¿Cómo se produce la animación?

Revela el proceso completo detrás de escena de la producción de animación japonesa

Los secretos detrás de escena de la producción de animación japonesa

Planificación

2. Costos de producción

3. Pre-animación 1: guión

4. Pre-animación 2: trabajo del director

5. de animación: imagen en espejo y trabajo de asistente de dirección.

6. La cuarta etapa de la animación: el diseño de personajes y el trabajo de los diseñadores de personajes.

7. Animación temprana 5: diseño de modelado mecánico y diseño de fondo.

8. Animación inicial 6: diseño y distribución del color.

9. Animación etapa 1: composición, pintura original y guía de pintura original.

10, Animación Interina 2: Animador

11, Animación Interina 3: Colorante/Personal para colorear

12, Animación Interina 4: Efectos Especiales y Personal de Efectos Especiales

13, Etapa intermedia de la animación 5: Fotografía y efectos de fotografía

14, Etapa final de la animación: Edición

15, Segunda etapa de la animación: Sonido 1 : Doblaje y doblaje

16. La tercera etapa de la animación: Sonido 2: música, efectos sonoros, síntesis

17. Proyección, publicidad y marketing.

Primera ronda El paso anterior al primer paso de la tarea anterior.

Antes de la llamada producción de animación, suele haber una breve (o algo dolorosa) "operación de preproducción" (inglés: preproducción, japonés: fase de preparación). Las operaciones de preproducción se refieren a los preparativos para iniciar la producción. Pero ¿qué pasa con el frente de preproducción?

La parte frontal del sistema es "planificación" (japonés: etapa de planificación)

Hay dos tipos de "planificación". La primera es que en la reunión de planificación anual, el jefe de una empresa de animación (inglés: jefe, productor ejecutivo, japonés: presidente, planificador) o un productor relativamente grande con poca voz ve una película interesante y famosa que pensé que sería. Sería bastante rentable hacer una animación, así que llamé al agente que representaba los cómics o novelas involucradas en el caso para ver si se habían vendido los derechos para producir una animación. De lo contrario, comenzará con "duración y duración". Si ve la palabra "original" al comienzo de la animación, probablemente pertenezca a este tipo.

El otro es el director (inglés un rector, japonés: supervisor) o el animador de la empresa de animación que sienten que no pueden dibujar o enviar el manuscrito a tiempo. Sería interesante hacer un. animación, para que comiencen a escribirlo ellos mismos. Entregue el documento de planificación a su jefe para que lo lea. Afortunadamente, si el plan se lleva a cabo, el jefe o productor buscará un patrocinador... ah, no, los patrocinadores se unirán para responder al gran plan. Si ve la palabra "proyecto original" al comienzo de una animación, probablemente pertenezca a este tipo.

Después de que la negociación sea exitosa o se apruebe el plan.

Hablemos primero del siguiente paso de la empresa de animación si se aprueba el plan original.

Las empresas de animación básicamente no tienen los fondos para producir obras de animación de forma independiente (ya sea TV u OVA), por lo que cuando una empresa de animación quiere crear obras originales, lo más importante es proponer un plan para el patrocinador (*1). Ver si está interesado en invertir. Si el patrocinador no está interesado en el nuevo plan de trabajo propuesto por la empresa de animación, o cree que el producto (*2) no tiene valor de mercado, entonces este plan nunca verá la luz al 100%.

En comparación con el caso original, la planificación de la animación de la obra original (*3) suele ser más fácil de conseguir a través de los patrocinadores. Debido a que el trabajo original básicamente tiene una base de clientes fija (*4), los patrocinadores están más seguros psicológicamente y más dispuestos a invertir en adaptar el trabajo original a la animación y vender productos relacionados para recuperar su inversión.

Entonces, ¿de qué forma se presenta este plan a los patrocinadores?

Las productoras estadounidenses primero harán películas piloto. La llamada película piloto se refiere a la esencia del cortometraje y es la principal arma de los patrocinadores para persuadir la inversión. Sin embargo, en Japón, las empresas de animación a menudo no tienen los fondos para producir películas piloto y suelen presentar propuestas o guiones a los patrocinadores en formato impreso. Por lo tanto, el guión podrá completarse antes del trabajo de preproducción. Porque cuanto más comprenda el patrocinador los "puntos interesantes" del trabajo original, más probabilidades habrá de impresionarlo y obtener fondos para la producción.

