¿De qué país de Europa se originó el musical?

Los musicales son un arte apoyado en una trama atractiva y basado en las actuaciones dramáticas de los actores, permitiendo que la música y la danza desarrollen plenamente su potencial, e integrando estos factores en un todo orgánico. Gran Bretaña y Estados Unidos fueron países en el apogeo de los musicales. Desde la perspectiva del desarrollo musical, el West End de Londres y el Broadway de Nueva York pueden considerarse las cunas de los musicales. Pero los musicales en el Reino Unido y los Estados Unidos también tienen antecedentes históricos diferentes: en los Estados Unidos, están más influenciados por el jazz, el claqué, las obras dramáticas y las comedias con canto; operetas y dramas de gran amplitud, especialmente el fondo teatral de Shakespeare, Molière e Ibsen, mientras que la danza se acerca más al ballet. Sin embargo, desde Arthur Sullivan y William Gilbert, los musicales británicos continuaron la tradición de las operetas, que lucharon por competir con las producciones de Broadway hasta la década de 1970. En los Estados Unidos, aunque la mayoría de las interpretaciones iniciales fueron importadas de Gran Bretaña, no pasó mucho tiempo antes de que los artistas estadounidenses crearan composiciones musicales completamente estadounidenses que continuaron desarrollándose y refinándose. Por tanto, desde una perspectiva histórica, fue el Reino Unido quien inspiró a Estados Unidos y creó el musical, una nueva forma dramática que integra el teatro popular, la música, el canto y el baile. Aquí, este artículo explorará más a fondo cómo varias tradiciones de entretenimiento musical de Europa se convirtieron en teatro musical en los Estados Unidos.

Actualmente existen muchas teorías sobre el origen de los musicales: una es la de las operetas clásicas y las óperas cómicas que se originaron en Europa en el siglo XIX; otra es el vodevil que se originó en Estados Unidos, compuesto por canciones country y negras. espirituales, música jazz y canciones y danzas populares; habla de la "farsa musical" y la "comedia musical" creadas por los británicos en el siglo XIX; una es el gancho negro en 1866 y el posterior tipo dramático "drama más canción y danza"; . Además, también existe una "teoría del origen sintético" que cree que un fenómeno cultural extremadamente complejo como los musicales no puede surgir únicamente de un único origen cultural. Debe absorber nutrientes de diversos elementos culturales para construir su propia carne y sangre artística, por lo que sus fuentes de forma deben diversificarse.

Este artículo analiza el origen de los musicales y cree que la teoría integral del origen es más confiable. Esto se debe a que la "teoría del origen sintético" no sólo acepta los resultados de otras teorías, sino que también está más cerca del estado real de la historia del desarrollo de la música que otras teorías. Al respecto, Julian Mates propuso en su libro "The Music Stage of America": "Es la función de muchos elementos lo que hace que nuestro escenario musical sea colorido. El desarrollo de los musicales estadounidenses integra la música. Todos los elementos del escenario teatral, desde el circo hasta el ballet, desde el melodrama hasta la ópera seria; además, la aparición de actores talentosos, los cambios en la sociedad y los gustos del público conducirán a cambios en los musicales". El punto de vista de Mette nos recuerda a acontecimientos más recientes. Una perspectiva amplia sobre el Orígenes históricos del musical. A continuación, basándose en el punto de vista de Mette, este artículo examina la influencia de diversos elementos escénicos musicales y de la música negra de toda Europa en los musicales estadounidenses, hasta que los musicales estadounidenses como género artístico musical comenzaron a tomar el camino correcto.

Primero, la influencia de la ópera en los musicales

La profunda tradición operística en la cultura occidental es objeto de aprendizaje e imitación en los musicales, ya sea en el contenido de la trama o en los métodos de interpretación. La fuerte vitalidad de las óperas europeas les permite combinar continuamente modas y absorber elementos populares, dando como resultado óperas populares, óperas cómicas, operetas, etc. Estas formas teatrales cruzaron el océano hasta llegar a los Estados Unidos, provocando muchas imitaciones locales. Aquí, el artículo considerará primero las características y diferencias de estas óperas y su contribución al teatro musical.

