Cazador de luz-Monet
En ese momento, de repente descubres que la luz y la sombra están cambiando rápidamente. No hay ninguna forma, solo el cambio de color y luz, y una hermosa concepción artística aparece en tu rostro. Entonces piensas en esas imágenes borrosas y te sientes un poco inexplicablemente conmovido.
Monet y sus nenúfares, una historia de búsqueda del amor y la luz. Sólo ama a una persona en su vida y pinta a una sola persona en su vida. Incluso después de cien años, sigue brillando y moviéndose, balanceando cada corazón sensible que anhela amor.
Solo recuerda a los que has amado; el tiempo recompensará a los que están atentos.
Claude Monet
¿Claude? Monet
Monet, la figura representativa del impresionismo, cambió el método de pintura tradicional de buscar la forma del objeto. Al capturar los efectos fugaces de luces y sombras, presentó un ámbito artístico completamente diferente, por eso se le llama "luz". . poeta".
Las obras de Monet no son sólo el resultado del salto de luces y sombras en la imagen, sino también el resultado del alimento y el brillo del amor.
En 1865, Monet, de 25 años, y Camille, de 18, se conocieron en París. La hermosa niña era como una flor de hibisco y exudaba un brillo encantador.
Algunas almas están destinadas a conectarse entre sí, y Camille pronto se convirtió en el modelo exclusivo de Monet. En el estudio donde pasábamos tiempo juntos día y noche, los ojos de Monet eran gentiles y ardientes, un tipo de luz contrapuesta a otra.
Antes y después de conocer a Camille, el estilo pictórico de Monet cambió significativamente y aparecieron las luces y sombras de fantasía que fascinaron a las generaciones futuras.
Incluso Dios se sintió conmovido por ello.
En 1866, Camille, vestida con una falda verde, sonreía de reojo. La "Mujer de verde" de Monet se exhibió con éxito en el salón oficial de la Academia de Bellas Artes y se vendió por 800 francos.
Monet no pudo evitar convertir sus profundos sentimientos en vívidas pinceladas. En "Mujeres en el jardín", escrita en 1866, las tres mujeres están basadas en Camille.
La luz y la sombra son tan transparentes que hasta el aire parece latir.
Alimentado por el amor, Monet continuó ampliando sus habilidades para integrar luces y sombras en las imágenes y quiso crear su propio mundo artístico. Sin embargo, sus obras fueron repetidamente criticadas y rechazadas por los salones oficiales de París, y menospreciadas.
Para empeorar las cosas, la familia se opuso al romance de Monet con Camille, de bajo estatus. Monet se quedó sin recursos económicos. Un genio se convirtió en mendigo y comenzó una vida difícil pidiendo dinero prestado.
En el otoño de 1866, para escapar de las deudas, Monet llegó incluso a destruir 200 cuadros y regresó a París, luchando contra el hambre y el frío.
En el cuadro, Camille, de 19 años, sostiene un cachorro con una expresión en blanco. Hay rosas, pero no sé dónde está el pan.
Afortunadamente, por simpatía, su amigo Basil se ofreció generosamente a comprar "Mujeres en el jardín" de Monet, que fue rechazado por el salón por un precio de 50 francos al mes, de modo que Monet y Carl Mil apenas podían mantener una vida básica.
El sensible e introvertido Monet sentía demasiada soledad y frustración en una vida así, e incluso intentó suicidarse para librarse de la insoportable presión.
Durante tales altibajos, Camille siempre no escatimó esfuerzos para apoyar a Monet. Como un fuego cálido y brillante, que rodea firmemente al amante con cicatrices que fue golpeado por el destino, pero las paredes de la familia siempre están llenas de la luz del amor.
Cuando Camille dio a luz a su hijo Jean en 1867, Monet llevaba a menudo a su esposa e hijos afuera a pintar, con infinita ternura en los colores.
En 1868, Camille estaba sentada en una isla en el Sena, con vistas al pueblo de Groton, junto a la ciudad de Bankour. Camille fue el único consuelo y salvación de Monet durante este momento difícil.
En junio de 1870, Monet y Camille finalmente se casaron y juraron amarse delante de Dios para toda la vida. "Gracias a ti, estoy dispuesto a estar en la cima de las olas para siempre".
