Las principales facciones del cine de vanguardia

Existen diferencias evidentes entre las primeras y las últimas etapas de este movimiento artístico en la Francia de los años veinte (1917-1928). Las primeras exploraciones teóricas y prácticas artísticas se centraron principalmente en la comprensión de la luz; después de 1925 tendieron a ser abstractas. Por lo tanto, el movimiento artístico cinematográfico francés anterior a 1925 se denomina "impresionismo" y la escuela francesa posterior a 1925 se denomina vanguardia. Sin embargo, las películas impresionistas generalmente se consideran el preludio de las películas de vanguardia, y algunos incluso las clasifican simplemente. como vanguardia, considerado como la primera etapa del movimiento El movimiento cinematográfico de vanguardia en la década de 1920 fue el primer movimiento cinematográfico en la historia del cine mundial. El movimiento cinematográfico de vanguardia francés comenzó con los principios de creación artística. L. Una ruptura total con el cine comercial, que exige el uso del cine para explorar la belleza única de las personas y los objetos. El movimiento cinematográfico de vanguardia francés se puede dividir a grandes rasgos en tres etapas

La primera etapa<. /p>

Es tridimensional, representado por las obras cinematográficas experimentales de pintores como F. ​​Reicher y R. Clair, pero a diferencia de las "películas de vanguardia" alemanas, también consideraban el movimiento como la naturaleza del cine. , no utilizaron gráficos pintados a mano. En lugar de tomar cambios en la expresión como contenido, combina objetos o escenas de la vida diaria para expresarlos. Por ejemplo, el cortometraje de Leicher "Mechanical Dance" filmado en 1924 y "Intermission" de Claire (1924), estas películas tampoco tienen una trama completa ni un tema claro. Estas películas también reciben el nombre de "películas dadaístas", películas abstractas o "películas puras".

La segunda etapa

Está basada en la joven cineasta G. Dulac, originaria de The Las películas experimentales del español L. Buñuel, dramaturgo y joven poeta A. Artaud están representadas por sus películas, que están influenciadas por la literatura surrealista y expresan el subconsciente de las personas, incluidos sueños, alucinaciones, etc. El cortometraje "La concha y el monje". " rodada por G. Dulac en 1928 (guionista A. Artaud) analiza principalmente las caóticas actividades psicológicas de un monje a través de una serie de tomas que no están intrínsecamente conectadas. Continúa con una especie de psicoanálisis; la película de L. Buñuel de 1928 "El perro Of Andalus" también utiliza un método similar para expresar las actividades subconscientes de las personas o la búsqueda de una nueva y absurda metáfora. También conocidas como películas surrealistas.

Después de 1929, el "movimiento de vanguardia" del cine francés también convertidos en películas documentales. Este tipo de cine documental se dividió rápidamente en dos tendencias: una es principalmente ridiculizar los fenómenos sociales, como el director francés J. "Vistas de Niza" de Vigo (1929-1930) utiliza principalmente imágenes grotescas y una edición peculiar para utilizar escenas grabadas de Niza para burlarse de la fealdad de la vida de la clase alta de la ciudad; como j. Evans estaba trabajando en W. "El puente" (1928) y "La lluvia" (1929) fueron rodadas bajo la influencia directa de Ruttmann y del movimiento de vanguardia francés. El pintor cubista francés Fernand Lecher se dedicó inicialmente al cine con la intención de utilizar los medios de. Durante el rodaje de "La danza de la máquina" (1923), comenzó a explorar esta cuestión. Combina objetos naturales en movimiento de la vida cotidiana, como péndulos, niñas en columpios, mujeres subiendo escaleras, caballos de madera en movimiento, etc., con piezas de máquinas y maniquíes hechos para mover las piernas de los niños, a diario. Las necesidades de la tienda, así como carteles y títulos de periódicos, se yuxtaponen con algunos de los objetos escultóricos preferidos por los pintores cubistas, formando una escena que, de hecho, está llena de efectos de movimiento cinematográfico: la danza de las máquinas.

