¿Son Da Vinci y Da Vinci lo mismo?

Solo que la transliteración es diferente en cada lugar.

Leonardo da Vinci (1452-1519)

El maestro y científico más famoso de la literatura y el arte italianos de la nueva era. Nació en Vinci, un suburbio de Florencia, y murió en Francia. Su padre era abogado y notario, y su madre era una campesina. Llegó a Florencia a la edad de 15 años, estudió en el taller de Verrocchio y se unió al gremio de pintores en 1472. El estilo personal había madurado a mediados de los años setenta. Trabajó en Milán de 1482 a 1499, sirviendo principalmente al duque de Milán, y desarrolló una amplia gama de actividades artísticas y científicas. "La Virgen de las Rocas" es su obra maestra más famosa de este período.

Es un genio. Por un lado, le apasiona la creación artística y la investigación teórica. Estudia cómo expresar diversas cuestiones del cuerpo mediante líneas y modelados tridimensionales. Por otro lado, también estudió ciencias naturales.

"Autorretrato" es un excelente boceto del pintor italiano Leonardo da Vinci. Su nivel de bocetos ha alcanzado un nivel muy alto y es conocido como un modelo de bocetos. Sus creaciones de arquitectura, escultura y pintura se basan en una gran cantidad de bocetos. Desde la estructura hasta cada figura e incluso cada gesto, preparó suficientes bocetos y bocetos, y sus bocetos jugaron un papel igual o incluso mayor que el de la fotografía moderna. En este "autorretrato", el artista se describe a sí mismo con soltura y soltura. Observa con atención y utiliza líneas ricas y variadas, que equilibran la dureza y la suavidad. Es especialmente bueno utilizando líneas diagonales de densidad variable para expresar cambios sutiles en luces y sombras. Estas técnicas de dibujo han beneficiado a muchos pintores posteriores y se las conoce como un clásico del arte del dibujo. Las líneas utilizadas en esta pintura son vívidas y flexibles, y tienen una gran generalidad, pero unos pocos trazos simples contienen muchos giros y relaciones apropiadas. El uso de líneas de cabello para representar rostros tiene un fuerte efecto tridimensional y las expresiones de los personajes también son muy expresivas. Por tanto, aunque este cuadro es un boceto, su belleza artística y su belleza formal no son menores que las de las grandes obras de Leonardo da Vinci. A lo largo de los años, ha atraído la admiración y la admiración de los futuros amantes del arte por su encanto atemporal.

Introducción a las principales obras de Leonardo da Vinci

Autorretrato

Madonna del Rock

Mona Lisa. También conocida como LA GIOCONDA

"Autorretrato" es un excelente boceto del pintor italiano Leonardo da Vinci. Su nivel de bocetos ha alcanzado un nivel muy alto y es conocido como un modelo de bocetos. Sus creaciones de arquitectura, escultura y pintura se basan en una gran cantidad de bocetos. Desde la estructura hasta cada figura e incluso cada gesto, preparó suficientes bocetos y bocetos, y sus bocetos jugaron un papel igual o incluso mayor que el de la fotografía moderna. En este "autorretrato", el artista se describe a sí mismo con soltura y soltura. Observa con atención y utiliza líneas ricas y variadas para equilibrar la dureza y la suavidad. Es especialmente bueno utilizando líneas diagonales de densidad variable para expresar cambios sutiles en luces y sombras. Estas técnicas de dibujo han beneficiado a muchos pintores posteriores y se las conoce como un clásico del arte del dibujo. Las líneas utilizadas en esta pintura son vívidas y flexibles, y tienen una gran generalidad, pero unos pocos trazos simples contienen muchos giros y relaciones apropiadas. El uso de líneas de cabello para representar rostros tiene un fuerte efecto tridimensional y las expresiones de los personajes también son muy expresivas. Por tanto, aunque este cuadro es un boceto, su belleza artística y su belleza formal no son menores que las de las grandes obras de Leonardo da Vinci. A lo largo de los años, ha atraído la admiración y la admiración de los futuros amantes del arte por su encanto atemporal.

