¿Cuáles son las categorías del anime?
2. Animación flash bidimensional La animación flash es básicamente bidimensional y se produce utilizando tecnología informática y software flash. La operación es relativamente simple, el costo de producción es relativamente bajo, el archivo es pequeño y fácil de difundir. Con el continuo desarrollo de la tecnología de producción, la animación flash bidimensional se puede ver en todas partes de nuestras vidas.
3. Producción de animación tridimensional La producción de animación tridimensional se ha utilizado ampliamente en los últimos años. Utiliza principalmente tecnología de simulación tridimensional para simular, brindando a las personas una experiencia visual real y vívida. La animación tridimensional se ve comúnmente en éxitos de taquilla de cine y televisión como "Transformers" y "Spider-Man". Además, con el desarrollo de la era de la información, también se ha aplicado al campo de la publicidad, como la animación tridimensional de los zapatos Nike diseñados por Hu Yi Animation, la animación de simulación de maquinaria médica, la animación tridimensional de Templo Longquan en Tangshan, etc., todos los cuales han ejercido el encanto de la animación tridimensional.
4. No existen muchos tipos de animación stop-motion en la producción de animación stop-motion. Cuenta con muñecos de barro, títeres o materiales mixtos como personajes principales. Su producción consiste en descomponer los movimientos del personaje, plantear una pose continua y registrarla filmando fotograma a fotograma. Cuando se reproduce de esta manera, se produce una imagen continua. Las animaciones stop-motion más conocidas incluyen "El gran caballo", "La historia de dos generaciones" y "Chicken Run".
Proceso de producción de animación 1. Diseño de personajes Cuando el cómic original se adapta a animación, debido a que los personajes y el vestuario ya están finalizados, no se necesita más diseño. Pero, ¿por qué cada animación original sigue marcada con "diseño de personaje original" y "diseñador de personaje de animación"? Primero, los cómics son obras estáticas. Debido al pequeño número de cuadrados, las líneas de los personajes pueden ser más complejas para profundizar la belleza y la impresión de la obra. Sin embargo, al producir animación, si las líneas de los personajes originales son fieles a los personajes originales, prolongará el tiempo de dibujo y costará más dinero, por lo que es necesario simplificar las líneas de los personajes originales. En segundo lugar, los personajes de anime no tienen que estar coloreados ni tienen que conectar cada línea. Sin embargo, la animación debe colorearse, por lo que el colorista debe mejorar el modelado original del personaje y conectar todas las líneas para que el colorista las coloree. En tercer lugar, hay algunos personajes de anime originales que no son adecuados para obras de anime. Por lo tanto, por razones como la eficiencia de la producción, el color y el modelado de la animación, la animación original requiere la contratación de diseñadores de personajes de animación adicionales.
2. Diseño de fondos Ha habido diseñadores de fondos profesionales desde la era de los cómics en blanco y negro. Los diseñadores de fondos básicamente quieren dibujar diseños "buenos, rápidos y hermosos". El tiempo de animación es limitado y no hay mucho tiempo para dibujar lentamente, por lo que los diseñadores de fondos de arte profesionales populares se mueven rápidamente y pueden cumplir con plazos de entrega ajustados.
Una vez completados todos los diseños de modelado mecánico y de personajes, el director y el estilista deben trabajar con el diseñador de color para finalizar el color del personaje. El diseño de color debe coincidir con el tono de toda la obra (fondo y personalidad) para diseñar el color de los personajes. Una vez finalizado el borrador del color, los especificadores de color especifican tipos de color más detallados.
Hace muchos años, antes de la coloración por ordenador, se utilizaban pinturas de acuarela para diseñar colores sobre papel blanco. La mayoría de los colores de las pinturas de acuarela no los prepara la propia empresa de producción, sino que se diseñan en función de las tarjetas de colores y los tipos de colores ya preparados que proporciona la empresa de pinturas. La razón por la que no coloreo yo mismo es simple, porque después del diseño del color, un colorista todavía necesita colorear. Si te coloreas tú mismo, es difícil para un colorista nombrar el mismo color. Por supuesto, si el director lo solicita y los fondos lo permiten, la productora puede pedirle a la empresa de pintura que produzca los colores requeridos, los embotelle y los distribuya a los coloristas. Debido a que la empresa de pintura especifica el tipo de color antes del proceso de diseño del color, los diseñadores de color han servido como especificadores de color durante años. Y los colores de muchas animaciones tienen el mismo aspecto.
