¿Cuáles son las similitudes y diferencias entre montaje y plano general? (¡¡¡Puntuación alta!!!)- -!! ! ! ￥##￥￥
1. El concepto de montaje
(1) El significado básico de montaje
1. >Montaje, la transliteración del montaje francés. Originalmente un término arquitectónico, que significaba composición y colección, fue tomado del arte cinematográfico para significar combinación y composición. Fue tomado por primera vez de Louis De Luc para el cine y ahora se ha convertido en un término cinematográfico mundial.
2. Universal
se refiere a que en la creación cinematográfica, el contenido de la película se desglosa en diferentes párrafos, escenas y escenas según las necesidades del tema, el Desarrollo de la trama y la psicología del público. Lentes, rodadas por separado. Luego, basándose en el concepto creativo original, se utilizan técnicas artísticas para recombinar lógica y rítmicamente estas tomas, escenas y párrafos para formar un todo artístico orgánico continuo. Este método artístico de crear películas se llama montaje.
3. En sentido estricto
El montaje se refiere a las técnicas retóricas o técnicas del sistema simbólico del lenguaje cinematográfico. Como medio estructural básico y método narrativo de la película, incluye todas las técnicas artísticas de disposición y combinación de tomas, escenas y párrafos, y además incluye las técnicas y técnicas específicas de edición cinematográfica. Entre ellos, el significado más básico es combinación de imágenes, es decir, la disposición y combinación de lentes, imágenes, sonidos, colores y otros elementos en posproducción.
(2) Los principios básicos del montaje
1. La base psicológica del montaje
Una de las formas en que los humanos observan y comprenden el mundo es Utilice el método de dividir y saltar para ver o pensar. Los resultados de la investigación psicológica muestran que la atención visual de las personas se centrará en diferentes rangos espaciales en secuencia, y los ojos de las personas siempre cambiarán su vista para observar el mundo desde diferentes ángulos. La asociación puede evocar simultáneamente recuerdos del pasado e imaginación del futuro. Es el puente psicológico entre los planos frontal y posterior en la estructura del montaje y puede comunicarse con la imagen. Al evocar recuerdos e inspirar la imaginación, se induce al público a realizar un pensamiento artístico desde el análisis hasta la síntesis y desde la parte al todo en la estructura del montaje.
2. El principio estético del montaje
El montaje sigue el principio estético de que el arte refleja la realidad. El montaje es la reorganización de materiales de la vida real mediante selección, refinamiento, resumen y procesamiento para hacerlos estéticamente agradables y en línea con los propios pensamientos, sentimientos, actitudes e intenciones creativas del creador. Este es un principio estético universal.
2. Tipos de montaje
(1) Montaje narrativo
El montaje narrativo fue iniciado por el director estadounidense Griffith y es el método narrativo más utilizado en las películas. . Su objetivo es explicar los acontecimientos de la trama y adaptar las tomas, escenas y párrafos combinados de acuerdo con el flujo del tiempo y la relación causal del desarrollo de la trama, a fin de guiar a la audiencia a comprender la trama. Este montaje es lógicamente coherente y fácil de entender.
1. Montaje lineal
Es decir, una narración continua y rítmica siguiendo una única pista argumental y de acuerdo con la secuencia lógica de los acontecimientos.
2. Montaje paralelo
Se refiere a la yuxtaposición de dos o más pistas argumentales (diferente tiempo y espacio, diferente tiempo y lugar, o el mismo tiempo y lugar), narradas por separado, y unificados en una estructura completa de la trama, varias tramas o eventos aparentemente no relacionados se entrelazan y unifican en el mismo tema.
3. Montaje cruzado
También conocido como “montaje alterno”, se desarrolla a partir de un montaje paralelo. Estas dos técnicas se utilizan a menudo juntas y se conocen como "montaje cruzado paralelo".
En comparación con el montaje paralelo, el montaje cruzado se caracteriza por dos o más pistas que se ejecutan al mismo tiempo. Existe una estrecha relación causal entre ellas, interdependencia, promoción mutua y desarrollo rápido, alternándose con frecuencia y finalmente. fusionándose.
4. Montaje repetido
También conocido como "montaje en bucle". Se refiere a la aparición repetida de tomas o escenas que representan un cierto significado o incluso varios elementos de la película en momentos clave, produciendo efectos artísticos como énfasis, contraste, eco y representación, y profundizando la impresión del público. Incluye tanto el contenido como la forma. Esta técnica crea fácilmente una sensación de ritmo y favorece la integridad estructural de la película.
