¿Puedo preguntar sobre la política de la Canciller alemana para estimular el desarrollo del cine y la televisión de Hollywood?

A principios de los años 1960, la crisis del cine alemán se manifestó principalmente en lo siguiente: el gobierno dejó de proporcionar seguros económicos para las películas. Ha llevado al colapso o la fusión de grandes empresas (como New Cinema Art Company, Alliance Film Company, Ufa-Hanse Film Company ha disminuido, pero los impuestos pagados por las películas de entretenimiento no han disminuido y el desarrollo y la producción); competencia de televisión. En 1961, el jurado del "Premio del Cine Alemán" no pudo encontrar a nadie digno de ser premiado como "Mejor Película" y "Mejor Director". El cine alemán se encontraba en su punto más bajo, tanto económica como artísticamente. A mediados de los años 1980, la producción anual de películas alemanas era sólo de 60, y el número de espectadores se redujo a aproximadamente 654,38 mil millones.

1. "Declaración de Oberhausen"

En 1962, los nuevos directores de cortometrajes de Munich llegaron a Oberhausen, sede del Festival Internacional de Cortometrajes, con un manifiesto. Participaron en el 8º Festival Internacional de Cine y anunciaron que "crearían un nuevo cine alemán". Expresaron su descontento con las películas americanas y las películas comerciales alemanas de los años 1960. El manifiesto fue presentado por 26 directores de cine, fotógrafos y productores, la mayoría de los cuales empezaron haciendo cortometrajes. Sus contenidos principales son "El colapso del antiguo cine alemán finalmente ha privado de fundamento económico a nuestra posición ideológica abandonada"; "Como en otros países, los cortometrajes en Alemania se han convertido en una escuela y un campo de experimentación para los largometrajes"; del cine alemán reside en el uso de idiomas internacionales"; "Ahora.

Para hacer un nuevo largometraje alemán, este tipo de película necesita libertad. Tenemos que romper las reglas y superar la comercialización. La película. La afición es crear nuevas películas en forma e ideas. Estamos dispuestos a asumir algunos riesgos económicos. "Las películas antiguas están muertas y creemos en las nuevas. Declaraciones como ésta marcaron un punto de inflexión para el cine de Alemania Occidental. Posteriormente fundaron la "Fundación Alemana de Cine Juvenil" y planearon financiar con 5 millones de marcos la creación de 10 largometrajes. Sin embargo, esta sugerencia no fue tomada en serio. Después de un largo período de recaudación de fondos, en 1965 se creó formalmente el "Comité Alemán de Cine Juvenil" y en los tres años siguientes financió la creación de 20 películas, siendo la mayor inversión de 300.000 marcos. Los jóvenes cineastas alemanes produjeron obras de influencia internacional que siguen siendo relevantes en la actualidad. Estas películas comenzaron a entrar en las redes de distribución comercial en 1966.

2. Cine juvenil alemán

Esta es la etapa inicial del desarrollo del nuevo cine alemán. Uno de los fundadores del cine juvenil alemán es Jean-Marie. Straub. Nacido en Niza, Francia, en 1933, llegó a Alemania en 1958 y realizó películas experimentales mientras vivía exiliado en Alemania. Todas sus obras son producidas con su esposa Danielle y Sy. Ha trabajado como escritora, productora, directora y montadora en las películas de su marido. Las películas de Straub siguen un estilo brechtiano de drama de la Ilustración. Insistió en la autenticidad de las líneas, las obras originales y los pensamientos, y pidió a los actores "hacer menos acciones y leer más líneas". Sus obras suelen ser serias, solemnes y delicadas. La obra maestra de Straub es "No Reconciliation" (1965), adaptada de la novela "Billar a las nueve y media" de Heinrich Böll. La película contrasta la Alemania de Hitler con la realidad de posguerra de la República Federal de Alemania a través de la vida de tres generaciones. Las bocas de los actores son muy artísticas, y la forma en que hablan los actores de la película, la programación de las escenas y la composición de las imágenes están diseñadas para que la gente experimente la realidad en lugar de enfrentarla. Este estilo refleja la búsqueda por parte del director de un cierto efecto de alienación basado en la teoría dramática de Brecht, y también recuerda a la famosa escuela expresionista alemana en la historia del cine. Muchos críticos de cine han señalado que esta película "repasa directamente la era nazi con flashbacks históricos" y es "una película pionera con realidad política y un estilo novedoso".