El diseño del color de la animación y la especificación del color se completan a través del software. El software utilizado por la empresa (¡animo y RETAS son software de animación populares en Japón! PRO) son diferentes. Siempre que sea un software de procesamiento de imágenes, se puede utilizar para el diseño de color. Cabe señalar que cada software procesa el color de diferentes maneras, por lo que se debe especificar el mismo software para la gradación de color cuando se entrega al colorista. Además, debido a la digitalización de los métodos de producción y la libertad de selección de colores, se ha ampliado la gama de opciones para la configuración de colores y se han establecido colores más delicados y diversos.
Tanto los diseñadores de color como los distribuidores de color comienzan como coloristas. Ascendido a diseñador de color o diseñador de color después de uno o dos años (dependiendo de las calificaciones individuales). La mayor diferencia entre los diseñadores de color y los especificadores de color es que los diseñadores de color solo necesitan establecer colores básicos (colores bajo la luz solar normal).
El colorista también debe trabajar con el asistente de dirección para configurar en detalle otras luces y colores necesarios para el episodio (anochecer, noche, iluminación especial...). Como diseño de color de animación y especificación de color, debe tener conocimientos de procesamiento de imágenes. Debido a que la calidad de la imagen y el color que muestra cada equipo fotográfico son diferentes, si no diseñamos y especificamos sin una comprensión integral, el color que se muestra en la pantalla del televisor tendrá un gran impacto en la pantalla de la computadora y reducirá el encanto de la pantalla. trabajar. Por lo tanto, los coloristas de base necesitan uno o dos años para familiarizarse con el proceso operativo real antes de poder ascender a coloristas y luego a diseñadores de color.
3. Imagen reflejada Una imagen reflejada es simplemente "un guión presentado como una imagen". El tiempo que tardas en dibujar una imagen reflejada depende de tu progreso. Se necesitan 3 semanas para completar un promedio de 26 minutos de animación. No es necesario dibujar los personajes correctamente en el dibujo en perspectiva, siempre que el personal de postproducción pueda entenderlo. A pesar de esto, el artista del guión gráfico aún necesita practicar el modelado de personajes de cada obra, comprender las características de la obra de antemano y dejar que el artista original confíe en el guión gráfico para dibujar correctamente las tomas requeridas por el asistente de dirección de cada episodio.
Es común ver que el artista del storyboard y el asistente de dirección son la misma persona. La razón es sencilla. Porque el diseñador de los dibujos (artista del storyboard) suele ser la persona que mejor comprende los efectos y las magníficas dotes interpretativas necesarias en cada plano para resaltar mejor el encanto de la obra. Por lo tanto, los guiones gráficos suelen ser obra del asistente de dirección.
El subdirector básicamente comparte la carga del director. Ya sea una serie OVA de varios episodios o una serie de animación para televisión de 26 episodios, es imposible que un director se ocupe de todos los detalles de producción. Entonces cada serie animada tiene un puesto de asistente de dirección que gestiona la producción de animación de cada episodio. La mayoría de los directores son responsables de los importantes primeros y últimos episodios. El contenido del trabajo del asistente de dirección es básicamente el mismo que el del director, excepto que no es responsable de los guiones de preproducción, los borradores de diseño y las actividades publicitarias de posproducción. Sin embargo, dado que el director es el comandante general de toda la obra, antes de que el asistente de dirección sea responsable de la producción de cada episodio, las escenas secundarias dibujadas por el asistente de dirección deben ser aprobadas por el director antes de que el trabajo pueda ser asignado oficialmente. al animador original para la producción.
4. Composición Después de preparar el dibujo en perspectiva y todos los diseños de personajes y fondos, alguien debe juntar todos los materiales y dibujar un dibujo en perspectiva ampliado y detallado para acciones posteriores. Es el compositor quien interpreta esta obra.
Un dibujo en perspectiva suele ser sólo un boceto que ofrece una visión general de una pintura. Por ejemplo, en una toma donde "Xiao Ming y Jesse están hablando en el campo de deportes", el personal de composición debe dibujar a los personajes (Xiao Ming y Jesse) basándose en la descripción general de cada fotograma de la escena, la tabla de modelado de personajes. (ejemplo) y el fondo Una vista ampliada de la relación posicional detallada con el fondo (campo de deportes). Si las instrucciones de la composición no son claras, afectará el trabajo de pintura original posterior. La composición completa y la hoja de diseño de personajes se entregan al artista original, a quien se le pide que comience a dibujar una imagen especular principal más detallada basada en la composición.
