¿Cómo tomar fotografía escénica? ¿Cuáles son las técnicas para tomar fotografía escénica?
Lo siguiente trata sobre la captura de escenas en actuaciones. Aunque este método de filmación está limitado por la luz y el ángulo, además del hecho de que el desarrollo de la trama no se puede detener, lo que traerá algunos inconvenientes al rodaje, puede producir efectos reales y naturales y una atmósfera única en la escena. Si puedes utilizar diferentes ángulos debajo del escenario y utilizar las espaldas y los lados del público como primeros planos de la imagen, puedes aumentar la sensación de presencia.
Para tener un buen desempeño, es mejor estar familiarizado con la trama de antemano. La forma de comprenderlo es leer el texto que explica la trama o escuchar la introducción del experto. El segundo es ver el ensayo con anticipación para comprender el orden de las representaciones, las características interpretativas de los actores, las expresiones de las personas en la obra y los conflictos y desarrollos entre los personajes. Haga esto y no perderá la oportunidad de aprovechar la mejor oportunidad cuando surja un conflicto en la trama.
Asegúrate de elegir el punto de disparo antes de disparar. Puedes medir la distancia de disparo a través del visor de la cámara y utilizar un exposímetro para medir la intensidad de la luz del escenario para seleccionar la apertura y la velocidad de obturación.
Acerca de la iluminación para disparar: es conveniente usar flash, pero el efecto es muy contrastante y no tiene sentido de jerarquía. Es mejor usar iluminación del escenario de acuerdo con el contenido de la actuación.
El punto de disparo debe seleccionarse entre la séptima y la décima fila de los asientos del público, y debe estar ligeramente hacia un lado. Si la posición es demasiado cuadrada, es fácil que los personajes se superpongan y que la imagen carezca de cambios de perspectiva.
Al filmar una escena escénica grande, el punto de filmación debe estar en la primera fila de asientos en el piso de arriba, frente al escenario.
La determinación de la exposición del rodaje, si se quiere mostrar el conflicto entre personajes, debe basarse en la luminosidad de los rostros de los personajes. Si estás filmando una escena grande o actores bailando, debes tener en cuenta el brillo de los personajes y el fondo y tener en cuenta los datos entre los dos.
La apertura utilizada suele ser de 5,6 a 8. Si está borroso y el sujeto se destaca, también puedes usar una apertura grande, pero el enfoque debe ser preciso.
Al seleccionar la velocidad de obturación, para objetos en movimiento con gran movimiento, cerca del sujeto y a un ritmo rápido, la velocidad de obturación debe ser de 1/250 segundos. Sin embargo, para expresar el movimiento, al disparar localmente. Desenfoque, la velocidad de obturación debe ser de 1/250 segundos. La velocidad se puede reducir adecuadamente. En términos generales, cuando la distancia de disparo es de 8 a 10 metros, 1/125 de segundo es suficiente. Para acciones de ritmo lento, la velocidad de obturación también puede ser de 1/60 de segundo o 1/30 de segundo.