(2) Montaje performativo
Se basa en la yuxtaposición de planos. A través del contraste mutuo y el impacto de planos que se conectan o se superponen en forma o contenido, se genera una especie de performance. que es diferente de una sola toma tiene significados ricos, expresando así una determinada emoción, psicología o pensamiento, causando un impacto psicológico en la audiencia, estimulando las asociaciones de la audiencia e iluminando el pensamiento de la audiencia. El propósito del montaje no es describir la trama, sino expresar emociones, expresar connotaciones y revelar significados.
1. Montaje de contraste
A través del fuerte contraste en el contenido a través del lente (o escena, párrafo) (como pobreza y riqueza, sufrimiento y felicidad, vida y muerte, nobleza y humildad, etc.) o forma (como el tamaño de la escena, la calidez y frialdad del color, el brillo de la luz, la intensidad del sonido, el movimiento), creando énfasis y conflicto mutuos, resaltando así una cierto significado del creador o fortaleciendo el contenido ideológico expresado.
2. Montaje metafórico
Equivale a metáfora literaria. Es decir, a través de la analogía de planos o escenas, se expresa implícita y vívidamente un cierto significado del creador o un cierto color emocional del evento. El punto principal es resaltar ciertas características similares entre diferentes cosas en la analogía, para despertar la asociación de la audiencia y comprender el color moral y emocional.
3. Montaje psicológico
Este es un medio importante de descripción psicológica de los personajes. Muestra vívidamente el mundo espiritual de los personajes, como sueños, recuerdos, auras, alucinaciones, ensoñaciones, etc. A través de la combinación de lentes o la combinación orgánica de sonido e imagen. Se caracteriza por la fragmentación de las imágenes sonoras y pictóricas, la discontinuidad de la narrativa y los saltos del ritmo. Por lo tanto, en la edición se utilizan técnicas de yuxtaposición, intersección y entrelazado, y los colores subjetivos del sonido y las imágenes pictóricas son ricos. Esta técnica se utiliza mucho en las películas modernas.
4. Montaje lírico
A través de la combinación de imágenes se crea la concepción artística y el desarrollo de la trama es poético, por eso también se le llama "montaje poético".
3. El concepto de lente larga
(1) El concepto básico de lente larga
1.
La llamada “lente larga” hace referencia a una película de una sola lente que supera los 17 metros o tiene una duración de 30 segundos. Es decir, diversas escenas y composiciones se forman en la pantalla mediante la programación de actores y escenas y el movimiento de la cámara (empujar, tirar, sacudir, desplazar, etc.). Utiliza una lente que es básicamente equivalente al tiempo y espacio reales para mostrar todo el proceso del sujeto.
2. La aparición y desarrollo del cristalino largo.
La teoría de las lentes largas apareció por primera vez de forma sistemática en la década de 1950. Influenciados por el movimiento cinematográfico italiano del Nuevo Realismo, y también debido a la aparición de lentes con zoom y cámaras de mano, los artistas utilizaron ampliamente técnicas de múltiples escenas y múltiples ángulos, y la lente larga se desarrolló aún más. A partir de aquí surgió el sistema de "teoría de las posibilidades remotas" representado por André Bazin.
(2) Las características estéticas de la lente larga y su aplicación
1. Las características estéticas de la lente larga
La aparición de la lente larga es No sólo el desarrollo de habilidades fotográficas, sino que también tiene un valor estético cinematográfico excepcional. Como medio de expresión, el objetivo largo ha sido popular en la creación cinematográfica mucho antes que Bazin, pero Bazin no consideraba el objetivo largo sólo como un medio de expresión o técnica, sino que lo entendía desde su valor estético. El núcleo y la esencia del sistema estético de la teoría del cine de largo plazo de Bazin es enfatizar que la característica del cine es su fotografía, o documental y grabación. Bazin propuso la idea de que el cine es la "asíntota" de la realidad, lo que significa que el cine no permite que la realidad aparezca directamente en la pantalla, sino que "se acerca continuamente a la realidad y siempre está apegado a la realidad".
