¿Alguien tiene alguna información sobre la obra de arte?
Para muchos artistas jóvenes en China, el posmodernismo se interpreta como cinismo, pérdida de responsabilidad social y disolución del espíritu noble. A menudo se trata de un simple mosaico de logotipos de Coca-Cola e iconografía del vestuario de la Ópera de Pekín. Aunque la humanidad ha entrado en la era de la información, China todavía tiene muy poca introducción al arte posmoderno occidental, y sus verdaderos colores son en su mayoría desconocidos para el pueblo chino. No hay duda de que esto es el resultado de la comprensión e interpretación contradictorias del posmodernismo. la causa del caso. Afortunadamente, a principios de siglo, inesperadamente tuvimos la oportunidad de presenciar el arte posmoderno occidental. La "Exposición de Arte Contemporáneo Estadounidense del Mundo Exterior" fue organizada por el Centro de Exposiciones e Intercambio de China y coorganizada por el Centro Internacional Meridian y el Centro de Intercambio y Exposiciones de China. Mobil Foundation" (originalmente titulado "Out Ward Bound: 265438 + American Art on the Eve of the 20th Century"/Out Ward Bound: American Art on the Edge of the 21st Century) se celebró en 199910. De junio a junio de 2000, la exposición de larga duración en Shanghai y Beijing nos permitió corregir nuestros errores y comprender correctamente la verdadera apariencia y significado del arte posmoderno occidental.
Según los organizadores estadounidenses de la exposición, las 90 obras de esta exposición fueron seleccionadas después de visitar miles de galerías y estudios en todo Estados Unidos. La mayoría de ellas son obras nuevas de los años noventa. ¿Qué podemos ver en esta exposición cuidadosamente seleccionada por los organizadores y realizada después de dos años de preparación?
Volver al arte de estantería
Primero repasemos brevemente la historia del arte occidental moderno, especialmente el proceso del arte no estantería.
La gente llama al pintor postimpresionista Cézanne el "padre del arte moderno", y la historia del arte moderno comenzó con él. Sin embargo, este francés honesto pero inarticulado sólo lanzó una revolución sobre el lienzo. El objeto de su rebelión fue el realismo de la pintura occidental tradicional. Esta revolución se completó mediante el progreso continuo del Animalismo y el Cubismo hasta el surgimiento del Abstraccionismo. Cézanne y sus seguidores seguían siendo pintores devotos y siempre estudiaron con mucha atención el tema de "cómo pintar". A través de la descomposición gradual, reconstrucción, simplificación y abstracción de objetos objetivos, finalmente crearon un arte abstracto que es independiente de la naturaleza objetiva. En última instancia, el arte creado por Cézanne sigue siendo tradicional, al menos está en la misma línea con la tradición. La Escuela de Cézanne heredó una forma de pensar establecida por los occidentales en la antigua Grecia, que consiste en observar, comprender y explorar el mundo desde un punto de vista humanista y desde una perspectiva racionalista. Su arte representa los nuevos logros de los occidentales en la era de la civilización industrial con la ayuda de medios científicos modernos para explorar el universo y sus misterios.
En la historia del arte moderno, Cézanne es grande, pero comparado con otro francés llamado Duchamp, parece demasiado conservador y demasiado revolucionario. Si Cezanne es el "padre del arte moderno", entonces se puede llamar a Duchamp el "padrastro del arte moderno" y, en comparación con el primero, el arte del segundo es más revolucionario y más influyente.
