Perfil del músico

Schubert (1797-1828) nació en una familia de maestros de escuela primaria en los suburbios de Viena. Comenzó a estudiar música a los 8 años; se convirtió en profesor asistente a los 16, enseñando piano en forma privada para ganarse la vida. En 1813, cuando dejó resueltamente su casa para convertirse en un "artista libre" en Viena, estaba lleno de hermosos anhelos por el futuro. Sin embargo, su época fue el fracaso de la revolución burguesa francesa y la restauración de las dinastías reaccionarias en Europa.

Escribió 1.500 obras a lo largo de su vida. Incluye 14 óperas, 9 sinfonías, más de 100 canciones corales y más de 600 canciones, las más famosas de las cuales son la sinfonía "Unfinished", el quinteto de piano "Trout" y la suite vocal "The Beautiful Mill Girl".

El centro de su creación son las canciones, y es conocido como el "Rey de las Canciones". Sus canciones son hermosas, sencillas y profundas, y reflejan plenamente la concepción artística de la poesía. Las obras reflejaron la angustia, la frustración, la alegría y el dolor de los jóvenes intelectuales de esa época y se convirtieron en un modelo del arte romántico.

Agradecimiento:

1. Solo de Violín "Serenata" (2:46) La idea principal de la letra: ① "Mi canción vuela hacia ti a través de la noche, en este arboleda tranquila, amor mío, ¡te espero!"

②"¿Oyes el canto del ruiseñor? Ella te lo ruega. Ella te dirá mi amor con ese dulce canto."

2. El cuarto movimiento de Piano y Quinteto de Cuerdas en mayor (Trout) (7: 35). Antecedentes de su creación: En 1817 Schubert compuso la famosa canción "Trout", que se divide en dos partes. El primer párrafo describe a las truchas nadando felices en el río claro, y el segundo párrafo describe a un pescador astuto que enturbió el agua del río y pudo pescar en aguas turbias. Posteriormente, al componer el Quinteto de Piano y Cuerdas en La mayor, se adoptó la melodía de esta canción, por lo que también se llamó Trout Quintet.

"Piano Poeta" - Chopin

Chopin (1810-1849) fue un pianista y compositor polaco. Nacido en una familia de profesores cerca de Varsovia, su padre era un francés que vivía en Polonia y era flautista. Su madre era hija de una familia noble polaca y tocaba muy bien el piano. Amaba la música desde que era niño. Recibió una estricta educación de piano a la edad de 6 años y actuó en público a la edad de 9 años. A la edad de 16 años ingresó en el Conservatorio de Música de Varsovia y estudió teoría musical con Dean Elsner. En 1830, Chopin, de 20 años, viajó al extranjero para actuar. Llegó a París, la capital artística de las estrellas. Aquí alcanzó una gran reputación como compositor y pianista. Murió en París en octubre de 1849.

Su música es libre y elegante, sutil y gentil, todo lo cual se refleja en el fuerte y distintivo estilo nacional y el cálido y profundo entusiasmo patriótico. La gente lo llama el "poeta pianista". Dejó más de 200 tesoros de piano para las generaciones futuras, incluidos 27 estudios representados por el Estudio Revolucionario en do menor, las mazurcas de estilo nacional 565, 4380 y la polonesa masculina en bemol mayor (también llamada Bolonia), su 265, 438 0. Los nocturnos son obras maestras de la música para piano y él también los compuso.

Apreciación:

1. Vals de un minuto en re bemol mayor (Puppy) (1:51)

2. menor Segundo movimiento (15:06) Interpretada por: London Symphony Orchestra, piano: Rubinstein, director: Andre Previn.

(Nota) Andre Previn (1929-) nació en Berlín, Alemania, de familia judía. Durante la Segunda Guerra Mundial, viajó a Estados Unidos con su familia y comenzó su carrera como director en 1963. Se ha desempeñado sucesivamente como director musical y director permanente de la Orquesta Sinfónica de St. Louis, la Orquesta Sinfónica de Houston, la Orquesta Sinfónica de Pittsburgh y la Orquesta Sinfónica de Londres.