1. De la ópera popular a la ópera Xi

La ópera se introdujo en Norteamérica ya en el siglo XVIII, pero la ópera en sí debe sufrir grandes cambios para adaptarse a los gustos locales. como los tonos recitativos se reemplazan por diálogos y las combinaciones complejas de voces se reducen a coros. En ese momento, América del Norte era una colonia británica y estaba profundamente influenciada por los británicos en términos de apreciación de la música y el teatro. Justo cuando la ópera seria se estaba volviendo aburrida, The Beggar's Opera, una obra llamada Folk Opera, se convirtió en un gran éxito en Inglaterra y posteriormente en los Estados Unidos. La obra se estrenó en Londres en 1728 y se caracteriza por el uso del diálogo para conectar las canciones y las letras de canciones populares y canciones populares de la época. El contenido de la ópera refleja la vida de la clase baja. Los personajes en escena ya no son las hadas y los héroes de las óperas tradicionales, sino ladrones, ladrones, prostitutas, mendigos, etc. , una aguda sátira sobre la corrupción de los políticos burocráticos y los estereotipos del drama serio. Los temas realistas, las maravillosas interpretaciones y las novedosas aplicaciones musicales causaron inmediatamente sensación en la obra.

La ópera popular original era básicamente la misma que la ópera del mendigo, con diálogos sueltos en lugar de recitación, ocasionalmente intercalados con danza, y la trama era principalmente comedia. Las melodías musicales están tomadas de canciones populares de la época y reescritas con nuevas tramas, pero las canciones no están estrechamente relacionadas con la trama. A medida que la ópera popular siguió desarrollándose, sus canciones ya no solo utilizaban melodías populares en las calles, sino que comenzaron a ensamblarse aquí y allá, creando así una mezcolanza de formas de interpretación. Esta forma no solo utiliza canciones populares de la época, sino que también selecciona hermosas melodías de las obras musicales de músicos famosos de varias épocas, regiones y varios músicos famosos, y selecciona los bailes favoritos de todos para conectarlos. La obra "Country Love" representada en Inglaterra en 1762 produjo inmediatamente un gran número de imitaciones en América del Norte.

Cuando las canciones pop armonizan con obras pasadas y se toman prestadas repetidamente, lógicamente surgirán nuevas creaciones. Al principio, esta nueva creación todavía era una mezcolanza, y muchas personas solían escribir canciones y componer música juntas. A nadie le importa la desunión estilística resultante. El siguiente avance es que todas las letras o melodías de toda la obra fueron escritas por una sola persona. Como las melodías populares ya no se toman prestadas, la forma de comedia permanece. A esta nueva creación la llamamos ópera cómica.

Cuando la comedia de ópera se desarrolló en el siglo XIX, la ópera y la ópera popular todavía tenían grandes audiencias, pero en comparación, la comedia de ópera jugó un papel más importante en el escenario musical estadounidense. La Ópera Xi tiene una partitura escrita especialmente, que vuelve al modo de ópera en este punto, pero a diferencia de la gran ópera, la Ópera Xi tiene muchas partituras escritas especialmente y bailes cuidadosamente diseñados intercalados con la historia romántica, pero el canto y el baile son diferentes de la gran ópera. La trama no está estrechamente interconectada. No obstante, las comedias, especialmente las canciones de las comedias, reflejaban las realidades de la vida y el espíritu de la época en Estados Unidos en ese momento. Los programas de comedia o las noticias satíricas se convierten en temas perfectos. Por supuesto, también hay muchas obras patrióticas. La aparición de estas obras confiere a la ópera cómica estadounidense sus propias características, que es lo que distingue a la ópera cómica estadounidense de la ópera cómica británica.

2. La influencia de la opereta.

La ópera tradicional es producto de la continua integración y penetración de la ópera popular y el cross talk. El francés Offenbach fue el fundador de la opereta y su "Orfeo en el inframundo" (1858) fue la primera opereta perfecta. No sólo adoptó formas satíricas populares en las óperas populares, sino que también las combinó con materiales políticos, sociales y divertidos de la época. Aunque hay diálogo, él canta. Las obras de Offenbach se hicieron populares en los Estados Unidos después de la Guerra Civil estadounidense, y su público solía ser fanático de la ópera italiana.

