¿Qué es "montaje"?
Montaje en sentido amplio se refiere a edición. En el pasado, un carrete se filmaba durante más de diez minutos antes de ser editado y reemplazado por otro carrete. La primera película en la que se utilizó el montaje fue El acorazado Potemkin, en la que el cochecito se cae por las escaleras, la gente filma y la madre está nerviosa. Las imágenes se editan alternativamente.
Tiene un efecto tenso, compacto y metafórico, y se ha convertido en un clásico de invención y creación sin precedentes en la historia del cine. Si no sabes mucho al respecto, puedes consultar "Madre" de Pudovkin o "Pasos en la Odisea" de Eisenstein de "El acorazado Potemkin", pero básicamente el montaje es una forma que tiene el director de manipular la lente, es decir, de control El pensamiento intelectual absoluto y el significado expresivo que el público espera ser inculcado es completamente diferente de la ambigüedad y apertura que presentan las películas poéticamente expresadas de Tarfsky, Wenders, Fellini y otros.
De hecho, no debería llamarse simplemente edición, porque existen otras formas que pueden crear un efecto de montaje. En resumen, es la palabra "conocimiento" en caracteres chinos. Las personas de diferentes lugares se pueden clasificar editando para que creas que están relacionados por sangre. Por ejemplo, la persona que primero llama a la puerta y luego entra a la casa, puede llevar cosas en diferentes lugares al entrar o salir de la casa.
¿Qué es un párrafo "montaje"? Por ejemplo, hay una escena en la que dos personas se enfrentan, seguida de un primer plano de la expresión de una persona. El público puede conocer las acciones de otra persona a través de la expresión de esta persona, aunque esa persona no aparezca en la imagen. El montaje (edición) es un salto en el tiempo y el espacio, y el tiempo es una conexión de puntos. A diferencia del movimiento de una línea de A a B, el tiempo presentado en el montaje es un punto estrictamente seleccionado por el director. Además, el montaje enfatiza el resultado de un evento, como una mujer discutiendo en un salón, seguida de una escena de su muerte en el dormitorio. La escena enfatiza el final después de la pelea, considerando el final más que el proceso de su asesinato. El montaje resalta la conmoción del resultado del evento. Primero le permite al público conocer el resultado de la muerte al instante, y luego le permite ver la escena desordenada en la sala de estar y rastrear intelectualmente las razones y las escenas.
El montaje tiene dos funciones: narrativa y expresión. En base a esto, podemos dividir el montaje en tres tipos básicos: montaje narrativo, montaje expresivo y montaje intelectual. El primero es un recurso narrativo y los dos últimos se utilizan principalmente para expresar ideas. Sobre esta base, también se pueden hacer divisiones secundarias, como sigue:
El montaje narrativo es el método narrativo más utilizado en cine y televisión, del que fueron pioneros el maestro de cine estadounidense Griffith y otros. Sus características son la explicación de la trama y la presentación de los acontecimientos. Según el flujo del tiempo y la relación causal del desarrollo de la trama, se cortan y combinan planos, escenas y párrafos para guiar al público a comprender la trama. Este montaje está claramente conectado, es lógicamente coherente y fácil de entender. El montaje narrativo también incluye las siguientes técnicas específicas:
1. Montaje paralelo Este montaje suele presentar dos o más líneas argumentales que ocurren en diferentes tiempos y espacios (o en diferentes lugares al mismo tiempo) narradas en paralelo. por separado, unificados en una estructura completa. Griffith y Hitchcock fueron ambos maestros de esta técnica de montaje. El montaje paralelo se utiliza ampliamente. En primer lugar, debido a que se utiliza para abordar la trama, puede eliminar el proceso, ahorrar espacio, ampliar el contenido informativo de la película y mejorar el ritmo de la película. En segundo lugar, dado que esta técnica es una expresión paralela de varias pistas, contrastarlas entre sí puede producir fácilmente un fuerte efecto de infección artística. Por ejemplo, en la película "Guerra del Norte y del Sur", el director utilizó un montaje paralelo para mostrar la escena en la que nosotros y el enemigo capturamos Motian Ridge, creando un ritmo tenso.