La razón por la que existen directores de animación originales es que una obra suele emplear de dos a cuatro animadores originales (más o menos dependiendo de la obra). Cada personaje dibujado por el artista original puede verse diferente según su propio estilo de pintura (o habilidades pictóricas). El trabajo del director de pintura original es modificar la pintura original dibujada por el artista original, unificar el estilo de la pintura y hacerla fiel al borrador del diseño de personajes.
Un buen pintor y director original debe investigar un poco sobre las lentes fotográficas para poder dibujar bien cada lente principal. Las películas pueden requerir que los actores se coloquen en la posición correcta y posen como quiere el director. Pero la animación sólo puede utilizar bolígrafos para dibujar posiciones ideales y movimientos de personajes. Por lo tanto, un pintor original y un director de pintura original con buenas habilidades y calificaciones también significa que puede dibujar la imagen ideal de la cámara principal (la postura y el movimiento correctos del personaje) basándose en los conceptos de fotografía y edición. A muchos pintores o directores originales experimentados les encantan las películas y han investigado un poco sobre ellas.
Los animadores originales y los directores de animación originales en su mayoría comienzan como animadores de base. Debido a que es necesario comprender y familiarizarse con el proceso de producción de animación antes de actualizar a la pintura original, es imposible que los recién llegados realicen trabajos de pintura original tan pronto como se unen a la empresa de animación. Un animador bien calificado y trabajador puede ser ascendido a artista conceptual y luego a director conceptual muy rápidamente. Quienes no están cualificados y no trabajan duro no tienen más remedio que seguir siendo animadores de base.
5. El doblaje se divide en tres partes: doblaje de personajes, música y efectos de sonido. La mayor parte de esta parte es asignada a varios departamentos de sonido (como compositor, letrista, actor de doblaje, productor de sonido) por el director de sonido designado después de una reunión entre el productor y el director en las primeras etapas de producción. Esta vez mencionaré primero a los actores de voz que doblan personajes animados (en este artículo se utilizan actores de voz).
Los roles de una producción los determinan el director, el director de sonido y los patrocinadores. Decidir sobre los actores de doblaje y asignar roles no es una cuestión sencilla. En lo que respecta a la planificación del proyecto original, el director que tiene tanto el proyecto original como el proyecto original determina la impresión del personaje que crea y hay muchos actores de doblaje en Japón, por lo que no es fácil elegir el. candidato ideal entre los actores de doblaje. Es posible que los lectores ya sepan que los actores de doblaje japoneses tienen cierta influencia en el mercado, y los fanáticos de los actores de doblaje comprarán sus actuaciones de actores de doblaje favoritas, por lo que a veces son elegidos por patrocinadores.
¿Cómo elegir un actor de doblaje adecuado para tu trabajo? Algunos directores han entrado en contacto con muchos actores de doblaje debido a su participación en la producción de muchas obras y su amor por la animación. Entonces, al elegir un actor de doblaje, es posible que haya pensado en utilizar un actor de doblaje para realizar su trabajo. Si el director no tiene una idea, le pedirá consejo al director de sonido. La razón es que el director de sonido se lleva bien con los actores de doblaje durante todo el año y sabe mejor que el director qué actor de doblaje es adecuado para cada tipo de papel.
Otra situación es que cuando una productora lanza un nuevo trabajo, notificará al departamento de asuntos de actores de doblaje para enumerar los candidatos y luego celebrará una reunión con el director y el director de efectos de sonido para tomar una decisión.