2. El uso de lentes largas
Como forma de expresión artística, el papel más importante de las lentes largas es registrar de manera realista la realidad: la naturaleza, la vida y las emociones. Por lo tanto, el uso de planos generales en las películas puede mantener el efecto general y mantener la integridad y la unidad del espacio y el tiempo de la trama; puede reproducir fiel y completamente la imagen real, y también puede aumentar la credibilidad, la persuasión y el atractivo de la película; mejorar la atmósfera, expresar las actividades psicológicas del personaje.
①La aplicación de los planos generales documentales
Cabe decir que los planos generales documentales tienen mayor margen de desarrollo en los noticiarios y documentales cuya misión es documental.
(2) El uso de planos generales para la programación de escenas.
El plano largo de la puesta en escena encarna y enfatiza el significado ideológico especificado por el creador para este plano a través de cambios cuidadosamente establecidos en escenarios, escenas, movimientos de personajes, composición, luces y sombras, colores y otros modelos. factores. De hecho, se filman varias escenas a la vez, por lo que también se le llama plano general y hay un montaje en el plano.
Cuarto, edición perfecta
Qué es la edición perfecta
Con la participación de la tecnología digital, muchas uniones entre fotogramas y tomas se cancelan, creando así una nueva transición. modo. La tecnología digital puede descomponer los diferentes componentes que componen una imagen, filmarlos por separado y luego combinar estos componentes de la imagen tomados por separado de manera orgánica y aleatoria según los deseos de las personas para formar una imagen cinematográfica perfecta filmada con una sola lente.
(2) Aplicación de edición perfecta
1. Imita tendencias de movimiento que son invisibles para el ojo humano.
2. Muestra la extensión infinita del tiempo y el espacio.
3. Construye movimientos oníricos en formas naturales realistas.
(3) El significado de "edición perfecta"
1. Importancia narrativa
En lo que respecta a la función narrativa del objetivo de la película, no importa. cuán compleja es la historia, ahora todo se puede lograr mediante una lente "súper" larga generada por tecnología de imágenes digitales sin ningún rastro de interrupción. Con tales medios técnicos, el significado de la conexión entre las tomas se disolverá sin dejar rastro.
2. Importancia estética
En comparación con las lentes tradicionales del cine y la televisión, las tomas con efectos especiales digitales apuntan casi todas a los deseos más profundos del ser humano: espiar, explorar mundos desconocidos, desafiar límites, Vida eterna, etc.
Parte de la teoría del cine extranjero
1. Desarrollo de la teoría del cine
Resumen de los puntos de vista en la década de 1980: teoría clásica y moderna (década de 1920 a alrededor de 1975);
Clásicos: utilizan la estética tradicional para expresar películas y las obras están divorciadas del entorno social. El tema de investigación es ¿Es el cine arte? La relación entre el cine y otras artes;
Modernidad: la fusión de la semiótica, el psicoanálisis y el marxismo: el tema de investigación es - ¿Es el cine un lenguaje? ¿Cuál es la relación entre audiencia e imagen?
※Resumen de Shao:
Antes de la década de 1930, se llamaba teoría cinematográfica temprana;
2. Desde la década de 1930 hasta antes de la Segunda Guerra Mundial;
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3. Después de la Segunda Guerra Mundial, antes de los años 1960;
4. Después de 60 años
(De hecho, hace 60 años era un clásico; , y 60 años después es una moderna)
En 1996, Bordwell y Carroll propusieron que la teoría moderna se puede dividir en dos tipos: (ver post-teoría - Reconstrucción de estudios cinematográficos). ※
1. Teoría de las posiciones disciplinarias en los años 1960 y 1970; el contenido principal es el estructuralismo, el psicoanálisis, la semiótica, el feminismo y la crítica ideológica
2. el presente; Los contenidos principales incluyen el culturalismo de Frankfurt, el posmodernismo, los estudios culturales, etc.
Las dos teorías anteriores se denominan grandes teorías. Creen que el verdadero estudio de la teoría cinematográfica empezó hace sólo 30 años, es decir, de 60 a 90.
80 años después, iniciaron una especie de "investigación intermedia" para oponerse a la gran teoría. Es decir, cuando surgieron la teoría del estatus del sujeto y la teoría del culturalismo, surgió otra teoría de nivel intermedio, que insistía en que la teoría debería aprender de la experiencia y no excluir la teorización.