¿Cómo calcular el segundo coste de producción?

Teóricamente, el procedimiento de cálculo es sencillo.

Supongamos que una empresa de cine y televisión estima que una obra de animación (refiriéndose a un DVD de 30 minutos) puede vender 1.000 juegos, y luego supongamos que un DVD se vende por 4.000 yenes.

¿1000 conjuntos de x? 4000 = ?4.000.000

Esos 4 millones de yenes son el coste de producción. Los fondos asignados al departamento de producción están todos incluidos en estos 4 millones de yenes. Por ejemplo, presentaremos directores de animación, estilistas de personajes, animadores de guiones gráficos, animadores de cámara principal, animadores de base, diseñadores musicales, editores de color, diseñadores de empaques, etc.

De esta forma calcular el coste se vuelve muy sencillo. Pero, de hecho, cómo estimar cuántos decorados puede vender una obra de animación depende de la experiencia en ventas del productor de cine y televisión, la popularidad del director de animación, el encanto del diseñador de personajes y la popularidad del actor de doblaje. Estos factores humanos dificultan la estimación de los costos de producción.

Por ejemplo, cada película de animación dirigida por un director famoso establecerá un récord de taquilla para las películas japonesas y ganará premios en festivales de cine internacionales, por lo que los fondos de producción aportados por los patrocinadores serán mucho mayores que para otras obras. Con suficientes fondos de producción, puede agregar más tomas, invitar a actores de doblaje (o actores) famosos y equipos de producción musical para aumentar la visibilidad del producto y el efecto publicitario. Si es un novato y no tiene "rendimiento", entonces los fondos pueden ser menores. Dado que la empresa de cine y televisión no tiene un punto de referencia con el que comparar (el desempeño de los recién llegados), será más cautelosa a la hora de invertir en este nuevo proyecto.

La tercera etapa de animación I: guión

Del diagrama de análisis de la izquierda, hemos explicado a grandes rasgos varios pasos importantes antes de hacer la tarea en los momentos anteriores. A partir de este punto comenzamos a explicar uno a uno el proceso de trabajo de preproducción. Como puedes ver, el primer paso y el más importante es "escribir el guión". Todo el diseño de personajes (*2), diseño mecánico (*3), diseño artístico (*4) y director deben componer las tomas según el guión. Por tanto, no importa qué tipo de planificación, el guión juega un papel muy importante en el proceso de producción.

Mencionamos por segunda vez que es posible que el guión se haya completado durante la etapa del proyecto. En ese caso, ¿se volverá a revisar el guión una vez aprobado el plan? Depende de la opinión del productor y del director. En la imagen de la izquierda, puedes ver los tres caracteres "Productor" (*5). Los productores son responsables del éxito o fracaso de una obra animada. Entonces, si el productor tiene un problema con el guión (no es lo suficientemente atractivo), el guionista (*6) modificará el guión. Por supuesto, si el director tiene opiniones sobre el guión y el productor está de acuerdo con la opinión del director, entonces las modificaciones al guión son inevitables. Además, aunque el director no esté de acuerdo con el guión preliminar y el productor crea que no es necesario modificarlo, el guión no será modificado.

Las empresas de animación general no tienen guionistas exclusivos y la mayoría invita a escritores independientes (algunos de estos escritores son SOHO y otros crean estudios con varios escritores de ideas afines, como los famosos estudios Orphy). para escribir el manuscrito. La razón por la que no se contratan escritores exclusivos es porque los guiones no son un departamento que se necesita durante todo el año. Entonces, si es necesario, simplemente firme un contrato de proyecto con el guionista. Sin embargo, algunas productoras de animación tradicionales con una larga trayectoria todavía tienen sus propios departamentos de redacción.

Escribir guiones no es una cuestión sencilla. A diferencia de una novela, todas las acciones y sentimientos de los personajes deben ser descritos en detalle por un espectador. Por ejemplo, un personaje está enojado. Debido a que cada uno está enojado de diferentes maneras, es necesario no sólo describir cómo está enojado, sino también describir sus acciones con gran detalle para ilustrar el carácter y las características del personaje (por ejemplo, Taro está furioso = Taro aprieta los puños y su los ojos se convierten en una línea, cómo el sudor gotea de la frente, cómo el fuego en la cabeza se enoja...). Y los buenos guionistas son raros.