En 1913, Duchamp creó su primera obra impactante: una horquilla de bicicleta con una rueda invertida fijada sobre un taburete redondo, y la llamó rueda de bicicleta. En 1917, Duchamp envió un urinario de porcelana utilizado en el baño de hombres para participar en una exposición organizada por la Sociedad de Artistas Independientes de Nueva York. Como representante del dadaísmo, el llamado arte "ready-made" de Duchamp marcó un punto de inflexión fundamental en el arte moderno. Antes de eso, el arte creado por Cézanne solo trajo una actualización del lenguaje y la expresión artísticos, mientras que Duchamp subvirtió fundamentalmente lo inherente a las personas. conceptos de arte, Cézanne fue un pintor serio, mientras que Duchamp fue un pensador profundo. Duchamp le dijo al mundo que los artistas no tienen que pintar ni hacer esculturas, porque el mundo y la vida misma son arte. A partir de entonces nació en el mundo un mito: un objeto de la vida cotidiana, incluso el desecho, puede convertirse en arte, porque. el artista lo dijo Es arte, se convierte en arte Siguiendo la dirección de Duchamp, los artistas occidentales crearon el arte pop, el nuevo realismo, el arte sintético y el arte de instalación después de la Segunda Guerra Mundial. Estas artes son exhibiciones, recombinaciones o reproducciones de "productos confeccionados".
A partir de este arte ready-made a pequeña escala, el artista introdujo aún más el land art y el arte ambiental. La siguiente exploración artística es el arte de performance, el arte de performance, el arte accidental y el arte de proceso, esforzándose por romper los límites entre el arte y la vida, los artistas y. el público, prestando atención al proceso, comportamiento y experiencia de la creación, más que al resultado de la creación. Aunque todas estas artes creen que los conceptos son más importantes que las obras, después de todo, todavía hay proceso y comportamiento. El verdadero arte conceptual en un sentido estricto, es decir, el arte conceptual, elimina por completo las obras. El arte conceptual tiene la idea, derivada del dadaísmo, de que una obra de arte es fundamentalmente la idea del artista y no un objeto tangible: una pintura o una escultura. Los objetos tangibles se originan a partir de una idea, por lo que la idea en sí misma es una obra de arte. En última instancia, el arte conceptual niega el arte mismo al negar los conceptos artísticos tradicionales. En este punto, una historia del arte occidental moderno que se desarrolló según su propia lógica ha llegado a la última página, en los años setenta.
Desde la década de 1980, el arte occidental ha entrado en el período del posmodernismo. ¿Cuáles son las características del arte posmoderno? En primer lugar, volver a las categorías originales de "arte de caballete" y pintura y escultura es la única manera de revivir el arte posmoderno. Al mismo tiempo, también se abandonan diversas ideas que ignoran y se oponen a las habilidades. El artista finalmente toma su pincel y su paleta y regresa al lienzo. Desde el arte tradicional hasta el arte moderno, todos los problemas técnicos, ya sea anatomía humana o perspectiva espacial, concreto o abstracto, color o forma, han sido resueltos, sin dejar asuntos pendientes para los artistas de hoy. La nueva generación de artistas ha abandonado por completo sus intentos y ambiciones de "innovar" en sus estilos artísticos. No se avergonzaron de copiar el trabajo de sus predecesores y utilizaron generosamente estilos prefabricados. Como resultado, en la década de 1980 aparecieron en el mundo del arte occidental varios estilos artísticos que ponían vino nuevo en botellas viejas. Los críticos inventaron varios nombres para esto: nuevo expresionismo, nuevo abstraccionismo, nuevo arte pop, nueva geometría, nuevo constructivismo, nuevo concepto. arte y más. Con sólo añadir la palabra “nuevo”, el pasado se vuelve nuevo, y lo que tienen los demás se vuelve propio. Con un solo cambio de ropa, las distintas escuelas de arte moderno volvieron a aparecer de negro y rosa. Aunque el arte nuevo tiene su propio estilo y diferentes connotaciones espirituales, todos los artistas consideran que hacer y presentar una imagen u objeto que pueda ser percibido por el público es un medio para expresar emociones. Este es el regreso del arte moderno occidental del arte al no arte, de las obras tangibles a los conceptos intangibles, de la innovación a la desesperación. En este punto, los historiadores del arte finalmente dieron un suspiro de alivio, porque la historia del arte podía escribir un nuevo capítulo.