Después de Offenbach, el "rey del vals" de Viena, John Strauss II, también tuvo operetas destacadas, pero fueron los británicos Arthur Sullivan y William quienes llevaron las operetas a nuevas alturas. La colaboración entre el compositor Sullivan y el humorista Gilbert comenzó en 1871. Al final de la colaboración en la década de 1990, habían contribuido con 13 operetas, convirtiéndose en un modelo para las operetas británicas de finales del siglo XIX. En 1878, "H.M.S. Pinafore", escrito por Gilbert y Sullivan, arrasó en América del Norte. Las principales compañías de teatro se apresuraron a representar la obra. Solo en Boston se presentaron 241 funciones. La exitosa representación de operetas europeas importadas en los Estados Unidos jugó un buen papel en la promoción de la creación de operetas americanas. Aunque muchas operetas se produjeron bajo influencia europea, todavía existe una gran diferencia en comparación con el nivel europeo.

Bajo la influencia de Europa, el estadounidense John Prillip Sosa fue el primero en crear una opereta. Comenzó a escribir sobre contrabandistas en 1879 y luego escribió obras en 1919, pero no se diferenciaban de las obras europeas. Fue Victor Herbert quien hizo que la opereta estadounidense fuera verdaderamente exclusivamente estadounidense. La primera opereta de Herbert, El príncipe de Annecy (1894), fue un éxito instantáneo y, tras su sensacional éxito, escribió más de 50 operetas a lo largo de dos décadas, entre ellas Bebés en el reino de los juguetes (1903) y Bebés en el reino de los juguetes. (1904). "Naughty Marietta" es un clásico, consolidando así su posición como líder de las operetas americanas de Broadway.

Las operetas de Herbert y más tarde de Ramberg y Frémont siguen la misma línea que las operetas vienesas en términos de características artísticas: prestan más atención a la interpretación de la música, enfatizan la posición dominante de la música y persiguen. hermosas melodías. La combinación orgánica del desarrollo del drama y varios factores artísticos no considera la escritura para personajes específicos, momentos y lugares específicos, sino que solo incluye diseños maravillosos, vestuario exquisito y hermosas melodías.

Las amplias melodías utilizadas para la escritura vocal están cuidadosamente arregladas y refinadas, pero su punto de partida no se centra en las necesidades de la historia, lo que genera inconsistencias entre la música y el contenido. A finales de la década de 1920, las operetas, que alguna vez habían florecido en la escena musical estadounidense, disminuyeron gradualmente después de la muerte de Herbert, pero en muchas obras musicales posteriores, especialmente las de Alan Jay Lerner y Frankfurt Redrick Loy, "My Fair Lady" todavía tiene un fuerte sabor a opereta.

Una visión general de las obras operísticas basada en 400 años de tradición operística. Ambientada en un país extranjero o en una historia mítica, se seleccionan personajes legendarios para contar una tortuosa historia de amor a través de conmovedoras canciones. Estas obras han alcanzado la madurez en forma de narrativa musical, con fluidas conexiones entre diálogos y canciones. La mayoría de las operetas rara vez involucran temas sociales profundos, y en el diseño del drama y la música, conservan muchas escenas elegantes que no tienen nada que ver con la trama, sino que son puramente para que los cantantes muestren sus habilidades, por lo que la mayoría de estas obras carecen de rigor. patrones estructurales. A pesar de estas deficiencias, la opereta siguió desempeñando un papel muy importante en el desarrollo del teatro musical. Afecta profundamente el gusto de apreciación del público y forma un conjunto de estándares de evaluación entre el público, haciendo así que los guiones frescos y vívidos, la música hermosa y la poesía dramática elegante sean los objetivos perseguidos por los creadores, y recuerda a los musicales con un estilo teatral serio Mejorar su profundidad artística .

En segundo lugar, los diversos dramas entretenidos en las ciudades europeas

En comparación con los elegantes teatros de sala, los teatros de vodevil, diversos lugares de espectáculos y bares de bajo nivel en las principales ciudades europeas,

El burdel proporcionó un espacio escénico más vívido para el nacimiento del musical. Desde el burlesque, el vodevil, el vodevil y la revista hasta el burlesco en Siegfried, estas representaciones teatrales seculares e incluso prohibidas fueron adoptadas por estadounidenses que compartían sus raíces europeas. El espectáculo sigue siendo próspero y popular hoy en día, y fue gracias al trabajo de estos catalizadores que trajo una mayor afinidad con los musicales y los integró gradualmente en los musicales de Broadway que amamos hoy.

