El origen y desarrollo de la pintura
Primero, pintura prehistórica
La pintura más antigua conocida se encuentra en Grotte Chauvet en Francia, que algunos historiadores creen que data de hace 32.000 años. Las pinturas fueron talladas y pintadas en ocre rojo y pigmentos negros y presentaban caballos, rinocerontes, leones, búfalos, mamuts o humanos que regresaban de cacerías.
Las pinturas rupestres son habituales en diversas partes del mundo, como Francia, España, Portugal, China, Australia e India. El descubrimiento de estas pinturas ha dado lugar a muchas especulaciones diferentes sobre su finalidad. Algunas hipótesis afirman que la gente de la época creía que esas pinturas capturaban las almas de los animales y les permitían cazar con mayor facilidad.
Algunas hipótesis creen que es un fenómeno animista, que expresa el respeto por la naturaleza; otra hipótesis es que el ser humano tiene una necesidad innata de autoexpresión, y esas pinturas son el resultado, además, las hay; también opina que es Difusión de información de la aplicación.
Segunda tradición, oriental y occidental
La cultura occidental está dominada por la pintura al óleo y la acuarela, y tiene una rica tradición en forma y temática. La pintura oriental está dominada por la tinta y los pigmentos minerales y tiene una rica tradición en forma y temática.
3. De la época moderna a la actualidad
La invención de la fotografía ha tenido un gran impacto en la pintura. La primera foto apareció en 1829. Décadas más tarde, la tecnología de la fotografía siguió avanzando y fue ampliamente utilizada, por lo que la función original de la pintura para registrar el mundo real también fue cuestionada.
Una serie de actividades artísticas desde 65438 hasta finales de 2009 y principios del siglo XX, incluyendo el impresionismo, el postimpresionismo, el fauvismo, el expresionismo, el cubismo y el dadaísmo, desafiaron la concepción de la visión artística del Renacimiento. Pero el arte oriental y el arte africano aún mantuvieron sus estilos anteriores y no fueron influenciados por la fotografía.
Las visiones del arte moderno y el arte contemporáneo son muy diferentes de los valores y conceptos históricos del arte tradicional, por lo que en 1960 se decía que el estilo pictórico riguroso había muerto. Sin embargo, esto no impidió que la mayoría de los pintores siguieran pintando como parte o la totalidad de su práctica.
La vitalidad y variabilidad de la pintura en el siglo XXI han eclipsado declaraciones anteriores de la muerte del arte riguroso. En una época caracterizada por la diversidad cultural, no se comprende el estilo representativo de la época. Los artistas continúan creando con diferentes estilos y temperamentos estéticos, y sus logros quedan a la evaluación del mercado.
A principios del siglo XXI, las escuelas de pintura que aún perduran incluyen la pintura monocromática, la pintura dura, la abstracción geométrica, la apropiación, el surrealismo, el realismo fotográfico, el expresionismo, el minimalismo, la abstracción lírica y el arte popular;
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Datos ampliados:
1. Elementos
1. Brillo
El brillo se refiere a la luminosidad (profundidad) del color, es decir. es decir, alto brillo, bajo brillo. Un elemento de la pintura es la sensación y el efecto de brillo. Cada punto del espacio tiene una luminosidad diferente, que en las pinturas se puede representar con negro, blanco y varios grises intermedios.
En la práctica, un pintor puede expresar la forma de un objeto yuxtaponiendo puntos de diferente brillo. Por el contrario, si sólo utilizas diferentes colores con el mismo brillo, es posible que sólo puedas representar la forma de una imagen. Las técnicas básicas de dibujo incluirán patrones geométricos, muchos puntos de vista y organización (perspectiva) diferentes y símbolos.
Por ejemplo, cuando un pintor mira una pared blanca específica, cada punto tendrá un brillo diferente debido a las sombras y reflejos de los objetos circundantes, pero lo ideal es que, incluso en completa oscuridad en la habitación, las paredes blancas permanecer blanco. Porque incluso si no hay luz en la habitación y está completamente oscuro, el objeto todavía existe y no desaparece, por lo que se puede demostrar que su teoría es correcta.
2. Color y tono
El color y el tono son la base de la pintura, al igual que el tono y el ritmo de la música. El color es muy subjetivo, pero sus efectos psicológicos son observables, aunque sus efectos pueden variar de una cultura a otra. Por ejemplo, en la cultura occidental el negro representa la muerte y el luto, mientras que en la cultura oriental se utiliza el blanco para representarlo.