La "Exposición Americana de Arte Contemporáneo" incluye la nueva obra de Robert Rauschenberg "Exposed Los Angeles". Frente a este pequeño cuadro incrustado en el marco, es posible que algunas personas no puedan recuperarse por un tiempo. ¿Es este el viejo Shen Bai que realizó una exposición en Beijing en 1985? ¿Sigue siendo este el "niño travieso" estadounidense que ocupó tres salas de exposición del Museo Nacional de Arte de China con cajas de papel usado, neumáticos rotos y otros desechos que asombraron al público chino? ¡Sí, ese es él! Fue precisamente con esas llamadas "pinturas de ensamblaje" y "arte integral" que Lao Shenbai se hizo famoso en la década de 1950 y se convirtió en una deslumbrante estrella del arte pop. En la década de 1970 trabajó en danza y artes escénicas. A partir de la década de 1980, Lao Shenbai cambió de opinión y se dedicó al grabado. Aunque sus obras siguen siendo reproducciones y recombinaciones de materiales ya preparados, como fotografías e impresiones, el regreso de Lao Shenbai a la fotografía supone un gran cambio. Regreso al mundo de la metáfora
En la ceremonia de inauguración de la "American Contemporary Art Exhibition", la Sra. Nancy Matthews, curadora y directora del Meridian International Center en Estados Unidos, dijo en su discurso: " Puede aprender de las obras de esta exposición Ver las selvas del oeste americano y las llanuras de Nueva Inglaterra, ver el paisaje urbano y el paisaje rural de los Estados Unidos y ver la vida estadounidense "Estas palabras en sí mismas no tienen significado ni son profundas. significado, pero son muy importantes para el arte occidental moderno. Para los investigadores de la historia, es muy extraño y nuevo. Porque la pintura figurativa, especialmente las obras de paisaje, ha estado ausente del arte moderno durante demasiado tiempo.
Como se mencionó anteriormente, Cézanne lanzó una rebelión contra el realismo. Aunque las pinturas de Cézanne en sí mismas siguen siendo representativas y no abandonó objetos objetivos como figuras, naturalezas muertas y paisajes, en la mente de Cézanne, el propósito de la pintura no es representar de manera realista objetos objetivos, sino perseguir el valor de la forma misma. , es decir, a través de la combinación de formas, bloques y líneas, se crea un cuadro plástico puro sin contenido emocional ni literario.
Su arte fue resumido como "forma significativa" por el teórico del arte británico Clive Bell, quien fue pionero en la estética formalista moderna del "arte por el arte". En los períodos pictóricos fauvistas y expresionistas posteriores a Cézanne, los factores representacionales pasaron a un segundo plano y se centraron en expresar la fuerte pasión interior del pintor a través de imágenes simplificadas y colores intensos. Los cubistas desmembraron la imagen de la realidad aún más sin escrúpulos y sus imágenes eran la recombinación de "partes" de objetos fragmentados. Finalmente, en abstracto, ¿cuál es la imagen objetiva? Quítelo todo Kandinsky escribió en 1910: "De repente comprendí una cosa: mi pintura no requiere cosas objetivas ni descripciones de objetos objetivos, y estas cosas son realmente perjudiciales para mi pintura". Los abstractistas declaran unánimemente: "El arte No se trata de representar lo visible, sino de crear lo invisible."
Para los artistas abstractos, la naturaleza es una plaga inevitable. En sus obras no se permiten conexiones concretas. Quieren crear un nuevo universo que sea completamente independiente del mundo objetivo.
Aunque ya en 1913, cuando el supremacista Malevich creó cuadrados negros sobre un fondo blanco, declaró que "se había alcanzado el punto cero de la pintura", el arte abstracto aún alcanzó gloria después del desarrollo de la Segunda Guerra Mundial. No fue hasta que el francés Yves Klein pintó pinturas monocromáticas en la década de 1950, y especialmente después del surgimiento del minimalismo estadounidense y las pinturas de campos de color en la década de 1970, que el arte abstracto finalmente llegó a un callejón sin salida.