Alejandro. Kruger también fue uno de los pioneros. Nacido en 1932, trabaja como jurista, abogado y escritor. Su obra maestra la dirigió “Adiós al ayer” (1966). La película muestra la dura vida de Anita G, una prostituta que llegó a la República Federal de Alemania desde Alemania del Este. La golpearon y la pisotearon por todas partes. La trama de la película es muy animada y utiliza muchas técnicas de grabación y actuaciones cómicas.

El buen efecto de la película reside no sólo en su técnica narrativa, sino también en su simpatía por el destino de los personajes principales, su crítica a la sociedad, su sátira que invita a la reflexión y su contenido específico. Esta película sobre la apatía, el atraso, el paternalismo y la psicología pervertida de quienes detentan el poder ganó el León de Plata en el Festival de Cine de Venecia.

También hay algunas figuras y obras influyentes: "Young Tellus", filmada por Folco Schlondorf en 1966, ganó el Premio Internacional de la Crítica de Cine del Festival de Cine de Cannes. Wilger. La película de Herzog de 1967 "Signs of Life" cuenta la historia del soldado Strzek que se vuelve loco debido a circunstancias absurdas en una isla no utilizada. Herzog espera mostrar "el poder del inquietante e intelectualmente incomprensible paisaje griego". Esta película ya puede ver el estilo y la búsqueda constantes del director en Johannesburgo, la película de Schaff "Tattoo" cuenta la historia de un joven de 16 años. -Un viejo mató a tiros a su padre adoptivo. "El sencillo acto final representa la protesta de los jóvenes contra las palabras vacías y la complacencia de la sociedad tradicional". Esta película es muy similar a las películas francesas de la Nueva Ola. "Representa las características de la combinación del Nuevo Cine Alemán y el Cine de la Nueva Ola: los directores quieren expresar lo que han presenciado y experimentado de primera mano. A continuación también: "Unhunted", de Peter Shamoni, que ganó el Oso de Plata en el Festival de Cine de Berlín." "The Fox"; el puntillista "It" y "Year After Year"; "Jogging" de Hello Zenft, de Christian Risher; Tom y Jerry, de Goers and Bollard, y más, de Edgar Leitz; .

Sección 4 Cuatro directores del nuevo cine alemán

A mediados de los años 1970, el nuevo cine alemán entró en su clímax creativo. La figura representativa de este período fue Wilger Herzog Ge, Falko Schlendorff. , Lena Werner Fassbender y Wilg Wenders.

Wilg Wilfinger (también conocido como W.H. Stepitke)

Si un artista es una "persona solitaria", entonces Herzog es el nuevo artista alemán. El personaje más icónico de la película. Al igual que los héroes "solitarios" de sus películas, él mismo es un artista solitario. Herzog dijo:

Precisamente porque soy una sola persona y continuaré trabajando solo, es difícil atribuir aquí mis películas a un género determinado.

Tras rodar el cortometraje Signs of Life en Grecia en 1967, también rodó Fata Morgana (1968) en el Sahara. Filmó "Juru Has Grow Up Too" (1968); en 1973 viajó a Perú y Brasil para filmar "aqel - La ira de Dios". Esta película utiliza el legendario método documental para describir la historia de un monje llamado Aqel que exploró la fruta dorada en 1590. Expresa la desintegración de un determinado orden social y el fracaso de la fantasía frente a la realidad. Este es un "poema narrativo de engaño e indulgencia". En 1976 dirigió la película "Sálvese quien pueda, Dios y todos contra él", que cuenta la historia de Casper Howell, un marginado que sufrió prejuicios sociales en el siglo pasado. Tiene retraso mental y es anormal. Esta película mitad grabada y mitad autobiográfica expone la hipocresía y el egoísmo de una sociedad construida sobre privilegios e instituciones eclesiásticas.