Después de la boda, fueron a la playa de Rouville para pasar su luna de miel. El sentimiento de felicidad fue tan fuerte que Monet pintó varios retratos de Camille en la playa.
Después de la guerra, vivió un breve exilio en Londres. En 1871, Monet y su esposa vivían en el pueblo de Argenteuil, en la margen derecha del río Sena, en París. La familia de tres personas pasó siete años maravillosos, aunque no eran ricos.
Monet todavía era pobre, pero la esperanza del amor trajo consigo una creatividad infinita. Siguió describiendo cosas con luces y sombras cambiantes, sacrificando la delicadeza para capturar los verdaderos sentimientos de ese momento.
Desde el punto de vista de Monet, la forma de un objeto es solo un símbolo de la luz, por lo que al pintar, no nos preocupamos por la forma específica, sino que primero observamos y registramos rápidamente la luz y la sombra reflejadas. A medida que los trazos y los colores se superponen, las formas emergen de forma natural.
Este método primitivo de pintar se llama "rellenar formas con luz".
Durante esta época feliz y pacífica, las técnicas de Monet se volvieron cada vez más maduras y finalmente creó "Sunrise" en 1872. Esta obra será elogiada por las generaciones futuras. impresión.
A primera hora de la mañana, el sol anaranjado se eleva en el cielo. La luz no es suficiente para disipar el humo alrededor del barco, dejando sólo un cálido reflejo anaranjado en el mar violeta.
Esta no es la mejor obra de Monet, pero toca la esencia del arte impresionista:
No persigue la realidad, sino que expresa diversas visiones de las cosas de una manera más directa y colorida. impresión. Registre el sentimiento y la impresión confusa en ese momento.
Sin embargo, en la exposición antioficial del Salón de 1874, "¿Amanecer?" "Impresión" también fue ridiculizada por la crítica: la pincelada era desordenada, como un boceto, y se decía que sólo pintaba "impresiones". El nombre "impresionismo" se extendió como la pólvora.
Durante los siguientes cinco años, Monet y sus amigos continuaron luchando contra la mala voluntad de la opinión pública, pero sin mucho éxito. Al público le llevó mucho tiempo aprender del viejo hábito de "mirar fijamente los detalles" para "dar un paso atrás y sentir el color, la textura y la atmósfera general de la pintura".
Durante este largo y difícil momento, la figura de Camille siempre estuvo en los ojos de Monet.
Convertía infinita ternura y pasión en los colores de sus pinceladas. La luz fugaz que pasaba por su rostro era tan rica y real como la hermosa luz que condensaba cada fotograma del lienzo.
Sin embargo, la naturaleza juega una mala pasada a las personas, y un comienzo perfecto tiene un final trágico.
Camille acompañó a Monet en los años más difíciles, pero nunca tuvo la oportunidad de compartir su éxito y fama.
En 1877, Camille dio a luz a su segundo hijo, Michel, y le diagnosticaron un cáncer terminal. Al amanecer de principios de otoño de 1879, Camille enfermó y murió silenciosamente en medio del trabajo duro y la pobreza. Tenía sólo 32 años.
Cuando su amada esposa agonizaba, Monet soportó un gran dolor y capturó el último rayo de luz antes de su muerte con un pincel. La moribunda Camille, con su tono triste y su pincelada caótica, expresa el mayor dolor de la vida de Monet.
Camille en su etapa moribunda y la mujer sosteniendo una sombrilla hace cuatro años constituyen el contraste más cruel en la historia del arte: el sol brillante y las faldas voladoras de ese año, y el otoño frío y la tristeza de este. tiempo, contraste azul, morado y gris.
Cuando Monet se quedó sin hogar, Camille hizo todo lo posible por ser un hogar para una mujer débil y pasó toda su vida mirando con amor a los hombres que la rodeaban.
Su vida fue encantadora, y su muerte, silenciosa. "Pensé que si podía conservar la luz, podría conservarte a ti." Cuando Monet firmó el contrato, dejó atrás el único amor de su vida.
La muerte de Camille provocó que Monet tuviera una relación de amor-odio durante la mitad de su vida. También significa que la vida de Monet, tan intensa como el verano, se irá para siempre. A partir de entonces, Monet no tomó un pincel durante mucho tiempo, y la cálida luz y sombra del cuadro desaparecieron para siempre.