El 10 de octubre de 1813, nació Verdi en un pequeño pueblo del norte de Italia. Su padre era granjero y abrió una posada. Verdi fue rechazado del Conservatorio de Milán, pero no se desanimó. Estudió con la famosa directora Lavinia, estudió mucho día y noche y pronto se convirtió en un genio.

Verdi vivió la época más convulsa en Italia.

Su famosa obra "Nabucco" reflejó el brutal dominio de Italia por parte de los austriacos, por lo que fue muy bien recibida por el pueblo italiano y logró un éxito sensacional. A partir de Nabucco, Verdi emprendió un viaje glorioso y sus canciones se extendieron por toda Italia con alas doradas.

Desde 1965 hasta la década de 1950, la creación de Verdi entró en un período de madurez. Sus tres obras maestras "Joker", "Il Trovatore" y "La Traviata" se publicaron una tras otra. También creó sucesivamente varias óperas populares: "Vísperas en Sicilia", "Simon Boccanegle", "La Mascarada", "La Mascarada". Fuerza del Destino", "La Traviata".

"Aida" llevó la reputación de un maestro de ópera a la cima de su vida. La ópera fue compuesta por invitación del Gobernador de Egipto. Describe una famosa historia histórica del antiguo Egipto. 1871 65438 El estreno en El Cairo el 24 de febrero fue un gran éxito. Un mes y medio después, la ópera se representó en La Scala de Milán, con Verdi dirigiendo personalmente y el rey de Italia asistiendo a verla. El ambiente dentro y fuera del teatro no tenía precedentes.

Cuando Will tenía ochenta años, escribió su última ópera, Falstaff. Una vida artística tan larga no puede dejar de ser sorprendente.

El 27 de octubre de 1901 65438, Verdi murió en Milán. En la interminable procesión fúnebre, resonó espontáneamente una canción conmovedora: el aria más famosa de Nabucco, ¡Volar, pensar, cabalgar sobre esas alas doradas! 》

Brahms

Brahms Johannes Brahms (1833-1897)

Vida y obra del escritor: Obertura para festival universitario, Concierto para violín en re mayor, Réquiem alemán, Sinfonía N° 1, Sinfonía N° 4, Danzas y Blues Húngaros.

El Preludio al Festival de la Academia fue escrito en 1880. En marzo de 1879, la Universidad de Breslau concedió a Brahms el doctorado en Filosofía. Escribió la pieza para agradecerle, pero no se completó hasta agosto de 1880. Se estrenó en la Universidad de Breslau en 1881 bajo la dirección del propio compositor. El autor dijo una vez que se trata de "una colección de alegres canciones estudiantiles en un banquete".

