Presente a Van Gogh.

Vincent van Gogh, 30 de marzo de 1853 - 29 de julio de 1890.

Los holandeses, figura representativa del postimpresionismo.

Van Gogh abandonó todo conocimiento adquirido, ignoró las doctrinas acariciadas por los académicos e incluso olvidó su propia razón. En sus ojos, sólo estaba el vibrante paisaje natural, y estaba embriagado en él, olvidándose de todo y de sí mismo. Considera todo en el mundo como un todo indivisible y lo abraza todo con todo su cuerpo y mente.

Van Gogh se convirtió en un pintor muy individual muy tarde, sólo ocho años antes de su muerte.

Van Gogh tuvo poca formación formal en pintura. Trabajó duro día tras día para obtener lienzos, pinturas al óleo y herramientas de pintura. Estaba en un estado constante de contradicción mental y estaba bajo la presión de buscar la perfección artística. Éstos, aunque no fueron la causa directa de su posterior enfermedad, plantaron las semillas de la tragedia de su vida.

Van Gogh estaba interesado en la reproducción de sentimientos verdaderos, es decir, quería expresar lo que sentía ante las cosas, no las imágenes visuales que veía.

Van Gogh clasificó sus obras en otra categoría diferente a las de los pintores impresionistas. Dijo: "Para expresarme más poderosamente, uso el color más libremente". De hecho, no sólo el color, sino también la perspectiva, la forma y la proporción han cambiado para expresar una relación extremadamente dolorosa pero muy real con el mundo. . relación.

Van Gogh fue un artista con un verdadero sentido de misión, que también es una característica de los artistas que se autodenominan expresionistas. Van Gogh resumió este sentimiento cuando dijo de su creación: "Arriesgué mi vida por ella; la mitad de mi cordura se derrumbó por culpa de ella; pero no importa...".

Van Gogh nunca abandonó su creencia de que el arte debería preocuparse por los problemas reales y explorar cómo despertar la conciencia y transformar el mundo.

Van Gogh se suicidó a los 37 años. Como artista, obtuvo elogios de la crítica por sus poderosas e imaginativas pinturas hasta poco antes de su muerte.

En los años posteriores a la muerte de Van Gogh, algunos pintores comenzaron a imitar sus métodos pictóricos. Para expresar sentimientos fuertes, no reflejan la realidad con sinceridad. Esta actitud creativa se conoció como expresionismo y resultó ser una tendencia duradera en la pintura moderna.

Aunque los nombres de Gauguin y Van Gogh se han convertido en pioneros del expresionismo moderno y ejemplos de artistas muy individuales, es difícil imaginar cuán diferentes eran sus características personales. Gauguin fue un hombre que atacó las ideas tradicionales. Su lenguaje era cáustico, cínico, frío y, a veces, grosero. Van Gogh, en cambio, estaba lleno de un amor inocente, apasionado y profundo por el artista. Después de su experiencia de vida, este amor lo llevó a convertirse en marchante de arte y al deseo de realizar investigaciones teóricas, y luego se convirtió en misionero en las zonas mineras de carbón de Bélgica. Comenzó a estudiar pintura en 1880 y posteriormente estudió en Bruselas, La Haya y Amberes. Llegó a París en 1886, donde conoció a Lautrec, Seurat, Signac, Gauguin y a los miembros originales de los impresionistas.

Después de que Van Gogh conoció a los impresionistas en París, su paleta se iluminó. Descubrió que lo único que amaba profundamente era el color, un color brillante e inconsistente. Las características del color en sus manos son esencialmente diferentes a las del impresionismo. Aunque utilizó técnicas impresionistas, sus conclusiones no fueron brahmínicas debido a su observación única del hombre y la naturaleza. Siempre ha sido así.

Obras

1. Café de noche

La pasión de Van Gogh proviene del mundo en el que vivió y de las fuertes reacciones de las personas que conoció. Ésta no es en modo alguno la simple reacción de un hombre primitivo o de un niño. Sus cartas a su hermano Theo se encuentran entre las historias más conmovedoras escritas por el artista. La carta muestra su percepción altamente sensible y coincide plenamente con su reacción emocional. Es muy consciente del efecto que obtiene, que se consigue mediante el amarillo o el azul. Aunque la mayoría de sus conceptos de color los usaba para expresar su amor por las personas y la naturaleza y su alegría en el proceso de expresión, era muy sensible a los colores oscuros, por lo que al hablar de "Night Café", dijo: "Traté de usar rojo y verde para expresar las terribles pasiones de la humanidad." El café nocturno es una pesadilla compuesta de techos de color verde oscuro, paredes rojas y muebles verdes incongruentes. El suelo dorado aparece en perspectiva vertical, adentrándose en el fondo rojo con un poder increíble. El fondo rojo, a su vez, compite con él por igual. La pintura es una lucha irreconciliable entre la perspectiva del espacio y el color agresivo que busca destruirlo. El resultado es una horrible experiencia de claustrofobia y opresión. La obra presagiaba la exploración surrealista de la perspectiva como medio para expresar la fantasía, pero ninguna exploración tuvo un poder tan impactante.

