Conocimientos del director en edición de cine y televisión.
La edición es la proyección, selección, descomposición y combinación de una gran cantidad de materiales filmados en la producción cinematográfica, y finalmente completa una película con un significado claro y un tema distintivo. , y fuerte atractivo artístico, obras coherentes y fluidas. Comenzando con el director estadounidense Griffith, adoptó el método de filmar con lentes y luego conectó estos grupos de lentes para crear el arte de la edición. La edición es una tarea indispensable en el proceso de producción cinematográfica, y también es la recreación final en el proceso de creación del arte cinematográfico. Godard, director de cine de la Nueva Ola francesa: El montaje es el inicio oficial de la creación cinematográfica.
1: ¿Es necesaria la edición de vídeo? El ojo para encontrar la mejor expresión y movimiento en materiales limitados.
La capacidad de cortar materiales y encontrar su conexión con la siguiente imagen.
La capacidad de utilizar imágenes y elegir música, y la creatividad para crear melodías y tramas.
El montador también debe dar a la película, que se compone de imágenes fijas continuas, una sensación de salto y dar vida a la imagen.
El editor encontrará naturalmente la mejor expresión en muchas tomas y descubrirá qué punto es el punto de corte. Esta es la melodía de la edición. Al mismo tiempo, la imagen completa de la obra se irá revelando lentamente en muchos materiales fotográficos. A través de los materiales se puede ver cómo debe ser la obra.
2. Cómo encontrar el punto de corte
¿Dónde debo cortar y conectar? Encontrar el punto de entrada es sin duda una de las tareas importantes de un editor. Una cosa a tener en cuenta aquí es que este es el vértice de la imagen.
El llamado vértice de la imagen se refiere al punto de inflexión del movimiento y la expresión en la imagen, como el momento en que los brazos del personaje están completamente extendidos, el momento en que termina la acción de inclinarse después de asentir , el momento en que la pelota sube y está a punto de caer, el momento en que la sonrisa se retrae.
La imagen es una serie de fotogramas fijos debido a que la película anterior formará una imagen secundaria en el ojo humano, las imágenes de la película parecen dinámicas.
Por lo tanto, cuanto más intensa sea la acción, cortar en la parte superior de la pantalla o en el momento antes de que comience la acción producirá un fuerte efecto de imagen residual en el vídeo posterior, dejando una profunda impresión en la audiencia.
Tres: El punto de corte que crea una sensación de melodía. Tomemos como ejemplo la acción de pasar páginas para ver cómo encontrar el punto de entrada.
Si comienzas a filmar desde un estado en el que la acción está completamente parada, filma fielmente la acción de girar el libro de principio a fin, para que el público sepa de un vistazo que se trata de la acción de girar. Biblia.
Sin embargo, es imposible reflejar la belleza de la imagen simplemente dejando que la gente la entienda. La melodía y la comodidad son igualmente esenciales. Entonces, ¿qué debemos hacer?
Seleccionamos el punto de corte inicial cuando ha comenzado la acción de voltear el libro. Si la acción de pasar páginas se divide en 1 a 24 imágenes, entonces los primeros 3 a 4 clips se recortarán como puntos de corte iniciales.
Este cambio no tiene ningún impacto en la comprensión de la acción de pasar páginas. Por el contrario, también puede expresar la melodía y la comodidad del movimiento. Este método de edición también se puede aplicar a otras imágenes.
Cuatro: No existe una sola forma correcta de editar una película.
Una cosa que espero que no malinterpretes es que el punto de corte no es el único.
Cuando la página del libro se gira hacia la mitad, se puede usar como punto de corte, o se puede usar como punto de corte cuando la acción de girar el libro está a punto de finalizar.
Según las diferentes obras y las diferentes imágenes del anverso y el reverso, se puede cambiar el punto de corte. No existe una única forma correcta de editar.
Por supuesto, la edición también tiene sus formas y convenciones fijas, que se pueden decir que son reglas de edición. Es importante conocer estas reglas, pero la edición en sí es un trabajo creativo, por lo que a veces hay que romper las reglas y probar algo nuevo.
Cinco: Propósito de la edición
Libertad de limitaciones físicas y libre control del tiempo y el espacio. En fotografía y producción, a veces es necesario dividir las tomas en una trama posterior. El paso real del tiempo en la historia y el movimiento del espacio en la historia se omiten en la obra, para combinar la intención escénica, formar la trama y determinar la apariencia final de la obra. Conecta los planos a propósito para aclarar y enfatizar lo que quieres expresar. La secuencia y estructura de los planos son más rigurosas y se resaltan los elementos de la trama.
Seis: Reglas fijas en clips de acción
Métodos de edición cuando el sujeto está en movimiento. La vinculación de acciones se refiere a la edición de los movimientos del sujeto.
Antes, muchas veces era necesario interrumpir el rodaje de una acción debido a cambios de película. Sin embargo, la misma acción conectada desde diferentes tomas parece sorprendentemente fluida e impresionante.
Se dice que este es el origen de este método de edición.
7. Las acciones están conectadas con 7:3.
Primero, veamos los conceptos básicos de la edición de acciones. ¿Conexión de acción? .
? ¿Conexión de acción? Se refiere al método de edición de conectar dos imágenes en una acción.
En teoría, los dos conjuntos de imágenes difieren sólo en el tamaño de la pantalla y representan la misma acción, por lo que puedes editar desde cualquier punto.
Sin embargo, las acciones pueden ser inconsistentes o repetitivas. La imagen final editada carece de ritmo.
