Un poco de historia de la industria cinematográfica de Hollywood
La mitad de la década posterior al final de la Primera Guerra Mundial fue una época en la que el cine americano conquistó el mundo. Las películas extranjeras fueron completamente eliminadas de la programación de 20.000 salas de cine de Estados Unidos. En varios países del mundo, las películas estadounidenses representan entre el 60 y el 90% de los programas estrenados, y cada año se gastan aproximadamente 200 millones de dólares en la producción de más de 800 películas. Se han invertido más de 1.500 millones de dólares en cine, lo que convierte a la industria cinematográfica en una gran industria en Estados Unidos, que rivaliza en términos de capital con las industrias más grandes de Estados Unidos, como la fabricación de automóviles, latas, acero, petróleo y cigarrillos. Paramount, Los Ángeles, Fox, MGM y Universal, estos importantes estudios dominan la producción y distribución de películas en todo el mundo. Están estrechamente integrados con gigantes financieros de Wall Street como Cohen Robert Bank, General Motors, Dupont de Nemours, Morgan y Rockefeller.
Desde que Griffith perdió el poder, los capitalistas financieros se han centrado no en los directores sino en las estrellas de cine. Este último se convirtió en una herramienta o marca registrada de la productora. A partir de entonces, los verdaderos dueños de las películas fueron los productores, los empresarios admirados y seleccionados por los banqueros de Wall Street. Los directores de cine, al igual que los ingenieros de iluminación, los directores de fotografía y los escenógrafos, son simplemente empleados a quienes se les paga una cierta cantidad de dinero cada semana. Los productores utilizaron amenazas furtivas para rescindir el contrato y apoderarse de la mayor parte del poder real que alguna vez tuvo el director, como la selección de temas, estrellas y personal técnico, la cuidadosa consideración de guiones y montajes, la supervisión de decorados y vestuario, etc.
De esta manera, el productor se convierte en dueño de todos los factores que determinan el éxito o el fracaso artístico. Su principal preocupación es cómo ganar más dinero, y su junta directiva sólo mide su valor en función del margen de beneficio. de la película. Por tanto, la producción cinematográfica depende enteramente de los ingresos de taquilla. Sus comentarios de los críticos de cine independientes fueron completamente ignorados, pero de hecho, tales críticas eran casi inexistentes en los Estados Unidos en ese momento.
Pero el propio productor simplemente dirige todo detrás de escena. Lo que surgió en Hollywood fueron las estrellas de cine, y el "star system" se convirtió en la base para que Hollywood conquistara el mundo. La admiración del público por las estrellas de cine se sustenta en millones de fotografías firmadas, y la publicidad y la publicidad crean un aura de leyenda en torno a estos íconos. El amor y el divorcio de las celebridades, los cosméticos que usan, sus casas y sus animales favoritos se han convertido en temas de preocupación y discusión generalizados en algunos países. El "star system" incluso permitió que Rudolph Valentino, Mary Pickford, Douglas Fairbanks, Gloria Stevenson, Wallace Reed, John Gilbert, May·Moore, Norma Talmadge y otros se convirtieran en ídolos verdaderamente adorados.
Algunos grupos religiosos destacados están profundamente perturbados por el concurso. El ataque puritano a Hollywood fue alimentado por la difusión de escándalos de celebridades (por ejemplo, Wallace Reed murió por abuso de drogas y alcohol, una bailarina fue asesinada en una fiesta a la que asistió la estrella gorda Jacobs, algunas celebridades cometieron asesinatos o cometieron crímenes en el amor, etc.). ).
En ese momento, los capitalistas establecieron una organización llamada "Asociación Estadounidense de Productores y Editores". El organizador era un devoto puritano, *** y líder del partido político William Hayes. Según Hayes, la película se ha convertido en un comerciante ambulante. "Las materias primas siguen a las películas. Dondequiera que vayan las películas estadounidenses, definitivamente podremos vender más productos estadounidenses".
Cuando Hollywood conoció esta misión internacional, los roles desempeñados por algunas estrellas estadounidenses también cambiaron. Douglas Fairbanks interpretó una vez con humor a un héroe estadounidense fuerte, ingenuo y optimista, amado por las mujeres en Triangle Film Company. Más tarde, apareció en "La marca mexicana del Zorro", "Los tres mosqueteros de Francia", "El Robin Hood británico", en. "El Ladrón de Bagdad" y "Los Piratas Negros del Este", se convirtió en un hombre fuerte invencible, un caballero intrépido y un defensor de la justicia. A medida que crecen, los fans punks se vuelven cada vez más aficionados a los paisajes enormes, el lujo extremo y el poder misterioso.