El "Concierto para violín en re mayor" de Brahms es de hecho uno de los cuatro mejores conciertos para violín de la historia de la música. Ya sea técnica o estilo, es tan famoso como Beethoven y otros. Hay quien dice que si los conciertos para violín de Beethoven son masculinos, los de Mendelssohn son femeninos. Entonces el de Brahms es un hombre entre los hombres. Los críticos musicales dicen que el Concierto para violín de Beethoven es tranquilo en la superficie pero lleno de tormentas en el interior. ¿Qué tal el Concierto para violín de Brahms? Creo que todo el mundo puede oír que el primer y tercer movimiento son ricos, toscos, apasionados y audaces. El carácter vertical del gigante es diferente del carácter introvertido de Beethoven. Ésta es una de las razones por las que el concierto para violín de Brahms es particularmente majestuoso. Se puede comparar con su Primera Sinfonía y se hacen eco entre sí. Pero ese parece ser el problema, ¿verdad? Varios críticos musicales europeos, estadounidenses y japoneses creen que el concepto maduro del Concierto para violín de Brahms es profundo e interesante, y es casi un tesoro perfecto. Esto no es fácil de ver en otras obras, pero el único defecto es precisamente su sinfonía. . personalidad. ¿Se debe esto a la estructura de la orquesta o a las características del propio violín? ¿No pueden los conciertos para violín ser coloridos y sonoros? El Concierto para piano n.º 1 de Brahms también es sinfónico. La orquesta se mostró agresiva pero parecía menos controvertida. Tal vez sea el alto volumen del piano y las rimas profundas. Rodeado por las tormentosas olas de la orquesta, todavía se puede resaltar su timbre único como instrumento de cuerda y su belleza única. Los compañeros de concierto en el concierto para violín son los instrumentos de cuerda y de viento, ocupando el violín una proporción considerable. El violín solista tiene un volumen limitado e intervalos que se superponen con el violín concierto. Una vez enfrentado al conjunto, Solo parecía perdido. ¿Es esta explicación demasiado superficial? También hubo un concierto para violín de Harcha Dujuan en el siglo XX, que era tosco, atrevido y hermoso, pero el solo era inaudito y quedó ahogado debido a su estilo majestuoso. ¿O es porque el concierto es básicamente diferente de la sinfonía y no es adecuado para la "sinfonización"? ¿O es porque la expresión del concierto se centra más en la interpretación del movimiento del instrumento solista?

El estatus especial del "Réquiem por Alemania" de Brahms entre los réquiems es que no sólo se canta en alemán ("Alemania" aquí tiene "Alemania" y "Alemania". El doble significado de "virtud"). "), y sus letras rompieron con las normas de las escrituras latinas tradicionales y se volvieron más humanas en espíritu, alejándose de la divinidad católica y acercándose a Martín. El espíritu protestante que ha surgido en Alemania desde Lutero ("Alemania" en este sentido). Brahms comenzó a escribir el Réquiem alemán en 1857, cuando sólo tenía 24 años. En 1861 se habían escrito cuatro movimientos del Réquiem. De 1865 a 1866, Brahms añadió dos movimientos para conmemorar la muerte de su madre. No fue hasta 1868 que se escribió la última pieza musical (el quinto movimiento con solo de soprano), y la composición tardó 11 años. La versión final del Réquiem alemán consta de siete movimientos. Brahms era un protestante devoto. La letra del "Réquiem alemán" fue cuidadosamente seleccionada por él a partir de pasajes sobre la muerte, la fe y la vida eterna en el "Antiguo Testamento" y el "Nuevo Testamento" traducidos por Lutero. Como Brahms estaba muy familiarizado con la Biblia, sus letras y composiciones eran perfectas y no dejaban rastro. En lo que respecta a la escritura, ya es un gran problema. La música que escribió estaba en perfecta armonía con la letra que eligió. Aunque aquí hay duelo y tristeza, no hay ningún horror tradicional sobre el Juicio Final, ningún contenido de devoción, expiación y trascendencia, sino una creencia diferente sobre la vida y la muerte: toda la carne y la sangre son como flores, la hierba se secará y las flores se marchitarán; pero para los que tienen fe, la muerte no es algo terrible y encontrarán consuelo en Dios. Si la palabra "Dios" aquí se reemplaza por la palabra "fe", tendrá un significado más amplio.