El retablo de Leonardo da Vinci "Madonna of the Rocks" (189,5 x 119,5 cm) se encuentra ahora en la National Gallery de Londres. El cuadro fue realizado por encargo de un grupo religioso para la capilla de la Iglesia de San Francisco de Milán. En este cuadro, la Virgen vive en el centro del cuadro. Sostiene al niño San Juan en su mano derecha y sienta al niño Jesús en su mano izquierda. Un ángel forma una composición triangular detrás de Jesús y se responden con gestos. El fondo es una cueva profunda, salpicada de flores y plantas, y la cueva está completamente expuesta. Aunque esta pintura tiene una temática tradicional, sus técnicas de expresión y disposición compositiva muestran el profundo nivel artístico de Leonardo da Vinci. La exquisita representación de personajes y fondos, el uso de pinceladas ahumadas, el uso del realismo científico y técnicas de perspectiva y reducción muestran que ha alcanzado un nuevo nivel en el tratamiento de la relación dialéctica entre el realismo realista y el procesamiento artístico. Esta pintura es el comienzo de las obras realizadas durante el apogeo de Obiki Oyoshi.

El óleo de Mona Lisa Leonardo da Vinci 1503-1506 77x53 cm se encuentra ahora en el Museo del Louvre. Es una obra maestra de la pintura de Xiao Xiang y representa la grandeza.

El mayor logro artístico de Leonardo da Vinci es su obra maestra, en la que trabajó minuciosamente durante varios años (1503-1506). Mona Lisa era la esposa del empresario florentino F. del Giocondo, cuando tenía unos 24 años. Cuando Leonardo da Vinci creó esta pintura, se dedicaba al arte. Dedicó todos sus ideales estéticos típicos al retrato. Los personajes de la pintura se sientan elegantemente con una leve sonrisa, y el fondo son las profundas montañas y ríos, que se puede decir que demuestran plenamente su pincelada ahumada única. Además, intentó combinar hábilmente los ricos sentimientos internos de los personajes con hermosas formas. También prestó especial atención a dominar la relación dialéctica entre precisión e implícita en partes clave como las comisuras de los ojos y los labios del rostro del retrato para lograr encanto, haciendo así que la sonrisa de Mona Lisa fuera significativa, misteriosa y onírica. nubes y suspiró maravillosamente. Este retrato realista y perfecto es en realidad una encarnación gloriosa de los elevados ideales del humanismo para la humanidad.

La Última Cena - Leonardo da Vinci

"La Última Cena" es un mural pintado por el pintor italiano Leonardo da Vinci de 1495 a 1497 para el restaurante de un monasterio. Este cuadro se centra en las diferentes reacciones psicológicas de los discípulos de Jesús cuando escucharon al Señor decir: "Uno de ustedes me va a traicionar".

Miremos primero al trío a la izquierda de Cristo: Felipe irresistiblemente saltó y se volvió hacia Cristo con preguntas imprevistas, tratando de entender qué estaba pasando. Se cubrió el pecho con las manos, intentando expresar su sinceridad y pureza. El viejo Jacob extendió las manos con ira y luego se echó hacia atrás porque perdió su centro de gravedad, como diciendo, esto es increíble. Thomas estaba detrás de ellos. Intentó con todas sus fuerzas controlar su temperamento, levantó su dedo índice hacia Cristo y dijo: ¿Cómo es posible? Uno de los tres hombres a la derecha de Cristo es Judas. Se retorció con sentimiento de culpa, tratando de alejarse de su maestro con miedo. Todavía agarrando apresuradamente la billetera que había recibido del informante, miró a Cristo con miedo. John bajó la cabeza con tristeza y juntó las manos. Estaba ansioso y no sabía qué hacer. Estaba escuchando a Pedro. Pedro se levantó enojado, se inclinó hacia Juan, le puso la mano izquierda en el hombro y se la acercó a la oreja, como preguntando: ¿Sabes quién es? Todavía sostenía con fuerza un cuchillo en su mano derecha, como diciendo: Si sé quién es, debo matarlo. En el grupo de tres de la extrema derecha, Bartolomé y Pedro están muy juntos. Abrió las manos con una mirada de sorpresa y calma, como si les dijera a todos que no entraran en pánico. Miró solemne y tranquilamente a Cristo, intentando salvar a su Maestro. Abrazando a Bartolo está el pequeño Santiago, que mira nervioso el desamparo de Cristo. Parado encima está el fuerte Andrew, bastante inclinado hacia adelante. En el grupo del extremo izquierdo, Mateo extiende sus manos hacia Cristo, pero su rostro está vuelto hacia el Tathagata de la izquierda, como si le estuviera haciendo una pregunta a un anciano experimentado. ¿De quién estaba hablando el maestro hace un momento? La señora tatuada abrió las manos y dijo que quería saber. Simon también estaba pensando mucho, pero fue en vano.

