¿Cuáles son algunas películas posmodernistas?
Cine posmodernista
En 1995, el director griego Angelo Ropoiros filmó “El viaje de Ulises”, buscando un director de cine que dejara atrás desde el inicio de la película Historias cinematográficas, repasando la Historia del cine y Grecia. Algunas personas consideran a Angelo Benros como el último maestro del cine modernista del siglo XX, pero en realidad esto es muy inexacto. Es difícil generalizar sobre las películas de Angelopaz. Cada una de sus películas se deriva del prototipo de la mitología griega, el deambular, la búsqueda y la lucha entre la voluntad personal y el destino. Seguía "imitando" la epopeya. Hay una escena clásica en "El viaje de Ulises": el director A conoció a su madre de la infancia en el tren y su madre lo llevó a casa. Tomó el cuerpo de los años 1990 y se unió a los bailes de Año Nuevo de 1945, 1948 y 1976... todos eran tan jóvenes como recordaba, sólo que él tenía la piel envejecida. Ángel López combina sus sueños posmodernos con el cine.
"Lost in the Wall" dirigida por el director británico Alan Parker se convirtió en un éxito mundial nada más estrenarse. Una de las razones más importantes es el encanto musical de Pink Floyd, una banda británica de rock progresivo fundada en 1966. Pero "The Wall" es ante todo una película, una película que acelera el ritmo visualmente y lleva al público a la era MTV. Ahora, MTV se ha convertido en el arte audiovisual más visto del mundo, ni siquiera comparable al fútbol. A Alan Peck se le puede llamar el "padre de la televisión musical". No es exagerado decir que hay fans de "The Wall" en las escuelas de arte de todo el mundo. "The Wall" se ha convertido en un hito del cine posmoderno y, al mismo tiempo, declara que la falacia de que "la posmodernidad no tiene clásicos" es contraproducente. Los amantes del arte hablan de ella y les gusta como si no fuera solo una película, sino una exposición de arte conceptual. Esta película combina música rock, arte moderno y diversas formas de imágenes. Es una película llena de imágenes posmodernas. de la conciencia.
"La Naranja Mecánica" es una película que se centra en la realidad social, exagera al extremo la inquietud de la adolescencia y muestra a las personas la posible destrucción en esta etapa de la vida. La intención de la película es muy clara: subvertir las normas morales ortodoxas tradicionales y apuntar a algo más humano. "La naranja mecánica" es una adaptación de la novela homónima del escritor británico Anthony Burgess.
En Alemania, "Running Lola", del joven y talentoso director Tom Tick de 1999, es una película posmoderna de éxito. La disposición estructural de la película de tres finales para la historia refleja los esfuerzos del director por romper las reglas narrativas tradicionales. En cuanto al estilo audiovisual, cortes rápidos, animaciones, música rock, personajes dinámicos, grandes contrastes de color, etc. se integran en una mezcolanza, demostrando plenamente las características del cortar y pegar. "Unexpectedly" del director polaco y francés Khiesz Lofsky, la película alemana "Run Lola" y la película británica "Sliding Door" están preparadas. Dos o tres finales muestran la influencia decisiva del azar en el destino personal.
Laura, una chica berlinesa de 20 años, y su novio Manny, también de 20, están en un gran problema. Manny perdió accidentalmente el dinero del jefe de una pandilla: 200.000 marcos. En 20 minutos, el jefe vendrá a pedirle dinero. Si no puede recuperarlo, la vida de Manny correrá peligro. ¡Manny pide ayuda a Lola! Lola, de 20 años, solo tenía 20 minutos, no tenía tiempo para pensar en ello, así que salió corriendo...
Veinte minutos después, ¡Lola consiguió el dinero! Pero Manny no pudo esperar más y corrió al supermercado de enfrente para robarle. La policía que llegó le disparó en el pecho...
Esta es una película "" rodada por el joven director alemán Tom. Tykwer. La trama de "Run Lola". El pobre Manny murió horriblemente. ¡No te preocupes, todavía no ha terminado!
Veinte minutos después, Lola regresó con las manos vacías, pero Manny murió inesperadamente en la calle...
Veinte minutos después, Lola tomó el 65438 que tanto había trabajado para conseguir. +Millones de Marks acudieron al lugar, sólo para ver al jefe del inframundo llegar también a tiempo...