Porque. Leicher pone gran énfasis en la combinación de formas compositivas puras y el procesamiento de contrapunto de la edición rítmica, todos los objetos en movimiento en la película se mueven como el ritmo de un péndulo, esos objetos naturales se llenan de vitalidad y un fuerte atractivo, mientras que la imagen. El movimiento de los personajes pierde su realidad, crea una forma especial de sentir el movimiento. Leicher dijo una vez que su propósito al rodar esta película era "crear un sentido común". . Sin embargo, como señaló Siegfried Kracauer, "la belleza de la forma que muestra en la película pertenece al ritmo, no al objeto en sí cubierto por el ritmo". Para la película Un experimento de ritmo visual, "La danza de los the Machine" está sin duda explorando un nuevo campo de expresión artística cinematográfica. La propuesta artística del dadaísmo se considera un producto del absurdo dadaísmo de la Guerra Mundial. Los artistas del siglo XIX tomaron como su lema político del anarquista Bakunin de "la destrucción es creación". credo estético y utilizó las obras maestras de la pintura renacentista como objetos de sátira para desafiar la visión tradicional del arte. La más representativa es la "Mona Lisa con barba" de Dusan. Este género artístico antiarte es consistente con la estética cinematográfica surrealista de la década de 1920 y ha encontrado su nicho en las películas experimentales. "Back to Reason" de Man Ray (1923) es la primera obra del dadaísmo.

El artista pegó clavos, botones, fotografías y cintas adhesivas a una película para crear los contornos de los caóticos objetos de la pantalla. Cuando se proyectó la película, el entusiasmo de los artistas del cine de vanguardia casi superó el techo. La gente consideró esta ocasión como una fiesta muy exitosa.

Los dadaístas buscaban la belleza de la llamada "máquina y sombrilla que se encuentran de repente en la mesa de operaciones". Al año siguiente, "Intermission", rodada por René Clair, se convirtió en la obra representativa más destacada del dadaísmo. René Claire incorporó a su obra el espíritu cómico de Chaplin y el humor de "La danza de la máquina", creando "Intermission", una "obra maestra absurda". Estos son exactamente los sueños de los artistas dadaístas: barcos de papel flotando sobre el mar en París, cigarrillos convertidos en pilares de los templos griegos y escenas de juegos con varios artistas dadaístas: Man Satie lleva un cañón, apareció cómicamente el bailarín Jean Boulin. el techo del Teatro Xiangshulishe con un traje de caza, y el uso de fotografías de alta y baja velocidad para crear una procesión fúnebre que perdió su sentido de solemnidad y Boulin finalmente se levantó del ataúd, etc., etc., en el montaje rítmico, constituyen una película dadaísta a la vez imaginativa y absurda. Vale la pena señalar que, en comparación con "Back to Reason" de Man Ray, "Intermission" de Rene Clair no utiliza formas abstractas, sino materiales de la vida real. Sin embargo, la clave para formar su mismo estilo es su propuesta artística antirracional. Claire cortó conscientemente el tiempo y el espacio reales de los materiales visuales de "Intermission" y aparecieron en una forma antilógica. Al mismo tiempo, esos fragmentos visuales con orden inverso no tienen una estructura narrativa de la que hablar, sino que son el "método de transposición" de la pintura dadaísta y un nuevo descubrimiento en las técnicas de edición cinematográfica, especialmente el famoso plano: filmado desde abajo Una bailarina de ballet vestida. Con falda y bailando ligeramente, cuando la cámara sube, la gente se sorprende al descubrir que se trata de un hombre con barba y quevedos. Aquí, Claire crea "diferentes elementos". quema poética. El objetivo es hacer reír al público. En la búsqueda estética dadaísta de Rene Clair, los materiales reales perdieron su realidad y se volvieron surrealistas. La búsqueda estética del surrealismo en las películas dadaístas condujo finalmente al nacimiento de las películas surrealistas. Así como la literatura y la pintura evolucionaron del dadaísmo al surrealismo. Los cineastas surrealistas, basándose en la estética ilógica e irracional de las películas dadaístas, "intentaron transformar los sueños, la saciedad psicológica, los procesos inconscientes o subconscientes (principalmente influenciados por Freud, y en menor medida influenciados por Freud, en menor medida influenciados por el marxismo). El surrealismo se convirtió en el destino final de muchas artes cinematográficas de vanguardia: la película "La concha y el monje" ("El perro andaluz" de Luis Buñuel en 1927), "El collar de perlas" de Gastón Ravel en 1929. Man Ray en 1929. "Estrella de mar" y otras obras se han convertido en obras representativas del surrealismo en este periodo.