Después de confirmar a los candidatos, asigna el guión a los actores de doblaje que interpretan cada papel y organiza el tiempo para la grabación. A la grabación asistieron el productor, el director de producción, el director, el director de sonido y el asistente de dirección. Los estudiantes de actor de doblaje de último año pueden grabar oficialmente después de una audición debido a su rica experiencia o sus habilidades de actuación maduras. Por supuesto, una línea (especialmente la risa o el llanto) se puede expresar de muchas maneras. El director guiará al actor de doblaje en diferentes formas de expresar la grabación y luego elegirá las partes más adecuadas a utilizar. Esto no quiere decir que la voz no sea buena, sino que es fuerte y una línea se puede expresar de muchas maneras, lo que le da al director la posibilidad de elegir. Por supuesto, un actor de doblaje cuyas habilidades de actuación no son lo suficientemente maduras puede tener que audicionar muchas veces antes de grabar el efecto que desea el director. Al grabar un solo personaje, un actor de doblaje con malas habilidades de actuación no reducirá el tiempo de otros actores de doblaje (solo el director sufrirá y los actores de doblaje tendrán que esperar pacientemente hasta que el actor de doblaje con malas habilidades de actuación diga las líneas apropiadas). ). Pero al grabar escenas grupales, los actores de doblaje con malas habilidades de actuación eran muy pobres. Debido a que los actores de doblaje que grabaron juntos lo grabaron una o dos veces, estuvo bien y los enviaron a casa, pero aún así salió NG, y al final fueron los únicos que quedaron para grabarlo, lo cual fue un poco vergonzoso. La hora de inicio de la grabación depende de la situación. Generalmente comienza a las 10 a. m., pero a veces comienza a las 4 o 6 p. m. En cuanto a cuánto tiempo lleva, depende de la longitud de las líneas de los actores de doblaje grabadas ese día, la cantidad de personas grabadas y la madurez de sus habilidades de actuación. A veces se resuelve en 30 minutos, a veces lleva horas hasta altas horas de la noche.
6. Síntesis de efectos de sonido Además de las excelentes habilidades de actuación de los actores de doblaje de personajes animados, los efectos de sonido y el tema musical también son otra razón importante para atraer a la gente a mirar.
La mayor parte de la música es creada por compositores y letristas profesionales. El tamaño de tu producción musical depende de tu presupuesto. A gran escala, se puede invitar a músicos famosos y orquestas sinfónicas a interpretar el tema principal. A pequeña escala, puede ser tan pequeño como una persona mezclando la música en una computadora. Los compositores y letristas no se limitan a hacer música de animación. Por lo general, provienen de otros círculos musicales y hacen música de animación entre líneas. Para comprender la visión del mundo que el productor original (original) quiere expresar, el productor musical debe reunirse con el director con anticipación para comprender el sentimiento que el director necesita. Después de la reunión, comencé a hacer una cinta de demostración. En el pasado, las cintas de audición se entregaban a los directores en forma de cintas de audio, a menudo en MD o CD. Después de escuchar la cinta de la audición, el director se reunió con el compositor y letrista para revisar la dirección de la producción musical. Debido a que otro ingreso importante de la animación son las ventas de CD con bandas sonoras. Por ejemplo, invitar a cantantes pop populares a cantar temas musicales puede atraer fanáticos, las compañías discográficas que forman grupos de chicas para trabajos de animación de gran tamaño pueden estimular las actividades de ventas y las voces principales populares. los cantantes pueden atraer a un cierto número de clientes... y muchos otros factores de ventas ejercen cierta presión sobre la producción de música animada.
En cuanto a los efectos de sonido, supongamos que una historia animada se desarrolla en verano y no hay ningún sonido excepto las voces de los personajes animados. Incluso si la imagen muestra una playa soleada o cubitos de hielo sin el sonido del agua del océano, el sonido de los cubitos de hielo derritiéndose puede hacer que todo el verano se sienta mucho menos intenso. El orden para crear efectos de sonido es recopilar materiales de sonido->compilar->mezclar->grabar->confirmar->guardar el material. Hay tres efectos de sonido.
(1) Sonido artificial: Efecto sonoro original, que requiere sonidos creados por el propio sonidista, como sonidos producidos por armas o naves espaciales que no existen en la realidad.
(2) Sonidos ambientales: sonidos de diversas escenas alrededor de los personajes, sonidos de coches que pasan, campanas del colegio, etc.
(3) Sonido: el sonido de pasos, el sonido de la ropa frotándose, el sonido al cerrar la puerta y el sonido al abrir la puerta. En pocas palabras, es el sonido generado por. las acciones de los personajes de la imagen.
Dependiendo del efecto deseado, los sonidos artificiales pueden mezclarse a partir de varias fuentes de sonido o ser producidos por ingenieros de sonido a partir de diferentes materiales. En cuanto a los efectos de sonido ambiental o la generación de sonido, a veces se graban directamente en la calle o en la naturaleza, y a veces se utilizan CD con materiales fuente de sonido vendidos en el mercado. Las diferencias en el equipo de sonido, el volumen o las diferentes opiniones de cada persona sobre los distintos sonidos cambiarán la atmósfera de cada animación, por lo que los ingenieros de efectos de sonido deben ser muy sensibles al sonido (cualquier sonido) y hacer grandes esfuerzos para comprender el equipo de sonido.