"Forrest Gump", protagonizada por Tom Hanks, ganó la Mejor Película en el 67º Festival de Cine en 1995. Seis laureles incluyendo Mejor Actor y Mejor Director. La amabilidad y calidez mostradas en esta película tocan lo mejor de nuestros corazones, mostrando hermosas emociones como honestidad, confiabilidad, seriedad, valentía y afecto familiar.
"Forrest Gump" toma como protagonista a Forrest Gump, a quien el mundo normal considera un "imbécil", y recorre una historia humana reescrita: organiza y vuelve a contar inteligentemente la historia de la América moderna. Eventos y figuras importantes de la historia, y uso extensivo de técnicas deconstructivas como la ironía, la parodia, la simulación por computadora, la mezcla de géneros, la parodia y la "no narrativa" para analizar la política, la historia, la cultura popular, etc. Reinterpreta la historia, las guerras y los héroes a través del ridículo, brindando a la audiencia un principio de placer entretenido, construyendo así el modo narrativo y el estilo de los textos posmodernos. Al tiempo que rompe las mentiras de la historia humanista, utiliza mentiras para hacer un collage. La forma reproduce una fábula falsa. .
Por supuesto, si está familiarizado con la historia estadounidense de principios a mediados del siglo XX, podrá comprender mejor los elementos de humor negro de la película, como el estilo musical de Elvis Presley, la diplomacia del ping pong, Watergate, el Movimiento contra la guerra de Vietnam, muchos de los cuales definitivamente harán sonreír a todos.
Con el estilo de una película de deportes, el tratamiento sangriento y apropiado, la trama apasionante y la poderosa función de advertencia social, "Fight Club" es simplemente la Naranja Mecánica de los años 1990. En una época en la que sólo se han estrenado unas pocas películas impactantes, "El club de la lucha" ciertamente no pasará desapercibida. Impresionante y estimulante. A diferencia del 95% de las películas de terror que existen hoy en día, deja al público con muchas preguntas para recordar y debatir. La historia de múltiples capas que invita a la reflexión presentada en "El club de la lucha" proporcionó material suficiente para cientos de reseñas, artículos y reflexiones posteriores. Antes de rodar "El club de la lucha", el director David Fincher ya había producido tres películas notables: "Alien 3", "Seven" y "Psycho". Fincher estaba decidido a hacer de "El club de la lucha" una obra maestra visual. "Fight Club", como las tres películas anteriores, es oscura y trepidante, dejando al público poco tiempo para pensar. Algunas personas lo llaman "estilo MTV", pero a diferencia de otras películas similares, los rápidos cambios de cámara de Fincher no solo no aburren al público, sino que también tienen un efecto único. No se puede negar que "El club de la lucha" es efectivamente una película violenta. Algunas escenas son tan brutales que algunos espectadores giran la cabeza, como un hombre que se saca un diente flojo de la boca. Por supuesto, todas estas escenas sangrientas pretenden revelar el tema de la película: la naturaleza humana es cruel, pero el trabajo pesado diario adormece los corazones de las personas, conduce a la locura y produce consecuencias impredecibles. Los miembros de Fight Club son víctimas de la deshumanización y el cariño de la sociedad moderna. Se han convertido en engranajes de una rueda y la única manera de recuperar su sentido de la personalidad es volver a sus instintos más primitivos y salvajes de dolor y violencia.
Director: Danny Boyle
"Trainspotting" (Trainspotting), también conocida como "Train", se rodó en sólo 49 días y costó 2,5 millones. Una película de pequeño presupuesto por $. La película describe la vida de mala calidad de un grupo de jóvenes drogadictos en Edimburgo, Escocia. Su tono frío e irónico, su verdadera actitud narrativa, su negro sentido del humor y su moderno procesamiento de sonido e imagen la convierten en un clásico entre otras películas. La película describe con gran detalle el placer que produce fumar. Al mismo tiempo, las emociones, los valores y la autoconciencia decadentes que se muestran en la película también despertaron una gran preocupación y controversia en la sociedad. la opinión pública tan pronto como se publicó. La cámara deslumbrante y la música rock de Lou Reed e Iggy Pop fueron nada menos que una dosis de ácido. Nos quedamos mirando la pantalla y ahí está. Cuando la aguja de Mark penetró el tejido subcutáneo, pensamos que la sustancia química blanca se había mezclado con nuestro torrente sanguíneo. Cuando un grupo de personas corrió salvajemente por la carretera después de un robo, sentimos que nuestros corazones latían violentamente. Casi cada escena puede considerarse un cortometraje condensado que es exquisito e inesperado:
"Elige la vida, elige el trabajo, elige la carrera, elige la familia. Elige un puto televisor grande. Elige una lavadora, un reproductor de CD , un abrelatas eléctrico Elige una opción saludable, baja en calorías y baja en azúcar Elige un punto de partida, un amigo, una maleta... Elige bricolaje, un domingo por la mañana, no sé quién soy. Elegir ver programas aburridos en el sofá, meterme comida chatarra en la boca, elegir estar podrido, ser egoísta con tu esperma es lo más descarado que puedo hacer para ti, pero ¿por qué debería elegir no vivir? "¿Cuál es la razón?"