La segunda etapa de la cuarta animación: el trabajo del director

El director es el líder de todo el equipo de producción de animación. No existe un punto de referencia determinado en la industria de la animación japonesa para juzgar las calificaciones de un director. Actualmente, todos los directores famosos tienen diferentes procesos para convertirse en director. Algunos de ellos cambiaron de carrera desde la industria cinematográfica, algunos comenzaron como animadores, algunos son guionistas y directores, y algunos son directores empezando desde cero. En términos generales, la mayoría de los directores en las primeras etapas de la animación comenzaron como gerentes de producción (*2) que han estado involucrados en la producción de animación durante muchos años y luego ascendieron a directores o cambiaron de carrera para ingresar a la industria cinematográfica. Pero con el paso del tiempo, la mayoría de los directores de animación comenzaron como animadores. Lo bueno de ser director es que puedes decidir la dirección de tu trabajo. Pero como el director decide todo y el trabajo está ocupado, el éxito o el fracaso del trabajo depende del director. Por lo tanto, no todos los involucrados en la producción de animación aspiran en última instancia a ser directores. Sin embargo, para una persona que quiere ser director, no importa en qué tipo de trabajo empiece, no es difícil siempre que tenga determinación.

El siguiente es el contenido general del trabajo real de los directores:

1 Operaciones de preproducción:

* Completar el guión con el autor del guión y. productor.

*Tener reuniones con estilistas de personajes, estilistas mecánicos y diseñadores de arte para finalizar los casos de diseño.

*Perspectiva de producción (*3) (a veces producida por el asistente de dirección)

2 Durante el proceso de producción, discuta la dirección de producción de cada episodio con el asistente de dirección (*4. ).

3. Operaciones de postproducción:

*Edita la película con el editor

*Guía al actor de doblaje y al director de efectos de sonido para crear el efecto ideal.

*Síntesis de imagen y sonido.

4. Participar en todas las actividades publicitarias.

Etapa preliminar de la quinta animación 3: Imágenes especulares y el trabajo de los asistentes de dirección

La siguiente es una vista en perspectiva de Japón (principalmente mesas horizontales en Europa y Estados Unidos, sobre el "Studio Tour" de la web americana Cartoon Network (puedes conocer un poco más al respecto en el proyecto "Animación"). Una perspectiva es simplemente un "guión presentado como una imagen". El tiempo que tardas en dibujar una imagen reflejada depende de tu progreso. Se necesitan 3 semanas para completar un promedio de 26 minutos de animación. No es necesario dibujar los personajes correctamente en el dibujo en perspectiva, siempre que el personal de postproducción pueda entenderlo. Aun así, antes de que el artista original (*3) confíe en los guiones gráficos para dibujar correctamente las tomas requeridas por el asistente de dirección de cada episodio, el artista del guión gráfico aún necesita practicar el modelado de personajes de cada obra y comprender las características de la obra de antemano. .

Es común ver que el artista del storyboard y el asistente de dirección son la misma persona. La razón es sencilla.

Porque el diseñador de los dibujos (artista del storyboard) suele ser la persona que mejor comprende los efectos y las magníficas dotes interpretativas necesarias en cada plano para resaltar mejor el encanto de la obra. Por lo tanto, los guiones gráficos suelen ser obra del asistente de dirección.

El subdirector básicamente comparte la carga del director. Ya sea una serie OVA de varios episodios o una serie de animación para televisión de 26 episodios, es imposible que un director se ocupe de todos los detalles de producción. Entonces cada serie animada tiene un puesto de asistente de dirección que gestiona la producción de animación de cada episodio. La mayoría de los directores son responsables de los importantes primeros y últimos episodios. El contenido del trabajo del asistente de dirección es básicamente el mismo que el del director, excepto que no es responsable de los guiones de preproducción, los borradores de diseño y las actividades publicitarias de posproducción. Sin embargo, dado que el director es el comandante general de toda la obra, antes de que el asistente de dirección sea responsable de la producción de cada episodio, las escenas secundarias dibujadas por el asistente de dirección deben ser aprobadas por el director antes de que el trabajo pueda ser asignado oficialmente. al animador original para la producción.

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Sexta etapa de animación 4: diseño de personajes y el trabajo de los diseñadores de personajes

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La animación es una actividad colectiva que requiere una estrecha cooperación. Por eso, además de un buen guión, un director experimentado y buenos trabajos son, por supuesto, factores importantes que la hacen más atractiva. Por primera vez en esta unidad, explicamos que existen dos tipos de obras de animación: obras originales y casos originales. Entonces los diseños de personajes son diferentes.