2. El montaje cruzado, también conocido como montaje alterno, edita de forma rápida y frecuente dos o más líneas argumentales que ocurren en diferentes áreas al mismo tiempo. El desarrollo de una pista a menudo afecta a otras pistas, y cada pista es interdependiente y eventualmente se fusiona. Esta técnica de edición puede fácilmente despertar suspenso, crear una atmósfera tensa e intensa y realzar la agudeza de los conflictos. Es un medio poderoso para captar las emociones de la audiencia. Los thrillers, las películas de terror y las películas de guerra suelen utilizar este método para crear persecuciones y escenas emocionantes. Por ejemplo, en "La batalla de Sunan y Subei", las tres líneas de nuestro ejército y la marcha del enemigo hacia el río Dasha y las tres líneas del bombardeo guerrillero de la presa se unen alternativamente, mostrando esa emocionante batalla. .
3. Repetir montaje equivale a narración o repetición en la literatura. En esta estructura de montaje, planos con ciertos significados aparecen repetidamente en momentos clave para lograr el propósito de retratar personajes y profundizar en el tema.
Por ejemplo, los quevedos y la bandera roja que simbolizan la revolución en "El acorazado Potemkin" se repiten en la película, lo que hace que la estructura de la película sea más completa.
4. Montaje continuo Este montaje no desarrolla tantas pistas como el montaje paralelo o el montaje cruzado, sino que sigue una única pista argumental de forma narrativa rítmica y continua. Sigue la secuencia lógica de los acontecimientos. Este tipo de narrativa es natural y fluida, simple y fluida, pero debido a la falta de tiempo, espacio y transiciones de escenas, no puede expresar directamente tramas simultáneas y es difícil resaltar la relación antagónica entre las tramas. a la generalización, y es fácil sentirse retrasado y directo. Por lo tanto, rara vez se utiliza solo en una película, sino que se mezcla con técnicas de montaje paralelas y cruzadas para complementarse entre sí.
Montaje de expresión El montaje de expresión se basa en la yuxtaposición de planos. A través de los planos conectados, estos se contrastan e impactan entre sí en forma o contenido, generando así ricos significados que un solo plano por sí solo no tiene para expresar algo. . una emoción o pensamiento. Su propósito es estimular la asociación pública e inspirar el pensamiento de la audiencia.
1. El montaje lírico es un tipo de pensamiento y emoción que trasciende la trama garantizando la coherencia de la narrativa y la descripción. Jean Mitry señaló: Su intención original no es sólo una historia narrativa, sino también una representación vívida, y presta más atención a esto último. Los acontecimientos importantes se dividen en una serie de primeros planos o primeros planos para captar el significado esencial de las cosas desde diferentes lados y ángulos y representar las características de las cosas. El montaje lírico más común y más fácil de sentir a menudo corta un plano vacío que simboliza la emoción después de una escena narrativa. Por ejemplo, en la película soviética "El maestro del pueblo", Varvara y Martynov se enamoraron, y Martynov le preguntó tentativamente si lo esperaría para siempre. Ella respondió afectuosamente: "¡Para siempre!" y luego pasó a una escena de dos flores floreciendo. No está directamente relacionado con la trama, pero expresa adecuadamente los sentimientos del autor y los personajes.
2. El montaje psicológico es un medio importante de descripción psicológica de los personajes. Expresa vívidamente el mundo interior del personaje a través de la combinación de imágenes y lentes o la combinación orgánica de sonido y pintura. A menudo se usa para expresar los sueños, recuerdos, destellos, alucinaciones, ensoñaciones, pensamientos y otras actividades psicológicas del personaje. Este tipo de montaje se utiliza a menudo en técnicas de empalme como el cruce. Se caracteriza por la fragmentación de imágenes y sonidos, la discontinuidad de la narración y el ritmo saltante. Las imágenes sonoras y pictóricas tienen una fuerte subjetividad del dramaturgo.
