etapa experimental, por lo que fijaron la fecha de la primera proyección pública de cine en el mundo el 28 de febrero de 1895. Como día del nacimiento del cine, los hermanos Lumière naturalmente se convirtieron en los " Padre del Cine".

(B) 1896-1912. El cine se convirtió rápidamente en una forma de arte desde una edad temprana.

Las primeras películas, antes de dejar las huellas de su nacimiento, utilizaban malabarismos y magia para hacer que la gente se sintiera nueva.

Lumière creó los primeros tipos de películas, como noticiarios, películas de viajes, documentales, comedias, etc. Desde que el tren llegó a la estación, la gente se arrodilló en el suelo para apagar incendios con mangueras de agua, apagar incendios y salvar vidas y heridos. La característica más destacada de las películas de Lumière es el documental, que filma directamente la vida real y brinda a las personas una sensación de inmersión. Se ha convertido en un pionero del estilo cinematográfico de realismo y naturalismo y formó la tradición del cine documental. Después de un año y medio de proyección continua del cortometraje documental de Lumière sobre la vida, el interés de la gente por él disminuyó considerablemente, de modo que al final nadie le prestó atención. Esto se debe, sin duda, a las limitaciones de los tiempos. y naturalismo. Pero las dificultades iniciales no afectaron la tendencia general de la película. Otro pionero del cine francés, Georges May Lyet, apareció en el momento adecuado. Transformó la película de una "película cinematográfica" documental (también llamada película) a una película artística e hizo muchas contribuciones creativas al desarrollo del cine.

Como mecánico, Mei Liai hizo un conjunto completo de mecanismos, máquinas y accesorios escénicos; como pintor, produjo innumerables decorados y disfraces, Mei Liai utilizó su rica imaginación creó muchos; nuevas acrobacias. Como escritor, crea constantemente nuevas obras; como actor, es un personaje importante en sus espectáculos; como director, sabe diseñar y movilizar una pequeña compañía. George Sadoul dijo en "Historia del cine mundial": "La característica del genio de Mei Liai radica en la integración sistemática de la mayoría de los métodos teatrales, como guiones, actores, vestuario, maquillaje, escenografía, dispositivos institucionales, etc., aplicados a las películas. "Su experiencia en este ámbito todavía se conserva en diversas formas en las películas de hoy.

Mei Li Ai reemplazó los dispositivos mecánicos del escenario con acrobacias fotográficas. Del mismo modo, debido a las necesidades del cine mudo, May Lee también inventó una nueva técnica de actuación para los actores. Aunque este tipo de actuación es diferente de la pantomima, enfatiza la exageración y los gestos porque se centra mucho en los movimientos y menos en las expresiones faciales. "Cenicienta" es la obra maestra del cine dramático de Mei. Esta película, adaptada de un famoso cuento de hadas europeo, utiliza inteligentemente varias acrobacias para convertir calabazas en coches. Convertir el ratón en cochero fue un uso pionero de la fotografía de acrobacias y otra de las contribuciones de May al cine.

En 1902, May dirigió la famosa película de ciencia ficción "Un viaje a la Luna", que fue una adaptación de dos famosas novelas de ciencia ficción de Julio Verne y HG Wells. Esta es su obra maestra y tiene un profundo impacto en la historia del cine. La película cuenta la historia fantástica de un grupo de astrónomos que viajan a la luna vestidos de astrólogos. Llegaron a una extraña fábrica de máquinas, donde varias hermosas marineras llevaban un gran avión con forma de bala de cañón. Cuando los astrónomos entraron, se reflejaron de regreso a la luna. Los astrónomos descendieron de la nave espacial y admiraron el fantástico paisaje de las llanuras cercanas a los cráteres lunares. También es popular entre los dioses estelares interpretados por mujeres hermosas. Al anochecer, despertaron de sus sueños y entraron en una gran cueva, donde vieron al dios de la luna, hongos gigantes y todo tipo de cosas extrañas. Después de experimentar muchos giros y vueltas peligrosos, volaron de regreso a la Tierra en una nave de bala de cañón y terminaron con la inauguración de la estatua después de un extraño viaje al fondo del mar. La contribución de May al arte cinematográfico hizo del cine un gran paso adelante en el camino hacia convertirse en un arte visual y audiovisual independiente.