1. Desde programas de comedia hasta programas de variedades

La revolución industrial y la ola de inmigración en el siglo XIX hicieron que la población de Estados Unidos aumentara, el número de ciudades aumentara y que las voces de las clases media y baja de la sociedad se hagan más fuertes. Por motivos de comunicación, un gran número de espectadores inmigrantes y actores de países de habla no inglesa no estaban interesados ​​en óperas y obras de teatro con mucho diálogo. Quieren actuaciones que sean intuitivas, sencillas pero divertidas o emocionantes, por eso estos lugares de entretenimiento están llenos de espectáculos burlescos y de variedades. La razón por la que estas representaciones se llaman "espectáculos" es porque la trama es tosca y es difícil llamarlas "obras de teatro", por lo que deben denominarse colectivamente "espectáculos".

Los primeros cómics eran bocetos divertidos, más populares en la década de 1940. El comediante George L. Fox también es famoso por su divertidísimo Hamlet. Sus músculos faciales son muy flexibles y pueden crear expresiones inesperadas. Pero después de Fox, los espectáculos burlescos han tomado irreversiblemente la ruta erótica, y el canto y el baile a menudo intercalados en representaciones burlescas han atraído cada vez más la atención del público. En 1868, el grupo de baile "English Blondes" de Lydia Thompson introdujo el striptease. Después de que el grupo de baile causara revuelo, el espectáculo de comedia se convirtió en una actuación pornográfica de consentimiento. Los espectáculos burlescos se convirtieron rápidamente en lo más destacado del entretenimiento hotelero. En diversos lugares de entretenimiento público se mezclan programas de circo, canto, baile, actualidad y comedia erótica según las preferencias del jefe, lo que se denomina espectáculo secundario.

El programa de variedades original era sólo para hombres. Este tipo de actuación a menudo se consideraba "inmunda", no sólo por el contenido pornográfico de la actuación, sino también por el duro ambiente del teatro. Desde 65438 hasta 2009, muchas cosas han cambiado en la década de 1980. Muchos programas de variedades han comenzado a estar dirigidos a las familias, por lo que se ha eliminado el contenido pornográfico y se ha mejorado enormemente el ambiente del teatro. En 1881, Tony Pastor presentó por primera vez un programa de variedades "limpio" y luego regaló cupones o juguetes para niños a las familias, atrayendo a una audiencia diversa, incluidas algunas de las figuras más influyentes de Nueva York. Entonces otros siguieron su ejemplo. Benjamin Franklin Keith y Edward F. Albee establecieron una serie de teatros de espectáculos de variedades y sus exitosas operaciones comerciales los hicieron poderosos en el mundo del entretenimiento. Comenzando con Keith, se utilizó la palabra "vodevil" para referirse a este programa de variedades "limpio". Los programas de variedades son principalmente programas de variedades fragmentados, programas de entrevistas, programas de comedia y presentaciones de canciones y danzas, que son bastante similares a los programas de variedades modernos.

Sus intérpretes pueden ser músicos, vagabundos, forzudos, contorsionistas, equilibristas y escupefuegos, entre otros. , y el locutor suele ser un payaso que aboga por convertir algunas actuaciones ordinarias en programas de gran éxito. Los programas de variedades eran un entretenimiento extremadamente popular antes de la invención de las películas, pero desaparecieron gradualmente con el auge del cine sonoro.

2. Un mentiroso negro con drama, canto y baile.

En 1866, una compañía de ballet francesa fue invitada a Nueva York para representar su ballet "La cierva en el bosque". Sin embargo, el teatro reservado para el Conservatorio de Música de Nueva York fue destruido por un incendio y el edificio. No se pudo determinar el lugar de la actuación. Al mismo tiempo, en un gran teatro reconvertido de un parque, se representará un melodrama "Black Hook" basado en la novela "Fausto". El incendio en el teatro impulsó al dueño del espectáculo a aprovechar la oportunidad y contratar a todo el personal, decorados y bailes de la Compañía de Ballet Francés. Compile dos obras con contenido y forma no relacionados, y haga que bailarines de ballet interpreten las escenas de danza de dioses y monstruos en la obra. Dado que se agregaron a la estructura del drama más de 80 bellezas vestidas con medias de color carne y bailando descalzas, junto con los extraños escenarios del escenario, naturalmente formó una tentación irresistible para la audiencia. Así que esta "mezcolanza" en realidad actuó durante 16 meses y realizó giras por los Estados Unidos hasta 475 veces.