3. El montaje metafórico expresa implícita y vívidamente el significado del creador a través de la analogía de planos o secuencias de escenas. Esta técnica a menudo resalta algunas características similares entre diferentes cosas para despertar la asociación del público, comprender el significado del director y experimentar el color emocional del evento. Por ejemplo, en "Madre", Pudovkin conectó las escenas de las manifestaciones obreras con tomas de agua glacial que se derrite en primavera para describir el abrumador movimiento revolucionario. Los montajes metafóricos combinan grandes generalizaciones con expresiones extremadamente concisas, a menudo con un fuerte atractivo emocional. Pero utilice este tipo de timidez con precaución, y las metáforas y narrativas deben combinarse orgánicamente para evitar ser contundentes y exageradas.
4. El montaje de contraste es similar a la descripción contrastiva en la literatura, es decir, un fuerte contraste en el contenido a través de lentes o escenas (como pobreza y riqueza, sufrimiento y alegría, vida y muerte, nobleza y humillación, victoria). y Fallo, etc.) o forma (como el tamaño de la escena, la calidez y calidez del color, la fuerza del sonido, el movimiento, etc.), produce un efecto conflictivo para expresar un cierto significado del creador. o para fortalecer los contenidos e ideas expresados.
El montaje intelectual y Jean Mitry lo definieron como: Expresa su significado a través de la relación entre imágenes, más que a través de expresiones narrativas simples y coherentes una tras otra. La diferencia entre un montaje intelectual y una narrativa coherente es que, incluso si sus imágenes pertenecen a hechos realmente experimentados, los hechos reunidos según este montaje son siempre subjetivos. Este tipo de montaje fue creado por Eisenstein, principal representante de la escuela soviética, e incluye principalmente:
1. Montaje acrobático Eisenstein definió el montaje acrobático como un momento especial en el que todos los elementos pretenden inculcar el concepto. que el director pretende transmitir al público en su conciencia, poniendo al público en el estado mental o estado psicológico que provocó este concepto, provocando así un impacto emocional. Este tipo de baniano se puede seleccionar libremente en cuanto a contenido y no está sujeto a la trama de la obra original, lo que promueve la interpretación final del tema. Ésta es una forma de montaje más racional y abstracta que el montaje escénico. Para expresar algunas ideas racionales abstractas, a menudo se insertan a la fuerza algunas escenas que no tienen nada que ver con la trama. Por ejemplo, en la película "Octubre", cuando un representante menchevique pronunció un discurso con segundas intenciones, se insertó una escena de una mano tocando el arpa para mostrar que "se repetía la misma vieja melodía para confundir al público". Para Eisenstein, la recreación del montaje no se limitaba a una forma particular de efecto artístico, sino al estilo de expresar la intención y la forma de transmitir ideas: una idea se establece mediante la colisión de dos planos, una serie de ideas crea un estado de ánimo. estado. Luego utilice esta emocionante emoción para hacer que el público resuene con las ideas que el director pretende transmitirles. De esta manera, la audiencia participará involuntariamente en el proceso y se identificará voluntariamente con la tendencia general y la importancia del proceso. Éste es el principio de este gran director. Después de 1928, Eisenstein promovió aún más el montaje de vodevil hasta convertirlo en una "forma dialéctica de película". Esta forma se basa en el simbolismo de las imágenes visuales y la lógica del significado interno, ignorando el contenido expresado e incluso cayendo en un laberinto de teoría pura. También lleva a Aquí viene el error creativo. Las generaciones posteriores aprendieron de su lección y el uso del montaje de vodevil en las películas modernas es más cauteloso.
2. El montaje de reflexión no es como el montaje de vodevil, que inserta de forma aleatoria y abrupta imágenes simbólicas que nada tienen que ver con el contenido de la trama. Más bien, lo descrito y lo utilizado como metáfora están en el mismo espacio y son interdependientes: ya sea para contrastar con el evento, para identificar reacciones entre cosas conectadas entre sí, o para revelar, a través de una asociación reflexiva, eventos similares contenidos en el trama, afectando así la perspectiva y la conciencia de la audiencia. Por ejemplo, en "Octubre", Kerensky se dirige al Palacio de Invierno rodeado de ministros y una toma de espaldas muestra una columna sobre su cabeza. Hay un grabado en el capitel de la columna, como si una lámpara defectuosa hubiera oscurecido la cabeza de Kerensky, haciendo que el dictador pareciera extremadamente digno. La razón por la que este plano no es rígido es que Eisenstein utilizó una escultura de un decorado real, un objeto real en un espacio dramático real, y la manipuló sin hacerla atractiva con un objeto que nada tiene que ver con la trama.