La composición de este cuadro no es complicada, es básicamente una línea recta intercalada con cambios, pero está llena de sencillez. El pintor combina orgánicamente trece personajes, que son a la vez diferentes y conectados. No sólo resalta la imagen principal de Cristo, sino que también representa claramente la apariencia y los rasgos de carácter de cada persona. El pintor dispuso a Jesús en los dos centros de la imagen y el centro visual, y usó la luz de la puerta como fondo para aclarar la imagen de Jesús. La mesa del comedor, las paredes, las puertas, las ventanas y el techo se centran en la imagen de Cristo, atrayendo naturalmente la atención del público hacia Cristo primero. Y separó conscientemente a los discípulos de ambos lados de Jesús. A primera vista, Jesús parece estar solo. De hecho, sus emociones y sentimientos internos y todo el incidente los han vinculado estrechamente. Los Doce Apóstoles están distribuidos uniformemente en ambos lados en grupos de tres, usando sus acciones y expresiones para contactar y hacer eco de Cristo. Todo el entorno y los accesorios han sido procesados ​​simplemente para resaltar a los personajes emocionados y luego, a través de las acciones y expresiones de estos personajes, el centro de toda la imagen se dirige a Cristo.

El artista fue muy cauteloso al crear esta pintura. A veces se paraba frente a la pintura y pensaba durante mucho tiempo antes de poder terminarla. El abad del monasterio se enojó y lo acusó de ser holgazán y ganar tiempo. Al artista le preocupaba no poder encontrar un molde de la cabeza de Judas. Sintió que la cabeza del repugnante y grosero abad era la adecuada, por lo que la adoptó como imagen de Judas. El Judas que vemos en la pintura es sombrío, feo y particularmente grosero. Está en marcado contraste con Juan y Pedro a su lado, lo que hace que la gente parezca muy aburrida.

Comparación de las dos "Últimas Cenas"

La Última Cena-Tintoretto

Da Vinci y Tintoretto en distintas épocas Compusieron "La Última Cena". Para apreciar mejor "La Última Cena" de Leonardo da Vinci, comparémosla.

Ambas pinturas también están basadas en la Biblia. La diferencia es que las pinturas de Leonardo da Vinci fueron creadas entre 1495 y 1498, que fue el período del Renacimiento, mientras que las pinturas de Tindoretto fueron creadas entre 1592 y 1594, que fue un punto de inflexión en la historia cuando el Renacimiento estaba a punto de ceder el paso al Barroco.

A juzgar únicamente por el tema, las pinturas de Leonardo da Vinci difícilmente pueden considerarse religiosas. En términos de espiritualidad, las pinturas de Tindoretto están impregnadas de una fuerte atmósfera cristiana, mientras que las pinturas de Leonardo se vuelven seculares. Tindoretto y Leonardo da Vinci eligieron dos momentos completamente diferentes para describir la Última Cena entre Jesús y sus discípulos. El momento condensado en la pintura de Tindoretto es el de Jesús preparando la Sagrada Comunión y diciendo a sus discípulos: "Comed, esto es mi cuerpo". Como los discípulos lo conocían, el momento centrado de Leonardo da Vinci fue la reacción de los discípulos a las palabras de Jesús; - Algunos de vosotros me habéis traicionado. Tindoletto eligió un momento único que no ocurriría en ningún otro lugar. De hecho, algún momento en las pinturas de Leonardo siempre sucedía en la Tierra. Las pinturas de Tindoretto son mejores que el "drama divino", mientras que las de Leonardo da Vinci son el "drama mundial".

Comparemos estos dos cuadros con más detalle.

