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Películas talladas en el altar

- Los experimentos simbólicos y la estética decadente de Shuji Terayama

Hablando de Shuji Terayama, la gente puede asociarlo fácilmente con el director italiano Pier Paolo Pasolini. De hecho, los dos directores tienen muchas cosas en común. Shuji Terayama nació en la prefectura de Aomori, Japón, en 1935. Se graduó en el Departamento de China de la Universidad de Waseda. El hecho de haber nacido en la prefectura de Aomori es muy importante para él y está involucrado en muchas de sus películas. Esto también explica su carácter autobiográfico. Características de sus películas. Aficionado a la poesía y al haiku desde niño. Ganó varios premios nacionales de poesía cuando era adolescente. Además, también es un excelente comentarista de carreras de caballos y combates de boxeo. Al igual que Pablo, también es autor de cine, poeta director y un artista de primer nivel que compagina cine y pintura. La película de Pasolini "Saros: 120 días de Sodoma" tiene una profunda influencia entre los cinéfilos nacionales. Del mismo modo, "Shanghai Whorehouse" de Shuji es también la más popular. La primera similitud intuitiva entre estas dos películas es que ambas muestran un grupo de carnavales desenfrenados arraigados en las raíces ideológicas de "los deseos humanos y la destrucción de los principios celestiales". Hasta ahora, las obras de estas dos personas todavía se consideran avanzadas. pero pocos amigos cercanos.

En comparación con Paschi, que tiene un vasto trabajo como director, Shuji Terayama solo tuvo cinco largometrajes en su vida, pero tuvo innumerables cortometrajes experimentales y obras de teatro que no son muy conocidas. y también contribuyó a muchas películas. Debido a los diferentes hábitos espirituales de los pueblos italiano y japonés, Pasolini solía usar un humor inapropiado para bromear al respecto. Aunque este tipo de broma hace que la gente no pueda reír, las películas de Shuji Terayama son de naturaleza seria, en varias películas no hay bromas. elemento de principio a fin, pero se sustituyen por fuertes sentimientos de compasión. En lugar de decir que las películas de Shuji Terayama abren nuevos territorios, sería mejor decir que explora la "ecología original" o que rinde homenaje a las imágenes irreversibles del pasado. Las películas de Shuuji son como altares, frías, extrañas, silenciosas y desoladas, que cuelgan de las cenizas del tiempo y el espacio externos y del mundo interior que han sido olvidados y quemados en la memoria.

El primer largometraje dirigido por Shuji Terayama es "Throw Away the Book and Take to the Streets" (filmado en 1971, en adelante denominado "Throw"). Sobre la juventud y la calle. Una película conmovedora expresa mucho más que una mera intuición. Shuji Terayama fue el guionista de "The Bad Guys" en 1970. Los directores de la película, Masahiro Shinoda, Nagisa Oshima y Yoshige Yoshida, lanzaron juntos el movimiento New Wave en las películas japonesas y son conocidos colectivamente como los "Tres héroes de la nueva ola". Las películas de la nueva ola a menudo se centran en el mundo espiritual de los movimientos juveniles y estudiantiles. "La cruel historia de la juventud" de Oshima Nagisa es una de las obras maestras de este movimiento. Se puede ver que la película de Shuji Terayama también fue influenciada por el movimiento de la nueva ola. Centrado en Se centra en el dolor y la confusión de los recuerdos juveniles, y mezcla emociones individuales con factores de la época y la región. "Throw" crea la imagen de un joven que no está dispuesto a conformarse con el status quo y anhela la emoción, pero siente que todo en la vida es nada y por lo tanto cae en una crisis espiritual.