3. Esto es creado por Wiltov. El método consiste en utilizar literatura de noticiarios para reorganizar y expresar una idea. Esta forma de montaje es una forma abstracta porque sólo representa una serie de pensamientos y emociones inspirados por la razón. El público miraba con indiferencia, creando un cierto "efecto de alienación" entre la pantalla y ellos, y su participación era completamente racional. "Fascismo ordinario", dirigida por romaníes, es una obra típica.
La primera vez que vi montaje
Montaje es la transliteración del francés montaje. Originalmente era un término arquitectónico que significaba montaje e instalación. Los teóricos del cine y la televisión lo han extendido al campo del arte cinematográfico y televisivo, refiriéndose a la edición y combinación en el proceso de creación de obras cinematográficas y televisivas. "Montaje" tiene significados tanto amplios como restringidos. En un sentido estricto, el montaje se refiere a la disposición y combinación de imágenes, sonidos y colores de la lente. Es decir, en la posproducción, los materiales grabados se organizan cuidadosamente de acuerdo con el guión literario y el concepto general del director para formar una película completa. y trabajo televisivo. Uno de los significados más básicos es una combinación de imágenes. El esteticista cinematográfico Bela Balazs dijo: El montaje es cuando los artistas cinematográficos conectan muchas tomas en un orden preconcebido, de modo que estas imágenes produzcan algún efecto deseado a través de la secuencia misma. Se puede observar que el montaje y las imágenes de la cámara no son los mismos elementos, pero las reglas para ensamblar estos elementos es una técnica retórica en el sistema de símbolos del lenguaje cinematográfico y televisivo. En un sentido amplio, el montaje no sólo se refiere a la combinación de imágenes de lentes, sino que también se refiere a una forma artística única de pensar del artista desde el comienzo del drama cinematográfico y televisivo hasta la finalización de la obra. En este sentido, la famosa afirmación de Pudovkin de que "el montaje es la base del arte cinematográfico" sigue siendo aplicable hoy en día y probablemente lo será siempre.
Como existencia de habilidades y pensamiento, el montaje tiene una base profundamente arraigada en la psicología humana.
La psicología visual del montaje se basa en el hecho de que los humanos vivimos en un mundo en movimiento. Los objetos pasan a través de nuestro campo visual, dejando una serie de imágenes en la retina que requieren cambios en el campo visual para el movimiento normal. Cuando los ojos de una persona se fijan en un objeto fijo (como un punto en la pared) durante unos cinco minutos, la imagen se vuelve borrosa. Mirando otras cosas, volviendo a la imagen original, vuelve a quedar claro. Este experimento muestra que el ojo humano tiene un instinto fisiológico de buscar constantemente nuevas imágenes.
Bruceer señaló que las personas tienen este instinto en la infancia. Por ejemplo, los bebés han estado persiguiendo objetos en movimiento con sus ojos antes de que puedan enfocar su mirada. Las últimas investigaciones del psicólogo estadounidense Hooper y del científico suizo Wiesel (que ganó el Premio Nobel de Medicina y Fisiología en 1981) muestran que el cerebro y los ojos humanos tienen células especiales para detectar el movimiento de las imágenes. Estas células dan a las personas una necesidad fisiológica al observar cosas externas: no permanecerán en un lugar para siempre, sino que cambiarán constantemente sus ojos y observarán el mundo desde diferentes ángulos. El cine y la televisión utilizan sonido e imágenes para registrar imágenes y reproducir acciones. El uso del montaje reproduce correctamente la forma en que constantemente perseguimos nuevos objetivos cuando miramos cosas y reproduce el proceso interno de estar expuestos a vídeos uno tras otro a medida que nuestra atención cambia. entorno real.