Cuando el manga original se adaptó a la animación, debido a que los personajes y el vestuario ya estaban finalizados, no fue necesario más diseño. Pero, ¿por qué cada animación original sigue marcada con "diseño de personaje original" y "diseñador de personaje de animación"? En primer lugar, los cómics son obras estáticas, debido a que el número de cuadrados es pequeño, las líneas y el vestuario de los personajes pueden ser más complicados para profundizar la belleza y la impresión de la obra. Sin embargo, al hacer animación, mantenerse fiel a las líneas de los personajes originales extenderá el tiempo de dibujo y de producción (y más dinero), por lo que es necesario simplificar las líneas de los personajes originales. En segundo lugar, los personajes de anime no tienen que estar coloreados ni tienen que conectar cada línea. Sin embargo, la animación requiere coloración, por lo que es necesario mejorar el modelado original del personaje y conectar todas las líneas para que el colorista (*3) pueda colorearlo. En tercer lugar, algunos personajes de anime originales no son adecuados para obras de anime. Por razones de eficiencia de producción, coloración, modelado de animación y otras razones, la animación original necesita contratar a un diseñador de personajes de animación.

El diseño de personajes para animación original es una tarea creativa y ardua. Cuando los casos de diseño de personajes originales fueron entregados al diseñador de personajes, solo eran instrucciones escritas y verbales del director (*4). Por lo tanto, el diseñador solo puede confiar en el guión y su propia capacidad de dibujo para diseñar personas de la nada que puedan complementar el encanto de la historia y dejar una profunda impresión en las personas. Además, se debe considerar la eficiencia de la producción y no se deben dibujar personajes con líneas demasiado complicadas. Por lo tanto, incluso los estilistas experimentados pueden tardar un poco (*5) en finalizar el estilo.

El diseño gráfico del trabajo de preproducción está completo (consulte el diseño gráfico que figura en el sitio web del proyecto Hades). Se entregará al artista original para que realice el trabajo de dibujo de cada toma. El diseño de un personaje se puede dividir en tres tipos: diseño de vestimenta, diseño de expresiones faciales y diseño de decoración local. Todos los diseños generalmente se dividen en expresiones frontales, laterales, posteriores y especiales (enojado, triste o sonriente, etc.) para que el artista original los simule.

¿Cómo convertirse en diseñador de personajes? Según el diseñador senior de AIC, "Es muy simple. ¡Sigue practicando dibujo!"... Bueno... no es tan simple. Para la misma persona, el estilo de pintura de cada uno es diferente, algunos son muy atractivos y otros pasan desapercibidos. Realmente se necesita práctica y perfeccionamiento todo el tiempo para lucir diferentes estilos, como dicen. Y el hecho de que un personaje femenino o simplemente un animal pueda dibujarse bien no necesariamente los convierte en diseñadores de personajes animados. Una condición importante para un diseñador de personajes es poder dibujar una amplia gama de personajes especificados en la obra. En otras palabras, la capacidad de dibujo del diseñador debe ser lo suficientemente flexible para cumplir con los requisitos de cada obra. Si puedes cumplir plenamente con los requisitos de la productora y los personajes originales que diseñas son lo suficientemente atractivos, puedes convertirte en un diseñador de personajes de animación llamativo.

La foto de arriba muestra las herramientas que necesita un diseñador de personajes. Una mesa de dibujo, un lápiz, una goma de borrar y un montón de papel blanco son el equipamiento más básico (un poco absurdo..._;). Además, un espejo es imprescindible, porque a veces es necesario mirarse en el espejo para dibujar los movimientos y partes de los personajes. Otros libros de referencia y herramientas de dibujo dependen completamente de las necesidades de cada diseñador de personajes y no se describirán en detalle aquí.

La quinta etapa de la séptima animación: diseño de modelado mecánico y trabajo de diseño de fondo

Hace muchos años, no había estilistas mecánicos dedicados. La mayoría están diseñados por diseñadores de personajes o animadores que son buenos con los motores. Desde "Space Battleship Yamato" hasta "Gundam", realmente nos hemos posicionado como diseñadores profesionales de plástico mecánico.