1. Composición: Tomemos como ejemplo la posición de la mesa del comedor. Leonardo da Vinci colocó la mesa frente al cuadro. La mesa es más que una simple mesa, forma una línea divisoria, como el borde de un escenario. El público está aquí y al otro lado de la mesa se está representando una obra de teatro. Tindoletto movió la mesa del comedor para que los personajes del cuadro ya no estuvieran lejos del espectador. Los bordes del cuadro están cortados de forma irregular, lo que tiene el efecto de ampliar el cuadro e invitar al espectador a unirse al cuadro.

2. Uso del espacio: Tanto Leonardo da Vinci como Tindoretto utilizaron la perspectiva para crear espacio. La llamada perspectiva es el efecto que produce el acercamiento gradual de dos vías de ferrocarril o carreteras a lo lejos. Leonardo da Vinci trazó líneas de perspectiva a través de techos, tapices y suelos. Todas las líneas están reunidas en la cabeza de Cristo, que es el centro del cuadro. Las líneas son brillantes y claras, formando una especie de simetría y coordinación. En lugar de mirar fijamente el centro del cuadro, Tindoletto deja que las líneas corran abruptamente hacia la esquina superior derecha hasta que se encuentran debajo de las alas del ángel. Debido a que la intersección es oscura y borrosa, toda la imagen parece desordenada y la textura no es clara.

3. Creación de personajes: Los personajes de las pinturas de Da Vinci están alineados y la reacción de cada persona es única, distinta y vívida. Luego de escuchar las palabras de Jesús, los discípulos tuvieron diferentes reacciones, mostrando así sus respectivas personalidades y psicología. En cambio, Tindoletto deja a los personajes envueltos en sombras, lo que hace que sea difícil distinguirlos. Todo envuelto en la atmósfera. No actúan como individuos independientes, sino que la totalidad de ellos es significado, que puede verse como una experiencia religiosa primordial.

4. Realidad: Ambas pinturas son realistas y poco realistas. La autenticidad de Da Vinci radica en su atención al detalle, por lo que es claro y preciso, pero la casa es abstracta y los personajes están inimaginablemente apiñados. Las pinturas de Tindoretto ficcionalizan casas poco realistas. La luz misteriosa se enciende y apaga, y hay fantasmas y neblina por todas partes. Pero la representación de personas y objetos es muy tridimensional, plena y vívida.

5. Drama: La esencia del drama es el conflicto entre personajes en momentos críticos. Vistas desde esta perspectiva, ambas pinturas son dramáticas, con una acción continua interrumpida por una fracción de segundo, como un péndulo que se detiene repentinamente en lo alto de un columpio, sólo que el momento se configura de manera diferente. Las posturas de los personajes de Da Vinci revelan plenamente su mundo interior en momentos críticos y utiliza el drama para revelar una "personalidad" significativa. Tindoretto se centra en la progresión del movimiento y el paso del tiempo. Mirar las pinturas de Tindoretto crea una sensación de turbulencia visual que no se puede frenar. Se puede decir que Tindoretto utiliza el drama para desarrollar "acontecimientos" significativos. El final es tan importante como el punto de partida y forma parte del todo.

Aunque "La Última Cena" de Leonardo da Vinci se considera la pintura religiosa más popular, no es una religión en absoluto, sino una descripción de la psicología humana, y las pinturas de Tindo Leto reflejan la experiencia religiosa.

¿Qué tipo de "naturaleza humana" transmiten los dos cuadros? Por su parte, Leonardo da Vinci veía a las personas como individuos completamente separados. Cuando ocurre un evento, los individuos responden de maneras únicas.

Superficialmente, cree en el principio protestante de valorar a los individuos, pero también enfatiza que los individuos pueden simplemente sumarse para formar un todo. A diferencia del estilo "transpersonal" de Tindoretto, Tindoretto esencialmente veía a las personas como parte de un gran todo. Si consideramos la diferencia entre los dos desde la perspectiva de la "vida de iglesia", según la comprensión de Leonardo da Vinci de la naturaleza humana, en realidad no existe una iglesia real. Quizás un club sería un formato más aceptable, ya que a los individuos se les permitiría entrar y salir cuando quisieran. Según la creencia de Tindoretto, la Iglesia no es la nada, sino todo, y las personas sólo pueden ser reales como parte de la Iglesia.

Incluso si no estás de acuerdo con la interpretación que hace una pintura de la naturaleza humana, puedes admitir que es una gran obra. ¡Esto es arte!