Varios pintores, teóricos, escritores y científicos (entre ellos Goethe, Wassily Kandinsky y Newton) propusieron sus teorías del color.
Además, el lenguaje sólo puede representar un color abstracto. Por ejemplo, la palabra rojo puede representar luz en el rango rojo casi puro del espectro visible.
Al igual que en la música, ¿los diferentes músicos están interesados en el do medio o en el do? Existe una definición común de * * *, pero diferentes pintores no tienen una definición de color generalmente aceptada. Para los pintores, los colores no solo se dividen en colores básicos o colores derivados (como rojo, azul, verde, marrón, etc.).
Al pintar, los pintores usan pigmentos para pintar, por lo que el "azul" del pintor " mayo Es uno de los siguientes colores: azul medianoche, índigo, azul cobalto, ultramar, etc. El significado psicológico y simbólico del color no está necesariamente relacionado con las técnicas pictóricas. El color puede añadir algún significado subyacente y derivado, por lo que la sensación de una pintura es muy subjetiva.
Esta parte se puede comparar con la música. El tono en la música (como el do central) es similar a la luz en la pintura, la sombra es similar a la dinámica y el color es similar al timbre de diferentes instrumentos. Si bien es posible que no formen una melodía, pueden agregar algo diferente a la música.
3. Elementos no tradicionales
Los pintores modernos ampliaron la pintura, como Lucky, que derivó del cubismo. En sentido estricto, no es una pintura. Algunos pintores modernos mezclan diferentes materiales según la textura, como arena, agua, paja o madera.
En esta categoría entran obras como las de Jean DuBois y Anselm Kiefer. También hay un número creciente de artistas que utilizan computadoras y software como Adobe Photoshop o Corel Painter para pintar colores en un lienzo digital y, si lo desean, imprimirlo en un lienzo real.
4. Ritmo
El ritmo en la pintura es tan importante como el ritmo en la música. Si el ritmo se define como "pausas en la secuencia", la pintura también tiene su ritmo. Estas pausas permiten que la imaginación se active, generando nuevas creaciones, estilos, melodías y colores.
La distribución de estas formas (o cualquier tipo de información) es muy importante en las obras de arte y afectará directamente al valor estético de la obra. En términos de valor estético, el libre flujo de percepción se considera belleza. No sólo en el arte o la ciencia, el libre flujo de energía mejorará su valor estético.
2. Estética y Teoría
La estética es el estudio del arte y la belleza. Fue uno de los temas tratados por filósofos como Kant o Hegel en los siglos XVIII y XIX. Filósofos griegos como Platón y Aristóteles también mantuvieron debates especiales sobre el arte y la pintura.
En el sistema filosófico de Platón, los pintores y escultores tenían un estatus muy bajo. Creía que la pintura no podía describir la realidad, que la pintura simplemente copiaba la realidad y no tenía más ingredientes que la artesanía, al igual que los zapateros y el hierro fundido.
Sin embargo, durante la época de Leonardo da Vinci, la comprensión que la gente tenía de la pintura era diferente a la de Platón. En aquella época se creía que "La Pittura è cosa mentale" (La pintura es algo espiritual).
Kant distinguió entre belleza y magnificencia y analizó sus similitudes y diferencias. Aunque no mencionó la pintura, pintores como Joseph Mallord William Turner y Caspar Friedrich extendieron sus conceptos a la pintura.
Hegel creía que a la belleza no se le puede dar una definición universal. En su estudio de la estética, consideró la pintura, la poesía y la música como tres artes "románticas", que tenían propósitos simbólicos y altamente intelectuales.
En tercer lugar, el estilo pictórico
La pintura es una forma de capturar, registrar y expresar diferentes propósitos creativos, y el número de sus participantes es igualmente grande. La naturaleza de la pintura puede ser natural, icónica (como bodegones o paisajes), pintura fotográfica, pintura abstracta, narrativa, simbólica, emocional o política.
Una gran proporción de la pintura a lo largo de la historia ha estado dominada por temas y conceptos espirituales, desde figuras mitológicas en cerámica hasta escenas de historias bíblicas en las paredes y techos de la Capilla Sixtina, pasando por el propio cuerpo humano hasta expresar temas espirituales.
Materiales de referencia:
Enciclopedia Baidu-Pintura