Aunque Brahms sólo escribió cuatro sinfonías, todavía se le considera uno de los más grandes compositores sinfónicos después de Beethoven. Su Primera Sinfonía se conoce como Décima Sinfonía. El llamado "No. 10" significa que esta canción es la décima sinfonía famosa después de las "Nueve sinfonías inmortales" de Beethoven. La música está llena del entrelazamiento de deseos mundanos como luchas, problemas, depresión, frustración, alegría, etc. Este es el mayor consuelo espiritual para las personas que han pasado por las vicisitudes de la vida, y también es el tesoro espiritual que Brahms dejó a el mundo. Curiosamente, Brahms citó deliberadamente la melodía de la "Oda a la alegría" de Beethoven en su Novena Sinfonía en el último movimiento de esta sinfonía, que es digna de la reputación de su Décima Sinfonía. Se necesitaron 21 años para componer esta canción (1855-1876), y Brahms tenía 43 años cuando la completó. La sinfonía tardó mucho en escribirse, no porque el compositor estuviera ocupado con otras tareas compositivas, sino porque fue extremadamente cauteloso. Brahms fue muy riguroso, especialmente en la composición sinfónica. Estaba decidido a que si quería escribir, debía escribir una obra que pudiera seguir el ritmo de las "Nueve Sinfonías Inmortales" y no deshonrar el estilo de sus predecesores. Por ello, no dudó en pasar media vida pensando profundamente antes de escribir esta magnífica obra maestra que puede compararse con la sinfonía de Beethoven.

Esta canción fue completada en 1885 y estrenada por el propio Brahms en octubre del mismo año. El autor comenzó a escribir esta sinfonía en el verano de 1884 y tardó un año en completarla, lo que demuestra la meticulosa actitud creativa de Brahms. Esta sinfonía tiene un carácter muy diferente de las otras tres sinfonías del autor: en primer lugar, tiene un color triste que las tres primeras sinfonías no tienen, que es lo que las generaciones posteriores llaman "tragedia clásica". De hecho, antes de esto, Brahms solía expresar su tristeza en sus obras, pero esta fue la primera vez que la tristeza se utilizó como nota clave de una música como esta canción. Su segunda característica es que toda la canción está escrita de forma "antigua". Por supuesto, la singularidad es una de las características importantes de todas las obras de Brahms. Debido a estas características, la sinfonía aún no se comprende universalmente. Pero el profundo significado de la canción finalmente fue aceptado gradualmente por el público. Brahms interpretó a menudo la canción antes de su muerte y, a menudo, obtuvo elogios.

La más conocida de todas las obras de Brahms no sólo se reproduce en todas partes, sino que también ha sido adaptada a diversas formas de música instrumental. Brahms comenzó a componer esta serie de música en 1852. En aquella época estaba muy interesado en la música gitana vienesa, por lo que escribió muchas melodías de música gitana. La "Colección de danza húngara" comenzó a publicarse en 1869. De hecho, la mayor parte tomó prestadas melodías de música gitana para editarlas.

Las "Danzas húngaras" de Brahms son una colección de 265.438 canciones para piano, tocadas a cuatro manos. Aunque la melodía y el estilo de cada pieza son diferentes, todas combinan las características de la música folklórica húngara y la música folklórica gitana: ritmo libre, diversos métodos de modificación de la melodía, cambios drásticos de velocidad y cierto grado de improvisación aunque no existe unidad; en regulaciones de forma, pero la fórmula de tres partes es la más común. Todas las danzas húngaras de Brahms pueden clasificarse como piezas de fama mundial, especialmente las diez más populares en el mundo.

Esta canción de cuna, frecuentemente utilizada para violín solo, fue originalmente una canción popular escrita en 1868. Según la leyenda, el autor envió esta cordial y sincera canción de cuna a la señora Farber para felicitarla por el nacimiento de su segundo hijo. La señora Faber era una cantante famosa en Viena. Cuando Brahms estaba en Hamburgo en 1859, escuchó una pieza del vals de Bauman. Brahms quedó profundamente conmovido por su hermosa voz al cantar. Posteriormente reemplazó la síncopa por una melodía de vals como acompañamiento de esta canción de cuna, como si una madre estuviera arrullando a su bebé para que se durmiera. La letra de la canción original es "Duerme tranquilo, duerme aquí, la camita está llena de rosas, la brisa fragante sopla en tus sueños, los mosquitos y las moscas callan, y el bebé duerme dulcemente. Que duermas cómodamente hasta que salga el sol". se levanta." La tranquila y hermosa melodía es un poema lírico en sí mismo. Las generaciones posteriores adaptaron esta canción a música ligera, que circula ampliamente por todo el mundo como una canción popular.

