¿Cuál es la forma más sencilla, directa y práctica de editar metraje? Por favor maestros, por favor enséñenme, un estudiante de primaria que acaba de ingresar a la industria, ¡gracias!
1: Imprescindible para los editores de imágenes
·La capacidad de encontrar las mejores expresiones y movimientos en materiales limitados,
·Editar y descubrir los materiales La capacidad para cortarlas y conectarlas con la siguiente escena,
·La capacidad de usar imágenes y elegir música, y la creatividad para crear melodías y tramas.
·El montador también necesita dar a la película, que se compone de imágenes fijas continuas, una sensación de movimiento e inyectar vida a la imagen.
El editor encontrará naturalmente la mejor expresión entre las muchas tomas y descubrirá qué punto es el punto de corte. Esta es la melodía del montaje. Al mismo tiempo, la imagen completa de la obra se irá revelando poco a poco en numerosos materiales fotográficos. A través de los materiales se puede ver cómo debe ser la obra.
Dos: ¿Cómo encontrar el punto de corte?
¿Dónde debemos cortar y conectar? Encontrar el punto de corte es sin duda una de las tareas importantes del editor. Algo a tener en cuenta aquí es que este es el vértice de la imagen.
El llamado ápice de la imagen se refiere al punto de inflexión del movimiento y la expresión en la imagen, como cuando los brazos del personaje están completamente extendidos, cuando termina la bajada de la cabeza después de asentir a modo de saludo. , cuando la pelota sube y está a punto de bajar, cuando se retira la sonrisa, etc.
La imagen es una continuación de una serie de imágenes fijas. Debido a que la película anterior formará una imagen residual en el ojo humano, las imágenes de la película parecen dinámicas.
Por lo tanto, cuanto más intenso sea el movimiento, el corte en la parte superior de la imagen o justo antes de que comience la acción producirá un fuerte efecto de imagen residual en la película posterior, dejando una profunda impresión en el público. .
Tres: Puntos cortantes que producen sensación de melodía
Tomemos la acción de girar un libro como ejemplo para ver cómo encontrar el punto cortante.
Si comienzas a filmar desde un estado en el que la acción está completamente detenida, filma fielmente la acción de girar el libro desde el principio hasta el final, para que el público pueda darse cuenta de un vistazo que es la acción. de darle vuelta al libro.
Sin embargo, la belleza de la imagen no puede reflejarse simplemente dejando que la gente la entienda. Un sentido de melodía y comodidad también son indispensables. Entonces, ¿qué se debe hacer exactamente?
Elegimos el punto de corte inicial cuando se ha iniciado la acción de volteo. Si la acción de girar un libro se divide en 1 a 24 escenas, entonces los primeros 3 a 4 segmentos se cortarán como punto de corte inicial.
Este cambio no tiene ningún impacto en la comprensión de la acción de pasar el libro. Por el contrario, también puede expresar la melodía y la comodidad del movimiento. Este método de edición también se puede aplicar a otras imágenes.
Cuarto: No existe sólo una forma correcta de editar una película.
Una cosa que espero que no malinterpretes es que el punto de corte no es el único.
Cuando la página del libro se gira hacia la mitad, se puede utilizar como punto de corte, y cuando la acción de girar el libro está a punto de finalizar, también se puede utilizar como punto de corte.
Dependiendo de las diferentes obras y de las diferencias en las fotos de antes y después, el punto de corte puede cambiar. No existe una única forma correcta de editar.
Por supuesto, la edición también tiene sus formas y convenciones fijas, que se pueden decir que son las reglas de la edición. Es importante conocer estas reglas, pero como la edición es un trabajo creativo, hay ocasiones en las que puedes romper las reglas y probar algo nuevo.
Cinco: El propósito de la edición
Libertad de limitaciones físicas, libre control del tiempo y el espacio
·En fotografía y producción, a veces es necesario dividir la toma, y luego convertirlas en una trama
·Omitir el paso real del tiempo en la historia en la obra
·Omitir el movimiento del espacio en la historia
Combina la intención de la actuación para formar una trama, determina el aspecto final de la obra
·Conecta intencionalmente las tomas para aclarar y enfatizar el contenido que deseas expresar
·Hacer la secuencia y estructura de las tomas es más rigurosa y resalta los elementos de la trama
Seis: Reglas fijas en la edición de acciones
El método de edición cuando el objeto fotografiado está en movimiento.