El arte abstracto ha producido miles de obras de arte con diferentes caras a lo largo de su existencia durante medio siglo. Sin embargo, en comparación con el colorido y siempre cambiante mundo natural y objetivo creado por los creadores, el arte abstracto crea la imagen. sigue siendo extremadamente pobre, monótona y limitada. Contrariamente al deseo del artista abstracto de deshacerse de las cadenas del mundo objetivo concreto y entrar en el infinitamente rico mundo de la expresión, las formas simbólicas limitadas que los humanos pueden crear hacen que el arte abstracto sea más repetitivo y aburrido que el arte concreto, y lo que los artistas abstractos quieren expresar El significado filosófico y la pasión interior son ambiguos y difíciles de confirmar debido a la incertidumbre de los símbolos abstractos. Al principio, Cézanne y sus seguidores hicieron todo lo posible por excluir la literariedad de la pintura, pero más tarde, el arte abstracto sólo podía ser una cáscara sin sentido sin la interpretación del lenguaje escrito.
En la historia del arte occidental moderno, con la evolución de la abstracción artística, los temas paisajísticos han estado excluidos durante mucho tiempo de la vista de los artistas. Las pinturas fauvistas y expresionistas fueron la última parada para disfrutar de paisajes naturales. En la pintura cubista y futurista, donde estaba en juego el elemento figurativo, los artistas sólo ocasionalmente se preocupaban por los paisajes artificiales: la arquitectura urbana. En cuanto al realismo fotográfico surgido en los años 70, extremadamente opuesto a la abstracción, aunque este tipo de pintura, como copia de una fotografía, tiene la capacidad del realismo de engañar a la vista, todavía sólo aman la jungla de cemento y acero. - paisaje urbano. Con la desaparición del arte abstracto, los artistas occidentales de la década de 1980 centraron su atención en la colorida vida humana y la vibrante naturaleza.
Ahora que el universo ha vuelto a atraer la atención de los artistas, las técnicas artísticas realistas que representan objetos objetivos naturalmente regresarán (por supuesto, el lenguaje del realismo no es rígido y único). Esta es una época en la que renacen viejos estilos de pintura y varios estilos de pintura coexisten al mismo tiempo. En ese momento, algunas personas usaban el estilo meticuloso y meticuloso del realismo fotográfico, y la pincelada suelta y el estilo expresionista fluido también se usaban como referencia; la planitud tenía su tratamiento de forma, al igual que el diseño del espacio tridimensional. Puedes ver el estilo de pintura de bloques de un solo color y también puedes ver el trabajo de las líneas. Algunas personas llaman a los diversos estilos de pintura realista en Occidente en la década de 1980 "arte de representación libre".
Entre las 90 obras de la "Exposición Americana de Arte Contemporáneo", solo hay tres pinturas abstractas, pero en la gran mayoría de las pinturas figurativas, hay diversos temas tradicionales como figuras, paisajes y naturalezas muertas. . Cada uno de los artistas muestra su talento en las técnicas de expresión, por lo que toda la exposición presenta una apariencia colorida y diversa. Tomando como ejemplo las obras con el tema "Escenas de interior", hay imágenes realistas de fotografías en blanco y negro de Jim Richard y imágenes sencillas y discretas de John Alexander. Las descripciones de la naturaleza lo abarcan todo. Está el paisaje brutalista de Wolf Kahn, pero también el de Wei.
Wayne Bryan tiene un acuario decorativo; está la pintura en acuarela de Patricia Forrester "Lotus Pond" y la pintura por computadora de Jon Meyer "Iceberg".
Hacia una convivencia diversa
Como se mencionó anteriormente, el arte moderno tiene dos caminos, opuestos, paralelos y, en ocasiones, incluso superpuestos. Este es el "arte por el arte" formal representado por Cézanne y el "antiarte" conceptual representado por Duchamp. Yo los llamo "modernismo racional" y "modernismo irracional". Estos dos caminos siguen una trayectoria directa y unidireccional, extendiéndose hacia adelante en un patrón de progresión secundaria de géneros y reemplazo de lo antiguo y lo nuevo. Cuando los seguidores de Cezanne pintaron pinturas monocromáticas minimalistas y los seguidores de Duchamp crearon un arte conceptual ilusorio que eliminaba el "texto", estos dos caminos modernistas llegaron al mismo destino y terminaron juntos.
