La dirección de fotografía de "Iron Bucket"
1. Primero, aplica sonido y color a la película.
2. Sé el primero en utilizar la pantalla panorámica.
3. Una parte importante de toda película conceptual: el movimiento cinematográfico Surrealista. (Como todos sabemos, en el cortometraje de 24 minutos “Un perro andaluz” del español Luis Buñuel de 1928, a un hombre le cortan los ojos con un cuchillo y le crece pelo en la boca, que fue la primera película surrealista).
4. La base del cine de la nueva ola.
Estas revoluciones cinematográficas tecnológicas y estilísticas han cambiado fundamentalmente el aspecto original del cine y lo han convertido en un arte. Hasta el día de hoy, los cineastas europeos siguen trabajando en el séptimo arte: el cine. Hacer una contribución indeleble.
Ahora es difícil ver las obras de los maestros del cine en Europa, pero hablando de estos nombres famosos: Ingmar Bergman, Ellen Resnais, Federico Ferry Johnny, Antonioni, François Truffaut, Lena Werner Fassbinder, muchos amigos del cine No pude evitar ser feliz.
Lo primero que nos viene a la cabeza al pensar en la Nueva Ola son las obras francesas de los años cincuenta y sesenta. Esta nueva ola de cine fue iniciada por los editores de Cahiers du Cinema Claude Chabrol, François Truffaut, Jean-Luc Goldard y Eli Cromeier. Duró de 1958 a 1962. Aunque no duró mucho, tuvo un gran impacto en todo el mundo del cine. cine.
Las obras representativas de este período incluyen: "Cosas equivocadas" de Truffaut (es decir, "Las cuatrocientas veces") y "Agotamiento" de Godard.
Inmediatamente, más de 65.438+000 directores europeos respondieron a esta ola turbulenta, como Ellen Resnais ("Hiroshima Mon Amour"), la representante de la orilla izquierda Agnes Varda, el genio del cine alemán Fassbinder (Sele Chilot), así como Louis Malle, formado en el aula ("Adiós niños y amor serio"), también son una mezcla.
Como movimiento, la Nueva Ola duró poco y desapareció rápidamente, pero su impacto transformó a las siguientes dos generaciones de cineastas. Hoy en día, esta ola de anarquismo que alguna vez se consideró vuelve a arrasar en los círculos cinematográficos franceses e incluso europeos. La nueva generación de cineastas desafía la tendencia de los años 1970 y 1980 de evitar la realidad y volver a las "películas de calidad".
A diferencia de Luke Besson (El amor del mar azul, que refleja la vida solitaria que se retira a las profundidades del mar) y Jean-Jacques Arnold (El nombre de la rosa), se trata de una iglesia claustrofóbica que aprisiona naturaleza humana) Vida), el esteticismo y la imaginería impersonal de Carrack (El amante del Pont Neuf, una historia de amor errante que nunca aterrizó bajo un puente de piedra deshabitado), iniciada por Eli Croshan y Corey Corral. La nueva ola de películas regresó a la tradición realista de la época de Renoir.
El frío festival de 1989 fue como una brisa que soplaba en el mundo del cine. La película, que ganó el premio a la Mejor Actriz por "Venecia y César" y el Premio de la Crítica de Cine de Toronto, muestra a dos mujeres de carácter fuerte que se ven obligadas a matarse entre sí y convertirse en buenas amigas. Sin embargo, la realidad no resulta como esperaban, hasta que la dueña de la niñera genera todas sus pasiones.