Durante este período, cabe mencionar que Porter filmó "El gran robo del tren". En "El gran robo del tren", Porter utilizó 14 escenas por primera vez para convertirlas en una película. Hasta entonces, las películas de May se habían rodado en un solo plano, de principio a fin. "El gran robo del tren" fue la primera vez que se utilizaron múltiples escenas para formar una película (estrictamente hablando, no era una película real, porque no hubo cambios de toma en ese momento). Hay primeros planos en las películas de Porter. Un disparo famoso en la historia del cine es apuntar con una pistola al público, y ha habido un intento preliminar en la película. Pero no hay una comprensión consciente de la función estética de esta lente, por lo que es sólo una etapa que espontáneamente comienza a avanzar hacia el arte cinematográfico.

Durante la etapa del cine mudo, Griffith, Chaplin y Eisenstein en la Unión Soviética hicieron grandes contribuciones al desarrollo del cine.

En 1908, David Griffith se unió a la Edison Company, primero como actor y luego como director. De 1908 a 1912 dirigió aproximadamente 400 películas. En "La villa solitaria", creó un "montaje paralelo", que marcó la total libertad de la película de las limitaciones de la obra de teatro, y el tiempo y el espacio de la película se han ampliado enormemente.

La Escuela de Brighton que surgió en los Estados Unidos durante este período también jugó un papel importante en el desarrollo del arte cinematográfico. William Paul, un representante de la Escuela de Brighton, representó motocicletas en el Circo Peter Kadri con éxito. Fotografía móvil usada. Williamson también utilizó con éxito las escenas dramáticas de persecución y rescate en "Church in China Burned" por primera vez. Al dividir los dos extremos, la trama gradualmente se volvió tensa, sentando un precedente para los thrillers posteriores, especialmente las "películas occidentales". Gar Smith, otro representante de la Escuela Bryton, utilizó alternativamente montajes originales y reales de la misma escena en "La lupa de la abuela" y "Escena en el telescopio". El uso alternativo de primeros planos y perspectiva promovió el desarrollo del lenguaje cinematográfico. solicitud. Además, Collins y Harbridge, de la Brighton School, produjeron películas que representaban fielmente situaciones de la vida real, como la vida de los mineros, las tragedias de las explosiones de las minas de carbón y las fugas de prisioneros. Durante este período, Vincennes, Francia, era conocida como la ciudad cinematográfica número uno del mundo y era conocida como la "Capital del cine en el mundo" con dos importantes productoras cinematográficas, EMI y Gomon. De 1903 a 1909, también se le llama el "período EMI" en la historia del cine mundial.

En 1908, Hollywood, la segunda sala de cine más grande del mundo, comenzó a tomar forma durante el rodaje de “El Conde de la Montaña”. En aquel momento, era sólo un pequeño estudio construido por el fotógrafo Thomas Bossens y el director Francis Boggs. No fue hasta 1913 que empezó a tomar forma.

(C) 1913-1926, el cine mudo estaba madurando.

Después de realizar su película número 430, Mei se retiró de la industria cinematográfica en 1913 y murió en la calle. Después de realizar grandes contribuciones al desarrollo del arte cinematográfico, una generación de maestros abandonó este mundo. La decadencia de mayo y el ascenso de Hollywood marcaron el fin de la infancia del cine y su entrada en la madurez.

Con el coraje de un artista, Griffith filmó la clásica película muda "El nacimiento de una nación" en 1915 y "Conflicto con los partidos" en 1916. Estas dos películas clásicas son conocidas como la base del arte cinematográfico, marcando el comienzo de que el cine se convierta en un arte, un hito en la historia del cine estadounidense, el nivel más alto del cine en ese momento y dos películas clásicas en la historia del cine mundial. .