Incluso el propio Monet sintió que esta vida era sólo una pérdida de tiempo. Afortunadamente, eso no es todo. Antes de esto, Monet había alquilado varias casas cerca de París y plantado flores en los jardines. También hay un tema para pintar en este día lluvioso.
En 1883, Monet, deseoso de abandonar ese lugar de tristeza, compró una granja con un enorme jardín en Giverny, una pequeña ciudad a 80 kilómetros de París. Mirando a su alrededor, el majestuoso paisaje del valle del Sena es abrumador.
Durante la primavera y el verano del período de arrendamiento, Monet comenzó a cultivar vegetales comestibles en el jardín, incluso se ocupó él mismo de todo lo que había en el jardín y plantó muchas flores.
En su tiempo libre de otoño, a Monet le gustaba pasear por la granja y familiarizarse con el paisaje circundante. En los campos y praderas inundadas junto al río, grandes extensiones de lirios y amapolas se entrelazaban, y los nenúfares blancos como la nieve eran inolvidables. Las plantas exuberantes son como un regalo de la naturaleza. Monet finalmente encontró sus sentimientos internos y su esperanza en esta vitalidad.
A finales de los años 80, debido al éxito de las exposiciones de arte estadounidenses, la situación económica de Monet mejoró enormemente. Este visionario que presta atención a la belleza ha dedicado una pasión sin precedentes al largo viaje de transformar los jardines.
Las variedades de flores se seleccionan en función de los efectos visuales de la temporada. La avenida central está llena de tulipanes, lirios, dalias y ásteres; los dos primeros florecen a principios de primavera y los dos últimos a finales del verano.
Los parterres estaban cubiertos de enredaderas y rosas. Después del verano, las capuchinas de color amarillo brillante y naranja debajo de los arcos se extendieron hasta cubrir toda la avenida.
El huerto frente a la casa de campo y el patio contiguo han sido reemplazados por flores de colores sólidos cuidadosamente diseñadas: los macizos de flores están dispuestos muy juntos, lo que facilita observar los efectos cambiantes de los colores saturados bajo el contraste de luz y oscuridad. Monet lo llamó "un semillero de pinturas".
En ese momento, el dominio de la jardinería de Monet era tan bueno como su comprensión del arte. Esta iniciativa de jardinería altamente estética y práctica también recibió el apoyo unánime de los pintores impresionistas.
Con el auge del impresionismo, Monet compró más terrenos alrededor del charco. Profundamente influenciado por la jardinería japonesa, Monet diseñó un jardín acuático con formas naturales y colores suaves, con un puente de arco de estilo japonés serpenteando sobre él.
La vida de Monet también experimentó el inicio de la primavera y el florecimiento del verano, y finalmente entró en la cosecha del otoño con la máxima emoción y creatividad.
Las plantas junto al estanque se plantan según la estación y la altura de las plantas; el lirio, la rugosa y el sauce llorón proyectan sombras encantadoras sobre el estanque, convirtiéndose en una imagen continua en la obra.
El estanque está cubierto de grandes áreas de nenúfares de color rojo intenso y blanco puro. Por la tarde, enormes hojas se extienden sobre el agua como un espejo, entrelazadas imaginativamente con encantadoras flores. La combinación de luz cromática occidental y poesía oriental crea una atmósfera estética de ensueño.
Los colores brillantes del estanque del jardín bajo la luz y la sombra dieron a Monet una inspiración infinita. Explora obsesivamente cambios sutiles en la luz y la atmósfera, describiendo su trabajo como "escenas en capas de agua y reflejos".
A medida que avanza la creación, los objetos de la pintura se separan gradualmente de la naturaleza, hasta crear un efecto visual de combinación de paisaje y naturaleza.
Las riberas del río y la vegetación circundante desaparecieron, dejando los nenúfares como únicos objetos visibles y tangibles.
La luz y la sombra cambian rápidamente. Para capturar el efecto centelleante de la misma zona de agua bajo diferentes luces y sombras, Monet inventó el método de sentarse:
Docenas de caballetes alineados, pintando al mismo tiempo. Pinta este cuando brilla el sol y añade unas pinceladas al otro cuando pasan las nubes. Monet iba y venía delante de su caballete, corriendo contra el tiempo como una cámara humana, intentando capturar todo antes de que cambiara la luz.