Otra obra maestra es “Crazy Night” de 1992. Esta película, en la que tanto el director como el propio protagonista murieron de sida, refleja el verdadero testimonio de la era del sida. Es un hito desde la perspectiva de la historia del cine y la sociología, porque se enfrenta por primera vez a la vida real de los pacientes con SIDA y cambia la actitud de la sociedad hacia el SIDA y sus pacientes con su encanto único. "The Hate" y "Bait" (Fresh Temptation) de 1995 pertenecen a este tipo de películas basadas en la sociedad y más cercanas al público. Sin embargo, excluyendo los factores del arte en sí, es difícil sacar una conclusión sobre si esta nueva ola de películas es beneficiosa para el desarrollo general de la industria cinematográfica y la situación social actual. "The Hate" y "Bait" (Fresh Temptation) de 1995 pertenecen a este tipo de películas basadas en la sociedad y más cercanas al público. Sin embargo, excluyendo los factores del arte en sí, es difícil sacar una conclusión sobre si esta nueva ola de películas es beneficiosa para el desarrollo general de la industria cinematográfica y la situación social actual.
Ahora echemos un vistazo a la obra maestra de Godard "Agotamiento". Esta película muestra a un gángster que corre desenfrenado por todas partes. Con la ayuda de una chica americana, evade a la policía.
Finalmente, ella lo denunció y murió a punta de pistola por la policía. Ahora volvamos la mirada a la obra maestra de Godard, "Agotamiento". Esta película muestra a un gángster que corre desenfrenado por todas partes. Con la ayuda de una chica americana, evade a la policía. Finalmente, ella lo denunció y murió a punta de pistola por la policía. La película se convirtió en una sensación porque: "Observa la vida desde una nueva perspectiva, mostrando la aleatoriedad, la falta de propósito y la indiferencia de las relaciones humanas, y también mostrando desprecio por las normas cinematográficas tradicionales y las reglas técnicas obsoletas. y desviación, utilizando técnicas audaces como la narrativa flexible métodos, formatos de imagen y saltos ". La película causó sensación porque: "Observa la vida desde una nueva perspectiva y muestra la aleatoriedad y la falta de propósito del comportamiento humano. Su indiferencia hacia las relaciones humanas también muestra su desprecio y alejamiento de las normas cinematográficas tradicionales. reglas técnicas obsoletas, adoptando técnicas audaces como métodos narrativos flexibles, formatos de imagen y saltos."
Truffaut. Las fechorías se agotaron a principios de ese mismo año. Este niño es un director autodidacta que ve muchas películas. Un director que tiene una experiencia muy similar a la suya es el genio estadounidense Quentin Tarantino. Se dice que antes de que Quentin dirigiera novelas negras, veía cinco o seis películas al día. Los excesos de Truffaut terminaron ese mismo año. Este niño es un director autodidacta que ve muchas películas. Un director que tiene una experiencia muy similar a la suya es el genio estadounidense Quentin Tarantino. Se dice que antes de que Quentin dirigiera novelas negras, veía cinco o seis películas al día. Esta película de 1959 describe a un niño de 13 años, Duvall, que se escapó muchas veces debido a la falta de calidez en la escuela, la familia y la sociedad, y finalmente se embarcó en el camino del crimen. Esta película de 1959 describe a un niño de 13 años, Duvall, que se escapó muchas veces debido a la falta de calidez en la escuela, la familia y la sociedad, y finalmente se embarcó en el camino del crimen. Se rumorea que esta película es la autobiografía de Truffaut, al igual que la novela negra es el autorretrato del punk de Quentin, y Sunny Day es la infancia de Jiang Wen y Wang Shuo. Es superior al estilo documental simple, el fuerte sabor de la vida, la delicada revelación psicológica y la filmación de escenas reales, el movimiento continuo de la lente, el uso apropiado de lentes largos y otras innovaciones artísticas. También permitió a Truffaut ganar por primera vez el premio al Mejor Director en el Festival de Cine de Cannes por realizar un largometraje. real. Se rumorea que esta película es la autobiografía de Truffaut, al igual que la novela negra es el autorretrato del punk de Quentin, y Sunny Day es la infancia de Jiang Wen y Wang Shuo. Es superior al estilo documental simple, el fuerte sabor de la vida, la delicada revelación psicológica y la filmación de escenas reales, el movimiento continuo de la lente, el uso apropiado de lentes largos y otras innovaciones artísticas. También permitió a Truffaut ganar por primera vez el premio al Mejor Director en el Festival de Cine de Cannes por realizar un largometraje. real.
