Sobre el director de cine..
Obra maestra: Reglas del juego
Sergey. Eisenstein Sergei Eisenstein (antigua Unión Soviética, 1898-1948)
Propagandista, prestidigitador y reformador feroz. Era mucho más poderoso que sus contemporáneos. Puede que sus películas no sean arte absoluto, pero sus ideas todavía se aplican hoy en día. Sus películas son tan poderosas que ni siquiera puedes olvidar esas ocasiones formales. Una de las funciones originales del arte es la propaganda. Aunque la filosofía del arte moderno ya no lo define así, puede ser un proceso que se debe vivir cuando comienza un arte. Al menos en esa época, influyó en una generación, y esas habilidades básicas todavía se utilizan hoy en día. ¡Creo que te sorprenderás profundamente cuando veas esos famosos clips de hoy!
Ingmar Bergman
Desde su entrada en la industria cinematográfica en los años 50, Ingmar Bergman se ha distinguido por su estilo de imagen sencillo, lúgubre. Con su espíritu racional y la exploración de una serie de cuestiones como Vida y muerte, alma y cuerpo, espíritu y existencia, se ha convertido en una de las pocas personas en el mundo que dedica sus películas a temas filosóficos serios. El espíritu racional del cine sueco establecido por Bergman y el estilo realista del nuevo cine sueco de la década de 1960 alcanzaron el mismo objetivo e influyeron enormemente en el cine francés de la Nueva Ola.
Bergman es un gran director que puede rodar películas con tanta libertad como un escritor y siempre ha mantenido su posición como director de escena líder en Suecia. Creó "Fresas salvajes", "La Virgen María", "El grito". ", "Susurros" y muchas otras obras clásicas. Después de filmar "Fanny y Alexander" en 1981, se despidió de la industria cinematográfica y se dedicó al escenario de su propio drama. Con su asombroso poder explosivo, este hombre de 85 años se ha convertido en el "Séptimo Sello" más misterioso y definitivo del arte cinematográfico.
/view/256260.htm
Fellini
1920 65438 + 20 de octubre, Fellini nace en Rimini, Italia, 1993 65438 + Murió de un infarto y accidente cerebrovascular en Roma el 31 de octubre. Fruto de sus experiencias juveniles, es director, actor y escritor.
Como artista cinematográfico que ha ganado cinco premios de la Academia, Fellini, junto con Ingmar Bergman y Andrew Tarfsky, es conocido como el líder de las películas de arte moderno en el mundo. "Trinity" es la cima insuperable del cine europeo. películas de arte desde la década de 1960. Fellini guió el proceso espiritual de la Italia de la posguerra con su fuerte huella personal: el "estilo Fellini".
Akira Kurosawa (Japón, 1910-1998)
Guerrero, guerrero. Las emociones que transmiten las tomas de Akira Kurosawa también son intensas, tan intensas que uno no puede creer en este mundo humano. A través de su lente, el drama es cinematográfico, pero la imagen final genera un drama propio. Una expresión tan fuerte de humanidad revela la naturaleza insondable de la naturaleza humana. ¡Qué gran habilidad! Quizás, a sus ojos, la mayor tragedia del mundo resida en la contradicción de una moral indigna de confianza. Por lo tanto, cada vez que en la vigorosa programación y las imágenes, se revelará extrema tristeza e impotencia.
● Obras representativas: "Rashomon", "Seven Samurai" y "Chaos".
Steven Spielberg
Steven Spielberg nació en Cincinnati, Ohio, en una familia judía. Su padre era ingeniero eléctrico y su madre era pianista. El éxito de taquilla de ciencia ficción "El maestro del cine" combinó hábilmente el conocimiento tecnológico polarizado y la ambición artística en sus obras posteriores. Esta combinación surgió de las enseñanzas de su padre sobre la tecnología y la exposición de su madre a su estética. Su amor de toda la vida por contar historias fue influenciado por su padre, quien le contó sus valientes pero inevitablemente falsas experiencias en Birmania durante la Segunda Guerra Mundial. Esto también permite a Spielberg dejar una impresión romántica de la inocente época de los años 40, que aparece a menudo en sus películas, comparando la insatisfactoria vida real con una época ideal tan inalcanzable. Debido a la postura de su padre, Spielberg siguió mudándose y cambiando de escuela durante su infancia (finalmente se mudaron de Nueva Jersey a Phoenix, Arizona), lo que le provocó una ansiedad considerable en las relaciones. Además, años de peleas entre sus padres por diferencias de personalidad, así como su escasa fuerza física, provocaron que Spielberg pasara su infancia en un estado de altos niveles de desorden y frustración. Entonces, aprendí de mi madre una cierta visión de la vida: una perspectiva optimista de esperar siempre que vengan cosas buenas, que también se refleja en sus películas como el tono de sus películas.
Obras: "Fuego", "Tiburón", "Parque Jurásico", "La lista de Schindler", "El mundo perdido", "Salvar al soldado Ryan", "E.T. Man", "Stone Heaven" y " El duelo."