※Conclusión:
Hace 1 y 60 años eran teorías pequeñas (bajas) con gran experiencia;
2. /p>
3. Teoría desde los años 1980 hasta la actualidad;
La formación de estudios cinematográficos ricos y coloridos con diferentes características, como la investigación cinematográfica narrativa, la investigación cinematográfica estilística, la investigación cinematográfica de género, nacional investigación cinematográfica, estudios cinematográficos poscoloniales y más.
2. Teoría del cine clásico
Investigaciones sobre el estatus, características y leyes del arte cinematográfico antes y después de la Primera Guerra Mundial;
Obras:
En 1, 1911, el "Manifiesto del Séptimo Arte" de Kanudu demostró por primera vez que el cine, como arte, es un arte que trasciende el tiempo y el espacio. La estética del séptimo arte, sinfonía de luces y sombras.
En 2.1915, Lindsay de los Estados Unidos, arte cinematográfico, consideraba la "imagen en movimiento" como la característica fundamental del cine.
3 de 1916, ¿Hugo en Estados Unidos? "El cine: un estudio psicológico" de Munsterberg explora las raíces psicológicas, las características artísticas y las características estéticas de los medios cinematográficos.
Conceptos:
1. "Fotografía" -
Es una palabra de moda popular en Francia en la década de 1920, acuñada por Canudou y es un término importante. la vanguardia. ¿1920, Luis? En su artículo "Sobre las cámaras", Drucker analizó las características artísticas del cine y explicó su significado: se refiere a un método único adecuado para expresar el estado poético de personas u objetos a través del cine;
Expresión visual: paisajes, paisajes, iluminación, ritmo, maquillaje; mostrar su espíritu a través de la toma de fotografías: fotogénico, a través de los cuatro métodos anteriores. Es un concepto característico de las primeras películas.
2. Montaje temprano-
Eisenstein señaló: A diferencia del escenario, los directores de cine son más subjetivos y pueden elegir fragmentos clave de la realidad en diferentes tiempos y espacios.
La película selecciona y combina estas secuencias para centrar la trama.
Comprime la realidad en algo distintivo y muestra el tiempo y el espacio después de comprimir, reorganizar y cortar la película.
3. Las primeras diferencias entre Eisenstein (1898 ~ 1948) y Pudovkin
Eisenstein se centraron en conflictos, como el "vodevil" y el "montaje intelectual". Pudovkin destacó el papel de las conexiones.
Eisenstein creía que el conflicto es una característica del montaje, y que después del conflicto surgen nuevas representaciones y conceptos. Pudovkin destacó la coherencia. Cree que el montaje es una escena compuesta de múltiples planos, un párrafo compuesto de múltiples escenas y una parte compuesta de múltiples párrafos. Hay conexiones obvias entre estos fragmentos. Las personas no se sienten interrumpidas ni saltadas y reciben una estimulación involuntaria.
Eisenstein tuvo una nueva comprensión del montaje en su último período:
Creía que el montaje debía expresar un tema, trama, acción, comportamiento y una maximización coherente y organizada. . La investigación involucra cuestiones de color y montaje de imágenes y sonido.
4. Efecto Kuleshov -
Un experimento para controlar la expresividad del montaje.
5. Montaje de espectáculo de variedades——
En "1923", Eisenstein resumió un principio de la creación dramática, es decir, el "vodevil" constituye un factor original independiente de una actuación. , es la unidad molecular del efecto dramático y de cualquier drama. Los espectáculos secundarios y los trucos no tienen nada en común. El malabarismo se centra más en expresar temas e ideas.
~ Es un medio contagioso que reúne todos los factores para transmitir y expresar ideas. Las cosas que no encajan con el desarrollo de la trama, o incluso se desvían del desarrollo de la trama, en realidad están intrínsecamente vinculadas.
Se unen libremente para crear efectos temáticos útiles. Producir narrativas milagrosas y trascendentes que revelen los verdaderos temas a expresar.
6. Cine racional-
Un concepto propuesto por Eisenstein a finales de los años 20. Él cree que el propósito artístico del cine no es sólo expresar la realidad de las imágenes, sino más importante aún, expresar conceptos, aumentar el poder expresivo de los medios cinematográficos y aumentar la posibilidad de comprender los medios de la vida real. Sin embargo, en la creación específica, este tipo de idea y creación era demasiado avanzada y el resultado no tuvo éxito y fue negado por los teóricos.