Este proceso psicológico no sólo existe en el arte cinematográfico y televisivo, sino también en otros campos artísticos. Cuando lees una novela, tus ojos siempre se mueven de palabra en palabra, de línea en línea. A medida que avanza la trama de la novela y las emociones del lector se vuelven más excitantes, la velocidad de los movimientos oculares también aumenta. Cuando la novela tiene un pasaje lírico suave, el estado de ánimo del lector parece tranquilo y pacífico, y la velocidad del movimiento será lenta y pausada. Esto es consistente con personas que se acercan a un evento. Cuando una persona observa o experimenta una actividad muy emocionante y que cambia rápidamente, su ritmo de reacción se acelerará enormemente y rápidamente cambiará la dirección de su vista. Al contrario, estará muy tranquilo, indiferente a las cosas ordinarias y su observación de los objetos se volverá aburrida. Este fenómeno fisiológico crea las exigencias rítmicas del montaje.
En resumen, la impresión obtenida por un observador tranquilo puede reproducirse mediante la técnica cinematográfica denominada "corte lento", en la que cada toma permanece en la pantalla durante un largo tiempo antes de ser reemplazada. tiempo. La impresión que produce un observador extremadamente excitado se puede reproducir mediante un "corte rápido", una serie de planos cortos conectados entre sí. Es a través del montaje que los artistas de cine y televisión se dan cuenta de este proceso psicológico humano.
Por lo tanto, en cierto sentido, el talento de los artistas de cine y televisión reside en el uso del montaje para que los ritmos psicológicos visuales humanos puedan reproducirse adecuadamente en las películas. En escenas tranquilas y pacíficas, el uso de cortes rápidos puede crear efectos bruscos y sobresaltados que pueden incomodar al público.
Por otro lado, si el contenido de la escena es apasionante, el público exigirá instintivamente una edición rápida. Si la edición es lenta, destruirá el contenido apasionante de la película. Entonces, ¿cuál es la "velocidad" adecuada para cambiar de pantalla? Es apropiado dejarlo en manos del contenido emocional de la escena, pero el contenido emocional de la escena está contenido en el guión. Por lo tanto, el patrón de mosaico que aparece en la película final es el mismo patrón que ya estaba muy claramente definido en el guión. Este patrón en el guión se desarrolla gradualmente durante el proceso de escritura del dramaturgo. Incluso antes de comenzar, en el proceso de recolección de materiales, ya los había recogido con una visión de montaje y los había descompuesto y combinado en el tiempo y el espacio. Es en este sentido que el montaje es una forma única de pensamiento artístico que recorre toda la creación cinematográfica y televisiva y es la base del arte cinematográfico y televisivo.
Desde la combinación de técnicas hasta el montaje de formas de pensar, ha pasado por un proceso histórico desde la ocurrencia hasta el desarrollo y la madurez.
Estrictamente hablando, las primeras películas no contaban con montaje, y no había descomposición y reorganización del tiempo y el espacio.
La película de Lumi Air es en realidad sólo una demostración de nueva tecnología y un juego sencillo. Utiliza un método muy sencillo para grabar una película, que consiste en enfocar la cámara en una escena hasta terminarla. Es un disco naturalista que carece de ideas de montaje.
Mei comenzó a conectar los planos realizados en diferentes escenas para contar historias, dando a la película las características de "descomposición y combinación". Evidentemente, estaba un paso por delante de Lumière. Pero toda la escena fue filmada con una sola cámara y la conexión de la lente fue la más sencilla. No entendía el significado de esta combinación de conexiones.
Al mismo tiempo, los directores estadounidenses Burt y Griffith también buscaban una forma única de estructurar la película. En 1902, Porter utilizó algunos materiales cinematográficos de la antigua filmoteca que reflejaban la vida de los bomberos. Utilizó actores para volver a filmar la escena de salvar a su madre y su hijo en el estudio, y luego unió la película original y la re. -Rodar la película de forma adecuada, plasmando la vida de un bombero americano. El intento de Porter fue un paso más allá que May, explorando la posibilidad de libertad en el tiempo y el espacio para la película.