El tema musical ha sido compuesto y cantado en las etapas inicial y media de la animación, por lo que el tiempo de producción es relativamente suficiente. Sin embargo, debido a retrasos en las operaciones de animación, el trabajo de composición audiovisual suele llevar menos tiempo. La composición corre a cargo del director, el director de sonido y los técnicos del estudio. Algunos directores disfrutan más componiendo de todo su trabajo de animación. Porque esta es la primera vez que todas las "partes" de animación realizadas según las instrucciones del director se juntan por primera vez. Los horarios de trabajo "patchwork" varían. La versión teatral se divide en muchas secciones y se completa una por una. Una versión más corta de OVA o TV de 26 minutos generalmente se puede completar en un día. A veces la fuente sonora preparada de antemano no coincide con el director o la imagen. En cuanto al sonido de la lluvia, la sensación de lluvia fuerte o lluvia ligera o lluvia fuerte o lluvia ligera es diferente. Es necesario comunicarse completamente con el director y el sistema de sonido con anticipación antes de que todo esté bien. En particular, el tiempo de producción de las series de televisión es relativamente ajustado, por lo que es muy importante darle al personal de posproducción suficiente tiempo para modificar el cronograma.
La mayoría de los compositores o grabadores que hacen música de animación no comenzaron en la industria de la animación, sino que en su mayoría provienen de otros círculos musicales. Cómo ingresar a la industria de la música está un poco desconectado de esta columna de animación, por lo que no entraré en detalles aquí. Sin embargo, gustar la música y tocar un instrumento es fundamental.
Porque para poder combinar varias tramas de animación, los músicos que producen música de animación necesitan saber mucho sobre varios tipos de música para poder crear la música ideal.
7. Proyección de prueba Cuando se produzca una versión cinematográfica de animación, la primera proyección de prueba se realizará en la sala de audiovisuales de cada productora de cine y televisión después de la síntesis audiovisual. El motivo de realizar el avance no es solo comprobar los errores finales en la pantalla grande, sino también invitar a personas relevantes de la industria a ver la película con fines publicitarios. Después de la primera proyección, si se encuentra alguna insatisfacción, se devolverá al centro de producción para volver a filmarla. De hecho, la mayoría de los remakes sufren algún grado de modificación durante el proceso de inspección de la película en el centro de producción sin obstaculizar el tiempo de revisión y proyección. Además, las horas de trabajo para las animaciones de películas y televisión son bastante ajustadas. Por lo general, no hay mucho tiempo para volver a grabar antes de enviarlas a estaciones de televisión o cines para su revisión y transmisión. Las operaciones de refilmación a gran escala generalmente se llevan a cabo después de la transmisión por televisión (descarga de películas) y antes del lanzamiento del DVD. Debido a que las obras OVA no se muestran en televisión ni en la pantalla grande, siempre que cumplan con el plazo, algunas obras OVA se proyectarán y promocionarán, pero la naturaleza de la promoción en esas proyecciones tiene poco que ver con el contenido de las obras revisadas. .