Después de un largo período de desarrollo, la música estadounidense no tuvo un estilo americano único hasta principios del siglo XX, y alcanzó un estatus tan importante como la cultura musical de los países occidentales. Antes de eso, en Estados Unidos vivía la música de diversos grupos étnicos o razas, así como la música profesional traída por músicos europeos de varios países europeos. Después de un largo período de influencia e integración mutuas, impulsaron la formación y el desarrollo de la música estadounidense.

El método de canto indio del siglo XVI al XVIII se utilizó principalmente en ocasiones como trabajos de parto, bodas y funerales, y en preparativos para la guerra. Estaba acompañado de tambores y otros instrumentos de percusión. y único. A partir del siglo XVI, con la llegada de inmigrantes de diversos países, también trajeron su propia cultura musical. Después de una feroz competencia, los británicos finalmente obtuvieron una ventaja en el continente norteamericano. Por lo tanto, la música británica tiene la mayor influencia en la música estadounidense, sentando las bases iniciales para la formación de la música estadounidense. En 1619, el primer lote de esclavos africanos fue vendido a América del Norte. Los africanos negros aman la música y están acostumbrados a cantar mientras trabajan. Las melodías conmovedoras y los ritmos sincopados únicos de la música negra jugaron un papel muy importante en el desarrollo de la música estadounidense.

En 1640 se publicó en Massachusetts "The Bay Poems", que fue el primer libro publicado en Norteamérica. A principios del siglo XVIII, para mejorar las habilidades de canto, muchos pastores escribieron libros para guiar el canto. Al mismo tiempo, con el aumento de la inmigración y la prosperidad gradual de algunas grandes ciudades, la música secular comenzó a activarse. Instrumentos europeos como el violín, la guitarra y Harper Secord se hicieron populares y surgieron músicos profesionales. En 1731 se celebró 1 concierto en Boston. El programa habitual de conciertos incluye canciones patrióticas, arias de ópera, canciones populares tradicionales, etc. , y en ocasiones algunas obras instrumentales tituladas o sin título. ¡Sobre esa base, el primer nacido en Estados Unidos! Compositor por lotes. Las obras de los compositores estadounidenses de la época se consideraban inmaduras en comparación con la música europea.

En el siglo XIX y principios del XX, muchos músicos europeos llegaron a los Estados Unidos y trajeron niveles y técnicas musicales mucho más avanzados que los de los Estados Unidos. Después de la Revolución Europea de 1848, un gran número de músicos alemanes emigró a los Estados Unidos. Obviamente cambiaron el gusto musical de los estadounidenses que estaban acostumbrados a los himnos y también tuvieron un gran impacto en la creación de los jóvenes compositores estadounidenses. Al mismo tiempo, la educación musical se está desarrollando rápidamente.

Después de la Guerra Civil, la vida musical en Estados Unidos se volvió más activa, y se establecieron uno tras otro algunos grupos musicales importantes, como la Metropolitan Opera (1881) y la Boston Symphony Orchestra (1881). Más importante aún, surgió un grupo de compositores con considerables habilidades profesionales. Elevaron la música americana al nivel de la europea, pero sus obras carecían de originalidad y tenían una clara tendencia a la imitación. El más destacado entre ellos es E. McDowell, considerado el primer compositor estadounidense en alcanzar fama internacional.

Si bien casi todos los compositores estadounidenses siguieron estilos europeos, el compositor S.C. Foster compuso con música afroamericana.

Muchas de sus canciones fueron escritas para las entonces populares "tropas negras" (hombres blancos disfrazados de negros, cuyos miembros eran llamados juglares). Sin embargo, la música de los verdaderos afroamericanos no se tomó en serio, solo se difundió y desarrolló entre los negros. Los principales tipos de música popular negra en ese momento eran la música soul, el blues y la música laborista.