Por ejemplo, el crítico húngaro Balazs señaló que la idea de "el arte cinematográfico conquista los conceptos puros" no es factible.
Las obras representativas de Eisenstein bajo la guía de esta idea incluyen "Octubre de 1927" y "La línea general de 1929" (antigua y nueva).
Eisenstein intentó utilizar el montaje para expresar el proceso desde la imagen visual hasta la comprensión racional. Una vez propuso la idea de convertir "El Capital" en una película en una conferencia universitaria durante 30 años para dar un paso más en su imaginación.
Cree que el cine racional es el único medio para superar la falta de armonía entre el lenguaje lógico y las actividades de la imagen. Basadas en el método dialéctico del cine, las películas racionales no son historias y películas anecdóticas, sino películas conceptuales, que son la encarnación intuitiva de sistemas ideológicos y conceptuales.
7. Film Eye School-
Propuesto por el director de documentales soviético Vertov.
En 1922, Lenin publicó los artículos "De todas las artes, el cine es la más importante para nosotros" y "Para reflejar la realidad de la Unión Soviética, debemos comenzar con las nuevas películas fundadas por Vertov". La revista CinemaPravda respondió.
Su principal punto de vista: capturar la vida de forma inesperada sin que el fotógrafo lo sepa, y utilizar técnicas de montaje para recombinar ideológicamente estos materiales capturados.
Esta teoría la aplicó en la película The Eye de 1924.
Cree que la cámara es un ojo cinematográfico más perfecto y fiable que el ojo humano, y se opone a todos los medios como guiones, actores, iluminación, escenografía, maquillaje, etc.
El "ojo de película" es una acción del cine. La pintura trata de afrontar la vida y la realidad sin actuar, registrar diversos acontecimientos de la vida con fotografías espontáneas y descubrir el drama en la realidad.
Wirtov presta atención a la edición. Cree que el cine es una herramienta para explicar el mundo objetivo.
8. "El cine como arte"
Este libro está dividido en dos partes y fue completado en 1932 y 1957 respectivamente. La visión del libro es tecnocrática o centrada en la imagen.
Einheim cree que las limitaciones técnicas del cine son la raíz del cine como arte, lo cual está relacionado con su formación en psicología Gestalt. (Arte y Visión)
Gestalt: El proceso visual no es un registro mecánico del mundo externo, sino un material sensorial organizado creado en base a los principios de simplicidad, regularidad y equilibrio.
El cine no puede reproducir perfectamente las características de la realidad, lo que se convierte en un medio necesario para ella como arte.
Einheim cree que las limitaciones de la película incluyen:
(1) Proyección estereoscópica sobre una superficie plana;
(2) Percepción de profundidad reducida;
(3) La iluminación es incolora;
(4) La distancia entre el límite de la imagen y el objeto
5] La continuidad espacio-temporal no existe; p>
[6] Sin sonido, todos los sentidos excepto la visión pierden su función.
9. "Estética cinematográfica" Balazs-
La versión alemana se publicó en 1945, también conocida como "Teoría del cine: características y crecimiento del nuevo arte", que es el primer capítulo. de "Visible" Una colección de dos libros: "People: Film Culture" (publicado en 2024) y "The Spirit of Film" (publicado en 30 años).
Publicado en inglés en 1952.
Este libro analiza las diferencias en los principios de expresión formal entre el cine y el drama, y analiza las características artísticas del cine.
Él cree que los principios de la expresión dramática son:
(1) Ver toda la representación teatral.
(2) La distancia de visión del público permanece sin cambios;
(3) La perspectiva del público permanece sin cambios;
Principios de expresión cinematográfica:
(1) La escena del rodaje se puede dividir;
⑵Grabar la escena La distancia visual es variable;
(3) Puede cambiar la profundidad de la perspectiva de la audiencia y cambiar la distancia imaginaria entre la audiencia y la pantalla.
Cree que los principios de expresión cinematográfica antes mencionados son innovaciones revolucionarias en el arte cinematográfico.
10. Pluma estilográfica fotográfica -
Fue propuesta por el francés Astric en su artículo de 1948 "La nueva vanguardia - El nacimiento de la pluma fotográfica".