La conexión de acción se refiere a la edición de los movimientos del objeto fotografiado.
En el pasado, el rodaje de una acción a menudo tenía que interrumpirse debido al cambio de película. Sin embargo, la misma acción conectada con diferentes lentes se ve sorprendentemente fluida e impresionante. Se dice que este es el origen de este método de edición.
Siete: 1. Las acciones están conectadas en una proporción de 7:3.
Primero, echemos un vistazo a los conceptos básicos de la edición de acciones, "conexión de acciones".
"Conexión de acción" se refiere a un método de edición que utiliza dos imágenes para conectar una acción.
En teoría, la diferencia entre estos dos conjuntos de imágenes está únicamente en el tamaño de las imágenes. Describen la misma acción en el mismo momento, por lo que la edición se puede iniciar desde cualquier punto.
Sin embargo, en este momento, habrá movimientos incoherentes o repetitivos. La imagen final editada carecía de ritmo.
El método general de edición de vídeo consiste en conectar acciones según una proporción de 7:3 o 3:7 para lograr una acción fluida. De esta manera, no sólo los movimientos hacia adelante y hacia atrás parecen coherentes, sino que también surge una sensación de ritmo y viveza.
Por supuesto, conectar según la proporción de 7:3 no es la verdad absoluta. Dependiendo del material y de los puntos de corte, el ojo humano a veces produce la ilusión de repetición y salto.
Por lo tanto, al recortar o superponer deliberadamente ciertas tomas, la acción parece más natural y fluida. Intente cambiar el punto de corte en diferentes imágenes para ver el efecto.
2. Conecte dos acciones en una
Conecte múltiples acciones de diferentes objetos fotografiados en una, lo que comúnmente se conoce como "edición de acción única".
El ejemplo que se utiliza a continuación es: el lanzador y el primera base que fueron golpeados por un jonrón miraron la pelota. Los dos jugadores completaron la acción de "mirar hacia atrás" al mismo tiempo.
Si quieres aprovechar al máximo el material lanzado, debes utilizar esta conexión: haz un jonrón->el lanzador se da vuelta->el base se da vuelta->la pelota vuela muy lejos.
Sin embargo, con este método de conexión, los movimientos de retroceso de los dos jugadores se repiten, lo que dará al público una impresión aburrida.
Un clip de acción única integrará estos dos movimientos de giro en uno, eliminando la diferencia de tiempo mediante la edición.
Específicamente, la primera mitad del movimiento de giro del lanzador se corta y se conecta a la segunda mitad del movimiento de giro del primera base. Esto puede mejorar la sensación de velocidad y hacer que la imagen sea coherente.
Conexión de puntos clave de acción
Dos cámaras capturaron dos imágenes de diferentes tamaños en la misma posición y ángulo. Si se trata de una posición y un ángulo diferentes, esta regla también se puede utilizar para solucionarlo.
Por supuesto, si los materiales no se disparan al mismo tiempo, siempre que se cambie el ángulo y se utilice el vértice de una determinada acción (una acción característica) como punto de corte, hay muchas formas de conectarlos. Por ejemplo, primero capture el momento antes de que se suelte la pelota, luego capture la acción de la mano que se retrae hacia abajo después de soltar la pelota y luego conéctelos.
Al editar con la acción como centro, debes prestar atención a varios aspectos. Los siguientes son los puntos clave.
① Utiliza el plano lejano como plano principal.
② Considera la parte superior, inferior, izquierda y derecha de la pantalla para no afectar la continuidad de la acción.
③Cambiar significativamente la aplicación y la posición de la cámara cambiará el impulso de la imagen.
④La conexión según el tiempo real parecerá más retrasada, por lo que es necesario comprimir la parte omitida de la acción de transición. Especialmente en escenas con acción intensa, conviene acortar la duración del plano.
⑤ Los materiales filmados simultáneamente se pueden editar en teoría en cualquier punto, pero al elegir diferentes puntos de corte y repetir u omitir algunas tomas, la acción será más fluida.