ismo. El sueño del protagonista, filmado en película de 8 mm, es muy distintivo y se ha convertido en "la película más poderosa y unificada" de "Herzog" y ganó el Gran Premio del Festival Internacional de Cine de Cannes. En 1978, también rehizo "Noches de Nosferatu" de Monnau. En 1982, Herzog dirigió Fitzcarraldo. El héroe soñaba con construir un teatro de ópera en los bosques del alto Amazonas para que la gran Karou pudiera cantar. Comenzó su viaje y movió su barco por las montañas con la ayuda de eruditos. La película despierta el estado psicológico más obsesionado y loco del artista en el magnífico paisaje natural y las sencillas costumbres populares. Herzog dijo: "Mis películas nacen de una intensa fascinación..." La película ganó el premio al Mejor Director en el Festival Internacional de Cine de Cannes.

La soledad, la locura y los exóticos paisajes naturales se han convertido en temas constantes en las películas de Herzog.

En las películas de Herzog, le gusta retratar personajes marginados y solitarios y explorar su mentalidad de "loca obsesión", que es similar a las películas francesas de "Left Bank". Sus películas están llenas de romance, un fuerte sentido del estilo y conmovedora música clásica. Sus dramas de cine y televisión son ligeramente inferiores, como "Fitzcarraldo" caminando en un bote por el río, soltándose sin retirarlo, debilitando la tensión del drama, haciendo que el público se sienta aburrido, arrastrado y en ocasiones oscuro.

Forman Schlöndorff,

estudió ciencias políticas en París en sus primeros años, y posteriormente ingresó en la Ecole Supérieure du Film de París para estudiar producción cinematográfica. Fue asistente de dirección de Mahler, René y Melville, y también comenzó su carrera creativa con cortometrajes. En 1966, su primera novela, "El joven Telles", escrita por su posterior esposa y socia principal, Trotta, anunció el despertar del nuevo cine alemán.

El éxito de "The Brawl" en 1967 le llevó a firmar un contrato de seis años con Columbia y comenzar a rodar películas históricas. 1971 "El estallido de los pobres" tiene su origen en el folclore y cuenta la historia de un trabajador migrante que roba un camión de transporte de dinero en efectivo. Expresa los sentimientos de la clase baja y critica a la sociedad. "Es una contribución al desarrollo del cine local. unas nuevas características". Después de 1972, pasó de la historia al presente y rodó una serie de películas que analizaban incisivamente la situación actual de la sociedad alemana, pasando del estrecho concepto de "película de autor" de los años 60 a un nivel de audiencia más amplio.

1975 "The Disgraced Katarina Bloom" describe a una joven que acoge a un anarquista y finalmente se convierte en víctima de la opinión pública. En 1976 se filmó "La pena de muerte", adaptación de la obra original de Yusnel. En Otoño alemán (1978) se mostró "más hábil". La película "El tambor de hojalata del 65438 al 0978" critica duramente la historia y la realidad de Alemania a través de la historia de un niño que no quiere crecer. Este carrete épico empató con "Apocalypse Now" en la Palma de Oro en el Festival Internacional de Cine de Cannes en 1979 y ganó el Oscar de Estados Unidos a la Mejor Película en Lengua Extranjera en 1980.