Cree que el cine se ha convertido rápidamente en una herramienta para expresar ideas y en una buena forma de preservar la imagen de la época, y que poco a poco el cine se ha convertido en un lenguaje. Una vez que un artista domina este lenguaje, puede expresar sus pensamientos y conceptos abstractos con tanta fluidez y naturalidad como escribe prosa y novelas.
Al permitir que la cámara exprese pensamientos personales con tanta libertad como un bolígrafo, el cine moderno se ha convertido en una forma de expresar pensamientos tan refinados como el lenguaje escrito. Proporcionó una base teórica para la teoría de los guionistas cinematográficos en los manuales cinematográficos franceses de los años cincuenta.
11. Teoría del autor de cine:
Truffaut y otros propusieron que no todos los directores pueden ser llamados "autores". Las películas rodadas con las calificaciones de un autor cinematográfico son "películas de autor".
Las principales figuras de la Nueva Ola francesa: Truffaut, Godard y Claude Chabrol.
La política de autor exige que las películas, al igual que las novelas, la música y las pinturas, sean obra de una sola persona, el guionista de la película, es decir, el director.
Esta teoría tiene amplia influencia. Los requisitos para la autoría son los siguientes:
(1) Reflejar la personalidad y el estilo personal del director en múltiples películas y aportar aspectos personales al tema. Los directores no son albaceas.
⑵ Las películas deben tener algún significado interno, que se adquiere en lugar de existir antes.
(3) El autor de la película es la persona que tiene control total sobre la producción cinematográfica, no existiendo distinción entre director y guionista.
Godard, Truffaut, Antonioni, Fellini, Hitchcock y otros son representantes de los escritores cinematográficos.
Esta teoría determina la autoría de un grupo de directores americanos, y sus películas son películas de autor.
La esencia de la teoría del autor: enfatizar que el director de cine es el creador principal y el consumador final. El juicio se basa en el control de la obra por parte del director.
Las películas del autor también se denominan películas de arte, a diferencia de las películas de género.
12. Bazin, la supremacía del realismo y el objetivismo de Kracauer——
(Contrario al tecnicismo y la supremacía de la imagen de Einheim)
※Teoría de Bazin:
< La teoría de las lentes largas de Bazin es un resumen no estricto de las opiniones de Bazin en los círculos teóricos estadounidenses (principalmente refiriéndose a la apreciación de Bazin de las lentes de profundidad de campo).#Lente Larga:
Una sola lente alcanza una determinada longitud, también llamada lente única larga. Incluye zoom y lentes largos con profundidad de campo.
La teoría del tiro largo y la teoría del montaje son teorías relativas. La teoría de las lentes largas enfatiza el poder expresivo (poder expresivo conectado), el movimiento, la profundidad de campo y el zoom de una sola lente.
#Principio de prohibición del montaje (perteneciente a la ontología de la imagen de Bazin):
Si el contenido principal de un evento requiere la existencia simultánea de dos o más elementos de acción, el montaje está prohibido. De lo contrario, el montaje, lejos de ser la esencia del cine, sería su negación.
#La postura ontológica (objetiva) y la postura estética (tendencia) de la lente larga El trasfondo social para proponer esta teoría se debe a:
(1) Una serie de desarrollos técnicos en el cine Los cambios en la película y la lente han mejorado la calidad del contenido y la capacidad de una sola lente;
⑵ La fotografía con teléfonos móviles es más flexible y versátil, enriqueciendo enormemente los cambios intra-toma de una sola lente.
La contribución de la teoría de las lentes largas: explora un nuevo método de expresión estética y mejora la comprensión de las personas sobre la compleja composición del espacio interno del plano focal.
#Ontología de la Imagen:
Fue propuesta por Bazin en 1945 “Ontología de las Imágenes Fotográficas”.
Propuso las características básicas de las imágenes:
Las imágenes fotográficas producidas por acción mecánica equivalen a objetos objetivos. La unicidad de la imagen fotográfica reside en su objetividad esencial, que produce la ontología del objeto fotografiado, es decir, el prototipo del objeto fotografiado.
Base teórica:
(1) La fotografía tiene el privilegio de no involucrar a las personas.
(2) Las personas tienen simuladores realistas para reemplazar los deseos del exterior; Esto significa excluir a las personas y depender enteramente de la maquinaria para reproducir la obra original.
Las imágenes son persuasivas.
