Red de conocimientos turísticos - Evaluación hotelera - Sobre ser un teatro. ¿Cuáles son los requisitos? y qué instalaciones se necesitan. Lo sé, hermano. dime. GraciasEl South Bank de Londres alguna vez fue un vecindario pobre. Después de la Segunda Guerra Mundial, Gran Bretaña propuso el bienestar universal, la educación universal y el arte universal, por lo que el London South Bank Centre se construyó en este terreno de 2,7 hectáreas. Jude Kelly, director artístico del centro, cree que las instituciones de arte no son sólo palacios de la cultura, sino que también tienen la responsabilidad de proporcionar una plataforma para que las personas creativas expresen sus sueños. El teatro, al igual que el libre mercado, debería ser un lugar al que la gente corriente esté acostumbrada a ir todos los días, no un templo. En la planificación visual de la Ópera de Sydney en Australia, la educación en artes populares y las representaciones públicas son vínculos esenciales. El director ejecutivo del teatro, Richard Evans, dijo que además de promover producciones de artes escénicas internacionales de alto nivel y conciertos de primer nivel, la Ópera de Sydney presta más atención a la popularización del arte entre la gente común, especialmente los niños, y busca ampliamente el patrocinio y la cooperación social. Dirigido a todos los estratos sociales más que al de gama alta, lanzando una gran cantidad de productos y dirigiéndose a un público diverso, el lugar puede satisfacer las necesidades de todo tipo de artistas y públicos. El director ejecutivo del Singapore Marina Centre, Poon Chuan Soon, cree que los centros artísticos desempeñan un papel importante en la configuración de la identidad cultural. "Necesitamos desarrollar grupos artísticos locales, tener su propia música y crear sus propias voces. Hay tanto espectadores tradicionales como públicos, artistas y grupos de actuación modernos. Lo que los centros de arte y los teatros tienen que hacer es proporcionarles un espacio". Chuanshun explica. Para ello, organizan audiencias locales para participar en representaciones teatrales y experimentar el proceso de creación de arte; acercan obras artísticas a la comunidad y las integran con festivales diarios; también establecen plataformas regionales para diversas representaciones para profundizar el entendimiento cultural entre países; Pan Chuanshun abogó por que los teatros asiáticos no sólo deben presentar clásicos occidentales, sino que también deben tener la responsabilidad de presentar nuevas obras locales y fortalecer la "voz asiática" a través de la interacción y cooperación de artistas de varios países asiáticos. El Centro Nacional de las Artes Escénicas lleva 8 meses explorando el modelo de gestión. Chen Ping, director del Centro Nacional de Artes Escénicas, dijo que el Centro Nacional de Artes Escénicas se adhiere a la gestión de marca y refleja la orientación generalizada de la gestión profesional y mejora continuamente la profesionalización de las operaciones, el refinamiento de la gestión y la humanización de las personas; servicios se adhieren a la estrategia de precios bajos para resolver problemas de bienestar público y obtener ganancias, establecer un sistema de comercialización de entradas independiente y llevar a cabo operaciones industriales para brindar servicios profesionales y de alta calidad en torno a grupos de actuación y audiencias centradas en el rendimiento; atención a la relevancia, lanzar clases magistrales y ensayos abiertos, y dejar que el arte elegante se acerque al público, mientras que el Centro Nacional de Artes Escénicas se compromete a construir una sala nacional de artes escénicas, también asume la poderosa función de popularizar la educación artística; Ha diseñado una educación artística diversificada e integral desde su funcionamiento. El Centro Nacional de Artes Escénicas también tiene la misión de promover la producción artística original y aspira a convertirse en líder en las industrias culturales y creativas. De pie en la intersección del décimo aniversario del Gran Teatro de Shanghai, el director del teatro, Fang Shizhong, puede pensar fácilmente en el futuro del teatro. Está de acuerdo con el punto de vista de Yu y cree que el Gran Teatro de Shanghai no es sólo una ventana a la ciudad, sino que la función del teatro no se limita a exhibir una institución artística: el Gran Teatro. Es el centro de la creación y la participación, el núcleo de la creatividad cultural. Una vez que esto se aclare, sus ideas y planes de desarrollo futuro serán más claros. En la "nueva década", el Gran Teatro de Shanghai tiene como misión la "innovación" y aprovecha la Exposición Mundial de Shanghai 2010 como una oportunidad para aprovechar al máximo las ventajas de su marca teatral, reunir grupos y talentos teatrales destacados, participar en obras originales, y presentar un gran teatro más dinámico y creativo en Shanghai. Rompiendo con el concepto de que un teatro se "construye una vez" Richard Evans cree que en la gestión y operación reales, es necesario romper con el concepto de un teatro que se "construye una vez" y ver la expansión de las instalaciones y funciones del hardware del teatro como una proceso dinámico de largo plazo. Por ejemplo, la Ópera de Sydney todavía está agregando nuevos teatros y desarrollando nuevas funciones mediante una construcción continua. Sólo satisfaciendo las crecientes necesidades de la gran mayoría de la gente podrá el teatro seguir prosperando en la continuidad cultural de la ciudad. Richard Evans reconoció que la Ópera de Sydney también enfrentaba desafíos importantes, entre ellos el flujo de caja de sus operaciones principales. Como único teatro nacional de Japón que integra representaciones de ópera, ballet, danza moderna y teatro, el Nuevo Teatro Nacional de Tokio presentó un total de 33 programas y 269 representaciones en la temporada 2007-2008, y el número de compradores de entradas alcanzó 6,5438+ 8 millones. Hiroshi Tsunoda, director ejecutivo del Nuevo Teatro Nacional, dijo que la tarea futura del teatro es primero establecer una base financiera sólida, porque la inversión gubernamental está disminuyendo gradualmente a una tasa del 4% cada año, lo que requiere aumentar los ingresos por entradas, donaciones sociales, y reducir costos para lograr este objetivo. El objetivo de la estabilidad financiera, en segundo lugar, los programas producidos realizarán giras por el país e incluso en el extranjero y cooperarán con otros teatros. Mejorar los programas de formación de artistas. Actualmente, el teatro alberga un estudio de ópera, una escuela de ballet y un estudio de teatro, donde los estudiantes pueden acumular suficiente experiencia práctica en interpretación. El Metropolitan Opera House tiene una historia de 125 años. Antes no había publicidad y los teatros estaban llenos, pero desde 2002, la taquilla ha ido disminuyendo. En 2001, la edad media del público de este teatro era de 60 años. Desde entonces ha aumentado un año cada año y cada vez son menos los jóvenes que acuden al teatro. En respuesta a esta situación, Peter, director general del teatro, propuso una serie de medidas de reforma tras asumir el cargo. Pu Hu Ailian, subdirector general de comunicación y creativo de la Ópera Metropolitana, dijo que en términos de arte, el teatro ha invitado a actuar a directores que nunca antes habían participado en representaciones de ópera y ha alcanzado intenciones de cooperación a largo plazo con famosos. cantantes para atraer a un público más joven. Al mismo tiempo, una serie de actividades de bienestar público, como el Día de Puertas Abiertas de la Ópera, están atrayendo gradualmente a los jóvenes, lo que permite que más personas comunes y corrientes acepten la ópera y cambien su noble imagen.