Sobre las causas y características de las escuelas de arte de pintura y fotografía modernas occidentales y su impacto en el desarrollo del arte contemporáneo (al menos una escuela)
La Europa devastada por la guerra comenzó a reconstruir su patria material y espiritual sobre las ruinas. Toda Europa está ansiosa por encontrar un nuevo punto de partida, una nueva salida a la sombra de la desesperación causada por los estragos de la guerra. Después de la guerra, algunos artistas en Europa sintieron que era necesario recrear sus obras de arte y mejorar las condiciones de vida humanas. La nueva tendencia de artistas jóvenes refleja la reevaluación integral del sistema de valores en Europa desde un aspecto.
El existencialismo que prevaleció después de la guerra prestó hasta cierto punto atención al dilema de la libertad y la responsabilidad personal. Fomenta un sentimiento general de que las personas están solas en el mundo y que ahora están más allá de todo sistema de creencias, por lo que una persona que crea arte debe buscar una salida y renovarlo completamente desde cero. La idea de enfatizar la "originalidad" se popularizó y el arte se convirtió en una metáfora de la purificación. El acto mismo de pintar representaba la liberación de la voluntad paralizada por el dolor.
A principios de la posguerra, famosos artistas modernos fueron invitados a realizar exposiciones en todo el mundo, lo que no sólo compensó la persecución nazi, sino que también marcó el punto de partida de la recuperación cultural. El arte moderno fue más conocido y apoyado oficialmente que antes, lo que hasta cierto punto compensó su aislamiento y aislamiento originales, y también fue una proyección de los jóvenes de toda Europa que realmente crearon su propia forma de vida.
Por otro lado, el poder de la Escuela de París, que fue el centro del arte moderno en el pasado, se vio muy debilitado por la emigración a gran escala. Estados Unidos comenzó a ascender y la aceptación del arte moderno varió de un lugar a otro. París y Nueva York iniciaron su primer enfrentamiento de posguerra por el liderazgo artístico. El triunfo del expresionismo abstracto en Europa a finales de la década de 1940 mostró la influencia de Estados Unidos. El estilo internacional abstracto de Nueva York y su reconstrucción de la escala espacial promovieron una respuesta activa a la crisis cultural de Europa. En las décadas de 1950 y 1960, Estados Unidos estuvo representado por el expresionismo abstracto y Europa por el arte informal. Se desarrollaron en paralelo y fueron relativamente independientes.
Además, la absorción gradual de la economía de libre mercado por el sistema crítico-comerciante de arte y la tendencia a la autopopularización de las obras artísticas son parte del desarrollo del arte europeo de posguerra.
Si analizamos el desarrollo del arte moderno en sí, el arte europeo de posguerra promovió tendencias que permanecían latentes en un contexto cultural anterior, y hasta cierto punto más sólido e interesante. Estrictamente hablando, lo que merece atención no es tanto la innovación como llevar al extremo algunos conceptos existentes y reevaluarlos. Por ejemplo, el expresionismo abstracto y el arte no representacional se originaron a partir del surrealismo. El arte ha ido pasando poco a poco de una situación de extrema desesperación a la indiferencia. Lo que distinguió al nuevo estilo de los prototipos desarrollados antes de la guerra fue que exageraba la forma heredada al tiempo que atenuaba el contenido o lo abandonaba por completo.
La Escuela de París que sobrevivió a la Segunda Guerra Mundial estaba en declive. Los tonos cálidos de Pierre Bounard y las variaciones relajadas del formalismo cubista/ofest muestran un esquema artístico indiscutible y predecible, mientras que Las obras de Roger Bissiere, Jean Schmidt y A Fred Manesier de Roger Bissell son demasiado mansas. La tradición francesa establecida (belle peinture) favorece los temas sensuales y encantadores del buen gusto, lo que dificulta cualquier gradiente. La cuidadosa construcción, los colores brillantes y los prolijos patrones abstractos implican una característica artística nacional. (Por ejemplo, la exposición Paris Gallary de pinturas no asignadas durante la ocupación alemana es representativa de la tradición pictórica francesa).
Los primeros artistas parisinos de la posguerra (incluidos Hans Hardon, Voss, Jean Forty The Todas las obras de Pierre, Nicolas de Staël y Pierre Saurag enfatizan la propia autoexpresión del artista, excluyendo la necesidad de referencias específicas y sensibilidad nacional. El profundamente influyente Jean Dubuffet y un grupo de pintores nórdicos que se hacen llamar CoBrA son representantes de la "nueva generación". Los miembros de ambos partidos rechazaron la abstracción geométrica tradicional y el diseño académico, aunque Bazin, Manesier y otros negaron cualquier conexión con ellos. La dicotomía entre estilos figurativos y no domésticos se resolverá por sí sola. Pocos años después de la guerra, surgió una nueva y prometedora forma de abstracción neoexpresionista que se convirtió en un estilo popular en Europa.
Ante la frecuente aparición de obras maestras de Picasso, Matisse, Holly Lawrence, Raoul Dufy y Georges Braque, y la creciente nueva generación, los artistas han aprendido las lecciones de la Segunda Guerra Mundial y tienen nuevas ideas. deseo común de interpretar el lenguaje del arte y proteger la libertad de movimiento artístico. Se establecieron muchos grupos artísticos en Francia, Alemania y otros países. Partiendo del interés por el existencialismo y la tendencia intelectual de los artistas, las alianzas o concursos aceleraron el desarrollo del arte europeo de posguerra desde una función interna.