¿Cuál es la belleza de la pintura?
Diferentes interpretaciones de la naturaleza de la pintura. Entre todas las formas de arte, la pintura es la más cercana a la teoría de la imitación. Platón, Leonardo da Vinci y otros utilizaron pinturas como ejemplos cuando compararon el arte con un espejo. Muchos esteticistas consideran que la esencia de la pintura es reproducir fielmente la imagen real del mundo exterior. Bajo la influencia de este hábito, al apreciar una pintura, a menudo uno presta atención primero al objeto que representa. Aristóteles cree en el capítulo 4 de Poética que la imitación vívida de cosas feas despertará el placer de la gente porque la gente busca y busca conocimiento al mismo tiempo. Lo que quería decir con buscar conocimiento eran los gráficos objetivos de cosas reales que podían identificarse en las imágenes pintadas. Los resultados de las investigaciones de la psicología moderna muestran que hay dos factores psicológicos diferentes que constituyen la experiencia humana: ① la percepción directa de las cosas por parte del sujeto, ② la imagen que queda en el cerebro después de que el sujeto abandona las cosas específicas. Las imágenes se dividen en imágenes de memoria e imágenes creadas. Esta última se refiere principalmente a una imagen que nunca puede aparecer en la realidad y se crea con la participación activa de la conciencia subjetiva. Ya sea que la creación de pintura se base principalmente en la percepción o la imagen, ya sea que se base en la memorización de imágenes o en la creación de imágenes, implica diferentes comprensiones de la esencia de la pintura. Algunas personas creen que, como arte, la naturaleza de la pintura determina que su proceso creativo se base principalmente en imágenes, especialmente imágenes creativas. Es imposible crear una pintura basándose únicamente en la percepción. La percepción que todos tenemos de cosas específicas es similar. Diferentes pintores tienen diferentes formas de expresar lo mismo, principalmente porque la imagen del artista tiene distintas diferencias de personalidad. Pero algunas personas creen que el papel de la percepción es fundamental y que la percepción misma tiene distintas capacidades de selección y organización, por lo que el proceso creativo de la pintura realista se basa principalmente en la percepción.
Estética de la pintura occidental Muchos pintores durante el Renacimiento apostaron por el estudio de técnicas realistas que pueden mejorar el realismo de las pinturas, como la perspectiva, luces y sombras, anatomía, proporción, composición, etc., todas ellas. de los cuales han sido estudiados extensa y profundamente. En el siglo XIX, mientras las técnicas de pintura realista directamente relacionadas con las leyes científicas estaban muy desarrolladas, muchos pintores occidentales encontraron un nuevo poder expresivo en las pinturas orientales. Algunos pintores impresionistas y fauvistas abandonaron la búsqueda del espacio tridimensional y recurrieron al sentimiento plano de la pintura oriental. Con la invención de la fotografía y la influencia de diversos factores sociales, la apariencia básica de la pintura occidental ha sufrido cambios fundamentales debido al surgimiento de la abstracción. La pintura abstracta se refiere principalmente al estilo de pintura que se ha opuesto al estilo realista tradicional desde el siglo XX. Su característica principal es simplificar y transformar las imágenes de cosas naturales en figuras no representativas geométricas o irregulares, o incluso abandonar por completo las características externas de las cosas naturales, y crear de acuerdo con las ideas puramente subjetivas del artista, enfatizando que el artista utiliza formas inconscientes. para expresar su yo subconsciente. La abstracción abandona la imagen de las cosas concretas, eliminando así la función intelectual de la pintura de Aristóteles. Una pintura suele contener dos elementos básicos: expresión y expresión. Desde el siglo XIX, el largo y cambiante proceso de la pintura occidental, desde el clasicismo, el romanticismo, el realismo, el impresionismo, el postimpresionismo, hasta el surgimiento de la abstracción, puede atribuirse básicamente al fortalecimiento paulatino de los factores expresivos hasta su completa transformación. de sumersión y desplazamiento. Ya antes de la Primera Guerra Mundial, Francia, Rusia, Alemania, los Países Bajos, Italia, el Reino Unido, España y otros países habían producido sucesivamente movimientos pictóricos modernistas bajo diferentes banderas. La abstracción es un término general para una variedad de pinturas no representativas. El llamado "expresionismo abstracto", el "arte procesual", el "arte accidental" y muchas otras escuelas tienen una característica común: el abandono de la forma en el sentido real. "La abstracción es escapar de la turbulenta realidad y avanzar hacia un mundo de armonía estética completamente controlado por el artista". Un lema abstracto muestra claramente las raíces sociales de la abstracción. En este sentido, aunque la abstracción no representa directamente a la sociedad, es una expresión directa de las emociones sociales. En segundo lugar. La filosofía occidental moderna también contribuyó al desarrollo de la abstracción. Por ejemplo, el filósofo existencialista J.-P. Sartre dijo claramente que toda conciencia irreal generada por el yo del artista en la soledad es precisamente el objeto de la pintura. Algunos pintores abstractos quieren expresar principalmente el miedo de los seres humanos a enfrentarse al abismo de la nada, mientras que otros están influenciados por la filosofía de Kant y creen que hay otra esencia esquiva detrás del mundo fenoménico que necesita ser explorada y expresada.
La pintura se convierte en arte porque puede convertir cosas invisibles en visibles. En este sentido, el predominio de la abstracción está estrechamente relacionado con las tendencias filosóficas burguesas en los países occidentales modernos. Algunos abstraccionistas creen que la esencia de la pintura debe ser similar a la música. El ritmo del color es el factor estético más importante en la pintura. El color en sí representa el componente significativo de la pintura, por lo que intentan reducir todas las imágenes intuitivas al movimiento del color. .