Son muy pocos los directores que se niegan a apegarse a sus estrellas. A medida que se estableció Hollywood, los pioneros del cine declinaron o desaparecieron. Thomas Inge ha muerto; aunque Mike Sennett sigue produciendo un trabajo excelente, su reputación no ha aumentado. En cuanto a Griffith, estaba decayendo gradualmente en ese momento. Las obras cumbre de Mark Griffith son "El nacimiento de América", "Las flores perdidas de Europa" y, en el arte cinematográfico, "Choque con diferentes partidos". Sin embargo, el fracaso comercial finalmente condenó el trágico destino de Griffith. Este gran artista, que estaba en la lista negra del estudio, nunca tendría la oportunidad de dirigir una película durante los 20 años que le quedaban de vida. El culto al dinero de Hollywood destruyó a todos sus fundadores.
El declive de Griffith contrasta marcadamente con la prosperidad de Xi Dish Mill. El vulgar sentido comercial y el estilo exagerado de este último se convirtieron en las características de las películas de Hollywood durante cuarenta años. Hizo una variedad de películas, desde ingeniosas comedias como "Hombres y mujeres", protagonizada por Gloria Schwarzenegger, hasta fastuosas películas de propaganda antisoviética como "Los barqueros del Volga", una película antiatea. Ha hecho películas rentables, entre ellas la farsa "La niña sin Dios" (en la que destaca la representación de una prisión para niños).
Los trabajos más exitosos de DeMille han sido películas de gran formato con una fuerte atmósfera de parque de atracciones. En estas películas de gran formato, DeMille no sólo tomó prestadas historias de la Biblia, sino que también añadió algunas descripciones eróticas. Hollywood le dio una suma de dinero que Griffith no pudo conseguir y la utilizó para realizar los éxitos de taquilla "Los Diez Mandamientos" y "El Rey de Reyes". Continuando con las antiguas tradiciones del cine italiano, DeMille se convirtió en uno de los directores de películas comerciales más populares. Fred Nibler siguió su ejemplo e hizo una exitosa película llamada "La leyenda de Xu Bi" para Godwin y Mei Yu. La película costó 6 millones de dólares. Aunque se hizo popular durante un tiempo, sus ingresos fueron sólo de 4 millones de dólares.
Hollywood, una ciudad que de repente tuvo suerte, tiene el sabor vulgar de los nuevos ricos. Construyeron lujosas villas que combinaban anfiteatros romanos con fortalezas rococó, catedrales católicas y rascacielos. Este interés exagerado por la arquitectura, combinado con un interés didáctico por el simbolismo, es más destacado en Los cuatro jinetes del Apocalipsis, una adaptación cinematográfica del libro de Blasco Ibana. La megapelícula, dirigida por Rex Ingram y que convirtió a Valentino en una estrella, batió récords de ingresos por estreno. Otras películas en Inglaterra, como las rodadas en Niza al final de su carrera en el cine mudo y que pondrían fin a su carrera cinematográfica, también muestran este enfoque centrado en la forma.
A medida que Hollywood se convirtió en una fuerza poderosa en el mundo, sus películas se hicieron internacionales. De sus películas mudas más populares, pocas se desarrollaron en Estados Unidos. De estas películas, sólo la famosa "Caravana" de James Cruz está basada directamente en la historia estadounidense, una epopeya que celebra a los pioneros de Occidente. Gracias a Thomas Inge y W.S. Hart, el Western había sido elevado a la categoría de forma de arte, pero en esa época, con la excepción de películas extremadamente excepcionales como "The Fighter" de John Ford, el Western se había convertido en sinónimo de películas baratas. dirigidas por Some fueron producidas por directores y actores desconocidos dirigidos a un público civil. La tendencia de las películas estadounidenses a "perder su carácter distintivo" se ha convertido en una tendencia extremadamente común. Aunque Henry King todavía podía seguir la tradición de Thomas Inge y Griffith, dirigió una película perfecta que retrataba la vida local en los Estados Unidos, "David", pero en lugar de alentarlo a avanzar en esta dirección, la gente lo guió. Filmó un romance popular. novelas (como "La historia del odio a Stella") o, como las películas que rodó más tarde en Roma, desarrolladas en la dirección de películas italianas con escenas enormes (como "Catherine Digi")
El arte cinematográfico estadounidense está cada vez más empobrecido debido a la combinación internacional de capital financiero, censura estricta, adaptación sistemática de novelas populares a la pantalla, star system, intención de vender entradas exclusivas y el culto al dinero de los productores. abundancia. Pero hay al menos un género de comedia en las películas estadounidenses con obras ricas, con algunas excepciones, casi todas realizadas por directores extranjeros. Léonce Pillay fomentó el amor de Estados Unidos por la comedia llamativa y Gasnier fue uno de los creadores de la serie. Además de estas dos personas, también se puede nombrar a Chautard, Albert Caplani y Abadie Dallas, quienes ayudaron a Chaplin a dirigir "La Femme" en París.