A finales del siglo XIX y principios del XX, surgió en Estados Unidos una nueva tendencia para deshacerse del control musical alemán. En ello el compositor checo A. Dvorzak jugó un papel muy importante. De 1892 a 1895, fue invitado a ocupar el cargo de presidente de la Academia de Música de Nueva York. Aconsejó a los compositores estadounidenses que incorporaran la música india y negra americana en sus propias composiciones. Algunos compositores recurrieron a la música francesa y sus obras estuvieron estrechamente asociadas con el impresionismo. Otro compositor, C.E. Ives, estaba explorando por su cuenta un lenguaje musical americanizado. En aquella época no llamó mucho la atención, pero más tarde fue considerado el compositor más famoso de la generación anterior en Estados Unidos.

En la década de 1920, la opinión pública animó a los compositores estadounidenses a crear obras con estilo y características americanas. Un grupo de compositores, con el apoyo de todos los partidos políticos, contribuyó al establecimiento de la música nacionalista estadounidense. Especialmente en el campo de la sinfonía, consiguieron para la música estadounidense un estatus comparable al de los países europeos. A. Copland, R. Harris, W. Preston, V. Thomson y Seth estudiaron con el compositor francés N. Boulanger en París Sessions (1896-), todos combinaron hasta cierto punto el lenguaje musical estadounidense con técnicas de composición occidentales de primera clase. . Sus alumnos y seguidores, como Schumann, Barber y Bertelsmann, continuaron su camino. La mayoría de estos jóvenes compositores se formaron en China.

La música estadounidense de las décadas de 1920 y 1930 no avanzaba sólo en una dirección. Después de la Primera Guerra Mundial, la música occidental experimentó cambios sin precedentes y surgió un nuevo género musical moderno. Incluso los compositores mencionados anteriormente muestran un carácter experimental en diversos grados en algunas de sus obras. El experimentalista más importante fue E. Varese, compositor francés que se estableció en Estados Unidos en 1915. Al mismo tiempo, la música popular estadounidense crecía como nunca antes. Especialmente la música jazz, que evolucionó a partir del blues y el ragtime de la música negra, es popular en todo el país. Los musicales de estilo americano independiente (también conocidos como musicales de Broadway) se desarrollaron gradualmente sobre la base de las operetas y óperas cómicas europeas y ocupan un lugar especial en la música popular. Entre los compositores de música famosos se encuentran R. Rogers (1902-1979), G. Gershwin, Bertelsmann, etc.

El surgimiento del régimen nazi y la Segunda Guerra Mundial trajeron a los Estados Unidos a muchos compositores europeos famosos, como P. Hindemith, B. Bartok, Schoenberg, Stravin Ski y D.M. Aportaron una enorme influencia nueva a la vida musical estadounidense. Estados Unidos se ha convertido en un importante centro de la cultura musical occidental. El carácter nacional de la creación musical estadounidense ya no se toma en serio y las diferencias estilísticas entre las obras de muchos compositores estadounidenses y la música europea casi han desaparecido.

Después de la década de 1950, la música estadounidense se volvió más diversa. Aunque algunos compositores crean básicamente según el lenguaje musical tradicional, lo que atrae a la nueva generación de compositores es la aparición interminable de nuevos géneros musicales, representados por J Cage. En el ámbito de la música popular también han surgido nuevas variedades. El rock and roll, desarrollado a partir del blues y otras músicas, fue popular en todo el país, mientras que el jazz pasó a un segundo plano. La figura representativa de la música rock es E. Presley (1935-1977), y el famoso cantante folk es B. Dylan (1941-). Después de la década de 1970, la locura por la música rock disminuyó gradualmente, varias músicas pop se influenciaron entre sí y los estilos tendieron a ser integrales. El cantante pop más famoso es M. Jackson (1958-).