El logro inmortal de Griffiths es romper con algunos viejos hábitos en las películas dramáticas de Meliá. Como la primera persona en mover la cámara durante el proceso de filmación, enriqueció enormemente el lenguaje cinematográfico y utilizó creativamente técnicas como "primer plano", "rodear" y "cortar", haciendo del montaje un medio importante del arte cinematográfico. Griffith creó un montaje alternativo de montaje paralelo basado en el descubrimiento temprano del montaje fotográfico de acrobacias por parte de Mellie y la Escuela Británica Bretona. En "El nacimiento de una nación", hizo pleno uso de sus propios efectos especiales y lenguaje de montaje. La película se concentró en los logros de la exploración del arte cinematográfico europeo y estadounidense en ese momento. En las vastas y magníficas escenas históricas, esta película utiliza plenamente el salto libre del tiempo y el espacio en el arte cinematográfico y, al mismo tiempo, encarna el efecto alternativo del montaje y el contraste de múltiples líneas. La película completa consta de más de 1.000 planos. La transformación de diferentes escenas y técnicas fotográficas flexibles son las creaciones audaces de Griffith en la historia del cine. En la película, diferentes escenas, como primeros planos y primeros planos, se combinan y cambian armoniosamente, cada una con su propio lugar. Por ejemplo, en "Big View", lo utilizó para mostrar escenas de guerra de enfrentamiento e intercambio de disparos entre dos ejércitos; utilizó primeros planos para mostrar los movimientos detallados de los personajes; Al filmar la escena del caballo al galope del Ku Klux Klan, Griffith instaló la cámara en un camión y siguió al caballo al galope, logrando un efecto de imagen tenso, realista y vívido. Un año después, "Conflict with Different Groups" también fue una película que marcó el logro de toda la vida de Griffith. Rompió las limitaciones de las "tres unidades" del drama clásico y creó la "ley de la pluralidad" para abrir el tiempo y el espacio en pantalla. La película yuxtapone y condensa acontecimientos de diferentes épocas, enriqueciendo enormemente el lenguaje cinematográfico y enriqueciendo y desarrollando el lenguaje del montaje paralelo. Este clásico ocupa un lugar importante en la historia del cine y promovió el desarrollo del arte cinematográfico con su ritmo denso, imágenes coloridas, la belleza de la fotografía móvil y la creatividad audaz de personas grandiosas y de mente abierta.

Durante este período, el cine se ha convertido en un arte de la opinión pública; por otro lado, durante este período, el cine se ha convertido en una empresa. El maestro del cine cómico estadounidense Charlie Chaplin también fue un destacado artista cinematográfico durante la época del cine mudo. En 1914 dirigió su primera película, "Veinte minutos de amor". Luego volvió a salir "Entre duchas". En esta película aparece por primera vez la imagen del Charlot errante.

En "Easy Street" de 1917, la imagen de Charlotte muestra un brillo llamativo. El ingreso de Charlotte al ejército marcó la madurez de las artes escénicas de Chaplin. En 1919, recaudó fondos para construir una fábrica y se convirtió en el primer productor verdaderamente independiente de Hollywood. En la década de 1920, rodó varias películas famosas representadas por "La fiebre del oro". Chaplin tuvo 80 películas de comedia en su vida, entre las que "La venganza del príncipe", "El gran dictador", "El señor Verdún", "Tiempos modernos" y "La fiebre del oro" tienen un encanto eterno. Las características más importantes de las películas de Chaplin son: un claro sentido de la realidad y una aguda ironía, y son características populares que atraen tanto los gustos refinados como los populares. Sadur comentó sobre su trabajo: "Las películas de Chaplin son las únicas que pueden ser apreciadas por la clase pobre y la gente más ingenua. También pueden ser apreciadas por el público y los intelectuales del más alto nivel."