Después de 1920, para derrotar a sus competidores, Hollywood atrajo a Estados Unidos a un gran número de destacados directores y actores de países extranjeros. Moritz Stiller y Greta Garbo llegaron juntos a Estados Unidos. Pero dirigió películas para los actores alemanes Paula Negri y Jonnings. Las dos películas que dirigió, "The Empire Hotel" y "Sin Street", no tuvieron éxito artístico ni comercial. A diferencia de Stiller, Garbo era popular en Estados Unidos. Esta famosa actriz trágica fue verdaderamente una fuente de ingresos para Hollywood y trajo el arte a los estudios de Hollywood. La publicidad convirtió a Garbo en una leyenda. Los títulos de las películas que protagonizó son todos promocionales, tales como: La seducción de las mujeres, La carne y el monstruo, El hada viene a la tierra, La dama misteriosa, Orquídeas salvajes, El beso, etc. En la leyenda, representa a la mujer apasionada más famosa de la historia.
Con la excepción de Garbo, los inmigrantes de Escandinavia hicieron poca contribución a Hollywood. Pero los inmigrantes de Alemania, especialmente Strauchen, Lubitsch y von Sternberg, hicieron enormes contribuciones al cine estadounidense. El papel ejemplar del cine europeo ha llevado a varios directores americanos a tender a producir películas más artísticas que comerciales. Algunos realmente alcanzan un nivel artístico. En vísperas del auge del cine sonoro, surgió en Estados Unidos una nueva generación de directores de cine talentosos, y estos directores comenzaron a hacerse cargo de la vanguardia hasta cierto punto.
Durante el período más próspero de su historia, los pioneros del cine de Hollywood y los artistas cinematográficos más importantes de Europa lo rechazaron en lugar de utilizarlo. A medida que Hollywood estableció su dominio en el mundo, gran parte de su producción cayó en un estado de estancamiento de búsqueda sin sentido de espectáculos extravagantes.
1927 10 El 23 de octubre se estrenó por primera vez "El rey del jazz con voz, diálogo y canto" de Alan Crosland, marcando una nueva era en la historia del cine. El uso de tecnología de sonido hizo posible la narrativa compleja y el diálogo fluido de la película, lo que contribuyó al fuerte estilo dramático de las películas clásicas de Hollywood. Al mismo tiempo, este estilo también estaba en consonancia con el sistema de estudio de la época. ¿Interpretado por el cocodrilo de Hollywood? El sistema de estudio creado por el Senat exige objetivamente que las películas satisfagan las necesidades estéticas del público más amplio, y la estética teatral tradicional, bien conocida por el público, es obviamente la mejor opción. En este contexto nacieron las películas de género.
Estas películas, que Krakauer llama "la psicología colectiva profunda" de la audiencia, rápidamente captaron la atención de la audiencia a través de tramas estilizadas y personajes estereotipados. Películas de género como la ciencia ficción, la canción y la danza, y el crimen se hicieron populares en los cines de todo el mundo.
Como género más "americano", el western jugó un papel importante en el período del Hollywood clásico. Las películas occidentales elogian y promueven el individualismo rudo y el espíritu de supervivencia del más fuerte, encarnando el ideal moral de que el bien eventualmente vencerá al mal. Por lo tanto, han perdurado en la industria cinematográfica estadounidense durante mucho tiempo. Fred. "High Noon" de Zinnemann, rodada en 1952, encarna en muchos sentidos las características de las películas occidentales o las características de las películas clásicas de Hollywood. Sin embargo, aunque "High Noon" tiene la sombra del Hollywood clásico en muchos aspectos, de ninguna manera es una auténtica película clásica de Hollywood. De hecho, esta película, rodada en 1952, marcó un punto de inflexión en la historia de Hollywood. La diferencia más obvia entre “High Noon” y las películas tradicionales de Hollywood es la interpretación de Kane. Las imágenes heroicas de las películas occidentales tradicionales a menudo representan justicia y justicia absolutas, pero Kane se encuentra en una posición incómoda en la película. Debido a que la gente del pueblo se niega a ayudar al Sheriff que una vez los defendió, los oponentes de Kane no son sólo los villanos, sino también la gente del pueblo. La película le da a Kane muchas descripciones psicológicas y él comienza a pensar en su posición y comportamiento, y en qué hacer. Los personajes de "High Noon" no son exagerados y subvierten en cierta medida la imagen del ex jefe de policía. La película también abandona el final feliz de las películas del oeste y elige a Kane para tirar su placa y abandonar la ciudad como final, lo que realza la objetividad de la historia.