"Los asesinos no son tan fríos", protagonizada por Jean Reno, describe el amor entre un asesino adulto y una niña menor de edad de una manera conmovedora. Debido a que el público de la nueva película es en su mayoría gente joven, el requisito de la película es "un placer emocionante o un peligro inofensivo". Las graves tragedias y la pesada moral que se encuentran en las películas tradicionales no están presentes en sus obras. Esos personajes no tienen cargas ni misiones elevadas. Existen para sí mismos y persiguen su propia felicidad. Luc Besson es conocido como uno de los representantes del cine neobarroco francés y líder del cine posmoderno. El público a quien le gusta ver películas francesas habla de las películas de Besson, como "Metro", "La Mer", "Nikita", "Blackie", "El quinto elemento", "Juana de Arco", etc.
Pulp Fiction incluye tres historias: Vincent and Martha's Wife, Gold Watch y Bonnie's Situation, y cinco partes: prólogo y epílogo.
Ver "Pulp Fiction" es como ver un "arte espectral" móvil que mezcla películas de gánsteres, películas de terror y películas románticas estadounidenses y las vuelve a ensamblar en forma de parodia. Además del collage de imágenes visuales, la conocida estrategia narrativa de "estructura cíclica" de las novelas pulp es también producto del collage de simbiosis múltiples. Toda la película consta de un prólogo (un atraco en un restaurante) y cuatro capítulos (llamados Juse y Vincent, la esposa de Vincent y Martha, un reloj de oro y la situación de Bonnie). Esto rompe por completo la lógica narrativa lineal de las películas tradicionales. Está conectado de principio a fin, como un círculo que comienza desde un punto aleatorio y finalmente regresa al punto de partida.
La violencia es un tema recurrente en las obras de Quentin. Las frecuentes escenas violentas de esta película hacen eco de su "estructura cíclica", dejando claro que la aparición de la violencia es cíclica y nunca se detiene. La violencia se ha convertido aquí en una forma de vida, una resistencia a la alienación, la alienación y la oscuridad. Sin embargo, la actitud del director hacia la violencia nunca ha sido segura. Esto se puede ver en "La Cuenca Dorada" de Juse y el amor por el deseo de Vincent. explicado. Todos buscan una salida violenta e impotente, aunque esta salida parece escasa en la sociedad violenta de los Estados Unidos. Como dispositivos funcionales de la narrativa, los grandes héroes, las grandes aventuras, los grandes viajes y las grandes metas se pierden, lo que está en consonancia con la definición de posmodernismo de Lyotard: desconfianza en las metanarrativas. Esta característica posmoderna de desconfianza hacia las metanarrativas se refleja en la pérdida del héroe en la película. Vincent y Jus no solo fracasaron como asesinos, sino que Martha también fracasó como gángster (siendo violada por un pervertido), y Butch como boxeador profesional (que recuerda al boxeador con heroísmo personal interpretado por Loki) también fracasó (perseguido). por mafiosos y cayó en manos de un pervertido). El fallecimiento de este héroe es algo vergonzoso y divertido, y también es la "situación posmoderna" de nuestra era: la desconfianza en la fe y la desconfianza en la racionalidad ilustrada defendida por las personas progresistas en la historia de la humanidad, el juicio moral y el juicio de valores se posponen infinitamente. (El público puede quedar desconcertado por las llamativas innovaciones de Quentin en tecnología cinematográfica, pero el entusiasmo ha pasado claramente de la segunda Crítica de Kant a la tercera, anhelando una redención estética extraña e inesperada). Dado que todos los problemas de la vida no se pueden resolver y no todo es como dice la élite cultural, la gente puede tener motivos para contentarse con la posesión y el consumo superficial de los fenómenos (al mismo tiempo, ¿no es esta la epopeya antiépica de nuestro tiempo? ?) Entonces, el resto es cultura popular y popular, como sugiere el título de esta película: Pulp Fiction.