En términos de interpretación musical, Estados Unidos a menudo alcanza niveles altos gracias a sus directores, solistas y cantantes de ópera de talla mundial. Las orquestas sinfónicas estadounidenses representan más de la mitad del total mundial. Entre ellas, las orquestas sinfónicas de Boston, Chicago, Cleveland, Nueva York y Filadelfia gozan de reputación internacional.

Claude Debussy (65438 22 de agosto de 0862-1965438, 25 de marzo de 2008, también traducido por Claude Debussy)

Composición francesa Home. Nacido en una familia de empresarios. Ingresó al Conservatorio de París a la edad de 11 años. En 1884 ganó el "Premio de Roma" por su coro "El hijo pródigo" y se fue a Italia a estudiar durante dos años. Artísticamente opuesto a las antiguas tradiciones e influenciado por la música y el esteticismo orientales, el impresionismo gradualmente formó una profunda influencia en la música moderna europea y americana. Y su esencia se acerca más al simbolismo. Debussy tampoco era nada convencional en su vida privada, e incluso sus amigos del círculo le desagradaban.

Ingresó en el Conservatorio de Música de París en 1873. Ha sido un alumno destacado durante más de diez años y ganó el Premio de Roma por su coro "Hijo Pródigo". Posteriormente se acercó a un pequeño grupo de poetas y pintores encabezados por Mallarmé, y creó mucha música acústica con sus poemas como letras. También compuso la obertura orquestal "La tarde del fauno" basada en el poema homónimo de Mallarmé, y la ópera "Pelias y Melisande" basada en la obra homónima del poeta belga Maeterlinck. Rompió con la influencia de las óperas de Wagner y creó una forma de expresión única. Las creaciones para piano continuaron a lo largo de su vida. Los primeros "Arabian Tasker" y "Bergamo Suite" estaban cerca del estilo romántico; "Layout", "Pleasure Island", "Two Episodios of Imagery" y "Twenty-Four Preludes" fueron una obra maestra. del Impresionismo. Hay muchos pasajes vívidos en el "Nocturno" orquestal, "Sea" y "Beria". Durante la Primera Guerra Mundial, escribió algunas obras que simpatizaban con el pueblo que sufría y su estilo creativo también cambió. Contrajo cáncer en ese momento y murió durante el ataque alemán a París en 1918.

En su carrera creativa de más de 30 años, formó un estilo musical llamado "Impresionismo", que tuvo una profunda influencia en la música europea y americana.

1. El "mundo de los sueños" de Debussy Debussy, el fundador de la música moderna, desarrolló un extraño mundo sonoro que ningún músico ha descubierto jamás. Nació en 1862. No hubo músicos entre sus predecesores. Su padre, un comerciante, era demasiado pobre para permitir que su hijo recibiera algún tipo de educación, por lo que planeó que su hijo se convirtiera en marinero. Pero una mujer de buen corazón que había sido alumna de Chopin se interesó por el niño talentoso para la música y le dio lecciones gratuitas. Debussy aprovechó esta oportunidad. Él estudia mucho. A los once años, Debussy fue admitido en el Conservatorio de París. Mientras estaba en el Conservatorio, Debussy se convirtió en pianista del trío de una rica dama rusa y tuvo la oportunidad de viajar por toda Europa: Florencia, Viena y Venecia, y terminó viviendo durante un tiempo en la finca rusa de la dama. Allí, Debussy conoció a algunos compositores rusos que intentaban crear una música nacional para su tierra natal a partir de la música folclórica. Debussy estaba muy interesado en las extrañas escalas utilizadas por estos músicos rusos, que eran muy diferentes de las escalas mayores y menores utilizadas por los compositores de otros países. Estas escalas se basan en la música folclórica de los orientales entusiastas. Un año más tarde, Debussy regresó al Conservatorio de París y, como muchos otros músicos franceses, completó su carrera en el conservatorio ganando el Premio de Roma. Pero la música que escribe es completamente diferente a la de otros músicos. No suele utilizar las escalas mayores y menores utilizadas en la música clásica tradicional. A veces recurría a los viejos y extraños patrones de la música de la iglesia primitiva y, a menudo, usaba escalas diatónicas. Nuestras escalas mayores y menores se componen de siete tonos, cinco tonos completos y dos semitonos. La diferencia entre las escalas mayor y menor es dónde se colocan esos semitonos. En la escala mayor, siempre hay un semitono en la tercera y la cuarta, y en la séptima y la octava (3-4; 7-1). En la escala menor, siempre hay un semitono en la segunda y la tercera entre notas, pero los hay. también varias escalas menores diferentes donde el segundo semitono está en diferentes lugares. La escala favorita de Debussy tiene seis pasos completos y ningún semitono (como C, D, E, F sostenido, Sol sostenido, La sostenido), por lo que sus melodías suenan diferentes a cualquier música anterior, y los acordes son aún más diferentes. . Debussy utilizó su escala diatónica preferida para construir su "mundo de sueños" único.