Bajo la guía del modo de pensamiento extremista innato de los occidentales, el arte modernista finalmente cayó en la desesperación después de casi cien años de innovación continua. En ese momento la gente exclamaba: "¡El arte ha muerto!". Sin embargo, esto es sólo la muerte del modernismo. Mientras la vida humana continúe, el arte resucitará. De acuerdo con la ley del desarrollo de las cosas, el arte posmoderno occidental se ha embarcado en un camino diversificado que se opone a los extremos, busca compromisos, no es monolítico y aboga por la integración.
El pintor francés contemporáneo Raymond Rao escribió en 1979: "Estoy convencido de que la era de la revolución artística que comenzó con el impresionismo realmente ha terminado. La destrucción constante y la duda, el movimiento en ebullición, en una palabra, el El nuevo panorama artístico diario ha terminado. En mi opinión, después de estas continuas turbulencias, ha llegado la era de la integración. Creo que hoy la creación debe integrarse con todo. Es posible desarrollarse en la dirección de la fusión. Una vasta área inexplorada. La originalidad reside tanto en el cambio como en la fusión, y cada personalidad única puede crear una fusión única”. De hecho, como predijo y practicó Rao Kerrang, desde la década de 1980, el arte occidental se ha alejado del modelo de desarrollo lineal y se ha vuelto diverso. , ecléctico e híbrido. Excepto que "el arte debe volver al lienzo" es el consenso de los artistas, en cuanto a la pintura, es perdonada y no ecléctica. Pueden utilizar cualquier técnica inventada por sus predecesores e imitar cualquier estilo desde la antigüedad hasta los tiempos modernos. No hay un margen fijo para los artistas en la elección del tema y el tema, y todo en el mundo material y espiritual se puede pintar. En la actualidad, la gente no sólo puede utilizar un estilo unificado para resumir a un grupo de artistas, sino que también es difícil utilizar una palabra precisa para describir el estilo artístico de un artista. Wang Ruiyun escribió: "La vanguardia obsesiva y declarativa del arte estadounidense de la década de 1960 se ha convertido en una forma pausada de hacer las cosas en el posmodernismo. Ya no es una llamada del pensamiento, sino un estado cultural. Por lo tanto, la palabra 'posmodernismo' no puede Se utiliza para referirse al estilo. El estilo es un "estado" en lugar de una "forma". "Estado" es más inclusivo que "forma" y no tan claro como "forma", pero está en todas partes y está presente en todas partes. Es difícil establecer y deshacerse de una cosa, por lo que la formación de este estado permite a los artistas obtener una especie de libertad ingobernable y sin restricciones. Por lo tanto, cuando entendemos el arte posmoderno estadounidense, No necesitamos prestar demasiada atención a cómo pintan los artistas estadounidenses contemporáneos. Al contrario, deberíamos prestar más atención a cómo ven el mundo y cómo se tratan a sí mismos y a la nueva relación entre su gente y el mundo que eso refleja. en esto. ”
El arte modernista no sólo constituye una oposición a la tradición en la estética, sino que también encarna el alma, el cuerpo y el espíritu humanos en su espíritu interior. La separación entre el hombre y la naturaleza también ha creado una brecha. con el público en términos de aceptación del arte Como alguien señaló, el arte moderno divide al público en dos partes: los que entienden y los que no entienden. Los que entienden son siempre una minoría.
Aun así, el “arte por el arte” de Cézanne y el “antiarte” de Duchamp todavía hacen que el público sienta que hay “más monjes que suficiente comida”. Aunque Duchamp y sus discípulos abogaron por la "popularización del arte" y defendieron que "todos son artistas", los resultados fueron contraproducentes. Su enfoque de tratar la basura como arte y su arte conceptual de "dejarse llevar" están aún más alejados del público.