⑥Cuando utilices diferentes conexiones de pantalla para la misma acción, intenta conectarte en el vértice de la acción.
3. Acciones superpuestas intencionadas para enfatizar
La repetición intencionada se utiliza para enfatizar una determinada acción. Este método se llama doble acción o triple acción.
En la imagen de muestra, el plano del brazo del lanzador levantado hasta el punto más alto se utiliza como punto de corte, conectando el plano de acción desde delante y detrás, y finalmente conectando la vista lateral completa del mano retrayéndose hacia abajo después de soltar la lente esférica.
De esta manera, la acción puede no ser tan fluida para el público, pero la acción de "disparar la pelota" se repite tres veces (triple acción), lo cual es muy impresionante.
Las acciones dobles sólo son efectivas cuando de forma consciente se quiere resaltar una determinada acción, y deben ser lo más breves posibles para evitar que sean largas.
4. Las escenas de acción intensa pueden omitir la parte central.
Uno de los propósitos de la edición es omitir tiempo y espacio.
Si editas de acuerdo con el paso real del tiempo y el movimiento del espacio, ninguna cantidad de tiempo será suficiente para expresarlo, y el público lo encontrará largo y aburrido.
En este momento, un método más eficaz es extraer algunos planos intermedios de la misma acción, para luego conectarlos y combinarlos.
Este método también se denomina método de extracción intermedia.
Su función es reducir mucho el tiempo y aumentar la velocidad de la película, haciendo que el público no se canse nunca de ella.
Al utilizar esta técnica, debes elegir qué disparos eliminar. Ésta es la dificultad.
Lo más importante es no cortar los vértices de la acción (acciones características). Los brazos se levantan al punto más alto, los brazos se bajan al punto más bajo, la cara es la más enojada, la cara es la sonrisa más brillante, etc. Si se quitan estas tomas superiores, es imposible entender en qué dirección está se desarrollará la acción.
La edición con salto desarrolló esta técnica. Se trata de una especie de técnica de corte intermedio, inventada por Godard, que salta entre imágenes como la aguja de un tocadiscos.
Jump Editing se atreve a romper los tabúes del montaje tradicional, permitiendo crear escenas impresionantes.
La técnica de recortar la mitad de la acción
A la hora de recortar los planos intermedios para omitir tiempo y resaltar la sensación de velocidad, debes prestar atención a elegir cuáles deben ser omitido Omitir otros tiros, el estado inicial, y al lanzar la pelota Cuando el brazo alcanza su posición más alta, el brazo cae Solo estos tres tiros pueden expresar la acción de lanzamiento al mínimo.
5. Conecta las pantallas FRAME IN y FRAME OUT
Si el objeto que se está fotografiando está en el marco de disparo, esto se llama FRAME IN.
Por el contrario, si el objeto fotografiado sale del campo de tiro, se denomina FRAME OUT.
Se pueden editar personas, animales, automóviles, tranvías y otros objetos en movimiento que caminan o corren.
Consideremos cómo conectar las imágenes ENTRADA y SALIDA del mismo sujeto en diferentes fondos.
En la escena donde la bicicleta pasa frente a la cámara, se rodaron dos conjuntos del mismo tamaño en diferentes ubicaciones.
Por supuesto, podemos conectarnos en el orden desde la bicicleta que entra al escenario vacío (solo está el fondo en la toma, no se fotografian objetos) hasta la bicicleta que sale de la toma.
Este método de conexión no tiene nada de malo, pero el espacio parece demasiado vacío y el movimiento no es lo suficientemente fluido.
Un método de conexión de acción excelente y rítmico es conectar los planos del conjunto de planos anterior cuando el sujeto está a punto de abandonar el campo de tiro, y luego conectar los planos del último conjunto de planos donde el objeto Acaba de entrar al campo de tiro.
El punto clave es utilizar una imagen en la que el sujeto esté mitad dentro de la toma y mitad fuera de ella. De esta manera la acción de conexión se verá más fluida.
Si el ángulo del objeto que se está fotografiando es diferente en los dos conjuntos de tomas, agregar una toma de escenario vacía entre ENTRADA y SALIDA DEL CUADRO hará que el anverso y el reverso de la imagen sean más coherentes.