2. Overtone Debussy realizó muchas innovaciones audaces en la música tradicional.

Quizás sea porque ningún músico ha tenido jamás un oído tan agudo: Debussy en realidad escuchaba más que una persona promedio. Así como un color a menudo se compone de otros colores (púrpura = azul rojo, naranja = rojo amarillo, etc.), un sonido a menudo se compone de muchos sonidos. Varios sonidos son causados ​​por diversas vibraciones en el aire, y podemos ver en el piano griego de una sola cuerda que si un sonido es alto o bajo depende de la velocidad de la vibración. Pero además de la primera o primaria vibración, en un sonido también hay algunas resonancias secundarias, como cuando se arroja una piedra al agua, que no provoca ondas, sino ondas que se expanden. El primer sobretono y el más fuerte es el quinto tono por encima del fundamental, que Debussy podía oír sin audífono. Si tenemos un piano bien afinado, presionamos una tecla en silencio y luego tocamos con fuerza la quinta nota encima o debajo de ella, a menudo podemos escucharla como un sobretono de otra nota, produciendo un efecto alemán. El efecto que Biao Xi escuchó una vez con su orejas. El segundo armónico es la décima nota por encima de la nota original (tono) y el tercer armónico es más alto, pero muy débil. Los siguientes matices y así sucesivamente. La razón principal de los diferentes timbres de los distintos instrumentos es la diferencia de armónicos. Los instrumentos como los violines tienen una calidad de sonido suave y suave con matices bajos; los instrumentos como las trompetas tienen matices más altos y una mejor calidad de sonido. Debussy utilizó estos sonidos que no se podían escuchar en el aire para construir su música extraña y de otro mundo. Para ser escuchado por todos, emite audazmente sonidos que la gente ni siquiera sabe que ha escuchado. Debido al oído sensible de Debussy, también utilizó diferentes combinaciones de varios instrumentos en la orquesta para producir efectos de sonido suaves y brillantes. Al principio todos estaban confundidos por su música y no sabían cómo entenderla, pero una vez que se acostumbraron les gustó mucho. La música compuesta por Debussy fue llamada "impresionismo" por las generaciones posteriores.

■Proyectos principales

Tiempo por género:

Orquesta: Primavera (1886); “Preludio a la tarde del Fauno” (1894); 1899); El mar (1905); Martirio de San Sebastián (1911); Imágenes (1912)

Música de cámara: Cuarteto de cuerda (1893); Sonata para flauta, viola y arpa; (1915); música para violín (1916-1917).

Música de piano: Suite de Bérgamo (1905); Música de piano (1901); Imágenes (1905 y 1907); Preludio (Volumen 1: 1910, Libro II): 1913); Estudios (1915); blanco y negro para dos pianos (1915).

Estribillo: El hijo pródigo (1884); Selección perdida (1888);

Ópera: Pelias y Melissa (1902);

Canciones: más de 50 canciones