Ya sea lenguaje formal, tema escénico o función estética, el arte moderno tiene que ver con la "resta". Con la formalización y conceptualización de los estilos artísticos, el arte moderno se deshizo gradualmente de la religión y la política, de la literatura y la realidad, y abandonó el mundo visible. Cuando el arte se convierte en un concepto intangible, puramente metafísico, el artista siente una "ligereza insoportable". Además de ser la encarnación de la libertad, los artistas acaban convirtiéndose en personas marginadas de la vida social.
En el período posmoderno, el arte comenzó a "agregarse" nuevamente. El verdadero significado de este cambio en los estilos y conceptos artísticos radica en el resurgimiento del sentido de responsabilidad social de los artistas. Hoy en día, los artistas no sólo utilizan un lenguaje artístico humanista para expresar su cercanía a la naturaleza y su preocupación por la vida social, sino que también hacen todo lo posible por eliminar la distancia entre el arte y el público. Cooperan incondicionalmente con la sociedad y hacen todo lo posible para satisfacer el gusto estético del público.
En cierto sentido, la historia del arte moderno es una historia de heroísmo. Como escribió el crítico de arte estadounidense Harold Rosenberg: "El arte moderno es el estilo del pasado, que siempre se combina en un momento con obras maestras, representantes y leyendas". La historia del arte moderno no es tanto una historia de la evolución de los estilos artísticos como un drama viviente representado por una serie de artistas que aparecen uno tras otro, es decir, "tú cantas y yo aparezco". En aquella época, un artista podía liderar una corriente artística y promover un ambiente social. La gente adora a los héroes y crea héroes. La historia del arte moderno se vuelve más vívida y notable a través de la interpretación legendaria de las vidas personales de estos héroes.
En el período del posmodernismo, debido a que no existe un estándar unificado ni un estilo común, no existe una autoridad suprema. Quizás a los ojos de algunas personas, "sin líder" signifique mediocridad y depravación; para las personas que están acostumbradas a la obediencia ciega, "sin líder" puede que no sepan cómo ir. Sin embargo, para la cultura occidental, el posmodernismo significa democracia, igualdad y libertad más completas. Aunque el arte posmoderno surgió como un rebelde contra el modernismo, es un producto del arte moderno occidental y aún conserva algunos genes del modernismo. Sin mencionar que el arte posmoderno continúa utilizando diversas formas y lenguajes del arte moderno. Incluso las actitudes posmodernas de oponerse a la autoridad, buscar la igualdad, defender la libertad, estar cerca del público y preocuparse por la sociedad pueden encontrar una base teórica en el dadaísmo. Pero al principio, los artistas se situaban en alturas dominantes y utilizaban diversas artes tangibles o intangibles para decirle al público qué eran la libertad y la igualdad. Pero ahora se han quitado sus mantos heroicos, se han integrado plenamente en el público y han utilizado un arte aceptable para el público. público para expresar sus pensamientos y sentimientos, declarando así un verdadero yo. Esta es la transformación y sublimación del pensamiento democrático liberal de “forma” a “estado” mencionado anteriormente. No hay duda de que sin los extremos ásperos del arte moderno, no habría un compromiso moderado en el arte posmoderno. Sin el arte moderno que cambia cada día que pasa, no habría arte posmoderno colorido y diverso, como Daniel Bell. Como señaló, "la ruta de desarrollo seguida por el posmodernismo es el objetivo final del desarrollo lógico del modernismo".
"The Outside World: American Contemporary Art Exhibition" no es todo el arte contemporáneo occidental o incluso estadounidense, pero es un microcosmos del arte posmoderno occidental. Nos trae nueva información sobre el mundo del arte occidental. En comparación con esas teorías posmodernistas sobre montañas y ríos hermosos y cubiertos de nubes, la imagen de esta exposición nos dice intuitivamente qué es el arte posmodernista occidental.