Desde la planificación hasta el lanzamiento, las obras de animación deben ser empaquetadas y promocionadas por empresas de comunicación (publicidad) antes de que puedan llegar al público. Cuando se trata de cómo promover las ventas, debemos mencionar algunas cuestiones económicas prácticas y los costos de planificación y producción mencionados en las secciones primera a tercera de esta unidad. Se necesitan decenas de millones de yenes para producir una animación de 26 minutos, y la versión cinematográfica se basa en yenes de 8 dígitos. Por lo tanto, cuando se recaudan fondos para la producción de animación de películas o televisión en la etapa inicial, ya sea que lo planifique una empresa de comunicación de cine y televisión o una productora de animación, es difícil producir de forma independiente sin la ayuda de patrocinadores. La mayoría de los patrocinadores que participarán en la producción de animación son gigantes editoriales, televisivos o cinematográficos que están familiarizados con la industria de la animación y, en ocasiones, se unirán personas de la industria financiera. Cuando se buscan patrocinadores para colaborar en proyectos de animación, la mayoría de los patrocinadores recibirán varias condiciones relacionadas con los derechos en virtud del acuerdo. La razón es que, aunque el costo de inversión inicial es enorme, la tasa de recuperación de productos relacionados (clasificaciones de televisión = ingresos por publicidad, DVD, CD, juguetes, etc.) es varias veces mayor que el costo de producción si la situación de ventas es fluida. Por supuesto, atraídos por la alta tasa de recuperación, a veces los patrocinadores interesados en la planificación de la animación toman la iniciativa de proponer condiciones de inversión y luego participar en el proceso de producción. El 'Comité de Producción' (o XX Magic Company, combinación 00, plan # #... varía según el nombre de la obra de animación) suele figurar en la etiqueta de derechos de autor de la obra de animación y es la empresa de inversión que realmente invierte y posee diversos derechos sobre el grupo de trabajo. Además, debido a la escala de las empresas de planificación de transmisiones, algunas tienen sus propios canales de distribución y otras no, por lo que cooperarán con grandes agentes generales. Por lo tanto, a menudo podemos ver las diferentes situaciones de empresas que "venden RMB" y "venden RMB" en el empaque de los DVD animados. La mayor parte de los dólares vendidos son derechos de autor de obras de animación. Los propietarios de los derechos y proyectos de venta invierten principalmente en empresas de producción, mientras que los dólares vendedores son los agentes generales (empresas que tratan con minoristas).
El grupo inversor no tiene mucha influencia en la producción de animación real, pero tiene una gran influencia en el proceso de promoción y ventas. Por ejemplo, si uno de los inversores es una estación de televisión, esto puede tener un impacto en el tiempo de transmisión, el rendimiento de la animación y el contenido de la historia. Esto está relacionado con la diferente escala de cada estación de televisión y las diferentes audiencias en cada período. Algunas estaciones permiten un cierto nivel de insinuaciones sexuales e intensidad de presentación de video, mientras que otras tienen estándares más estrictos para el mismo período. Según los estándares de censura de transmisión de diferentes estaciones de televisión, las animaciones producidas para fanáticos de la animación para adultos no aparecerán en algunas estaciones de televisión. Incluso si la escala es relativamente flexible, las animaciones creadas para fanáticos de la animación para adultos solo se transmitirán en 65438+ de 0 a 3 p. m., no de 6 a 8 p. m. ni de 7 a 9 a. m. para niños. Además, los horarios de televisión de cada compañía de transmisión son diferentes. No es difícil determinar con qué compañía de transmisión cooperar cuando se transmite la animación. Lo mismo ocurre con la versión teatral, qué teatro puede mostrarla.
8. Hay muchas formas de promocionar, ya sean obras originales o animaciones originales. Una vez que se toma una decisión (recaudar fondos, prepararse para la producción), se anunciará a través de los sitios web de las compañías de transmisión de cine y televisión, las compañías de producción de animación y varios videos diversos relacionados con la animación. Este es el primer paso en la publicidad. En lo que respecta a la versión cinematográfica, el trabajo de animación que se puede utilizar para realizar un largometraje ya es bastante famoso. Las revistas de animación a veces toman la iniciativa o cooperan con las promociones de la empresa de radiodifusión y recopilan artículos especiales (como entrevistas con directores, productores, estilistas de personajes o mecánicos, actores de doblaje... y otros productores importantes) para aumentar el deseo de compra de los intrínsecamente leales. audiencia. El inicio de la producción de series de televisión también se anunciará en varios medios en una etapa inicial para atraer la atención de la audiencia. En medio de la producción, no importa qué tipo de trabajos de animación se lancen, se exhibirán carteles (como se muestra arriba) en varios eventos a gran escala, se harán videos promocionales, se invitará a los productores al escenario con anticipación o se invitará a grupos de chicas. serán invitados a actuar como portavoces de animación. En algunas actividades fijas relacionadas con la animación, se producirán versiones en idiomas extranjeros para atraer a agentes extranjeros a comprar derechos de autor. En términos de promoción de postproducción, además de los habituales anuncios en televisión y otros medios, según las últimas tendencias, los productores venderán por adelantado DVD de previsualización de productos relacionados con la animación (pegatinas, camisetas...). El trabajo publicitario inevitablemente se verá afectado por la financiación suficiente para hacerlo famoso en más medios. Sin embargo, no todas las obras cuentan con una gran cantidad de fondos publicitarios. Además de la producción de carteles fijos, páginas web y vídeos promocionales, las estaciones de televisión rara vez transmiten reportajes especiales sobre obras de animación durante el horario de máxima audiencia, como las obras de directores de fama mundial.