La repentina explosión de Black Hook hizo salivar a otras compañías de teatro y dueños de teatros, por lo que lo imitaron uno tras otro. Las características de este tipo de drama "drama más canto y danza" son: temas operísticos, un espectáculo de piernas compuesto por espectáculos de comedia y programas de variedades, y algunas canciones, bailes o bandas sonoras insertadas en el clímax del drama y durante el intermedio, en su mayoría con fines de entretenimiento para los ojos y los oídos y estimulación sensorial. Aunque este tipo de drama tiene rastros obvios de mosaico de dramas y representaciones de canciones y danzas, ha establecido un estándar para dramas posteriores a gran escala y escenas hermosas, y es una gran síntesis de muchos elementos de representaciones teatrales anteriores. Aunque en este momento se han reunido varios elementos de actuación, no existe una conexión orgánica inherente y lleva tiempo integrarlos.

3.

Los programas de actualidad son en realidad una combinación de programas de comedia más serios y programas de variedades. La palabra "Revue" proviene del francés y los estadounidenses la llaman "French Revue". Su forma original era un espectáculo de parodia anual realizado por los franceses, recreando los acontecimientos actuales del año pasado para satirizarlos, junto con cantos y bailes lujosos y chistes de comediantes. En la década de 1990, los programas de actualidad comenzaron a popularizarse en la escena estadounidense. Si bien reflejan temas de actualidad, los programas de actualidad se centran en magníficas escenas de canto y baile e incluyen varios elementos de actuación. Además, sus guiones, letras y música están escritos especialmente para expresar temas específicos. Esta es una característica que distingue a los programas de actualidad de otros tipos de actuaciones similares (como programas de variedades, etc.). ).El primer espectáculo de actualidad de Broadway fue "The Passenger Show" en 1894. Desde entonces, durante varios años se han presentado espectáculos de actualidad similares en Broadway. En el siglo XX, la programación de actualidad se había apoderado firmemente de la escena neoyorquina.

El mayor desarrollo de la programación estadounidense de actualidad se ha convertido en una farsa. Siegfried Zigfeld, el principal productor de "Broadway", acepta la oferta de su prometida, la cantante y bailarina francesa Anna Held, para crear una parodia del programa de actualidad francés Folies-Berger. Un espectáculo de canto y danza lujoso y lleno de bellezas, pero original. La intención no era satirizar la actualidad. Lo llamó Follies. En 1907, esta representación extremadamente lujosa se llevó a cabo en el pequeño teatro jardín del último piso del Teatro Olympia y la respuesta fue bastante fuerte. Desde la aparición del programa de Liv, Siegfried Wilde se ha convertido en una sensación nacional con su lema "Elogio de la chica americana". Entre las maravillosas actuaciones, el programa más representativo suele estar formado por uno o más tenores guapos vestidos con ropa formal y cantando suaves canciones de amor. Luego, bellezas vestidas con ropas extremadamente exageradas y hermosas, subieron los escalones dorados y tallados en jade, recitaron poemas cuidadosamente compuestos por escritores y letristas y descendieron al mundo paso a paso. En resumen, debe ser lujoso, precioso, elegante, sofisticado y precioso. "Splendid" de Siegfried Wilde tiene una escala grandiosa y está meticulosamente elaborada. Es el pináculo de la integración integral de espectáculos de variedades y programas de actualidad, y ha tenido un profundo impacto en el desarrollo de los musicales de Broadway.

Se puede decir que el burlesco, los programas de variedades, los temas de actualidad y Fuxiu son parientes cercanos en el escenario musical. En comparación con las representaciones teatrales de la familia de la ópera, introducen canciones y bailes populares en los musicales. En el desarrollo histórico posterior de los musicales, el énfasis en la trama y el énfasis en el canto y el baile se convirtieron en las dos líneas principales de desarrollo.

En tercer lugar, el jazz entró en los musicales.