El famoso maestro de cine soviético Sergei Eisenstein es un destacado representante del establecimiento y desarrollo de la teoría del montaje durante el período del cine mudo. En 1924, dirigió su primera película, "Strike". Utilizó creativamente un montaje de vodevil para conectar escenas de la policía militar rusa masacrando a trabajadores con escenas de cámaras masacrando ganado, haciéndolas aparecer alternativamente, creando una metáfora impactante. En 1905 dirigió la película épica muda más destacada de la historia del cine mundial, "El acorazado Potemkin", que representó con éxito la Revolución Rusa de 1905. La película ganó numerosos premios en los International Film Awards. La famosa escena de las escaleras de Odessa y el pasaje de la película se han convertido en ejemplos clásicos que han influido en varias generaciones de artistas cinematográficos. También dirigió Octubre en 1927. El aporte de Eisenstein radica en la elaboración teórica y práctica artística del montaje, convirtiéndolo en un sistema estético completo. La característica artística de Eisenstein es un gran paso adelante con respecto a la técnica del montaje paralelo creada por Griffith. Es bueno usando primeros planos para expresar la connotación de las cosas; usa la intersección de lentes para formar un ritmo de montaje y revela las emociones internas de los personajes, da pleno juego a la función metafórica del montaje y forma la tradición de; "película de poesía".

(D) De 1927 a 1945, el cine maduró como forma de arte.

1927 fue un año que marcó una época en la historia del cine. El nacimiento de la película "El Rey del Jazz" marcó la llegada de la era del cine sonoro y la madurez del cine. El sonido ha permitido que las películas pasen de ser un arte puramente visual a un arte en pantalla que combina audio y video. Ha logrado una revolución en la historia del cine, ha desarrollado enormemente la esencia del cine y ha abierto un nuevo mundo para el arte cinematográfico. La llegada y difusión del cine sonoro probablemente tomó cinco o seis años, y las razones son cognitivas, económicas y técnicas. En particular, un grupo de artistas cinematográficos conocidos estaban obsesionados con los principios estéticos del período del cine mudo y eran demasiado exigentes con algunas de las debilidades de las películas sonoras recién estrenadas. Sin embargo, con la mejora de la capacidad de los artistas cinematográficos para utilizar el control por voz y la mejora de los equipos de grabación y las condiciones técnicas, las películas sonoras pueden desarrollarse normalmente.

Una vez que el sonido entra en la película, el montaje no es sólo una combinación de imágenes, sino que también se extiende al contrapunto u oposición de sonido e imagen, enriqueciendo así la connotación y los medios del montaje. La sustitución del cine mudo por el sonoro está en consonancia con las leyes objetivas del desarrollo cinematográfico y tiene su inevitabilidad objetiva, porque el nacimiento del cine sonoro marcó el período en el que el cine avanzaba hacia el verdadero desarrollo del arte después de 1933, debido a la tecnología. Con los avances, la grabación sincrónica en la producción cinematográfica se cambió a posgrabación, la cinematografía se vuelve flexible y dinámica. Al mismo tiempo, la teoría y la tecnología del montaje también se han desarrollado enormemente. Cuando el maestro de cine soviético Pudovkin estaba filmando "El desertor", utilizó el contrapunto sonido-imagen y métodos opuestos de voz en off para mejorar el efecto de la película y refrescar a la audiencia.

En 1935, Mammal produjo el primer largometraje en color del mundo, "El mundo de las vanidades". La invención de la película en color llevó el arte cinematográfico a una nueva etapa de desarrollo. El sonido y el color hacen que las películas sean más naturales. Algunos cineastas reciben efectos artísticos especiales alternando películas en color y en blanco y negro dentro de una película.

La aparición de las películas en color marca el desarrollo de las películas desde su nacimiento hasta un período de desarrollo completo y maduro, y desde entonces el arte cinematográfico ha entrado en una nueva etapa de desarrollo.

(5) De 1946 a 1959, el arte cinematográfico entró en un importante período de desarrollo.

Durante este período, el cine mundial mostró un período de desarrollo con muchas idas y venidas. Durante algún tiempo después de la guerra, las películas estadounidenses recibieron una fría recepción en todo el mundo. Después de la guerra, la Unión Soviética y sus países de Europa del Este formaron cuatro pilares de partidos políticos, que lentamente se desarrollaron siguiendo la vía tradicional del realismo socialista. La creación artística está influenciada por el dogmatismo y la sociología vulgar, y hay pocos avances y avances.