El método general de edición de imágenes consiste en conectar las acciones según una proporción de 7:3 o 3:7 para lograr una acción fluida. De esta manera, no sólo los movimientos hacia delante y hacia atrás parecen coherentes, sino que también surge espontáneamente una sensación de ritmo y vitalidad.
Por supuesto, la proporción de 7:3 no es la verdad absoluta. Dependiendo del material y de los puntos de corte, el ojo humano experimenta a veces la ilusión de repetición y salto.
Por lo tanto, cortar o superponer deliberadamente algunas tomas hará que la acción parezca más natural y fluida. Intente cambiar el punto de corte en diferentes imágenes para ver el efecto.
8. Conecta dos acciones en una.
Conectar múltiples acciones de diferentes sujetos en una, comúnmente conocido como? ¿Una secuencia de acción? .
Aquí tienes un ejemplo de uso: El lanzador que consigue un jonrón y el primera base miran hacia atrás a la bola entrante. ¿Podrán ambos jugadores completarlo al mismo tiempo? ¿Mirando atrás? Esta acción.
Si desea aprovechar al máximo los materiales desechados, definitivamente utilizará una conexión como esta: Haga un jonrón--> El lanzador se da vuelta->El base se da vuelta-> muy lejos
Pero el uso de este método de conexión repetirá la acción de los dos jugadores girando y retrocediendo, dando a la audiencia una aburrida sensación de aprobación.
Una única secuencia de acción combina estos dos movimientos de espalda en uno, editándolos para eliminar la diferencia horaria.
Específicamente, la primera mitad del retorno del lanzador se corta y la segunda mitad del retorno del primera base está conectada. Esto puede mejorar la sensación de velocidad y hacer que la imagen sea coherente.
Conexión de puntos clave de acción
Dos cámaras capturaron dos imágenes de diferentes tamaños en la misma posición y ángulo. Si se trata de una posición y un ángulo diferentes, esta regla también se puede utilizar para solucionarlo.
Por supuesto, si los materiales no se disparan al mismo tiempo, siempre que cambies el ángulo y utilices el vértice de una acción (una acción característica) como punto tangente, habrá muchas formas. para conectar. Por ejemplo, suelte la pelota inmediatamente antes de lanzarla y luego suéltela con un revés.
La acción de contraerse hacia abajo y luego conectarlos.
Al editar con la acción como centro, debes prestar atención a varios aspectos. Los siguientes son los puntos clave.
① Utilice la lente más larga como lente principal.
(2) Considera la parte superior, inferior, izquierda y derecha de la pantalla para no afectar la continuidad de la acción.
(3) Cambiar drásticamente el propósito y la posición de la cámara cambiará el impulso de la imagen.
(4) La conexión basada en el tiempo real aparecerá más retrasada, por lo que las partes que se pueden omitir en las acciones de transición deben comprimirse. Especialmente en escenas con acción intensa, conviene acortar la duración del plano.
⑤ Los materiales tomados simultáneamente pueden, en teoría, editarse en cualquier punto, pero elegir diferentes puntos de edición y repetir u omitir algunas tomas hará que la acción sea más fluida.
⑥Cuando uses diferentes imágenes para la misma acción, intenta conectarlas en los vértices de la acción.
9. Se utilizan acciones superpuestas intencionadas para dar énfasis.
A través de la repetición intencionada, se enfatiza una acción. Este método se llama doble acción o triple acción.
En la imagen de muestra, el plano del brazo del lanzador levantado hasta su punto más alto se utiliza como punto de corte, los planos de acción antes y después están conectados y, finalmente, el plano lateral completo de la mano retrayéndose hacia abajo. después de lanzar la pelota se conecta.
En este caso, la acción puede no ser tan fluida para el público, ¿pero? La acción de soltar la pelota se repitió tres veces (acción triple), lo cual fue muy impresionante.
Las acciones dobles sólo funcionan si conscientemente quieres resaltar una determinada acción, y deben ser lo más breves posible para evitar que sean prolijas.
10. En escenas de acción intensa se podrá omitir la parte media.
Uno de los propósitos de la edición es omitir tiempo y espacio.
Si editas de acuerdo con el paso real del tiempo y el movimiento del espacio, no importa cuánto tiempo tengas, nunca será suficiente y el público lo encontrará tedioso.
Un método más efectivo en este momento es extraer algunos planos intermedios de la misma acción y luego conectarlos entre sí.
Este método también se denomina método de extracción intermedia.
Su función es acortar mucho el tiempo y aumentar la velocidad de la película, haciendo que el público no se canse nunca de ella.
Al utilizar esta técnica, tienes que elegir qué disparos realizar, que es la parte difícil.
Lo más importante es no cortar los vértices de la acción (feature action). Si eliminas estos planos de vértices, no hay forma de saber en qué dirección irá la acción.
Esta técnica se desarrolló en la edición de saltos, una técnica de extracción intermedia creada por Golda que conecta imágenes saltando como la aguja de un gramófono.
Jump Editing se atreve a romper los tabúes del montaje tradicional, permitiendo rodar escenas impresionantes.
A la hora de eliminar planos intermedios para omitir tiempo y resaltar la sensación de velocidad, hay que prestar atención a la selección de qué planos se deben omitir. Cuando se omiten otros tiros, el brazo cae cuando la posición del brazo es más alta en el estado inicial y cuando el lanzamiento se puede minimizar con solo estos tres tiros.
Muestra claramente la acción del terreno de juego.
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