A partir de Porter, Griffith se convirtió en la primera persona en la historia del cine en utilizar conscientemente el "montaje". En "Las aventuras de Dolly" (1908), Griffith creó la técnica del "flashback"; en "La casa desolada" (1909), aplicó por primera vez el montaje paralelo, creando el famoso "método de rescate de último minuto". En Ramona (1910) creó una gran visión; en "El reverendo Londa" (1911), utilizó planos muy cercanos y desarrolló la técnica de los cortes alternos. En El Holocausto (1912) utilizó por primera vez la fotografía móvil.
Aunque Griffith creó la serie anterior y utilizó hábilmente su nuevo estilo en sus dos obras maestras "El nacimiento de una nación" (1915) y "Conflicto con diferentes grupos" (1916), nunca codificó su técnica. aproximación al montaje. Parece que trabajó principalmente por intuición y un amor indescriptible por los medios cinematográficos, y nunca demostró ser consciente de estos principios. Él cree que el montaje es sólo el asistente más poderoso para expresar vívidamente historias dramáticas, y el uso del montaje es sólo un medio técnico. En esencia, todavía no había comprendido la naturaleza fundamental del montaje y todo su potencial.
Después de la Primera Guerra Mundial, los trabajadores del cine soviético analizaron la experiencia creativa de Griffith y otros, y basándose en las exigencias del nuevo régimen soviético para el arte cinematográfico y sobre la base de una serie de experimentos, desarrollaron el montaje en un sistema teórico cinematográfico completo, formando así la escuela de montaje soviética representada por Kuleshov, Pudovkin y Eisenstein. Griffith se centró principalmente en cómo abordar la relación entre dos escenas dramáticas, mientras que el director soviético consideró más la relación entre planos individuales y fragmentos, así como el significado y las implicaciones expresadas por esta relación.
Kulishov y Pudovkin creen que la esencia del cine reside en la composición de la película, en la interrelación entre los fragmentos filmados para organizar una serie de impresiones: cómo pasar de un plano a otro y cómo se formaron cronológicamente. Creen firmemente que el montaje puede crear efectos extraordinarios y hacer realidad la narrativa y la expresividad de la película. Para ello, realizaron una gran cantidad de experimentos para poner en práctica su teoría. Según los registros de Pudovkin, en 1920, Kuleshov una vez conectó las siguientes escenas:
(1) Un joven camina de izquierda a derecha.
(2)Una joven camina de derecha a izquierda.
Se encontraron y se dieron la mano. El joven lo señaló.
(4) Un gran edificio blanco con amplios escalones.
(5) Dos personas subieron las escaleras.
Para el público, esta secuencia conectada se convierte en una acción ininterrumpida: dos jóvenes se encuentran en el camino y el hombre invita a la mujer a una casa cercana. De hecho, cada segmento se rodó en una ubicación diferente. La escena que muestra al joven se filmó cerca de los grandes almacenes estatales, la escena de la mujer se filmó cerca del Monumento a Gogol y la escena del apretón de manos se filmó cerca del Gran Teatro. El edificio blanco fue cortado de una película estadounidense (la Casa Blanca), y la escena de subir las escaleras se filmó en la Iglesia del Redentor. Como resultado, aunque los segmentos fueron filmados en diferentes lugares, son vistos por la audiencia en su conjunto, lo que resulta en lo que Kuleshov llama una "geografía creativa" en la pantalla.
Aquí, las ilusiones de las personas se utilizan para combinar fragmentos de diferentes tiempos y espacios en un todo, y las funciones de descomposición y combinación de Montague se demuestran plenamente. La escuela soviética no sólo se detuvo en el aspecto narrativo del montaje, sino que también estudió más a fondo su función expresiva.
Pudovkin cree que cada objeto fotografiado desde un determinado punto de disparo y luego mostrado al público en la pantalla sigue siendo un objeto "muerto", incluso si alguna vez estuvo activo frente a la cámara. Sólo cuando este objeto se coloca con otros objetos, sólo cuando se muestra como parte de una variedad de combinaciones de imágenes visuales, se le da vida a este objeto. Eisenstein resumió muy bien la función expresiva del montaje. Dijo: La yuxtaposición de dos planos no es un simple uno más uno, sino una nueva creación. En su opinión, las imágenes sin editar captadas por la cámara carecían de significado y valor estético. Sólo combinándolos según el principio del montaje se puede transmitir al público una imagen visual con significado social y valor artístico.