Las cicatrices y La turbulenta política del Japón de posguerra es la clave de su crecimiento. El cuerpo principal de la película también está influenciado por la repentina marea de la cultura occidental. En la película, vemos grupos de jóvenes deambulando por las calles,

hippies con ropa elegante se turnan para fumar marihuana, cigarrillos de la marca Peace están esparcidos por todas partes y la sombra de la guerra se esparce por todos los rincones del mundo. . Quizás era la primera vez que dirigía una película, pero Shuji todavía no tenía suficiente confianza en su expresión a través del lente, por lo que la película incluyó grandes secciones de poesía, monólogos y sermones filosóficos, utilizando el lenguaje para fortalecer las intenciones de la película.

Entonces se tumbó en el suelo y aprendió a comportarse como un perro para convencer a su hija. La hija tomó un látigo y golpeó a su padre como a un perro. Cuando el padre gira cada vez más rápido en el suelo, el público puede sentir una fuerte sensación de mareo. El efecto psicológico que el director quiere lograr es que este tipo de amor del padre por su hija no sea conmovedor ni emocional. sino un malestar más fuerte e indescriptible. Una extraña escena experimental basada en una ficción realista. Le ha quitado las características "humanas" y ha creado una estética decadente completamente deconstruida. Este tipo de deconstrucción no es algo que la gente común pueda soportar en el mundo espiritual. Si el público piensa que esta escena es real, sentirá un miedo intenso y sentirá que la realidad no debe ser deconstruida de esta manera y mostrará una cara cruel; Piensa que esto no es la realidad, siento que la trama de la película es diferente a la realidad, pero parece que no puedo encontrar la diferencia. Otro ejemplo es que al final de la película, un hombre enmascarado y vestido de negro, surgido de la nada, sostiene el cráneo de un niño revolucionario y declara la libertad de O. Esta trama es tan absurda que sólo queda el expresionismo. Aterradora, esta estimulación no es instantánea, sino una sensación de frialdad que agita el corazón tras la estimulación, permitiéndonos entrar conscientemente en las emociones que la heroína O puede sentir (para ser precisos, el mundo personal del director).

Si "Parte 1" todavía tiene una trama completa que puede ser aceptada por la mayoría de los espectadores, entonces "Grass Maze" (en adelante, "Grass") filmada en 1983 es ​​un drama absoluto. Pieza experimental abotonada. Esta película sobre el viaje de un joven para encontrar la "Canción de balonmano" que una vez cantó su difunta madre parece un guión gráfico compuesto de arte escénico. Los diversos elementos de la película se mezclan como en una pesadilla, y hay un aura de rareza y miedo por todas partes: una larga franja de satén rojo, una chica misteriosa bailando con una pelota de balonmano, un grupo de fantasmas que aparecen de la nada, y La cabeza de una madre siendo utilizada como pelota de balonmano. Lanzarla es asombroso e increíble.

"Adiós, Hakobune" es la última obra hermosa en la vida de Shuji Terayama. Se completó un año después de la muerte de Shuji (1984). La historia se desarrolla en un pueblo que ha pasado el tiempo y se ha convertido en un arca: las almas de la gente del pueblo aún permanecen en el pueblo después de la muerte, los primos casados ​​viven una vida de amor y sexo gracias al cinturón de castidad fabricado; por su padre; y finalmente, el tiempo volvió al pueblo, los aldeanos se mudaron a otros lugares y el pueblo desapareció de la historia, dejando solo rastros en fotos familiares. El sentimiento de soledad que sentí cuando leí por primera vez "Cien años de soledad" impregna la película de Shuji. Esta es una novela que es difícil de adaptar a una película y sólo un poeta cinematográfico como Shuji puede completarla. Desafortunadamente, la película aún no está terminada y el maestro ya es un invitado en un país extranjero.

Aunque las tramas de las películas de Shuuji parecen confusas y caóticas, siempre hay un símbolo que sirve como pista de toda la película. En "Field", la herramienta del tiempo es la clave de la película, al igual que el marco rectangular en la infancia de O en la "Parte 1". Este símbolo cuadrado rodea el símbolo circular, como un par de grilletes, haciéndola perder. Se quedó en silencio y aguantó, pero al mismo tiempo no tenía adónde escapar. Por lo tanto, la estética simbólica de Shuji Terayama es una de las características importantes de sus películas. Los símbolos y las tramas son igualmente importantes en las películas de Shuji, y la última es incluso más importante que la primera.