Durante este período, algunos trabajadores del cine de la Unión Soviética produjeron una serie de películas de guerra con impacto emocional y películas biográficas con cierto atractivo visual. Por ejemplo, los Jóvenes Guardias capturaron Berlín y se unieron a los almirantes Elba, Michulin, Zhukovsky y Ushakov. Después de la muerte de Stalin, bajo la influencia de la corriente de pensamiento de la "literatura del deshielo", las películas soviéticas comenzaron a romper con sus rígidos patrones. Después de "Flying South" de Karatozhov en 1957, las películas soviéticas se desarrollaron nuevamente. Las potencias cinematográficas de Europa occidental como Gran Bretaña, Francia, Alemania e Italia formaban el otro polo de la facción de cuatro patas en ese momento. Afectados por la sombra dejada por la guerra y las dificultades económicas, el cine occidental ha entrado en un período especial. Ante las dificultades y desafíos de sus oponentes, no sólo no retrocedieron, sino que estimularon la prosperidad y el desarrollo de las películas realistas de Europa occidental. En Oriente, las películas japonesas, chinas e indias han logrado grandes avances y han entrado sucesivamente en las filas de las potencias mundiales. Las películas japonesas comenzaron temprano en el Este, se desviaron durante la Segunda Guerra Mundial y encontraron una nueva vida poco después de la guerra. Especialmente después de "Rashomon" de Akira Kurosawa en 1950, las películas japonesas atrajeron la atención del mundo. Las películas indias también tuvieron un desarrollo muy bueno y estrecho en los años 1930. Después de entrar en este período, influenciado por las películas italianas, francesas y soviéticas, las películas indias pasaron gradualmente de ser películas musicales lujosas a ser realidad. Durante 1953, películas como "The Wanderer" dirigida por Raz Kapoor y "Two Acres" de Bhimeloye marcaron una nueva mirada en el cine indio. En 1955, la India produjo 285 películas, ocupando el segundo lugar a nivel mundial después de Japón. En la actualidad, la producción cinematográfica anual de la India es de unas 700, lo que la convierte en el país más grande del mundo.

Durante este período, las películas neorrealistas italianas tuvieron un importante impacto en la historia del cine mundial. Los representantes del Centro de Cine Neorrealista son los críticos de cine antifascistas de las revistas de cine italianas Baba Rosantis y Chatini. Sus portavoces son jóvenes directores, entre periodistas y escritores, entre ellos: De Sica, Rossini, Visconti, Lisani, Moccerini, etc. Exigieron la creación de un cine italiano realista, popular y nacional. Su lema: "Devuélveme a mi pueblo"; sacar cámaras a las calles. Dan gran importancia a la autenticidad de sus obras y tratan de fotografiar escenas y detalles con sentido fotográfico y sinceridad. Básicamente utilizan fotografías en exteriores y en la vida real, no prestan mucha atención a la gramática y al montaje; Uso de actores no profesionales, y los actores pueden improvisar durante la actuación. Entre sus obras representativas se encuentran principalmente: "Roma 11:00", "Ladrones de bicicletas", "Guerrilla", "Policía y ladrones", "La tierra se levanta", "No hay paz bajo el olivo", "Milagros en Milán", etc. La característica de las nuevas películas realistas es que los materiales son en su mayoría retratos documentales de la vida real en Italia. El cine neorrealista decayó a mediados de la década de 1950, pero jugó un papel extremadamente importante en la promoción del desarrollo del arte cinematográfico.

(6) Desde la década de 1960, el cine mundial ha pasado de una innovación revolucionaria a un desarrollo diversificado.

Después de las películas italianas del "Nuevo Realismo", apareció el tercer movimiento innovador en la historia del cine mundial. Este movimiento cinematográfico comenzó en Francia. Desde la Nueva Ola de 1959, las películas francesas han surgido como una forma nueva y eficaz de romper el monopolio de las películas comerciales. El lema de la nueva ola no es ser una gran estrella, romper el sistema estelar, no gastar mucho dinero para hacer películas de lujo, sino hacer películas cercanas a la vida. Esta ola se ha extendido por todo el mundo y han surgido nuevas olas en muchos países. El movimiento cinematográfico "Nueva Ola" es un movimiento cinematográfico que ha dejado muchos logros y una influencia de gran alcance en el desarrollo del cine mundial. Este movimiento cinematográfico, que tomó la antitradición como bandera y la irracionalidad como rasgo básico, tuvo un mayor impacto en el cine dramático. El movimiento cinematográfico comenzó con el estreno de "The Beautiful Sergei et Cousins" de Chabrol y fue provocado por "The 400 Times" de Trevor y "Hiroshima Mon Amour" de Alan Rye en la sensación del Festival de Cine de Cannes. Sus características artísticas cinematográficas son: la película presenta un estilo completamente nuevo, algunos creadores utilizan a menudo corrientes de conciencia y tomas de flashback, la trama es suelta, muchos eventos de la vida se editan juntos sin lógica ni habilidad, mostrando las actividades subconscientes de los personajes. , y carece de integridad estructural.