Echemos un vistazo a la nueva ola de Alemania. Hay muchas obras excelentes de películas alemanas en la historia. En 1979, "El tambor de hojalata" de Schlendorff ganó el premio Lifetime Achievement Award, que llevó al cine alemán al reconocimiento mundial. Echemos un vistazo a la nueva ola de Alemania. Hay muchas obras excelentes de películas alemanas en la historia. En 1979, "El tambor de hojalata" de Schlendorff ganó el premio Lifetime Achievement Award, que llevó al cine alemán al reconocimiento mundial. La Nueva Ola del cine alemán comenzó a finales de los años 1960, y su representante fue Rainer Werner Fassbinder. El genio del cine que murió joven fue la figura principal del grupo del "teatro antiteatro". La nueva ola de cine alemán comenzó a finales de los años 60, representada por Rainer Werner Fassbinder. El genio del cine que murió joven fue la figura principal del grupo del "teatro antiteatro". En 1969, Fassbender, que sólo tenía 24 años, se hizo famoso con su primera película "El amor es más frío que la muerte". No tiene calificaciones para ser guionista o director, pero él mismo desempeña el papel principal. A juzgar por sus 14 años de carrera cinematográfica, ha realizado un total de 41 películas, algo extremadamente raro en la historia del cine mundial. Lideró el movimiento del "Nuevo Cine Alemán". En 1969, Fassbender, que sólo tenía 24 años, se hizo famoso con su primera película "El amor es más frío que la muerte". No tiene calificaciones para ser guionista o director, pero él mismo desempeña el papel principal. A juzgar por sus 14 años de carrera cinematográfica, ha realizado un total de 41 películas, algo extremadamente raro en la historia del cine mundial. Lideró el movimiento del "Nuevo Cine Alemán".
Las dos obras más importantes de Fassbinder son "Las bodas de María Braun" (1979) y "Sailor Creole" (1982). El primero permitió que las películas alemanas entraran en Estados Unidos e incluso en el mercado mundial, mientras que el segundo es sólo un clásico erótico, tan erótico porque está lleno de incesto entre mujeres homosexuales, bisexuales y posesivas de mediana edad.
Las dos obras más importantes de Fassbinder son "Las bodas de María Braun" (1979) y "Sailor Creole" (1982). El primero permitió que las películas alemanas entraran en Estados Unidos e incluso en el mercado mundial, mientras que el segundo es sólo un clásico erótico, tan erótico porque está lleno de incesto entre mujeres homosexuales, bisexuales y posesivas de mediana edad. Se trata de una obra expresionista, sin una estructura narrativa completa, y no existe una relación causal inevitable entre los acontecimientos. Las acciones de los personajes no tienen motivación ni lógica, y toda la película es como una fábula compuesta de imágenes. Se trata de una obra expresionista, sin una estructura narrativa completa, y no existe una relación causal inevitable entre los acontecimientos. Las acciones de los personajes no tienen motivación ni lógica, y toda la película es como una fábula compuesta de imágenes. "Es un retrato de la experiencia personal de Fassbinder y un modelo para su construcción de un mundo extremo: un mundo sin amor, lleno de lucha, fraude, asesinato y sexo". Para expresar este mundo, Fassbinder utilizó el mismo color: naranja, este es. Una especie de erotismo en toda la película, que da al público una sensación de depresión, "como ir al infierno, dejando a la gente sin aliento". "Es un retrato de la experiencia personal de Fassbinder y un modelo para su construcción de un mundo extremo: un mundo sin amor, lleno de lucha, fraude, asesinato y sexo". Para expresar este mundo, Fassbinder utilizó el mismo color: naranja, este es. una especie de erotismo en toda la película, que da al público una sensación de depresión, "como si estuvieran en el infierno, asfixiándose".