"High Noon" se filmó en 1952, lo que supuso el final de la Edad de Oro de Hollywood y Hollywood entró en un reflujo difícil. Hasta las décadas de 1960 y 1970, con la intensificación de la postindustrialización y la postsocialización en la sociedad occidental, comenzaron a proliferar nuevas tendencias del arte social. Estas nuevas ideas han conmovido las mentes de la gente, han cambiado su orientación de apreciación y aceptación del arte. La audiencia de las películas también ha cambiado y el estilo de las películas clásicas de Hollywood ya no puede satisfacer sus necesidades de visualización. El movimiento del neorrealismo italiano en la década de 1940 y la Nueva Ola francesa en la década de 1950 impactaron e influyeron en la industria cinematográfica estadounidense en ese momento, acelerando la transformación de las películas de Hollywood. ¿Qué pasa con Arturo? Una serie de películas de "nuevo estilo", representadas por "El bueno y el malo" de Payne, surgieron en este momento histórico, que también inició la era del Nuevo Hollywood.
La forma típica de describir a los personajes en la era del Nuevo Hollywood es que los protagonistas de la película ya no son personajes estereotipados con claras distinciones entre el bien y el mal, sino que tienen un mundo interior más complejo. New Hollywood se centra en la tridimensionalidad y la psicología de los personajes, añadiendo capas y profundidad a la película. La característica narrativa de las nuevas películas de Hollywood es que, sobre la base de heredar la tradición de buena narración de Hollywood, la historia de la película se integra en el amplio trasfondo social, lo que hace que la película sea socialmente más significativa y profunda que antes.
Las nuevas películas de Hollywood también están profundamente influenciadas por el cine europeo. El arte y la comercialización de películas comerciales se convirtieron en una tendencia en el desarrollo cinematográfico durante este período, y muchas películas artísticas europeas se utilizaron en películas de Hollywood.
Desde el período clásico hasta la nueva era, las películas han experimentado medio siglo de evolución en Hollywood, y las estructuras de las historias, los personajes y las ideas han experimentado enormes cambios. Un conjunto de técnicas del período clásico de Hollywood ya no puede satisfacer las necesidades del público contemporáneo, y las nuevas películas de Hollywood que son más adecuadas para las necesidades de la era social han ocupado silenciosamente la atención del público.
En el período de transición de los años 1970 a los años 1980, New Hollywood cumplió su misión. En los últimos 10 años, Estados Unidos ha producido aproximadamente 200 películas por año y la competencia por las audiencias entre el cine y la televisión ha alcanzado un equilibrio. La película siempre ha mantenido una audiencia de entre 1.000 y 1.200 millones de personas y tiene su propio mercado extranjero, cada vez más amplio. Según las estadísticas de 1993, los ingresos de taquilla nacional de las películas estadounidenses alcanzaron los 5.200 millones y los ingresos por distribución fueron de 2.600 millones. El superávit comercial de productos de audio y vídeo es la segunda industria más grande de Estados Unidos después de la fabricación y exportación de aviones. Entre las 100 películas con mayor asistencia en el mundo a lo largo del año, 88 fueron películas estadounidenses.
Las películas de Hollywood han completado la transición a la era postindustrial a través de sus propios ajustes y todavía se encuentran en la cima de la pirámide de la industria cinematográfica mundial, mostrando una gran vitalidad. Una inspección exhaustiva de Hollywood nos ayudará a pensar en las películas en nuestra vida diaria y también nos ayudará a juzgar las películas de nuestro propio país. Para los espectadores comunes, las películas de Hollywood pueden verse como entretenimiento; para los creadores de películas, pueden aprender las reglas de la forma artística única de las películas comerciales al estilo de Hollywood; para los productores, pueden aprender de las reglas de los negocios al estilo de Hollywood; y modelos operativos de las películas de Hollywood; para los teóricos, podemos reflexionar sobre la historia y los problemas a través de la comprensión de las características de Hollywood. Examinar la historia cinematográfica de Hollywood es beneficioso para el desarrollo de la industria cinematográfica china.