En las últimas películas de la Nueva Ola, el realismo se abandonó por completo y las películas cayeron en un atolladero de locura, misterio y decadencia. Sus tendencias irracionales y no argumentales se están volviendo cada vez más graves, lo que lleva a su rápido declive. Sin embargo, debido a su enorme impulso y coraje para abrir nuevos caminos, su impacto en la historia del cine es enorme. No solo estableció y fortaleció la posición central del director, sino que también exploró más a fondo las características de las películas, enriqueció el vocabulario de las películas, promovió el desarrollo global de las películas durante este período y realmente formó la diversificación de los temas cinematográficos y el enriquecimiento de estilos cinematográficos y la diversidad e individualización de tendencias y géneros cinematográficos.

Durante este periodo, la industria cinematográfica mundial se ha desarrollado enormemente. Incluso el cine de América Latina, el Lejano Oriente, el mundo árabe y el África negra han avanzado mucho, mientras que en el pasado Brasil, Argentina y México ocuparon un lugar en la historia del cine mundial. Durante este período se produjeron novedades, al igual que el cine chileno, cubano y boliviano. Durante este período, las películas de Hong Kong se desarrollaron para llenar todo el mercado cinematográfico de Asia Central y del Sur y afectaron la situación en todo el continente. Por lo tanto, durante este período, el cine mundial rompió con la confrontación de cuatro patas del pasado y giró hacia el desarrollo global.

Hay dos términos que hay que discutir en el desarrollo del cine mundial, uno es Hollywood y el otro es Oscar.

Como se mencionó anteriormente, los Estudios Hollywood comenzaron a tomar forma en 1913. De hecho, cuando el fotógrafo Thomas Bossens y el director Francis Boggs vinieron aquí para rodar "Mount Kiddo" en 1908, era sólo un suburbio de Los Ángeles en la costa oeste de los Estados Unidos. Este pequeño pueblo es conocido como Hollywood, que significa bosque de robles de hoja perenne, por sus hermosos paisajes.

Desde su creación en 1913, ha habido grandes productoras como Paramount, MGM, Fox, Universal y Warner, que han dominado la producción y distribución de películas a escala global. Al mismo tiempo, también atrae a directores y actores de todo el mundo para rodar películas y actuar allí, lo que la convierte en una próspera ciudad cinematográfica en los Estados Unidos.

Hollywood es la base principal de la producción cinematográfica estadounidense. Según algunas estadísticas, las películas producidas se pueden dividir en 75 tipos, incluidas las conocidas películas de detectives, westerns, musicales, comedias, thrillers, películas de ciencia ficción y películas líricas que conocemos. Estas productoras invirtieron mucho en películas, haciendo de la industria cinematográfica una industria a gran escala en los Estados Unidos y logrando el dominio del cine mundial.

Todas las películas de Hollywood están orientadas a generar ingresos por valor de taquilla. Los productores están preocupados por cómo ganar más dinero y exigen "poner la luz donde hay dinero" y "enfocar la cámara en los rostros adoradores del público". Por ello, las películas de Hollywood suelen alcanzar un gran éxito comercial. Estas películas son muy dramáticas, tejen diversas experiencias de varias personas en diversas vidas, con estructuras compactas y tortuosas, personajes complejos y únicos y, a menudo, malentendidos y coincidencias en las tramas. Son legendarias y románticas, y extremadamente estimulantes y agradables de ver; , puede satisfacer la experiencia sensorial y las necesidades psicológicas del entretenimiento.

La primera película muda "El Conde de Montecristo" adaptada de la obra original de Alexandre Dumas se rodó en un sencillo cobertizo construido en el desierto de Hollywood en 1908. Algunas personas consideran 1913 como el año de fundación de Hollywood. En ese momento, Paramount construyó un estudio en Hollywood. En ese momento, el gran director estadounidense Sibo DeMille vino aquí para filmar "Married" y el estudio se amplió nuevamente, por lo que la gente lo hará. Considere este como el año de fundación de Hollywood. Marque un día como el cumpleaños de Hollywood.

Las décadas de 1930 y 1940 fueron la época dorada de Hollywood. Durante este período, se estrenaron muchas obras maestras, como "Lo que el viento se llevó", "Butterfly Dream", "Broken Blue Bridge", así como también. Obras representativas del maestro de la comedia Chaplin como "Tiempos modernos" y "El gran dictador". Estas películas no sólo se consideran clásicos de Hollywood, sino que también añaden una página gloriosa a la historia del cine mundial. A partir de ahí, el público mundial se familiarizó con las estrellas que crearon personajes distintivos en la pantalla: Chaplin, Bogart, Gable, Taylor, Lawrence, Joan Fontaine, Ingrid Bergman, etc.

Con el desarrollo anormal de la economía capitalista, Hollywood también se ha enfrentado a varias crisis, incluida la inflación, un aumento significativo de los costos de producción, la competencia en la industria de la televisión y cambios en los estándares estéticos de la audiencia, que alguna vez llevaron a Hollywood. a un punto bajo. Algunas empresas perdieron dinero y otras simplemente se diversificaron y convirtieron sus estudios en zonas turísticas y de exposición. No fue hasta la década de 1970, cuando los cineastas adoptaron el sistema de producción europeo, que Hollywood salió de su punto muerto. Al mismo tiempo, los productores también introdujeron nueva ciencia y tecnología para crear formatos cinematográficos tridimensionales, de pantalla ancha y otros formatos; algunos fabricantes convirtieron a los enemigos en amigos de la televisión, lo que permitió a Hollywood convertirse en miembro de la industria televisiva y, por tanto, de la película; y la industria de la televisión prosperó.

En cuanto a los Oscar, como todos sabemos, en marzo y abril de cada año, las estrellas de cine del Los Angeles Music Center en el Océano Pacífico se reúnen para asistir a la ceremonia de entrega de los Oscar que se celebra en la Academy of Motion. Artes y Ciencias Visuales. Esta ceremonia anual de premios no es sólo un evento importante en la industria cinematográfica estadounidense, sino también un evento importante en la industria cinematográfica mundial.

En Estados Unidos hay dos premios de arte cinematográfico más famosos, uno es el Globo de Oro otorgado por periodistas extranjeros y el otro es el Premio Oscar. En comparación, se habla más de los Premios de la Academia porque es el honor más alto de la industria cinematográfica estadounidense. Una vez que tome la delantera, valdrá cien veces. Entonces la competencia por este premio es bastante feroz.

¿Por qué el Premio Óscar se llama "Oscar"? Esto tiene que empezar con el diseño de la estatua dorada: la forma de la estatua dorada fue concebida originalmente por el artista de MGM Cedric Jims, y luego fue diseñada por el joven escultor George Stanley en 1928. año de producción. El tema de esta estatua dorada es un hombre de pie en una película, sosteniendo una espada samurái en la mano. Mide 34,5 cm de largo, pesa 3,45 kg y está hecho de una aleación a base de cobre. Debido a que la estatua es dorada, se la llama Medalla de Oro. Fue nombrada Oscar en 1931, y la concesión del Premio de la Academia fue puramente accidental: en vísperas de la premiación, los miembros del jurado estaban revisando juntos la estatua, y Margaret Herridge, entonces bibliotecaria de la Facultad de Artes y Ciencias. , no pudo evitar gritar: "¡Ah! Realmente se parece a mi tío Oscar". Entonces, el personal de la Facultad de Artes y Ciencias llamó Oscar a la estatua dorada, y el nombre se hizo famoso en todo el mundo.