6. Utilice lentes oscuros o *** para conectar los movimientos de los diferentes objetos que se están fotografiando.
¿Cómo conectar los movimientos de los diferentes objetos que se están fotografiando?
El ejemplo es la conexión entre el personaje que corre y el auto que corre a toda velocidad.
Primero, deja que el personaje que corre se acerque más y más hasta que llene toda la pantalla. y luego adjunte tomas posteriores.
Aunque la velocidad de carrera de los personajes es diferente de la velocidad del coche, la pantalla negra (o la lente muy oscura) entre el ida y vuelta reproduce con éxito el movimiento suave.
Reglas fijas en la edición de diálogos.
Cómo editar líneas de caracteres, aquí el diálogo se refiere a líneas.
La edición de diálogos se refiere a la edición de las líneas de los personajes.
Se vincula con la edición de acciones como el método de edición más representativo y es un factor indispensable para mostrar la trama.
La edición de diálogos aparentemente simple consiste en realidad en algunas reglas fijas que se utilizan para expresar efectos especiales.
1. Las líneas están conectadas en una proporción de 1:3.
Entre las líneas, excepto SE y BGM, el resto es silencioso.
Para la edición de imágenes, lo importante es cómo crear ese estado de silencio y utilizarlo para expresar el ritmo de la película.
El ejemplo es una escena de dos personas conversando en un coche. La clave para editar es cuánto espacio debe haber entre las conversaciones de dos personas. Cada toma de diálogo se filma con la cámara reemplazando a otro personaje, por lo que las dos personas no están teniendo una conversación real (=intervalo). Al editar, es importante crear espacios naturales entre las conversaciones.
En general, será más coherente si los intervalos entre conversaciones están conectados en una proporción de 1:3.
Si el espacio que queda después de las líneas en el primer plano es de 1 longitud, entonces deben quedar 3 espacios antes de que comience el diálogo en los planos siguientes.
2. Mueve las líneas hacia arriba y hacia abajo para aumentar el efecto dramático.
Mueve el diálogo hacia arriba y hacia abajo, es decir, inserta la parte de la línea en la toma anterior (muévela hacia arriba) o arrástrelo a la siguiente toma (Mover hacia abajo).
Su función es resaltar los cambios en las expresiones y movimientos de los personajes provocados por el contenido del diálogo.
Por ejemplo: Alguien detuvo al Sr. A. El Sr. B lo saluda y le dice "Hola, Sr. A", mueve esta parte hacia arriba y luego inserta las líneas del Sr. A que se han movido hacia arriba en la toma del Sr. B, "¿No es este el Sr. B?". .
De esta manera, toda la escena parece más fluida y coherente.
Por ejemplo: mueva la palabra clave "Tengo a alguien que me gusta" en la toma anterior hacia abajo para resaltar el cambio en la expresión del actor bajo la influencia de esta oración. Ésta es la intención de esta técnica.
Por ejemplo: para resaltar los cambios en la expresión de la heroína antes y después de que el héroe la invite a dar un paseo, las líneas del héroe se mueven hacia arriba y aparecen junto con la foto de la cara de la heroína. Si las líneas no se movieran hacia arriba y hubiera un plano silencioso del rostro de la heroína en el encuadre, la película parecería muy larga y no tendría sentido del ritmo.
No es la longitud de las líneas lo que determina el corte de las tomas, pero es crucial realizar cortes intencionados teniendo en cuenta la trama.
3. Utilice montaje incrustado para expresar el estado de ánimo.
Para hacer que la escena anterior sea más dramática, puede utilizar el método de insertar otras tomas entre líneas. Por ejemplo, está bien mostrar algunas tomas de seguimiento.
En medio de las líneas de la heroína en la toma frontal, se inserta una toma del rostro del héroe. Esto no solo muestra los intensos cambios en la expresión del héroe después de escuchar la respuesta de su novia, sino que también puede enfatizar un. estado previo de calma y felicidad.
Métodos de edición de diálogos y sin acción, transiciones de escenas y creación de puntos de conexión
1. Los principiantes pueden utilizar el método tradicional O.L para realizar transiciones suaves entre tomas.
O.L. ( OVER LAP (fotografía superpuesta), al igual que la aparición y desaparición gradual, es un efecto de transición muy común.