Alfred Hitchcock, Hitchcock, Alfred (británico/estadounidense, 1899-1980)
Este tipo moreno pero afable, no quiero hablar demasiado. Desde cierta perspectiva, contrasta con los artistas extremos, pero logra un cierto efecto * * *. En su expresión, las sustancias ordinarias se vuelven extraordinarias e incluso mortales. Lo que quiero mencionar aquí no es el "suspenso" que se ha repetido innumerables veces, sino el "romance".
¿Quién hubiera pensado que un hombre tan gordo podría ser la persona más delicada y romántica del mundo? Si no has notado el delicado romance y el humor de las películas de Hitchcock, al menos no has empezado todavía. Este tipo de romance no sólo se refiere a la sutil conexión interna entre los personajes, sino que también las tomas meticulosas, ya sean subjetivas u objetivas, forman una especie de romance en sí mismo. ¡Incluso romántico hasta la muerte! Hitchcock es el único maestro de cine que puede hacer que una escena de beso sea tan tensa, melancólica e incómoda como un asesinato, y al mismo tiempo hacer que el asesinato sea tan suave y silencioso como un beso. ¿Cómo pudo hacer esto? ¿Será porque el sexo y la muerte siempre están sutilmente vinculados? No lo pienses demasiado, en cuanto lo pienses, sonreirá secretamente en el cielo.
● Obras representativas: Vértigo y Beauty Trap.
Stanley Kubrick nació el 26 de julio de 2009 en el Bronx, Nueva York, Estados Unidos. Sus antepasados eran inmigrantes judíos del Imperio austrohúngaro y su padre era médico. En 1941 Kubrick tenía 13 años. Su padre le regaló una cámara y se interesó por la fotografía.
En 1946 se incorporó a la revista "Prospect" como fotoperiodista, lo que le dio la oportunidad de viajar por todo Estados Unidos realizando un trabajo destacado. En 1950, utilizó sus ahorros personales de 3.800 dólares para escribir, dirigir y filmar un breve documental sobre el Boxing Day, registrando la participación del boxeador Walter Cartier en el juego, y lo vendió a China Radio and Television por 4.000 dólares. Ese mismo año, dejó su trabajo en la revista Outlook y estudió en la Universidad de Columbia, donde se concentró en estudiar obras literarias y miró atentamente películas clásicas en el Museo de Arte Moderno en un esfuerzo por mejorar la calidad artística de las películas.
El pináculo de la carrera de Kubrick fue la clásica película de ciencia ficción "2001", que escribió y dirigió en 1968. Creó una revolución cinematográfica con sus deslumbrantes efectos visuales y su originalidad musical. La naranja mecánica de 1971 fue una representación impresionante de pandilleros violentos, pero fue prohibida en el Reino Unido por glorificar la violencia.
El repertorio clásico también incluye "A Pear Blossom on the Begonia", una adaptación de la impactante novela sobre una rebelión de esclavos, y la película de guerra de 1987 "Full Metal Jacket, Dr. Aggie", que describe el frío Estalla una guerra que podría llevar a una guerra nuclear. Las películas de Kubrick trataban principalmente sobre el crimen y la violencia, y tendían a ser antisistema. Cada vez que hay controversia, las críticas cinematográficas también se polarizan. Fue nominado a 14 premios Oscar y ganó 8 en su vida, pero nunca ganó el premio al Mejor Director. Esto hizo que la industria cinematográfica sintiera lástima por este director más destacado de la posguerra.
Permaneció inactivo durante muchos años antes de comenzar a trabajar en un thriller erótico en 1996, Eye-Opening, que no completó hasta 1996. Mientras hacía una película con linterna, de repente abandonó su ambición y murió en el Reino Unido el 7 de marzo de 1999 a la edad de 71 años. Los fanáticos estaban extremadamente conmocionados y arrepentidos. Los fanáticos solo pueden recordar al maestro en una reveladora despedida de su legado. ...
Chaplin
En la historia del cine, hay innumerables personas que se han convertido en maestros creando tragedias, pero hay muy pocas personas que se han convertido en maestros de la comedia. Es suficiente demostrar lo dura que puede ser la comedia. Es cien veces más difícil para la comedia hacer reír y sorprender a la gente al mismo tiempo que para la tragedia. Pero Chaplin lo hizo. Fue el único en cien años. La imagen del vagabundo con zapatos grandes, sosteniendo un bastón delgado y caminando como un pingüino ha provocado risas interminables en generaciones de audiencias. Detrás de esta risa se esconde la soledad y la desolación de la vida. Este DVD contiene los 10 largometrajes de Chaplin, además de una colección de dos cortometrajes, que representan los logros más importantes de la vida de Chaplin. Lo más gratificante es que las películas más importantes, como "City Lights", "The Gold Rush" y "Modern Times" son todas versiones restauradas digitalmente y la calidad de la imagen es mucho más clara que las versiones originales. elección para la colección.