9. Volumen de ventas Hablando de volumen de ventas, han pasado diez o veinte años desde que se emitieron dramas televisivos promocionando DVD. En los primeros tiempos, el único medio de animación era la televisión o el cine. En la 'antigüedad', no había muchos canales para acceder a las obras de animación. Las noticias de revistas y la televisión (las 11 en punto se consideran altas horas de la noche) son los principales medios para que los niños vean dibujos animados. Por supuesto, el contenido de los dibujos animados también está restringido en consecuencia. La aparición del VHS en la década de 1980 abrió el mercado para las series de animación OVA y cambió los hábitos de visualización de animaciones. En la década de 1980, era un gran desafío para el vendedor a cargo de la publicidad vender directamente cintas de video sin transmisiones de televisión, porque no había precedentes, no sabía cómo ponerle precio y no sabía si había un mercado. Pero inesperadamente, las animaciones OVA que no estaban limitadas por la escala de la televisión se vendieron muy bien, por lo que gracias al VHS se estableció el período dorado de los OVA desde los años 80 hasta mediados de los 90. Además, la aparición de grabadoras de vídeo domésticas ha cambiado los hábitos audiovisuales de las estaciones de televisión que sólo pueden transmitir por televisión grabando primero y luego viendo, completando así el modelo de ventas de lanzar cintas de vídeo después de las transmisiones de televisión. Con los cambios de los tiempos, el LD que consume mucho espacio se ha convertido en una cosa del pasado, reemplazado por el nuevo DVD. Durante la transición de VHS, LD a DVD, la industria de la animación finalmente descubrió que el efecto publicitario y de conciencia pública del lanzamiento directo de cintas de video no era tan bueno como el de las obras de animación transmitidas por televisión, por lo que la mayoría de las obras OVA más conocidas lanzaron TV. Serie de animación para promover la popularidad de toda la obra. Con el advenimiento de la era del DVD y la tendencia de que la televisión vuelva a convertirse en la favorita de los medios, la industria ha pasado de lanzar primero series OVA a producir directamente series de televisión y luego lanzar DVD y CD relacionados. Una vez que la popularidad sea alta, haga una versión teatral o use OVA para escribir una historia de seguimiento. En cuanto a las redes de banda ancha, la mayor parte de la industria tiene una actitud de esperar y ver qué pasa, basada en ejemplos fallidos y el impacto negativo de numerosas descargas ilegales y casos de infracción de derechos de autor.
Cuando se comparten muchos derechos con inversores en la etapa inicial de una producción de animación, las operaciones posteriores de publicidad y ventas a menudo están fuera de la jurisdicción o control de la productora de animación. Sin embargo, se ha mencionado varias veces en esta unidad que una buena animación es el resultado de un buen trabajo en equipo. La división del trabajo en las últimas etapas de la publicidad y el marketing no se debe exclusivamente a factores políticos o económicos, sino también a consideraciones profesionales.
Después de que se vendió el último episodio de una obra en Japón, solo se vendió la versión doblada/subtitulada en el extranjero. Debido a la "súper popularidad" de Pokémon en todo el mundo, los mercados fuera de Japón han atraído gradualmente la atención de la industria japonesa, cambiando su actitud hacia los mercados extranjeros. No solo se esfuerza activamente por lograr casos de animación extranjeros, sino que también cambia gradualmente el contenido de animación para satisfacer las necesidades extranjeras. Sin embargo, debido al descuido a largo plazo del potencial de los mercados extranjeros (el contenido está enteramente dirigido al mercado japonés) y a los diferentes niveles de madurez de las leyes de derechos de autor en varios países (la piratería está rampante), la industria japonesa no se atreve a hacerlo. así sin un grado considerable de protección legal y una mala comprensión de las condiciones nacionales de cada país. Invertir en derechos de autor y producción de animación en el extranjero. De hecho, todos sabemos que la animación japonesa tiene una enorme audiencia en otros países asiáticos. Sin embargo, debido a la comprensión de los diferentes países sobre las obras de animación oficiales y los diferentes estándares de transmisión, la industria todavía está estancada en producir animaciones adecuadas para las condiciones nacionales de Japón y luego invitar a agentes familiarizados con las condiciones nacionales para que se encarguen de vender o editar versiones adecuadas para las condiciones de cada país.