#TheMummyPlot:
Bazin señaló que con la ayuda del psicoanálisis, los intentos de analizar los orígenes del cine, la escultura y la pintura han despertado en las personas la necesidad de preservar sus cuerpos para siempre. Las primeras estatuas fueron momias, y más tarde la escultura y la pintura se convirtieron en sustitutas. También surge de los impulsos y deseos anteriores. La necesidad primordial de superar el paso del tiempo con la eternidad de la forma es algo que la escultura y la pintura no pueden satisfacer.
La fotografía sí satisface la necesidad de las personas de reproducir la obra original. La fotografía está destinada a darle vida a los eventos y complementar, no reemplazar, las creaciones naturales.
La creación de una imagen reflejó por primera vez la continuación de las cosas: la momia mutable.
#Película Completa:
Bazin expresa el lenguaje de los orígenes del cine.
La razón fundamental es la necesidad psicológica, lo que se denomina “el mito de una película completa”. Reproduzca la ilusión del mundo externo como el sonido, el color y la tridimensionalidad.
Teoría de Kracauer. ※:
#"La esencia del cine: la restauración de la realidad material"
Publicado en 1960
La estética es un tipo de belleza en sustancia, no en forma La belleza de ello. Kracauer profundiza en el concepto de "cinematográfico".
El cine, esencialmente una extensión de la fotografía, tiene una afinidad obvia con el mundo que lo rodea. Una película es verdaderamente cine cuando registra y revela la realidad material.
Amabilidad:
(1) Las películas tienen una gran afinidad con cosas que no se han representado antes. Tiene sentido interpretar un personaje que induzca la ilusión de la realidad. Cualquier actuación no es cinematográfica si viola el carácter de la película.
⑵ Como cosas accidentales (accidental: opuesto a inevitable). En el mimo estadounidense, los acontecimientos inesperados reemplazan al destino y emergen poderosas fuerzas decisivas. Nada está destinado, simplemente sucede.
(3) Me gusta reproducir la continuidad del mundo exterior (similar a Bazin), todo está filmado dentro del campo de visión de la cámara, sin fin. Se nos pide que reconozcamos que esto es parte del mundo en el que vivimos.
(4) Preferencia por las cosas ambiguas. Los fenómenos naturales tienen múltiples significados, correspondientes al infinito psicológico y al infinito espiritual. La pantalla tiende a reflejar estas cosas vagas, cuyo significado nunca puede ser demasiado seguro.
5] La vida fluye. Se refiere a situaciones concretas y al mundo, a fenómenos materiales más que a fenómenos mentales. La razón por la que se menciona a menudo la calle es que la forma original de vida en la calle a menudo aparece, no como una actuación, sino como un lugar de reunión de acontecimientos accidentales, y ninguna sección está completa.
#Las películas no son aptas para la tragedia.
Esta es la comprensión que tiene Cracovia de las características del arte cinematográfico y una extensión de su punto de vista básico, señalando que la tragedia es "no fílmica".
Él cree que los temas trágicos y las historias escénicas tienen una afinidad natural:
⑴ Los temas trágicos deben expresarse en una forma de historia holística y con propósito, que sea consistente con las características de las películas. Contradictorio.
⑵ La tragedia solo se preocupa por la interacción entre los personajes, y los objetos inanimados solo pueden ser accesorios, apoyando y regulando el desarrollo del drama.
(3) La tragedia requiere la disposición de cosas externas. El entorno de la obra de teatro refleja las emociones, y la obra de teatro debe tener perturbaciones.
(4) La tragedia requiere un mundo limitado y ordenado. El cine es un arte centrado en un mundo vasto. No hay universo en la película, sólo tierra, cielo y calles. En resumen, es una enorme masa de materia, y el fin de la muerte no tiene nada en común con la inmensidad de esta realidad física.
En un mundo trágico, el destino rechaza el azar y el accidente.
5] El contenido trágico siempre está ausente en el mundo material. Porque el contenido de la tragedia es un mundo puramente espiritual.
La tragedia puede aparecer en las películas, pero la tragedia de las películas no es del todo cinematográfica.
※Similitudes y diferencias en las visiones teóricas de Kracauer y Bazin
Similitudes: ambos enfatizan la función de registro del cine sobre la realidad;
Diferencias:
(1) Identidades diferentes. Kracauer era el teórico, Bazin el crítico.
(2) Los sistemas son diferentes. Kracauer es un sistema deductivo (teoría), Bazin es un sistema crítico, un sistema histórico.