Representa el paso del tiempo y el movimiento del espacio, pudiendo utilizarse también para expresar estado de ánimo.
Los métodos de transición similares incluyen el método de limpieza, el método de dispersión, etc.
2. ¡Usa escudos para conectar diferentes escenas! Cambio de ventana
El cambio de ventana se refiere al método de edición de transición a tomas posteriores utilizando la cubierta para bloquear la imagen cuando hay una obstrucción frente al sujeto.
Los escudos se pueden dividir a grandes rasgos en dos tipos: refugios inamovibles (paredes u otros objetos grandes) y objetos móviles como los peatones.
Ambos se pueden conectar directamente, pero usar un escudo para conectar parece más natural.
3. Utilice imágenes borrosas para conectar diferentes escenas.
La reunión y la no reunión se refieren a sintetizar gradualmente imágenes borrosas en imágenes claras o convertir gradualmente imágenes claras en imágenes borrosas.
Debido a que es una imagen muy abstracta, resulta muy natural usarla para conectar dos tomas diferentes.
Pero una cosa a tener en cuenta es que si no hay diferencia de color e imagen entre la imagen anterior y la posterior, el resultado final se verá muy disonante.
Por ejemplo, desde una rosa roja hasta la luz de señalización de un coche de policía, o desde el rostro de una persona a otra, etc., la imagen borrosa debe estar conectada a una escena concreta, en el escenario o en objetos filmados. Sólo se pueden utilizar cuando sean absolutamente idénticos en color y forma.
4. Utiliza el efecto de desenfoque causado por el movimiento para conectar la lente.
El disparo en movimiento rápido consiste en disparar moviendo la cámara hacia la izquierda y hacia la derecha (o hacia arriba y hacia abajo) a una velocidad extremadamente rápida. velocidad.
Al utilizar este método, aparecerá un efecto de desenfoque, conectando diferentes lentes.
Esta técnica da la impresión de poner énfasis en el movimiento espacial, y se debe prestar atención al uso de planos muy cortos y rápidos. Si se utiliza un plano largo, será difícil utilizarlo como plano conector para las transiciones de escenas.
Tenga en cuenta que el fondo también debería cambiar significativamente en diferentes escenas.
5. Utiliza el mismo escenario para conectar los planos.
Un corte aéreo consiste en conectar dos escenas diferentes que están sucediendo al mismo tiempo, en el plano anterior la cámara está. levantado para fotografiar el cielo, y luego Este es un método de edición de tomas que baja la cámara hacia otra escena. El cielo no es azul. Puedes usar la luna, el sol, las estrellas, etc.
Las escenas de los dos planos pueden estar muy alejadas, pero debe haber un punto de conexión (como por ejemplo el mar).
6. Usa el efecto de exposición para conectar la lente
Al igual que usar un flash potente para disparar, usar un flash (una lente completamente blanca que aparece en un flash rápido) para conectar. la lente es diferente. El método de conectar la lente se llama efecto brillo.
Incluso si conectas lentes sin puntos de comunicación, no habrá ninguna sensación de falta de armonía.
Esta técnica se utiliza a menudo en anuncios y vídeos musicales.
7. Utiliza pantallas divididas para pasar a tomas posteriores.
El enfoque general es dividir tomas simultáneas y juntarlas. Si no hace esto, será difícil que la audiencia comprenda la imagen.
Se divide la mitad derecha de la lente y se insertan otras lentes para formar la imagen completa. Muy útil a la hora de representar eventos sincrónicos.
Otros métodos de edición representativos
Se puede decir que los productos de imagen son una colección de montajes
El último introducido es CUT BACK (recortar) y otros representativos métodos Métodos de edición,
Los editores pueden utilizar diferentes métodos de edición para cambiar en gran medida la trama, el estado de ánimo de los personajes y el significado de la imagen. Algunas obras incluso tienen un cambio de 180 grados.
Montage crea una historia a través de la combinación de imágenes. Aquí te presentamos este método de edición muy efectivo.
1. Deje que aparezcan alternativamente diferentes tomas que suceden al mismo tiempo.
Deje que aparezcan alternativamente cosas que suceden al mismo tiempo en diferentes lugares. Esto se llama backcut (puede ser). también llamarse transversales).