Técnicas de procesamiento de elementos visuales y sonoros

La organización de los elementos visuales y sonoros en las películas de Shuji Terayama es tan variada como su trama. Las películas de Shuji Terayama siempre tienen música local relajante mezclada con sonidos de fondo breves y ásperos. Después de ver varias de sus películas, descubrí que mis oídos se volvieron más sensibles y comencé a capturar cosas en el aire que nunca antes había visto. Se escucha un sonido corto. Para que la película fuera artística tanto desde el punto de vista físico como espiritual, a Shuji no le importó el procesamiento del sonido, ya sean esas hermosas y cuidadosamente elaboradas canciones populares japonesas o la escena de "Toss" donde la hermana es violada en grupo por los jugadores de fútbol y el hermano están indefensos afuera de la puerta. En ese momento, el sonido de fondo usaba un coro de gritos que sonaban como gritos pero no como gritos y los sonidos extraños de los demonios bailando en "Grass" estaban todos en línea con el. trama y dejó una profunda impresión en la gente.

Los retratos colgados en la pared, los extraños hechizos garabateados en la tela blanca, los rostros humanos manchados de blanco; el reloj de "Field" y el reloj de pared que sigue sonando, así como la sangre del amante de la joven goteando sobre la tela blanca; , como la bandera japonesa, los movimientos de las mujeres inflables del grupo acrobático que necesitan una bomba son también indicios de un posible deseo sexual. Al final, un dedo apunta exactamente en dirección opuesta al movimiento de las personas, apunta en la dirección opuesta. a "fallecer"; la "O" en la "Parte 1" El nombre en sí es un símbolo, que simboliza un agujero, un espacio inclusivo en expansión infinita, similar a la caja en la que el padre de O se aprisionó en la memoria. y las imágenes específicas son usadas por O. Anillos en forma de pájaro, varias formas de herramientas de abuso sexual, balones de mano grandes y pequeños en "Grass", largos brocados rojos, etc. En "Toss", cuando el hermano lleva a su hermana herida a casa, un hombre pasa junto a ellos cargando un cadáver de cerdo disecado; en la "Parte 1", una ex actriz pierde el control y se suicida mientras cae en los recuerdos. En ese momento, un piano flotaba en el río fuera de la ventana. Todo esto es significativo.

Las leyendas de fantasmas de esta nación son también uno de los símbolos que Terayama Shuji suele utilizar. Los retratos de mujeres vestidas de rojo con cabello largo y vestidos con trajes antiguos que cuelgan en las paredes recuerdan a las imágenes de las niñas de las nieves y los kappas en las leyendas japonesas. La mujer encarcelada Chiyome en "Grass" tiene sombras de la leyenda de las niñas de las nieves en su cuerpo. El uso de estos símbolos populares está lleno de costumbres nacionales e implicaciones filosóficas, lo que es suficiente para que el público nacional reexamine estas imágenes, y también aumenta el misterio psicológico para el público extranjero. No sólo las leyendas folclóricas de fantasmas, sino también la cultura occidental contemporánea desempeñan un papel importante en las películas. "Throw" reúne mucha cultura pop: carteles, música rock, hippies, etc. ¿A dónde irá Japón entre su apego nacional y la tentación de Occidente? La reflexión sobre la nación está escrita en la película. La colisión de las dos culturas hace que Japón sea incapaz de mantenerse alejado y ansioso.