(3) El impacto es diferente. La influencia de Kracauer en la práctica cinematográfica fue pequeña, mientras que la de Bazin fue mundial.
(4) Los puntos de partida son diferentes. El punto de partida de Krakauer es único (teoría), mientras que el de Bazin es complejo (psicoanálisis, momias, etc.).
5] Cracovia carece de conciencia histórica, mientras que Bazin tiene una fuerte conciencia histórica.
3. Teoría del cine moderno:
1. Lenguaje cinematográfico-
Utilice este término para tratar las películas como lenguaje natural. Hacia finales de la década de 1950, el término "lenguaje cinematográfico" se utilizaba en un sentido metafórico. El significado principal hace referencia a diversos medios de expresión en el cine, como fotografía, iluminación, maquillaje, etc. Desde la perspectiva de la lingüística estructuralista, el lenguaje cinematográfico es el examen de las formas en que las expresiones cinematográficas califican como lenguajes.
La visión de Saussure en lingüística general es que lengua = habla del sistema lingüístico.
Mitri cree que “el cine no es igual al lenguaje” (el estructuralismo debe ser cauteloso)
El punto de vista de Metz es que el cine es un texto sin un sistema de lenguaje.
1. La relación entre la primera semiótica y la segunda semiótica——
La segunda semiótica no reemplaza a la lingüística, sino que combina la investigación psicoanalítica, lo que no significa que marque la culminación de la primera semiótica. , pero la segunda semiótica es una nueva dirección de investigación que amplía la psicología profunda de la audiencia.
Nick. Brown cree que el segundo sistema semiótico se establece a partir de la relación psicológica entre la audiencia y la imagen.
4. “Significante imaginario”
Término propuesto por Metz.
"Imaginario" proviene de Lacan, y "significante" proviene de Saussure, que significa expresión. Metz utilizó métodos psicoanalíticos y lingüísticos para estudiar el cine, con la intención de estudiar el cine como una combinación de sueños y lenguaje.
El "significante imaginario", es decir, el significante del cine es un medio audiovisual, que expresa un mundo imaginario. El significante en sí es imaginario, es decir, el medio audiovisual es imaginario.
5. Etapa del espejo -
El lenguaje psicoanalítico de Lacan.
La gente entiende las películas como un espejo, y la psicología individual de cada persona también tiene una función similar de espejo, que juega un papel decisivo en las primeras etapas de la formación de la personalidad. Se encuentra en la formación del yo, que se produce en la infancia entre los 6 y los 18 meses. El bebé no puede hablar ni moverse, depende de los adultos, tiene visión precoz y se va separando progresivamente del cuerpo de la madre.
Este proceso se debe a que los humanos tenemos una función de espejo. El yo no puede relacionarse con el individuo, el yo es una respuesta al individuo;
(1) No puedes distinguir entre tú y los adultos;
⑵Me alegró descubrir que puedo distinguir La imagen reflejada soy yo mismo.
Para el público, la película es un espejo.
6. La segunda identidad——
La terminología teórica de Lacan.
En la etapa del espejo, el bebé se reconoce a sí mismo, a sus extremidades en su conjunto, a su identidad original, incluida la de su madre. La relación madre-hijo implica la intervención del padre, separando al bebé de la madre, y la segunda identificación es con el padre.
La pantalla es una metáfora del espejo.
El efecto ideológico de la "Máquina de cine básica" de Baudry.
En cuanto a la comprensión del reconocimiento secundario, cree que el reconocimiento de la imagen de la película por parte del público es una especie de reconocimiento, y el público reconoce la credibilidad y autenticidad de la pantalla.
La identificación secundaria es la identificación de la cámara por parte del público, que define el punto de vista y la posición del objeto de la imagen y del público.
No es una realidad puramente objetiva.
9. La particularidad del tiempo y el espacio cinematográfico——
Resiste en la especial amplitud del tiempo y el espacio cinematográfico.
Las películas son tanto arte temporal como arte espacial. La combinación de tiempo y espacio incluye drama, danza y películas. Es un arte espacial tridimensional especial de tiempo unidimensional y bidimensional. espacio.
El arte del drama, la danza, el tiempo unidimensional y el espacio tridimensional. Es la falta de una dimensión en el espacio lo que le da a las películas un enorme poder expresivo y espacio de imaginación.