En estas películas que tienen elementos dramáticos pero carecen de acción dramática, el amor se convierte en su forma de describir la realidad. separación entre fantasía y realidad. El objeto principal "La concha y el monje" de Dulac está considerada como la primera película del surrealismo. La película describe la fantasía de un sacerdote ascético e impotente que se hace pasar por un misionero, un general y un preso. guardia es una historia sobre rivales amorosos que compiten por una niña, sin embargo, cuando la película utiliza una serie de imágenes para revelar el estado psicológico de los personajes, resalta más el dolor y la tristeza del pastor y carece del humor que debería tener. Después de eso, "Un perro andaluz" de Buñuel (Salvador Dalí participó en la creación del guión) describió una serie de sueños de un vagabundo con problemas mentales, entrando así en la era. El mundo humano. Las películas que exploran el estado subconsciente y tratan de despertar los impulsos internos del público realmente atraen la atención de la gente y se consideran una obra representativa típica del surrealismo, los sueños de los personajes y el estado subconsciente. están conectados por horribles acontecimientos y escenas de terror: un hombre corta el globo ocular de una mujer con una navaja, un accidente automovilístico en la calle, un medio hermafrodita mirando fijamente una mano cortada, montones de objetos sobre un piano, carne de burro podrida, un intento de violación, un nido de hormigas en la palma, etc.

Toda la película está llena de violencia, sexualidad y humor extraño, destacando el hecho de que las obras surrealistas no se rigen por la razón y la lógica. Las características de "An Andalou". Dog" son similares a los de la narrativa psicológica impresionista y al "Intermission" de René Clair, es decir, el escenario y los personajes de la película son todos realistas, no parecen estar interesados ​​en la forma poco realista de pintar en una película con figuras geométricas, líneas. , etc. Naturalmente, también tienen diferencias: en comparación con la narrativa psicológica impresionista, la trama de la película no tiene ninguna lógica narrativa, las acciones y motivaciones de los personajes de la obra no tienen base psicológica, todo se basa en una. Impulso primitivo e irracional En comparación con "Intermission" de Claire, la película ha perdido su despreocupación. Buñuel dijo que ""An Andalou Dog" es un llamado desesperado y feroz a matar. Simboliza el espíritu rebelde de los jóvenes intelectuales de finales de la década de 1920. estaban llenos de emociones contradictorias hacia la realidad social. Al mismo tiempo, la película también pasa claramente de la exploración de la forma rítmica pura en las películas de vanguardia a la exploración del contenido. Y “este tipo de contenido significativo pertenece claramente al ámbito de la fantasía.

Para ser más precisos, es un requisito hacer que la fantasía sea inconscientemente más real y más importante que el mundo de nuestros sentidos. La realidad interior se convirtió en la “única realidad” de los surrealistas, como señala Kracauer: Los surrealistas “estaban convencidos de que la realidad interior era muy superior a la realidad externa. Su objetivo principal es, por tanto, expresar concretamente el flujo de la vida interior y todos sus contenidos a través de actividades instintivas, sueños, fantasías, etc., sin recurrir a historias ni a ningún otro método racional.

Los diversos géneros de tendencias surrealistas activas en Francia en la década de 1920 fueron exploraciones apasionadas y activas de la estética cinematográfica, aunque aquellos jóvenes cineastas todavía tenían ciertas limitaciones en su pensamiento, aunque algunas de sus teorías y opiniones también lo eran. extremo, su comprensión de las "artes plásticas dinámicas, la exploración de la estructura de las imágenes cinematográficas y la contribución al lenguaje visual de las películas son inconmensurables. En lo que respecta al surrealismo, en términos cinematográficos, realmente realiza el deseo del escritor surrealista Bruton: "(El tiempo) se divide, se perturba y se elimina. El presente y el futuro ya no entran en conflicto. Es tan fácil vivir el ayer o el mañana como vivir el hoy, o incluso vivir el ayer y el mañana al mismo tiempo. Sin duda, esto se convirtió en la base creativa de las películas modernistas que resurgieron a finales de los años cincuenta. Al mismo tiempo, el espíritu experimental de las películas francesas de vanguardia continúa inspirando a artistas cinematográficos de diferentes épocas y nacionalidades a explorar estéticas más imaginativas, novedosas, extrañas y profundas en el arte cinematográfico.