Con sombrero de copa, zapatos puntiagudos, bigote negro debajo de la nariz, camiseta ajustada, pantalones holgados y un bastón en la mano, apareció en la pantalla como un pato: esta es la imagen del caballero y del vagabundo que Chaplin creó para nosotros. Charlie Chaplin fue una superestrella durante la era del cine mudo en Hollywood y la imagen de Charlotte que creó siempre será recordada. Ya sea la bondad, el humor y la desgracia del vagabundo Charlot, o la obstinación y arrogancia del dictador, estos se han convertido en looks clásicos en la historia del cine mundial.
/view/10988.htm
David Lane
David Lane nació en Inglaterra en 1908. Comenzó a filmar en 1928 y fue famoso por sus primeros dramas teatrales y películas. En 1942 dirigió una inolvidable obra romántica "Tarde para una cita". De 1946 a 1948, adaptó a la pantalla "Las lágrimas de la estrella solitaria" y "Oliver Twist" de Dickens, creando películas con fuertes características nacionales británicas. A partir de mediados de la década de 1950, el estilo de Lynn cambió y se embarcó en un camino internacional, especializándose en "películas transoceánicas" (es decir, películas que atendían los gustos del público británico y estadounidense en ambos lados del Atlántico). "El puente sobre el río Kwai" es la "película transoceánica" más famosa de la Gran Bretaña de los años cincuenta. Linn, respaldado por un profundo capital estadounidense, hizo de la película un espectáculo. Gracias a ello ganó el primer premio al Mejor Director. En 1962, volvió a producir el éxito de taquilla histórico "Lawrence de Arabia" y ganó su segunda estatua de oro. Dirigió "Doctor Zhivago" en 1965 y "Pasaje a la India" en 1984 durante más de 40 años.
David Lean sólo hizo 16 películas, pero recibió 56 nominaciones al Oscar y * * * ganó 27 medallas de oro. Él mismo ha sido nominado siete veces al premio al Mejor Director y ganó dos veces, y es conocido como el líder de la industria cinematográfica británica.
Cronología de obras:
Serie de exploración Lone Star Grandes esperanzas (2001)
Viaje a la India (1984)
La hija de Ryan ( 1970), la hija de Ryan.
La gran historia jamás contada (1965)
Doctor Zhivago (1965)
Lawrence de Arabia (1962)
Puente sobre el río Puente Kwai sobre el río Kwai (1957)
Verano soleado (1955)
La elección de Hobson (1954)
Hasta el cielo The Sound Deaf, (1952) )
Madeline Madeleine (1950)
El duende feliz (1949)
Oliver Twist (1948)
p>
Estrella Solitaria, Sangre y Lágrimas, Grandes Esperanzas (1946)
Es demasiado tarde para encontrarse (1945)
Alegría familiar, una especie feliz (1944)
Con el país al que servimos (1942)
Obras de guiones cinematográficos
Un pasaje a la India (1984)
El duende feliz (1949)
Oliver Twist (1948)
La estrella solitaria Sangre y lágrimas y grandes esperanzas (1946)
Odio que nos conocimos demasiado tarde (1945)
La felicidad de a Family The Variety (1944)
Jean-Luc Gedard
El director suizo de origen francés, representante de la Nueva Ola francesa, rompió reglas tradicionales del cine como la narrativa y la continuidad sexo. Fue educado en Suiza y París en sus primeros años y viajó por América del Norte y del Sur durante tres años.
65438-0950 se incorpora a la redacción de "Cahiers du Cinéma" y comienza a dedicarse a la crítica cinematográfica a tiempo completo. En los diez años siguientes, pasó todo el día en el archivo cinematográfico, estudió y vio un gran número de películas de diversos tipos y desarrolló una sólida alfabetización cinematográfica. De 1954 a 1958 intentó dirigir cinco cortometrajes. Con la ayuda de Truffaut rodó su primer largometraje, "Deadpool", y ganó el premio al Mejor Director en el Festival de Cine de Berlín.
Desde finales de la década de 1950 hasta mediados de la de 1960 fue el período cumbre de la creación de Godard. Después de 1967, todas sus obras fueron películas políticas, lo que alejó a un gran número de espectadores que lo amaban. Después de la "Tormenta de Mayo" en Francia en 1968, Godard y Jean-Pierre Gauland, el líder del movimiento estudiantil francés en ese momento, organizaron el "Grupo Vertov", que creía en el fundador de los primeros "Cinema Eyes" soviéticos, Djiga. La teoría de Wei Altov. "Para hacer una película revolucionaria, la película primero debe ser revolucionaria". El grupo rodó una serie de "películas políticas" como "La verdad", "Viento del este", "La lucha en Italia", "Hasta la victoria", " Todo va bien", etc. En la década de 1970, debido a un accidente automovilístico, dejó de filmar y se mudó a Suiza. 65438-0980 Regresó a Francia para hacer películas, principalmente "Carmen" y "La Nueva Ola".