En la ola de inmigración en Estados Unidos, los inmigrantes negros nunca pueden ser subestimados. Aunque emigraron a los Estados Unidos involuntariamente, su llegada fue traída a los Estados Unidos junto con la misteriosa cultura del misterioso continente africano. Aunque los afroamericanos sufrieron una severa discriminación racial, la cultura negra no fue enterrada por esto y eventualmente entró en la cultura dominante de los Estados Unidos de una manera tortuosa. El jazz es el producto de la fusión a largo plazo de la música tradicional traída por los afroamericanos y la música europea. Aunque este tipo de música ha perdido el estilo de la música puramente africana, se ha convertido en un lenguaje musical único en los Estados Unidos.

1. Elementos musicales que influyen en el jazz

El jazz se originó en Nueva Orleans, en el sur de Estados Unidos, a finales del siglo XIX y principios del XX. Era una forma de música popular en ese momento, con el blues, el ragtime y las bandas de música como sus mayores influencias.

El blues se desarrolló a partir de canciones laborales y espirituales negros en el sur de Estados Unidos, y se difundió ampliamente en el sur alrededor de 1870. Es un tipo de canción popular que expresa la soledad, la expectativa o la melancolía del cantante. Es la cristalización de las canciones populares negras estadounidenses en el canto solista. La mayoría de los cantantes de blues no saben leer partituras. Actúan con indiferencia y se adaptan a las circunstancias. A menudo hay muchas maneras diferentes de cantar una canción. El blues avanzó y se convirtió no sólo en uno de los géneros musicales populares en los Estados Unidos, sino que también formó la forma de transición de la música "caliente" afroamericana (música de improvisación). Este fenómeno de transición consiste en llevar la música del ámbito vocal al ámbito instrumental a través del piano blues y las bandas de jazz.

El ragtime es un tipo de música de piano que se originó como una danza "chusma" interpretada por juglares negros. Siguiendo sus orígenes, este tipo de actuación es una actividad de entretenimiento en la que los blancos se hacen pasar por negros y interpretan canciones y bailes negros. Al principio, los actores blancos se pintaban la cara de negro con carbón para burlarse de los negros, pero después de la emancipación de los esclavos, los propios negros formaron una compañía ambulante para competir con los cantantes y bailarines blancos. Esta música es familiar en forma de música de piano, que acompaña a los bailes agitados o entretiene a los invitados en salones, casinos y bares. La música ragtime tiene un origen más cercano a los estilos europeos, con pocos rastros de música africana. Es música blanca, interpretación negra, por así decirlo.

Otra fuente importante de jazz es la banda de música. Después de la Guerra Civil, muchos de los instrumentos de las bandas militares pasaron a manos de negros porque fueron vendidos o desechados. De 1870 a 1890, hubo un número cada vez mayor de bandas de música negras en Nueva Orleans, considerado el período anterior al jazz. Durante este período, la banda tocó en festivales y funerales, como desfiles, picnics, etc. Por lo general, utilizan únicamente instrumentos de metal y percusión y tocan canciones adecuadas para este arreglo: marchas, polkas y bailes de cuatro bandas en festivales e himnos en funerales. Sin embargo, estas bandas de música interpretaban su música con ritmos improvisados ​​e ingeniosos (síncopas, etc.). ) y cambios de tono en canciones populares afroamericanas en lugar de basarse en partituras.

Hacia 1885 y 1910, las tres músicas negras tradicionales, el blues, el ragtime y las brass bands, se mezclaron y nació Nueva Orleans o auténtico jazz.

2. La influencia del jazz en los musicales.

En 1914, Irving Berlin creó un programa de actualidad "Watch Your Step" utilizando música de jazz. Desde entonces, la escena musical estadounidense y la música jazz han sido inseparables. El "jazz" se ha convertido en un "idioma musical" en los musicales y muchos compositores también han introducido elementos del jazz en sus creaciones. George Gershwin fue pionero en un estilo de jazz sinfónico. En la década de 1920, los músicos y dramaturgos estadounidenses recurrieron a su país de origen en términos de temas creativos, y el jazz popular en los Estados Unidos se utilizó para enriquecer sus creaciones. Además de la danza de los inmigrantes europeos, la danza también absorbió la danza jazz y el claqué se desarrolló a partir de la danza negra. La década de 1920 comenzó con "Buenas mujeres" escrita por los hermanos Gershwin en 1924-65438. En este punto, el jazz se ha convertido en el lenguaje musical único de los musicales estadounidenses, y el estilo del jazz se ha convertido en la característica principal de la música pop y los musicales estadounidenses. Más tarde, el jazz también entró en Europa, cambiando la situación a largo plazo en la que los musicales europeos y americanos casi monopolizaban la tradición operística. Los musicales estadounidenses marcaron el comienzo de una nueva era y sus obras maduraron gradualmente.