2. Noche estrellada

El universo de Van Gogh puede durar para siempre en la noche estrellada. Es una ilusión que supera cualquier intento de artistas bizantinos o romanos de expresar el gran misterio del cristianismo. Las pinturas de estrellas en explosión de Van Gogh tienen más que ver con la era de la exploración espacial que con la era de las creencias místicas. Sin embargo, esta ilusión se crea mediante una pincelada precisa que requirió mucho esfuerzo. Cuando entendemos el expresionismo en la pintura, tendemos a asociarlo con pinceladas valientes. Ya sea que se trate de una pincelada desenfrenada o parecida a una llama, proviene de la intuición o de la expresión espontánea y no está sujeta a procesos de pensamiento racional ni a técnicas rigurosas. La originalidad de las pinturas de Van Gogh reside en su experiencia sobrenatural, o al menos extrasensorial.

Y esta experiencia se puede comprobar con un trazo cuidadoso. Esta pincelada es como si un artista se devanara los sesos para replicar exactamente lo que está observando. En cierto sentido sí, porque Van Gogh era un artista que pintaba lo que veía. Lo que vio fue una ilusión, y él era una ilusión. "Noche estrellada" es una pintura de paisaje cercana y lejana, que se puede ver desde la técnica paisajística de alto punto de vista del pintor paisajista Bruegel del siglo XVI, aunque la fuente más directa de Van Gogh son algunas pinturas de paisajes impresionistas. Los altos álamos temblaban y flotaban lentamente delante de nosotros; los pequeños pueblos del valle vivían seguros bajo la protección del campanario de la iglesia; todas las estrellas y planetas del universo giraban y explotaban en el "Juicio del Juicio Final". Este no es el juicio final sobre el hombre, sino sobre el sistema solar. Esta obra fue pintada en junio de 1889 en el Sanatorio Saint-Remy. Después de una segunda crisis nerviosa, fue ingresado en una residencia de ancianos. Allí su enfermedad tuvo altibajos y siguió pintando cuando estaba consciente y lleno de emociones. Los colores son principalmente azul y violeta, y el amarillo de las estrellas late regularmente. Los álamos de color verde oscuro y marrón en primer plano representan la noche interminable que rodea al mundo.

Van Gogh heredó una gran tradición retratista poco común entre los artistas de su generación. Su apasionado amor por la gente le hizo inevitable pintar retratos. Estudió tanto a las personas como a la naturaleza, desde sus primeros bocetos hasta su último autorretrato, pintado pocos meses antes de su suicidio en 1890. Capta fielmente la aterradora e intensa mirada de un loco. Un loco, o una persona que no puede controlar su propio comportamiento, nunca sería capaz de dibujar un cuadro tan mesurado y hábil. En diferentes tonos de azul, unas líneas rítmicas realzan la bella cabeza escultural y el fuerte torso. Todo en el cuadro es azul o verde azulado, excepto la camisa oscura y la cabeza con barba roja. La combinación de todos los colores y ritmos desde la cabeza hasta el torso y el fondo, así como los sutiles cambios en las partes enfatizadas, demuestran que se trata de un artista que domina muy bien los métodos de modelado, como si Van Gogh pudiera grabar. mismo incluso cuando estaba completamente despierto de una enfermedad mental.

3. "Bandadas de cuervos volando en campos de trigo"

En esta pintura, todavía existe su color dorado único y familiar, pero está lleno de ansiedad y tristeza. El espeso cielo azul cubierto de nubes oscuras presionaba contra los dorados campos de trigo, dificultando la respiración y el aire parecía helado. Un grupo de cuervos desordenados que vuelan bajo, el horizonte ondulado y los golpes violentos aumentan la sensación de opresión, resistencia e inquietud. La escena es extremadamente turbulenta y el camino verde se adentra en la distancia entre los campos de trigo amarillos, lo que aumenta la ansiedad y la emoción. Este cuadro está lleno de tensión y augurios siniestros, como si se tratara de un libro suicida silencioso compuesto de colores y líneas. Al día siguiente, llegó a este campo de trigo y se pegó un tiro en el corazón.