Director: Soderbergh
Actores principales: Andie MacDowell y Peter Geller.
Récord de premios: Palma de Oro a la Mejor Película en el 42º Festival de Cannes (1989)
Mejor Actor en el 42º Festival de Cannes (1989)
Una familia aparentemente pacífica de clase media pierde el equilibrio cuando la visita inesperada de un amigo expone la verdad que está plagada de mentiras sobre los trastornos sexuales. Andie MacDowell, la hermana ordenada, hace tiempo que dejó de tener relaciones sexuales con su marido Peter Geller, pero Laura San Giacomo, la hermana menor, tenía una intimidad secreta con su cuñado. El compañero de clase de su marido, James Spader, viene a verla con una grabadora de vídeo, lo que lleva a las dos hermanas a hablar a la cámara sobre sus secretos por curiosidad. El exitoso nuevo director Steven Sodaberg utiliza un enfoque tranquilo y creativo para analizar el frágil nivel psicológico de la gente moderna, destacando especialmente la invencibilidad y el maravilloso encanto de la alta tecnología (grabadoras de vídeo).
El famoso director británico Greenaway realizó muchos cortometrajes experimentales en sus inicios y luego realizó películas para el canal británico 4. Durante mucho tiempo ha hecho alarde de un estilo alternativo, por lo que sus películas siempre han sido conocidas por su estilo único. y técnicas. Su experiencia pictórica como estudiante lo llevó a perseguir la exquisitez y el impacto visual de sus obras. Estos dos puntos se refuerzan e integran en la película "The Pillow Book".
Todas las películas de Greenaway tienen tramas extrañas, y ésta no es una excepción. La trama de Nozzi escribiendo "Pillow Thirteen" sobre un cuerpo humano y luego entregándoselo al editor es realmente increíble. El editor estuvo dispuesto a renunciar a su vida tras leer el último capítulo de "El Libro de la Muerte". Estas tramas y detalles extremadamente estilizados son difíciles de aceptar, pero después de la presentación más estilizada de las imágenes de Greenaway, muestran una belleza encantadora. Sin embargo, después de que desapareció la breve belleza visual, todo en la película parecía muy confuso frente a la pantalla vacía.
La característica más importante de la técnica de rodaje de la película es el uso creativo de técnicas de imagen en imagen. Estas imágenes pequeñas con diversas formas, posiciones y tamaños tienen diversas relaciones visuales y estructurales con el panorama general. La mayoría de ellas son descripciones de imágenes pequeñas que contrastan con la caligrafía del panorama general. Muchas son imágenes de recuerdos. Tienen características similares. Característica del lenguaje cinematográfico para fotogramas superpuestos. El anidamiento y la yuxtaposición de imágenes grandes y pequeñas multifuncionales y de múltiples capas forman un estilo de lenguaje y una expresión de imagen complejos y cambiantes. Este es un experimento en el lenguaje cinematográfico llevado a cabo por Greenaway en la película.
La historia de una película y lo que representa son elementos esenciales de una película, pero no es ni mucho menos el único. Las historias de las películas de Greenaway han quedado relegadas a un segundo plano frente a un gran número de imágenes exquisitas, llenas de sentimiento oriental y de lenguaje cinematográfico experimental, y sólo les proporcionan un soporte adecuado. Entre los muchos largometrajes convencionales, "Pillow" de Greenaway nos muestra una película "alternativa" maravillosa e inspiradora.
"El libro prohibido sobre la almohada" se basa en los diarios de dos mujeres que estuvieron separadas en dos épocas pero que tenían un entendimiento tácito en sus corazones. Utiliza una gran cantidad de nuevas tecnologías informáticas para registrar el tiempo. en varias épocas, tiempos y espacios en una forma de "imagen en imagen". La forma se desarrolla en el mismo plano cinematográfico, desenterrando una gramática cinematográfica sin precedentes. A veces, obviamente, sentíamos que podíamos cambiar la cámara, así que la cambió a "imagen en imagen", y el montaje paralelo se convirtió en "montaje plano" en sus películas.