Si bien prevalecía la abstracción, en la pintura occidental apareció el llamado "surrealismo" o "fotorrealismo". Aboga por que las pinturas imiten las fotografías para evitar cualquier color subjetivo por parte del pintor. Cree que el deber del pintor es únicamente registrar la imagen de las cosas objetivamente como una cámara, e incluso intenta reproducir los objetos con mayor precisión que las fotografías en color. para restaurar la vitalidad de la pintura realista. Esta teoría del "surrealismo" sostiene que los pintores deben estar alejados de la realidad objetiva de las cosas cuando interpretan o implican elogios o críticas de las cosas que representan.
Debido a que el "surrealismo" abandonó deliberadamente la búsqueda del significado, el significado de aquellas pinturas que expresan la imagen con mucha claridad es vago. El "abstractismo" y el "surrealismo" tienen diferentes interpretaciones extremas de la naturaleza de la pintura, pero sus puntos de vista coinciden en la falta de un significado claro.
La estética de la pintura china La estética de la pintura tradicional china es completamente diferente a la occidental. Entre los principios básicos de la pintura de "usar la forma para transmitir espíritu" y "tener forma y espíritu", nos oponemos no sólo a la tendencia naturalista de la búsqueda unilateral de la forma, sino también a la tendencia mística formalista de separarse de la "forma" y aislar el "espíritu". "Huainanzi" de la dinastía Han mencionó una vez que "los pintores pierden su forma debido a su amor por el cabello". La distinción entre "cabello" y "forma" preparó el camino para la posterior distinción entre "forma" y "espíritu". Gu Kaizhi, un gran pintor de la dinastía Jin del Este, propuso que "la forma es la base y el propósito de escribir 'forma'" y abogó por una "magnífica imaginación" para resaltar la esencia del objeto. Los logros de su teoría en la práctica todavía se pueden ver en el volumen de "Luo Shen Fu".
Xie He, de las Dinastías del Sur, colocó el "encanto vívido" en la parte superior de los "Seis Ritmos" y consideró "escribir con una pluma" como el principal medio para unificar la "forma" y el "espíritu". Por lo tanto, la teoría "Yunqi" es en realidad una continuación de la teoría del "Dios escrito". Zong Bing (375 ~ 443) de las Seis Dinastías propuso que los paisajistas deberían "contener el Tao y responder a los objetos" y "los paisajes deberían utilizar formas para nivelar el Tao". Creía que los pintores deberían utilizar el "Tao" para guiar la "forma", enfatizando que "la forma está escrita por la forma y el color está escrito por la forma". La "forma" y el "color" de las primeras son formas y colores con tendencias psicológicas subjetivas, por lo que podemos controlar la "forma" y el "color" de las segundas como factores objetivos.
Muchos pintores de paisajes de la antigua China no comenzaron con bocetos, sino que a menudo pintaban de memoria después de viajar a montañas y ríos famosos. La naturaleza en sus obras es a menudo la naturaleza representada por el alma. Los pintores a menudo abandonan la perspectiva enfocada de un punto de vista fijo y adoptan una perspectiva dispersa, permitiendo a los espectadores deambular por la imagen en su imaginación. Algunas personas llaman a la apreciación de las pinturas de paisajes un "recorrido mentiroso". Debido a que la pintura de paisaje abandonó la perspectiva focalizada, negó los puntos de vista fijos y las fuentes de luz, y también expresó la textura de los objetos, surgió una técnica única de la pintura de paisaje china: el método de pintura. Es muy diferente de la luz y la oscuridad de las pinturas occidentales. No sólo puede expresar la relación entre las cosas objetivas claras y oscuras, sino también el interés subjetivo del pintor por la pluma y la tinta.
Desde las Seis Dinastías, el número de pintores literatos ha aumentado gradualmente. Gu Kaizhi, Zong Bing y otros. Todos ellos son hombres de letras. Más tarde, en las dinastías Tang, Song, Yuan y Ming, los literatos se entretenían con la pintura después de la poesía, por lo que la pintura literata comenzó a convertirse en el escenario principal. Su principal característica es enfatizar la pincelada a mano alzada y obviar el realismo. Zhang Yanyuan (815 ~ 875) de la dinastía Tang propuso la importancia de establecer la "intención" y creía que "la intención precede a la escritura, y la pintura se basa en la intención, por lo que está llena de energía". El principio de conceder importancia al "significado" se reflejó plenamente en las pinturas de los literatos de finales de la dinastía Song y principios de la dinastía Yuan. El "significado" de la "intención antes de escribir" es diferente del "significado" del significado expresado después de la finalización del trabajo artístico. Se refiere principalmente a la intención creativa que precede al proceso creativo en el tiempo y que a menudo necesita ser aclarada más. y mejorado durante el proceso creativo. Aunque la pintura tradicional china se puede dividir en dos categorías: el gongbi, que enfatiza los factores de representación, y la pincelada a mano alzada, que enfatiza los factores de expresión, están conectadas. La defensa de la pincelada a mano alzada y la devaluación de la pintura meticulosa comenzaron en la dinastía Ming, pero esta visión es unilateral. Los murales de las Grutas de Mogao en Dunhuang y el Palacio Yongle en Shanxi, el "Banquete Nocturno" de Han Xizai de las Cinco Dinastías, los "Emperadores de todas las Dinastías" de Yan y las pinceladas a mano alzada de Shi Tao, Wu Changshuo, Qi Baishi y Pan Tianshou son todos ellos parte del destacado patrimonio pictórico de China. Sus valores estéticos son insustituibles.