En cuarto lugar, la comedia musical y el estilo americano de Cohen

1. La comedia musical británica

El nombre "comedia musical" se utilizó por primera vez en el Reino Unido. A finales de 2019, el ritmo de la vida social y la psicología pública se aceleraron gradualmente y la gente perdió gradualmente el entusiasmo por el estilo de comedia de luz lenta, lo que resultó en ingresos de taquilla sombríos y la pérdida de propietarios de salas de cine.

En Londres, Inglaterra, el director de teatro George Edwardes montó tentativamente una "farsa musical" "The City" en su teatro el 5438+089210 de junio, que estuvo llena de actuaciones divertidas y programas de canciones y danzas frescos y animados. Después del lanzamiento de la obra, se hizo muy popular. Además de "Happy Days", Edwards lanzó "Happy Girls" el año siguiente, que combinaba drama, música, canto y baile, y utilizó el título "Comedia musical" por primera vez. Lleno de humor y drama, la música accesible del programa causó sensación y logró un rendimiento de taquilla respetable. El éxito sin precedentes de Edwards atrajo a muchos propietarios de teatros de Londres a seguir su ejemplo y competir para lanzar varias comedias musicales. Desde entonces, la comedia musical se ha convertido en el arte escénico más popular en Londres e incluso en el Reino Unido. Poco después apareció en los escenarios estadounidenses.

2. Comedia musical estadounidense

Ya en la década de 1970, apareció en Estados Unidos una forma de arte escénico similar a la comedia musical británica que fue popular entre las clases media y baja de Nueva York. La sociedad de York, sin embargo, la llamó "comedia-farsa musical" en los Estados Unidos en ese momento. Edward Harrigan y Tony Hart desarrollaron aún más esta farsa musical. De 1879 a 1884, co-crearon una serie de farsas musicales en Broadway, incluidas Mulligan's Ball and Desire. La actuación no sólo conserva algunas formas humorísticas de las representaciones burlescas y de vodevil, sino que también tiene desarrollo argumental y se centra en la sociedad, pero siempre se expresa de forma humorística. Aquí hay más simpatía por diversas situaciones de la vida que críticas duras. La composición de las canciones también tiene un distintivo sabor americano, pero las canciones y la trama siempre son difíciles de corresponder, y es común usar canciones antiguas para completar letras nuevas. En 1896, "Geisha" producida por el inglés Edwards, entró en los Estados Unidos con el nombre de "comedia musical" y causó sensación entre los estadounidenses. los mencionados anteriormente al musical.

Las comedias musicales estadounidenses de este período tenían una trama básica, que no era solo una canción, un baile y una revista, pero la trama y los personajes no eran lo suficientemente profundos. En tales obras, la "narrativa" no es el propósito de cantar y bailar, sino la excusa para cantar y bailar. Basado en la fórmula de "chico conoce chica", se utilizan alternativamente varios elementos del sueño americano y el mito de Cenicienta, y se intercalan varios trucos de canto y baile en la trama simple para formar un patrón de género fijo. En términos de contenido y forma, parece ser exactamente igual que "Happy Girls" de Edwards, e incluso el nombre es una copia directa de la "comedia musical" inventada por los británicos. De hecho, en términos de su espíritu interior, debido a que la estructura artística contiene muchos genes de la cultura nativa americana, es más entusiasta y enérgica que la comedia musical estadounidense, especialmente su música y danza, que están llenas de salvajismo, vitalidad y dinámica. . El impacto de este espíritu cultural y el impacto del encanto interior son los signos fundamentales que distinguen la comedia musical estadounidense de la comedia musical británica.