El famoso "efecto Kulishov" es una fuerte evidencia de la teoría del montaje de Eisenstein. Pudovkin describió una vez este experimento de la siguiente manera: "Seleccionamos varias tomas especiales del famoso actor soviético Mo Youxin de una determinada película, y todas eran primeros planos sin ninguna pereza. Comparamos estos mismos primeros planos con otras películas. Los pequeños fragmentos están conectados en tres combinaciones. En la primera combinación, un primer plano de Moyushin es seguido por una escena de un plato de sopa colocado sobre la mesa, lo que muestra claramente que Moyushin está mirando el plato de sopa. Para conectar estrechamente la toma de Mo Youxin con la toma del cadáver femenino acostado en el ataúd. La tercera combinación es este primer plano, seguido de una niña jugando con un osito de peluche interesante. El efecto fue sorprendente cuando se mostró la combinación a algunos espectadores que desconocían el secreto. El público apreció mucho la actuación del artista y notaron que parecía pensativo mientras miraba la sopa que había dejado en la mesa. emocionado al mirar el rostro pesado y triste del cadáver femenino; también admiraron su sonrisa alegre mientras observaba a las niñas jugar a la pelota. Pero sabemos que en las tres combinaciones, los rostros en los primeros planos son exactamente los mismos. mismo."
Eisenstein enfatizó una vez que no importa qué dos lentes se combinen, inevitablemente producirán nuevas apariencias, nuevos conceptos y nuevas imágenes. A través del conflicto de alineación de lentes, se generan nuevos significados y se guía el pensamiento racional de la audiencia. Ésta es la esencia del "montaje de vodevil" y del "montaje intelectual" de Eisenstein. El montaje apela tanto a la emoción narrativa como a la razón. Por eso, en "El acorazado Potemkin", Eisenstein cortó tres escenas de "el león salta, mira hacia arriba y salta" que no tienen nada que ver con la trama, mostrando así el despertar y la resistencia del pueblo. Esta tendencia a expresar ideas abstractas es aún más pronunciada en octubre. El colapso de la estatua de hierro del zar simbolizó el colapso del régimen zarista, y la inserción de la estatua de Napoleón fue una metáfora de la dictadura de Kerensky.
Eisenstein intentó comunicar el pensamiento de imágenes con el pensamiento lógico a través del montaje, combinar ciencia y arte, y trató de utilizar películas para reflejar las actividades racionales de las personas y fortalecer las tendencias filosóficas de las películas. Este libro es de gran valor. Sin embargo, Eisenstein enfatizó demasiado el papel del montaje y creía que las películas deberían utilizar el montaje para explicar la realidad, evitar la caracterización y expresar pensamientos directamente. Incluso puso intencionalmente "Das Kapital" en la pantalla. Como resultado, algunas de sus películas son fragmentadas y oscuras. No obstante, Eisenstein y otros representantes de la escuela soviética hicieron contribuciones imborrables a la teoría del montaje cinematográfico. En las décadas de 1950 y 1960, el uso generalizado de lentes largos, especialmente en reportajes televisivos, contribuyó a esta tendencia. Cada vez se desarrolla más la coreografía en profundidad de escenas complejas en los largometrajes. Este tipo de puesta en escena no requiere cambiar el lugar de la acción, cambiando la naturaleza del montaje tradicional. Los teóricos del cine creen que esta evolución del montaje marcó una nueva era en la historia del cine. Aunque en las décadas de 1950 y 1960 algunos periódicos y revistas de cine occidentales predijeron a veces "la muerte del montaje" y "el fin del montaje", la práctica ha demostrado que no sería una película sin montaje. tipo de montaje dentro de la lente (programación de escenas). El montaje también está presente en la televisión, incluso cuando se retransmiten acontecimientos en directo a una audiencia televisiva, como la botadura de un barco, un partido deportivo o la llegada de una delegación. , tuvo que ser editado en el acto. Este tipo de edición in situ requiere cualidades especiales de los fotógrafos y directores de televisión, que puedan descubrir de inmediato y expresar con precisión la esencia de los eventos y tener un pensamiento y una visión del montaje más agudos.