Los diseñadores mecánicos deben considerar muchos factores en la animación para diseñar el modelado mecánico requerido para cada animación. En primer lugar, normalmente hay que hacer muchos deberes para cumplir con los diversos requisitos de diseño que conlleva.

En segundo lugar, se debe diseñar un modelo mecánico de una línea de producción "adecuada" teniendo en cuenta las fechas y cronogramas de producción. Las llamadas líneas "apropiadas" se deben a que si hay muchas líneas, aunque el robot o la nave espacial se vea bien, el animador tardará relativamente mucho en dibujar una toma. Pero si hay muy pocas líneas, el robot parecerá demasiado simple y le faltará valor, por lo que es muy importante crear líneas adecuadas al diseñar. Al final, el estudio de cada mundo animado consiste en comprender y diseñar un guerrero mecánico o una nave espacial que pueda cumplir con los requisitos del director.

Para convertirte en estilista mecánico hay que tener conocimientos de diseño industrial y ser muy aficionado a la maquinaria (como coches, motos, aviones, barcos… siempre que sean de metal).

Los diseñadores de fondos tienen una larga historia en comparación con el modelado mecánico. Ha habido diseñadores de fondos profesionales desde la era de los cómics en blanco y negro. Los diseñadores de fondos básicamente quieren dibujar "agradable, rápido y hermoso". Por eso vuelvo a ello una y otra vez en esta unidad. El tiempo de animación es limitado y no hay mucho tiempo para dibujar lentamente, por lo que los estudios de diseño de fondos de arte profesionales populares se mueven rápidamente para cumplir con los plazos de entrega ajustados. ¿Cómo convertirse en diseñador de fondos? Esto es lo mismo que dar forma a personajes y estilistas mecánicos. Tienes que amar el dibujo y poder dibujar bien incluso estando acostado (un poco exagerado, pero el tiempo apremia en la industria de la animación y hay muy pocos diseñadores que puedan trabajar en cualquier momento pero son bastante populares). En cuanto a consejos o herramientas, puede encontrar la información que necesita para pintar el fondo en la columna "HowToPaint" de la empresa de diseño de fondos "Corporation Kusanagi" en la página vinculada de este sitio web.

Octava etapa de animación 6: Diseño de color y asignación de color

Después de completar todo el modelado de personajes y el diseño de modelado mecánico, el director y el estilista deben trabajar junto con el diseñador de color para finalizar el color de el personaje (pelo, ropa para diversas ocasiones o el color del caparazón del robot, etc.) El diseño de color debe coincidir con el tono de toda la obra (fondo y personalidad) para diseñar el color del personaje. Una vez finalizado el borrador del color, los especificadores de color especifican tipos de color más detallados.

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Hace muchos años, antes de la coloración por computadora(*3), se usaban pinturas de acuarela para pintar los colores. están diseñados en papel blanco (como se muestra en la imagen de la izquierda). La mayoría de los colores de las pinturas de acuarela no los mezcla la empresa de producción, sino que se diseñan en función de las tarjetas de colores y los tipos de colores ya preparados proporcionados por la empresa de pintura. La razón para no colorearlos usted mismo es simple, porque después del diseño del color, un colorista todavía necesita colorearlo usted mismo, es difícil para el colorista nombrar el mismo color, por supuesto, si el director lo requiere. y los fondos lo permiten, la empresa de producción puede solicitar a la empresa de pintura que produzca el color requerido, el embotellado se distribuye a los coloristas. Debido a que la empresa de pintura especifica el tipo de color antes del proceso de diseño del color, el diseñador de color ha sido el especificador del color. durante muchos años y los colores de muchas animaciones se ven iguales.

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Actualmente, el diseño y la distribución del color de la animación se completan con software (como se muestra a la derecha). El software utilizado por la empresa (¡animo y RETAS son software de animación populares en Japón! PRO) son diferentes. Siempre que sea un software de procesamiento de imágenes, se puede utilizar para el diseño de color. Cabe señalar que cada software procesa el color de diferentes maneras, por lo que se debe especificar el mismo software para la gradación de color cuando se entrega al colorista. Además, debido a la digitalización de los métodos de producción y la libertad de selección de colores, la gama de opciones de configuración de colores actuales se ha ampliado y se pueden configurar colores más refinados y diversos.