Como se mencionó al principio de este artículo, la película de Shuji Terayama es Still on the Altar. Este poeta cinematográfico que tiene una emoción sensible y apasionada por el paisaje nativo ha escrito esta emoción en su película. Pastoral, praderas, montañas nevadas, ferrocarriles abandonados, recuerdos del pasado y pianos se entrelazan en este mundo exterior. En cuanto al mundo interior, él también se compromete a profundizar en él. Cuando veo sus películas por primera vez, no puedo. escapar del capullo del amor infiel. Las emociones ambiguas entre madre e hijo en "Grass" y "Field", y en la "Parte 1" porque O perdió a su padre, que le dibujaba marcos con tiza, transfirió este complejo de entrega de Electra a alguien mucho mayor que él. Steven, de 19 años, para completar su sentido de pertenencia bajo un fuerte control. Cuando se coloca en la película este tipo de complejo de "Electra", "Edipo" o incluso "Hijo del amor", ¿no es el complejo de Orfeo y el complejo de Edipo en la libido de las personas propuestos por Freud? Freud utilizó el Id, el Ego y el Superyó para constituir el mundo consciente de una persona. Entre varias películas, "Grass" se centra especialmente en el llamado "Superyó". No es fácil excavar el mundo de la mente subconsciente. mostrarlo en forma de imágenes. El "superego" es un mundo que puede ser explorado eternamente. Por tanto, las películas de este tipo suelen tener un fuerte carácter experimental.

Pero obviamente Terayama Shuji todavía tiene un significado más profundo. Hemos visto que varias escenas sexuales en las películas suelen estar en medio de la desesperación y la lucha, como la violación en grupo de la hermana en "Toss", las relaciones sexuales entre una joven y un adolescente en "Field" y "Grass". y las relaciones sexuales entre una joven y un adolescente en "Shanghai". En la escena en la que O es violada por Steven y recoge invitados, incluso la risa entre O y el chico revolucionario llevó al asesinato del chico. El sexo era originalmente un cebo de felicidad proporcionado por Dios para la reproducción humana, pero aquí no hay felicidad alguna. Si el sexo pierde su misión, todo estará en peligro. En sus películas, el sexo no sólo es metaforizado por varios símbolos, sino que el sexo en sí es también una metáfora más amplia. Si se trata solo de jugar una mala pasada para liberar la estimulación sensorial, la película de Shuuji no puede considerarse una película de arte. A lo sumo, es una película relativamente avanzada entre los productos audiovisuales que abundan en Japón.

El "instinto sexual" y el "instinto de vida" (también el "instinto de muerte") son los dos contenidos principales de la vida. Shuji intercala la vida, la muerte y el sexo en sus obras para pensar en ellos. Este es también un tema importante de muchos maestros japoneses. Muchos directores japoneses de su generación, entre ellos Shohei Murura y Nagisa Oshima, también están acostumbrados a utilizar imágenes para reflexionar sobre las visiones sobre la vida, la muerte y la sexualidad que constituyen la identidad nacional de su país. Hay un detalle en "Throw", una persona está vendiendo "adquisición de ancianos y ancianas inútiles", y hay varios ancianos caídos y entumecidos atados al carro detrás de él. Este tipo de tratamiento para los ancianos y los débiles se debe. a recursos limitados es La cruel eliminación recuerda fácilmente a "El examen de las montañas salvajes" de Imamura Shohei. Este país insular de aguas estrechas, esta nación hegemónica que se expandió deliberadamente, ha dado origen a un grupo de maestros de la compasión, que reflexionan sobre el sentido individual de "vida (muerte)" y "sexo", y se preocupan por toda la nación. a través del destino individual.

Luego, como completo poeta del cine, no estuvo a la altura de su vejez. Shuuji murió de cáncer de hígado en Japón en 1983 a la edad de 47 años. En los años siguientes, varias de sus películas fueron levantadas gradualmente de la prohibición y estrenadas en el país y en el extranjero. Es difícil decir si su muerte antinatural estuvo relacionada con sus películas. Quizás fue su excavación de la desesperación humana y su homenaje a la ecología original lo que lo llevó prematuramente al origen y destino de todas las cosas. Una generación de maestros terminó bajo la fuerza irresistible. de la humanidad. Es un enfermo terminal, pero afortunadamente hay películas que nos permiten conocer el altar eterno que dejó atrás.