Expuestas en 1909, estas innovadoras pinturas trajeron a Monet un éxito sin precedentes. En el proceso de reclusión, la influencia de Monet creció día a día, convirtiéndose no sólo en el padre del impresionismo, sino también en el pionero de la pintura moderna.
Para la mayoría de los artistas, el logro de la pintura puede ser el mejor regalo de la vida. Pero Monet siempre insistió en que el jardín era su obra maestra artística más auténtica, que conllevaba la búsqueda suprema del color, la luz y la emoción.
En este punto, las dos pasiones de Monet, el arte y la jardinería, finalmente se fusionaron y su visión de un magnífico jardín mágico finalmente apareció a la vista.
Pero Monet trabajó bajo una luz intensa durante mucho tiempo, lo que dañó gravemente su vista. En 1913 le diagnosticaron cataratas. A medida que su vista fue fallando gradualmente, su hijo mayor murió repentinamente. Unos meses más tarde, Francia entró en la Primera Guerra Mundial.
Al ver el sufrimiento de sus compatriotas, los "Nenúfares" de Monet también están llenos de oscuridad e incertidumbre, y es difícil ocultar la locura, como el producto ilimitado de innumerables fragmentos reparados.
En 1914, Monet construyó en el patio un gran estudio de 23 metros de largo, 20 metros de ancho y 5 metros de alto. Su vista estaba empeorando y estaba casi ciego. Sólo podía discernir vagamente los colores por las letras marcadas en los tubos de pintura.
Pero sigue insistiendo en pintar, no con los ojos, sino con los sentidos. Las flores y plantas tangibles se han derretido, dejando solo pinceladas temblorosas y colores parpadeantes. Es imposible saber dónde está el agua, dónde está el agua y dónde está el reflejo.
Desde el otoño de 1915 hasta la muerte de Monet, * * * completó más de 40 obras con temática de nenúfares, entre las que se exhibió por primera vez en la Real Academia de las Artes el más exquisito "Tríptico de pachulí". exhibición.
Las 22 pinturas restantes fueron posteriormente clasificadas como "Grandes Adornos" y expuestas en el Musée de l'Orangerie de París.
En 1926, Monet murió. Aunque tuvo pareja en sus últimos años, aun así eligió ser enterrado junto a su amada Camille porque había una luz que lo hacía eterno.
? Sólo puedo amarte para siempre.
? ¿Pero este jardín que planté
? Su vida abarca todo el universo.
Suficiente para acompañarte para siempre.
? Monet
Si vislumbrar fugazmente cosas bellas es el mayor lujo en tiempos de guerra, entonces definitivamente podemos encontrar algo de consuelo en los "Nenúfares" de Monet.
Incluso después de mucho tiempo, la efusión de emociones sigue siendo conmovedora.
Monet dijo una vez que quería "crear una ilusión sin fin, como un acuario lleno de flores", y lo hizo.
Una flor, un mundo. Monet integró las fuertes y ardientes emociones de "Half Life" y utilizó sus sentidos y su espíritu para encontrar la eterna fijación del amor de su vida en el mundo de los nenúfares.
Capturar este mundo flotante es una rara escena onírica: suave, tranquila, ilimitada y brillante.
Utiliza el color, la luz y la sombra para entrelazar la vegetación, las montañas, los ríos, las superficies de las piscinas, la luz del sol e incluso el aire en un todo, brindándote una experiencia completa e intensa de color, luz y textura.
Así que cuando aprecies los nenúfares, debes mantener la distancia y vivir la experiencia "inmersiva". Te conmoverán profundamente el rosa, el morado, el azul y el verde.
Porque en estos interminables nenúfares se recogen todas las huellas del tiempo y del curso de la vida.
¿Quién dijo que la profundidad y la tranquilidad después de la magnificencia no son la última flor antes del silencio? Monet dejó atrás la belleza de la luz y algo de eternidad. Aunque las montañas y los ríos han cambiado y el anciano se ha vuelto gris, en ese momento de luz y sombra, todavía podemos ver a través de esa emoción duradera.
Si el tiempo nunca suelta el amor.
Así que el amor verdadero nunca pierde el tiempo.
La riqueza y el otoño, aparentemente inseparables.
Como un estanque de nenúfares, un estanque de Monet.
¡Siempre hay alguien que te quiere mucho!