Tanto los diseñadores de color como los distribuidores de color comienzan como coloristas. Ascendido a diseñador de color o diseñador de color después de uno o dos años (dependiendo de las calificaciones individuales). La mayor diferencia entre los diseñadores de color y los especificadores de color es que los diseñadores de color sólo necesitan establecer el color básico (el color bajo la luz solar normal, como se muestra a la izquierda). El colorista también debe trabajar con el asistente de dirección para configurar en detalle otras luces y colores necesarios para el episodio (anochecer, noche, luces especiales... etc.). ) Como el diseño de color y las especificaciones de color de la animación, se requieren conocimientos sobre el procesamiento del color de imágenes. Debido a que la calidad de la imagen y los colores que muestra cada equipo fotográfico son diferentes, si no diseñamos y especificamos sin una comprensión integral, los colores que se muestran en la pantalla del televisor serán muy diferentes a los de la pantalla de la computadora, lo que reduce el encanto de la obra. Por lo tanto, los coloristas de base necesitan uno o dos años para familiarizarse con el proceso operativo real antes de poder ascender a coloristas y luego a diseñadores de color.

Hasta ahora, el trabajo de preproducción se ha presentado de forma aproximada. Las siguientes unidades presentarán las pinturas, animaciones y coloristas originales en el proceso de producción muchas veces.

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El primer número de la novena animación: composición, pintura original, guía de pintura original

Después de preparar los dibujos en perspectiva y todos los diseños de personajes y fondos, alguien tiene que juntar todos los materiales y dibujar un dibujo en perspectiva detallado que se amplía para acciones posteriores. Es el compositor quien realiza esta obra.

Como se puede ver en el diagrama de lentes que presentamos antes, el diagrama de lentes a menudo es solo un boceto que ilustra el escenario general de una imagen. Por ejemplo, en una toma donde "Xiao Ming y Jesse están hablando en el campo deportivo", el equipo de composición debe dibujar basándose en la descripción general de cada fotograma de la escena, la tabla de modelado de personajes (ejemplo) y el fondo (ver Figura 1 a continuación, en su mayoría A4) Una vista ampliada de la relación posicional detallada entre los personajes (Xiao Ming y Jesse) y el fondo (campo de deportes). Si las instrucciones de la composición no son claras, afectará el trabajo de pintura original posterior. La composición completa y la hoja de diseño de personajes se entregan al artista original, a quien se le pide que comience a dibujar una imagen especular principal más detallada basada en la composición (como la leyenda de la pintura original (*4) al final de este artículo). Como puede ver en la ilustración, Xiao Ming corre gradualmente hacia la cámara. Finalmente, completa la escena sosteniendo una toalla y hablando con Jesse, como en el ejemplo de composición de la izquierda.

La razón por la que existen directores de animación originales es que una obra suele emplear de dos a cuatro animadores originales (más o menos dependiendo de la obra). Cada personaje dibujado por el artista original puede verse diferente según su propio estilo de pintura (o habilidades pictóricas). El trabajo del director de pintura original es modificar la pintura original dibujada por el artista original, unificar el estilo de la pintura y hacerla fiel al borrador del diseño de personajes.

Un buen pintor y director original debe investigar un poco sobre las lentes fotográficas para poder dibujar bien cada lente principal. Las películas pueden requerir que los actores se coloquen en la posición correcta y posen como quiere el director. Pero la animación sólo puede utilizar bolígrafos para dibujar posiciones ideales y movimientos de personajes. Por lo tanto, un pintor original y un director de pintura original con buenas habilidades y calificaciones también significa que puede dibujar la imagen ideal de la cámara principal (la postura y el movimiento correctos del personaje) basándose en los conceptos de fotografía y edición. Hasta donde el editor sabe, muchos pintores o directores originales experimentados aman las películas y han investigado un poco sobre ellas.

Los animadores originales y los directores de animación originales en su mayoría comienzan como animadores de base. Debido a que es necesario comprender y familiarizarse con el proceso de producción de animación antes de actualizar a la pintura original, es imposible que los recién llegados realicen trabajos de pintura original tan pronto como se unen a la empresa de animación. Un animador bien calificado y trabajador puede ser ascendido a artista conceptual y luego a director conceptual muy rápidamente. Quienes no están cualificados y no trabajan duro no tienen más remedio que seguir siendo animadores de base.

La animación es una industria orientada a las capacidades. No importa en qué eslabón de producción esté involucrado, siempre que trabaje lo suficiente y fortalezca sus habilidades, quienes lo rodean lo reconocerán.

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