A sus 80 años sigue siendo muy rico; Forgery (1981), Swan Love (1983), A Nanny's Story (1989), etc. Schlendorff se especializa en la dirección de películas artísticas. Es "el que tiene la expresión más moderna del lenguaje cinematográfico entre todos los directores" y es también una persona que presta atención al mercado y se comunica con el público. Schlöndorff prestó atención a los guiones cinematográficos y tenía fuertes habilidades literarias. Sus obras maestras, como "El tambor de hojalata", representan la psicología anormal de personajes bajo presión social y se basan en gran medida en obras literarias, lo que lo acerca mucho a los cineastas y obras franceses de la "margen izquierda". Sin embargo, su atención a la mecánica básica del cine, su preocupación por su público y sus numerosas colaboraciones con estrellas de cine lo diferenciaron notablemente de estos directores y otros del Nuevo Cine alemán. Actualmente hace películas principalmente en Estados Unidos, y estas "superproducciones han diluido su talento artístico".

Lena Welles Fassbinder

Fassbinder, el genio prolífico del nuevo cine alemán, era un experto en todos los oficios. Fue periodista, dramaturgo y director teatral.

En la década de 1970, formó su propia compañía y pasó del escenario al cine, creando una serie de personajes en la pantalla. De 1969 a 1976 dirigió 29 largometrajes y una serie de cinco capítulos.

En 1969, El amor es más frío que la muerte causó sensación en el Festival de Cine de Berlín, "mostrando a un pobre inútil". Hubo reacciones encontradas ante la fotografía con teléfono celular en la película, que fue su primera. En 1970, Cuidado con la santa prostituta llevó a la pantalla las alegrías y las tristezas del ensayo del drama.

En 1971, Fassbinder contó la historia de un vendedor de verduras que murió después de beber porque no podía satisfacer las necesidades de su madre. La película sólo tomó 11 días hábiles y está llena de estilizaciones y rastros de arte escénico. El estilo creativo de Fassbinder alcanzó su punto máximo y por primera vez aparecieron temas homosexuales en sus películas. En 1972, Fassbinder completó la película "Las amargas lágrimas de Pietra von Kant" en sólo 10 días. En 1973 dirigió la película "La pesadilla devoradora de almas". Una mujer de 60 años está casada con un joven trabajador marroquí expatriado. Si bien es capaz de superar los prejuicios raciales de la sociedad, no puede superar las disparidades raciales que enfrentan.

La película de 1975 "La fuerza de la libertad" demostró una vez más los temas extremos de Fassbinder. Un hombre gay fue aprovechado y luego abandonado, y murió trágicamente en la calle. "La ruleta china" dirigida en 1977, "El matrimonio de Maria Brown" presentada en 1978, "Otoño en Alemania" codirigida con Schlöndorff en 1978, y otra película antifascista "Mary Lian". Cuando Fassbinder lo entrevistó en Le Monde en abril de 1981, dijo: "Si la vida lo permite, espero hacer 12 películas que reflejen diferentes períodos de Alemania; la primera que describa el tema del Tercer Reich es "Les Fleurs de Marlian". . Pero no será el último... Busco mi lugar en la historia de mi patria. ¿Por qué soy alemán?" La declaración de Fassbinder refleja el despertar y la responsabilidad de los nuevos artistas cinematográficos alemanes. De 65438 a 0982, murió a la edad de 36 años después de dirigir Desire de Veronica Firth y la película muy estilizada Sailor Claire.

El lenguaje cinematográfico de la mayoría de las películas de Fassbinder no es original, sino que adopta el modelo cinematográfico americano "Hollywood" que admiraba, que es un melodrama tradicional. Entre ellas, las mayores características son su sinceridad hacia el arte y su abierta crítica a la sociedad. Se atrevió a llevar a la pantalla la pesada culpa de Alemania, y también se quitó el abrigo y diseccionó uno a uno todo tipo de deseos pervertidos y psicología oscura. La búsqueda estética y las tendencias creativas de Fassbinder están muy cerca de la "Escuela Artesanal" durante el período de la Nueva Ola francesa, y el "pensamiento utópico" y el "pesimismo y desesperación" de sus películas son tan negativos como la Escuela Artesanal. Sus películas tienden a veces a ser "simplistas" y sus análisis sociales a veces "subjetivamente superficiales".

Sin embargo, entre los nuevos artistas del cine alemán, su sinceridad es la más memorable.

Wenders WIM

Este estudiante universitario que estudia medicina y filosofía no aprobó el examen de ingreso a la Ecole Supérieure du Film de París. Aprendió por sí mismo viendo numerosas películas de la Cinemateca de París.

El primer largometraje "Verano en la ciudad" dirigido por Wenders en 1971 fue "La historia de un crimen" en el que los prisioneros escapaban porque tenían miedo del pasado. También filmó la poco práctica y sin trama "La ansiedad del portero durante un penalti"; este estilo también se reflejó en la obra "Alicia en la ciudad" de 1974. En 1976 dirigió "El proceso del tiempo" y en 1977 el actor estadounidense Denis Hope protagonizó su película de fantasía "El amigo americano".

En 1980, llevó a la pantalla la biografía del director estadounidense Nicolas Rey. La película describe la amistad y los problemas de un mecánico de películas y su amigo Kameez en un viaje por carretera sin fin. Esta es una típica road movie europea. Otra road movie de estilo europeo, "Paris, Texas", de Kim Brown, que renunció al Festival de Cine de Cannes en 1984, marcó el "pico de la tendencia a la americanización de Wenders" y mostró la soledad de las personas y el aislamiento entre las personas. Del 65438 al 0985, filmó un documental "Journey to Tokyo" sobre su ídolo director Yasujiro. Del 65438 al 0987, sobre Berlín, salió una obra llena de surrealismo. La migración y los viajes son temas comunes en las películas de Wenders, y el montaje fue básicamente excluido en su revisión del lenguaje de la película, lo que resultó en un estilo "franco y tranquilo" que no requiere edición de acciones y escenas.

El declive del nuevo movimiento cinematográfico alemán;

Al igual que las películas de la Nueva Ola, la nueva generación de cineastas alemanes se opuso a la comercialización de películas y abogó por las "películas de autor" y las "películas de arte". ". El Nuevo Cine Alemán tiene muchas similitudes con la Nueva Ola en sus objetivos estéticos y métodos de producción. Cientos de directores hicieron películas recientes desde mediados de los años sesenta hasta mediados de los setenta, formando un clímax creativo continuo y un movimiento cinematográfico masivo y duradero. Coppola, director del movimiento cinematográfico del Nuevo Hollywood en Estados Unidos, hizo la siguiente evaluación del cine alemán durante el período de auge: "Los últimos diez años han sido de cine nuevo alemán, y Alemania Occidental es el único país cinematográfico que ha hecho Ahora hay una diferencia."

Sin embargo, a mediados y finales de los años 1970, la crisis económica ya había mostrado el declive del cine alemán y el mercado cinematográfico estaba lento. Los ingresos procedentes de las proyecciones nacionales de películas alemanas apenas cubren los costes de producción.

Según las estadísticas, sus ingresos representaron sólo el 10% de los ingresos totales del cine en 1977 y el 4% en 1977. La dependencia de las nuevas películas de los grupos de financiación hizo que el arte del cine estuviera sujeto a las actitudes políticas de estos grupos y de las redacciones de televisión. La "Agencia Alemana de Cine Juvenil" se disolvió en 1976 por falta de fondos.

En 1977, Fassbender también emitió un comunicado afirmando que en el futuro sólo filmaría en el extranjero, lo que causó sensación y dio que hablar. Algunos críticos creen que "si bien es comprensible que los directores de cine estuvieran descontentos con la comunidad disfuncional y la falta de apoyo crítico, es dudoso que las condiciones para filmar en otros países de Europa o fuera de Europa fueran mejores que las de la República Federal de Alemania". Fassbinder murió a principios de los años 1980 y los otros tres directores hicieron películas en el extranjero.

El declive creativo de los principales directores del Nuevo Cine Alemán en el extranjero confirma las preocupaciones de la crítica. En la década de 1990, el mercado cinematográfico alemán estaba completamente ocupado por Hollywood y las películas nacionales con tradiciones de expresionismo de vanguardia, drama de cámara alemán y realismo crítico estaban desapareciendo.