Los recortes no sólo enfatizan la continuidad de la escena, sino que también potencian la tensión y la expresividad.
Al cambiar la velocidad de la cámara (cámara lenta), la trama se puede hacer más expresiva.
En el cutback, las tomas de diferentes lugares aparecen alternativamente, y finalmente ambas partes aparecen en el mismo lugar. Este método será más efectivo.
Por ejemplo, si llegas tarde a una cita, las tomas de hombres corriendo rápidamente se alternan con tomas de mujeres esperando en el lugar señalado. Al final, ya sea que los dos finalmente se encuentren o que el hombre no llegue y la mujer se vaya de compras sola, el efecto de la cámara será muy bueno.
Un método de edición similar al recorte es FLASH BACK.
Flashback se refiere a la inserción de muchos planos ultracortos al mostrar los recuerdos o descripciones psicológicas de los personajes.
2. Cuando la conexión sea difícil, inserte escenas como pegamento.
CUT AWAY es un método de edición que conecta las tomas frontal y trasera como pegamento.
Es un método teórico antitradicional que sorprende a toda la audiencia al conectar dos imágenes del mismo tamaño.
Por ejemplo, al filmar una escena de dos personas en una cafetería, en lugar de conectar tomas específicas de las dos personas, se inserta una toma de cubitos de café en el medio para que la película parezca más rítmica. .
Siempre y cuando la lente insertada capture el objeto que apareció en la lente anterior.
Por ejemplo, conecte una toma de una mujer mirando gemas, un primer plano de las gemas y tomas de ella comprando en otras tiendas. Por favor, sienta por sí mismo, si no hay una lente de esta joya, qué diferencia le dará al público en términos de ritmo y shock.
3. ¡Conecta tomas con diferentes fotogramas para crear una sensación de ritmo!
Acercar y alejar es una forma muy común de aportar novedad al metraje común.
Conecta tomas de estado de ánimo con diferentes encuadres (normalmente primeros planos que pueden mostrar el estado de ánimo del personaje) y planos de escena (tomas de situación, normalmente planos largos o planos superlargos) por etapas,
El enfoque habitual es dividirlo en tres etapas. Tenga en cuenta que los fotogramas de las diferentes tomas son diferentes.
Por ejemplo, una toma de acercándose tres veces a un hombre fumando (ampliar). También puedes alejar gradualmente la imagen en tres pasos.
Este método se puede utilizar si el mismo fotograma es monótono.
Lo maravilloso del "cutback" desde la perspectiva de las películas
El backcut es una técnica de edición que hace que dos o más planos de escenas diferentes aparezcan en una determinada relación XXXXX.
Este método puede parecer difícil, de hecho, podemos verlo a menudo en series de televisión y películas. Es una técnica de edición muy común.
Por ejemplo, hombres y mujeres en el teléfono aparecen alternativamente. Esta es una toma muy común, pero utiliza el método de recorte.
La ventaja de recortar es hacer que el paso del tiempo se repita, dando a la gente una sensación de tiempo más cercana a la de la película.
Por ejemplo, al describir a un asesino y la policía persiguiéndolo, el uso de recortes llevará la película a un clímax, aumentará la sensación de velocidad y dará al público una mayor sensación de tensión.
El clímax de "El silencio de los corderos" está hábilmente desarrollado utilizando la técnica del backcutting.
La técnica del recorte puede dar un nuevo significado al plano.
Por ejemplo, la escena de la película de Hitchcock "Atrapar a un ladrón": cuando Kelly Brand y Grace Kelly estaban hablando en una habitación de hotel, se lanzaron fuegos artificiales fuera de la ventana. Los fuegos artificiales aquí sirven como metáfora del amor entre los dos. Aquí, los planos de los fuegos artificiales se recortan para hacer más expresiva la trama de la película.
En la película "Hell" de Kerppola, el recorte vuelve a ser algo filosófico.
En la escena donde Wenrad asesinó al coronel Carter, se insertó una escena de los aborígenes sacrificando ganado a los dioses.
Esta toma es fácil de entender, pero Crapo abordó la escena desde una perspectiva de antropología cultural