3. El estilo americano de Cohen

Cuando la comedia musical desarrolló a George M. Cohan, ya no prestó demasiada atención a la trama onírica de Xiao Yu; Eligió una ruta de exploración más dramática y civil, enfatizando la integridad y coherencia de las pistas de desarrollo del drama, enfatizando el principio y el final de la historia, abandonando la trama de los cuentos de hadas en el contenido y posicionando a los protagonistas del drama como personas comunes y corrientes. vida cotidiana Los pequeños personajes de la novela la acercan a los intereses de la vida de la gente corriente. Al mismo tiempo, sus obras tienen un fuerte color patriótico e insisten en utilizar la música estadounidense para expresar a los estadounidenses, la vida estadounidense y la sociedad estadounidense. En 1904, Cohen escribió, dirigió y protagonizó "Broadway" como Johnny Jones Jr., lo que lo hizo famoso de una sola vez y posteriormente se hizo popular en toda Nueva York. En los siguientes veinte años, * * * escribió 21 obras de teatro y casi 500 canciones. La forma de la obra de Cohen es un puente entre los musicales del siglo XIX y los musicales estadounidenses reales, y es una parte importante del proceso de modernización de los musicales. En sus obras, eliminó la elegante concepción artística basada en el antiguo patrón anglo-alemán y creó con éxito una forma de vida moderna en Nueva York que es consistente con rápidos movimientos y cambios. Aunque las canciones de Cohen no se han cantado hasta el día de hoy, inspiró a una generación de escritores musicales en ese momento, y su explicación artística y elogio del espíritu estadounidense también infectaron a una generación de oyentes. Cada vez más artistas se dan cuenta de que el espíritu americano ha madurado y buscan ansiosamente su propia forma única de expresión.

5. La formación de la musicalidad.

En los primeros 25 años del siglo XX, gracias a los esfuerzos de un grupo de artistas, los musicales estadounidenses se deshicieron gradualmente de la influencia de las comedias musicales británicas y completaron la transformación de los musicales a los verdaderos musicales estadounidenses.

Por un lado, los musicales estadounidenses están influenciados por diferentes estilos de óperas musicales ligeras europeas, e incluso hay musicales representados en cabarets y salones de baile, por otro lado, también absorben la música pop emergente, el ragtime, el blues y otros factores. Después de décadas de exploración y práctica local, se han acumulado en gran medida experiencias tanto positivas como negativas. Ya sea el público, los comerciantes culturales, los artistas o los propios musicales, todos esperan y piden el surgimiento de maestros y obras musicales.

Showboat, escrita por Hammerstein II y compuesta por Guillaume Kern, se estrenó en Broadway en el estado de Nueva York en 1927 y está considerada como el primer hito en la historia de los musicales estadounidenses. Desde el punto de vista musical, "Showboat" combina las diversas formas escénicas musicales mencionadas anteriormente. La historia de "Show Boat" nació en el río Mississippi, que está lleno de misterio y romance. Está tan alejado de la experiencia vivida por el público de Broadway que resulta un poco teatral. Siegfried Wilde, el rey del canto y la danza, participó en la producción de toda la obra, lo que también hizo que la interpretación fuera rica y elegante; el uso de la música ragtime y el jazz demuestra que la música negra se ha vuelto indispensable para, finalmente, una excelente parte dramática; No es difícil encontrar la influencia de la comedia musical en el hecho de que la heroína se convierte en estrella y se reencuentra con el héroe. Diversas formas escénicas musicales y elementos musicales abordan juntos el "barco de las artes escénicas", representando el final del camino anterior y anunciando el comienzo de un nuevo viaje.

Etiqueta

Si analizamos el desarrollo de los primeros musicales, se puede ver que este fue un período de identidad ambigua. Varias tradiciones musicales, dramas de entretenimiento y algunos elementos de canciones y danzas de Europa influyen, se entrelazan y se mezclan entre sí. Pero, en general, estas tradiciones de entretenimiento se pueden dividir en dos categorías: una se centra en la trama y la otra en el canto y el baile. Comedia musical argumental derivada de la tradición operística europea y popular en Europa y Estados Unidos. La tradición de la ópera aportó elementos de solemnidad, elegancia y romance a los musicales posteriores, y el contenido expresaba principalmente mitología clásica o costumbres exóticas, mientras que la comedia musical permitía diseñar musicales para eventos actuales.