Las obras de Wim Wenders se han vuelto comunes en el mercado discográfico continental en los últimos dos años, desde "Paris, Texas" (1984) hasta "Hasta el fin del mundo" (1990) (películas de 3 discos). , desde “Alas de ángel” (1987) hasta “Apocalipsis de violencia” (6548). Las obras de Wim Wenders se han vuelto comunes en el mercado discográfico continental en los últimos dos años, desde "Paris, Texas" (1984) hasta "Hasta el fin del mundo" (1990) (3 discos), desde "Angel's Wings" (1987). ) hasta "Apocalipsis de la violencia" (6548). Al mismo tiempo, también es el director alemán con más premios. "Paris, Texas" ganó la Palma de Oro en Cannes, y el semidocumental de 1986-87 "Over Berlin" ganó el Premio Especial de la Crítica de Cannes y el Premio a la Mejor Película del Festival de Cine Europeo. Al mismo tiempo, también es el director alemán con más premios. "Paris, Texas" ganó la Palma de Oro en Cannes, y el semidocumental de 1986-87 "Over Berlin" ganó el Premio Especial de la Crítica de Cannes y el Premio a la Mejor Película del Festival de Cine Europeo. Además, Hollywood rehizo descaradamente "Angel Wings" en "City of Angels" (X Lover) en 1996. Además, Hollywood rehizo descaradamente "Angel Wings" en "City of Angels" (X Lover) en 1996.
Historia del Cine Europeo (1995)
Cine Europa: Otro Hollywood
También conocido como: Historia del Cine Mundial: Parte Europea/Historia del Cine Europeo: Otro Hollywood
Categoría: Serie de TV
Director: Kevin Brownlow/Dan Carter/David Gill/Michael Winterbottom
Región: Reino Unido
Número de grupos: 6
Idioma: inglés
Subtítulos: caracteres chinos
Este es un conjunto que puede satisfacer a cualquier cinéfilo y trabajador del cine de alto nivel. Producto por el que estar entusiasmado. . Explica sistemáticamente el proceso del arte cinematográfico europeo desde su nacimiento hasta su desarrollo, crecimiento y exploración durante los últimos 100 años, y clasifica sistemáticamente el desarrollo del arte cinematográfico en los principales países europeos según divisiones regionales. El primer episodio cuenta por primera vez al público sobre el nacimiento del arte cinematográfico en 1895. Incluye clips preciosos como "Un tren llega a la estación" y "La puerta de la fábrica", filmados por los hermanos franceses Lumière. El segundo episodio trata sobre el cine sueco. Suecia, como país en desarrollo más importante en el ámbito del arte cinematográfico del norte de Europa, ha dado lugar a directores famosos como Bergman, pero ¿quién hubiera pensado que ellos también experimentarían un punto bajo en el cine? Una gran reunión de todos los cineastas suecos en 1912 realmente llevó al cine sueco a la vanguardia mundial. El tercer episodio llega a Alemania, la ciudad natal de Fassbinder y Wenders, donde nacieron las primeras películas expresionistas y se convirtieron en uno de los símbolos del cine alemán. Francia, cuna de la Nueva Ola, es la protagonista del cuarto episodio, que detalla la recuperación y los grandes pioneros de la industria cinematográfica francesa de posguerra y selecciona numerosos fragmentos de películas famosas. El quinto episodio nos lleva a Inglaterra. Esta potencia cultural europea que inventó la tecnología de primeros planos y montaje comenzó a declinar después de la Primera Guerra Mundial y fue superada por otros países europeos. Pero no se ha desanimado y siempre ha sido único en el cine mundial con su encanto clásico único.
En el sexto episodio veremos en detalle el impacto de la industria del cine sonoro en la historia del desarrollo cinematográfico.
Si tienes alguna duda, ¡pregunta! Si lo compartes, ¡acéptalo como una respuesta satisfactoria! !
Después de abrir el archivo adjunto y copiar la dirección del enlace, puedes descargarlo usando Thunder o eDonkey: