Análisis de elementos de modelado no representacional. .
El arte no representacional es la definición de Jean Bazin de su propio arte. A menudo lo animaba su viejo amigo, el pintor Charles Rapique. En 1941 organizó la exposición "20 jóvenes pintores tradicionales franceses", que confirmó la independencia de este género.
Las obras de estos 20 pintores no son concretas ni abstractas, intentan expresar la realidad de las cosas y así reflejar sus sentimientos internos. En su opinión, no es necesario distinguir entre lo abstracto y lo concreto. Modelos y representaciones de diversas formas de la naturaleza, incluso con renuncia absoluta al cambio. Esta es una geometría sin vida. Negándose a introducir el mundo exterior en sus creaciones, se esfuerzan por deshacerse de todas las influencias externas y construir expresiones de color internas. Para dibujar varias partes de las cosas, construye un corredor de tiempo vivo y fluido en un espacio estático.
Los artistas expresan formas naturales y se inspiran en la vida cotidiana. Hay varios otros géneros entrelazados dentro del género, donde la tridimensionalidad, la bestialidad y la abstracción se mezclan entre sí. Adopte la perspectiva de la pintura sobre vidrio y abandone la perspectiva lineal.
Jean Bazin es un pintor representativo que se inspiró en elementos naturales. Como él dijo, pintar es una forma de ser, de respirar en un mundo que no puede respirar.
En cuanto al arte intangible de la música, no sé mucho al respecto. Encontré información en Internet: la música es un arte momentáneo que pasa después de escucharla, no se puede ver ni tocar y, por lo tanto, es un arte intangible.
Antes de Delacroix, la pintura occidental siempre había perseguido la forma (imitación), el refinamiento y la belleza, lo que era coherente con la búsqueda china de una pintura meticulosa. Delacroix abandonó por primera vez la precisión garantizada por la delicadeza y la delicadeza de la teoría a la práctica. Dijo: "Muchos pintores intentan no expresar pinceladas en sus obras, sino que persiguen ciegamente los contornos, porque creen que las pinceladas no existen en la naturaleza; pero ¿por qué existen los contornos? Al mismo tiempo, también enfatizó la "musicalidad". de los elementos formales de la pintura: "Este efecto se crea mediante una determinada disposición de colores y transiciones de luz y oscuridad, es decir, mediante una música que podría llamarse pintura". En apoyo de esta "teoría musical", describió la música. como "El más grande del arte" y pone en duda la "teoría de la representación" con su inimitabilidad.
Si la historia del arte occidental moderno se puede dividir en época moderna y posmoderna, entonces toda la modernidad se despersonaliza constantemente a través de una constante "masacre de pintura". La importancia de Cézanne y Picasso radica en el hecho de que cada uno de ellos estableció una teoría y una práctica de la despersonalización que es completamente opuesta a la concreción, mientras que la importancia de Van Gogh radica en su transformación de la "teoría musical" de Delacroix en una composición de color expresiva. Sus técnicas expresivas fueron ampliamente popularizadas por el expresionismo abstracto y Pollock, y su composición cromática, junto con la composición geométrica de Cézanne-Picasso, dio lugar a la llamada "abstracción caliente" y "abstracción fría". Por tanto, ya sea "abstracción caliente" o "abstracción fría", podemos ver la sombra de la "Teoría musical" de Delacroix en el título de la obra: tanto obras abstractas como el título de la composición. Esta palabra significa "composición" en español. Dado que el traductor no conoce ni ha notado la enorme influencia de la "teoría musical" en la objetivación del arte moderno, puede traducirse como "composición X".
De hecho, la idea de "escribir el espíritu con forma" propuesta por Gu Kaizhi en la dinastía Jin Oriental de mi país está muy cerca de la idea griega antigua de "imitación tal como debería ser", es decir, resuelve el problema de la forma sin copiar la naturaleza. La diferencia es que el primero enfatiza la actividad del objeto, mientras que el segundo enfatiza la perfección formal del objeto. La "Teoría de la forma y el espíritu" de Gu Kaizhi utiliza la palabra "escribir" (para describir el espíritu con forma), que representa la rápida expansión de la clase literata desde la invención de la fabricación de papel en la dinastía Han del Este, comenzando a acabar con los pintores analfabetos originales. y audiencias analfabetas. El propósito de "escribir" es expresar los pensamientos, conceptos y sentimientos del sujeto que escribe, y mostrar que los "pensamientos son vastos" del sujeto que escribe y que "volar con el cielo" (Wang Wei) es simplemente "relajar la mente". " en lugar de "escribir en forma". Cuando el realismo concreto de estilo artesanal de la dinastía Song se desarrolló al nivel de "A lo largo del río durante el festival Qingming", llegó la crítica de "Sobre la similitud de las pinturas, ver Zi" (Su Shi), y la "concepción artística "Surgió la teoría de la "poesía en la pintura". Al mismo tiempo, la poesía Tang y las letras de las canciones también proporcionan las condiciones necesarias y el valor estético para la exploración de la concepción artística.
La teoría de la concepción artística obviamente enfatiza la subjetividad de la pintura. El "ide" en sí mismo representa el sujeto de la creación, pero este sujeto es el mismo que el objeto "entorno" y está restringido por el objeto "entorno", en lugar de ser un sujeto aleatorio. Ni Zan dijo en Yuan Zaju que "el sirviente es pintor, pero no quiere parecer un cuadro, por eso habla para entretenerse" y "habla para expresar sentimientos". Dijo "escribir en el cofre después de pintar", lo que muestra claramente que "pintar" significa "escribir" y "escribir" significa expresarse. Sin embargo, debido a la reconocibilidad de la "escritura" en sí, "Sui Xin" no puede excluir por completo la "similitud" y, al ser completamente inconcreta, la escritura cursiva china no puede convertirse en la llamada "caligrafía abstracta" debido a la limitación de la reconocibilidad. "escribiendo". ". Por lo tanto, "entre similitudes y diferencias" se ha convertido en el resultado final irrefutable de la pintura china. Demasiada similitud no es "escribir" sino "pintar", lo cual es un asunto de pintores analfabetos; la inconsistencia viola el principio de reconocimiento de "escritura", por lo que no es "escribir" sino "pintar".
La práctica posterior demostró que los artistas chinos apreciaban e incluso adoraban la pincelada extranjera iniciada por Delacroix. Wu Guanzhong es un famoso "formalista" del arte contemporáneo chino. Se opuso a la "doctrina del contenido" de que el contenido determina la forma y la forma sirve al contenido. Por lo tanto, afirmó plenamente el valor artístico de la forma pura de Pollock y la puso en su propia práctica artística, formando la "similitud y diferencia" del estilo de Pollock.
Son los artistas jóvenes los que han dado un paso hacia la completa no figuración, rompiendo la legibilidad de las reglas de la "escritura". Este avance tardío fue a la vez difícil y fácil. La dificultad radica en el hecho de que el sistema de compromiso Qi-Xu, respaldado por tradiciones nuevas y antiguas, es fuerte y sólido y puede romperse fácilmente. Lo que es relajante es que los miles de años de experiencia de "pincel y tinta" de China, así como la introducción, digestión y absorción de la experiencia de "pinceladas" de pintura al óleo sobre esta base, han permitido a los artistas chinos ser más creativos en la creación de "tinta abstracta" y "pintura al óleo abstracta". Tener buen sentido artístico y sentido de la proporción. Pero cuando la resistencia de los viejos hábitos se debilitó gradualmente, la familiaridad con la pluma y la tinta hizo que los artistas chinos fueran relativamente lentos en los aspectos no figurativos de los materiales lisos y las formas geométricas, de modo que el sentido de artesanía en sus obras siempre superó el sentido de industria. Por supuesto, las obras globales de símbolos figurativos, incluidos productos y comportamientos prefabricados, son altamente teóricas y prácticas, lo que también ha debilitado en gran medida la exploración de campos no figurativos por parte de artistas chinos e incluso mundiales: la combinación de elementos puramente formales parece se han convertido en el diseño La patente del profesor.
Valor visual: el valor de las obras de arte no figurativo
No niego la posición desventajosa del arte no figurativo en términos de apoyo teórico y crítico, porque lo que realmente crea Es un tipo de servicio que sirve. Es difícil para los espectadores comunes ver la razón del "valor visual" de los globos oculares, y también es difícil para los críticos hacer conexiones y explicaciones sociológicas (esto es consistente con la música que sólo sirve al auditivo). Esta es probablemente la razón principal por la que el arte abstracto perdió su impulso después de asestar un golpe fatal a la tradición del realismo renacentista.
En inglés, "value" y "value" significan valor. De hecho, el arte visual nos proporciona primero un valor visual integral con características distintivas. Este valor determina la diferencia visual entre una obra y otras obras, diciéndonos que esta obra no son otras obras. Las llamadas obras figurativas son aquellas cosas cuyo valor visual constituye nuestra experiencia visual, mientras que el valor visual de las obras no representativas sólo constituye la obra en sí, no nada en nuestra experiencia visual. Cuando el valor visual constituye algo en nuestra experiencia, podemos usar nuestra visión de la cosa, incluida su naturaleza ideológica y técnica, para leer, apreciar o criticar la obra; cuando el valor visual es sólo un componente visual puro, nuestra experiencia de las cosas se perderá; la capacidad de comprender el trabajo y tampoco poder sentir el nivel de tecnología de producción, pero diferentes valores visuales definitivamente proporcionarán diferentes sensaciones visuales y efectos psicológicos visuales.
El valor visual está “ligado” a cosas expresivas en obras específicas y a formas funcionales prácticas específicas en el diseño. Sólo en obras no concretas el valor visual tiene un significado opuesto. Si hay algún componente "vinculante" o "valor añadido", sólo puede ser un vago factor psicológico visual, que comúnmente se conoce como experiencia visual. En nuestra vida diaria, esta experiencia visual nos acompaña casi todo el tiempo. Lo más habitual es nuestra elección de ropa. La ropa del mismo estilo tiene diferentes valores de color entre los que podemos elegir, y cada color tiene un valor visual insustituible. En este punto, los valores de color se convierten en valores visuales. Asimismo, valores visuales como la composición y la mecánica también se pueden convertir directamente en valores visuales. Este valor puramente visual es difícil de expresar con palabras, y nuestra confirmación de este valor suele expresarse con "Me gusta" o "Increíble".
De hecho, hay muchas confirmaciones y afirmaciones indirectas de valor visual en la crítica de la pintura china antigua. Por ejemplo, el valor visual del diseño se afirma con "carreras de caballos escasas, herméticas" y lo visual. El valor de la pluma y la tinta se afirma con "transparente". "Papel trasero" y "sediento de tinta" se afirman, y el valor visual de la concepción artística se afirma con "desolado y distante". Sin embargo, en el campo no reflexivo, las descripciones y términos de evaluación tradicionales son casi ineficaces, y este método indirecto de afirmación de valor también es ineficaz, creando así un enorme dilema crítico. Para el arte contemporáneo, una vez que pierda su poderosa crítica, las obras de arte quedarán reducidas a mercancías ordinarias, quedando así en una posición irreversiblemente débil en la competencia con las obras figurativas.
De hecho, el valor visual de una obra de arte abstracta es su valor visual, al igual que el valor visual de la ropa es el valor visual de la ropa. El valor único de una obra específica radica en su diferencia visual con respecto a otras obras. La creatividad del artista radica en el hecho de que proporciona un valor visual que nunca antes se ha visto. Cuanto mayor sea la diferencia visual con respecto a obras anteriores, mejor.
El significado de los cambios formales a partir de la paradoja de "Homenaje a Cézanne"
En 1900, el artista francés Maurice Denis (1870-1943) creó un cuadro titulado La obra "Homenaje a Cézanne" expresa la admiración del artista por Cézanne de una manera metafórica nabisca, pero esta manera es exactamente contraria a la propuesta y práctica artística de Cézanne, porque Cézanne. Así que fue Picasso quien realmente rindió homenaje a Cézanne, aunque nunca pintó un cuadro dedicado a él. Creo que si una persona usa el chino clásico para escribir un artículo "rindiendo homenaje al chino vernáculo", y otra persona usa el chino vernáculo para escribir un artículo "rindiendo homenaje al chino clásico", o escribe un artículo oponiéndose al uso del chino vernáculo, preferiríamos creer que escribir en chino vernáculo es bueno para la escritura vernácula. Tiene más sentido negar la escritura china clásica. El uso de artículos chinos clásicos para apoyar la escritura vernácula niega nuestra propia defensa de la escritura vernácula en nuestra propia forma de escribir chino clásico. En otras palabras, Denis expresó su admiración por Cézanne negando el arte de expresión de Cézanne.
El análisis anterior muestra que la forma de expresión es más verdadera que el contenido de la expresión. Productos confeccionados, surrealismo, realismo fotográfico, fotografía conceptual, videoarte, performance, etc. Todos son cambios e innovaciones en los métodos de expresión. La producción de obras artísticas es la misma, y la producción de obras no artísticas es la misma. La llamada revolución industrial es ante todo una revolución en los métodos de producción, no una revolución en la producción de "contenidos". La revolución social es también una revolución en la forma en que se organiza y opera la sociedad, en lugar de destruir ciertos "contenidos" sociales. La razón por la cual los levantamientos campesinos chinos no tienen significado revolucionario es precisamente porque no cambiaron la forma en que se organiza y opera la sociedad. El resultado sólo puede ser un cambio en el "contenido" del gobierno. El llamado "cambio de dinastías". La siguiente pregunta es si la importancia vanguardista del arte no figurativo en China ha terminado y debería ser reemplazada por obras concretas como productos prefabricados, performances, fotografía conceptual, videoarte y pinturas al óleo figurativas.
El ajetreo y el bullicio de la "pintura abstracta con tinta" y las omnipresentes esculturas o paisajes urbanos no figurativos muestran que el arte no figurativo todavía se encuentra en la etapa de desarrollo o de vanguardia en China, pero aparte de En estos dos campos especiales, el arte contemporáneo chino está casi dominado por productos confeccionados, performance, fotografía conceptual, videoarte y pinturas al óleo figurativas. En cuanto a las obras abstractas geométricas que se oponen al espíritu de racionalidad científica, son aún más raras. No es convincente utilizar el posmodernismo, la era de la lectura de imágenes, el cuidado humanista y la tradición de los intelectuales chinos de prestar atención a la sociedad para explicar la abrumadora ventaja de las obras figurativas de China desde la década de 1990 hasta el presente. Si se puede clonar el llamado "posmodernismo" en Occidente, el arte contemporáneo chino se llevará a la posmodernidad, entonces el resultado de la clonación de bronces chinos inevitablemente devolverá el arte contemporáneo chino a la Edad del Bronce. Si la obra va a ser leída, no vista, entonces debe haber una gran cantidad de lectura de imágenes, es decir, un análisis semántico preciso, en lugar de asignar la misma etiqueta lingüística a diferentes imágenes como es el caso hoy. "Cuidado humanista" es un significante vacío que es "talla única" y un eslogan publicitario que brilla dondequiera que se publique.
El arte contemporáneo chino en realidad no ha experimentado una profunda revolución visual, sólo ha pasado de una forma concreta de elogio a una forma concreta de sátira y crítica. Este método de cambiar la sopa sin cambiar la medicina no es diferente de la promoción pasada del chino clásico (sopa) con el chino clásico (medicina) y la promoción actual del chino vernáculo (sopa) con el chino clásico (medicina). La señal al final del pasillo de la revolución visual es establecer una posición sólida en la mente de las personas para un nuevo enfoque visual (al igual que los Ocho Excéntricos de Yangzhou, de "raros" a no raros), y luego convertirse en nuevos estándares y hábitos visuales. proporcionando el requisito previo para la próxima revolución y significado.