A través de la "imagen en imagen", el estatus del público, del dramaturgo y del director de cine oculto es igual. Las personas y las cosas que el público ve, involuntariamente, no se ven a través de los ojos del director.
Nombre chino: Torre de Babel
Nombre en inglés: Babel
También conocida como: Torre de Babel, las líneas de fuego están entrelazadas.
Tipo de recurso: DVDScr
Fecha de lanzamiento: 27 de octubre de 2006.
Director de la película: Alejandro González Iñárritu, Alejandro González I? Arito
Actores de cine: Brad Pitt
Cate Blanchett
Gael García Gael García Bahía Doce personas, tres países, cuatro destinos diferentes, un hecho accidental, todo originado de ese disparo involuntario... Los destinos se entrelazan con almas de diferentes razas, regiones y orígenes culturales. Todos en el mundo están inextricablemente conectados. En la década de 1960, el psicólogo social estadounidense Meyergren propuso la teoría de los "seis grados de división". Él cree que mientras tengas seis personas, puedes conectar con cualquier extraño. Sin embargo, el hilo de esta conexión es tan débil que incluso si somos conscientes de la existencia de la otra persona, todavía no podemos escuchar su grito de lucha, e incluso si lo escuchamos, todavía no podemos entenderlo y no podemos tener una comunicación significativa. Después de que terminó la película, apareció un subtítulo: "Para mis hijos. La noche más oscura, la luz más brillante". Obviamente, esta no es de ninguna manera una película desesperada, sino una historia de lucha en un mundo desesperado. futuro. El mundo de la luz será construido por ellos y la torre del cielo será construida por ellos. Espero que en el mundo futuro no haya malentendidos, barreras ni tristeza.
Evidentemente, la película tiene un fuerte estilo propio de Alessandro González Iñárrito. Probablemente sea difícil encontrar un director en el mundo que pueda utilizar con tanta habilidad la técnica de narrativa cruzada multiproceso, que parece superar el impulso de "Crash", la mejor película en el último Oscar. Además, la historia y los conflictos que Alessandro captó esta vez son más grandiosos y humanos. Al mismo tiempo, esta técnica narrativa de múltiples pistas ya no es solo una herramienta de expresión en sus manos, sino una salida de expresión muy perspicaz y perspicaz, que es la única forma que tiene de expresar el tema de la historia. Iñárrito ha dicho que tejer hilos de historias se ha convertido en un hábito en su trabajo. "Estaba sentado en el auto y vi a alguien pasar al costado de la carretera, y comencé a pensar que esa persona debe ser más interesante que cualquier cosa en mi mente. Por eso, explorar los corazones de los demás es mi mayor deseo. Al mismo tiempo, en realidad todo lo que tengo es tan limitado. Espero explorar el mundo exterior más amplio, qué impacto tiene el mundo exterior desconocido en mí personalmente, etc., todos los cuales serán los objetivos a explorar en mi. obras..."
El maestro del cine polaco Khiesz Lovsky (1941-1996) es un clásico. Las tres películas que llevan el nombre de los tres colores de la bandera francesa representan tres temas: fraternidad, igualdad y libertad. El director utilizó efectos de iluminación, audio y vídeo extremadamente delicados para analizar estos tres temas para nosotros. La trilogía Rojo, blanco y azul fueron las últimas tres obras de la vida de Kishlov. El maestro murió de enfermedad dos años después. El azul representa la melancolía y la libertad. Sólo rompiendo con las creencias seculares podemos obtener la libertad de la humanidad y las emociones; el "blanco" representa la dignidad y la igualdad. El rojo representa la sinceridad y la fraternidad, y el mundo está lleno de sospechas y contradicciones. Sólo la fraternidad puede desbloquear los grilletes que atan el alma. Estas tres obras son obras representativas de Kieslowski llenas de pensamientos humanitarios y humanistas. Cuenta historias con tramas meticulosas y precisas, partiendo del destino de la gente corriente e interpretando su respeto y su percepción de la vida. En la película, independientemente de la duración de la aparición, Keith Lovesky cedió el puesto de heroína a las mujeres, quizás porque las mujeres son más frágiles y pueden encarnar mejor la melancolía, la dignidad y la sinceridad. En estas trilogías, Kieslowski continuó con su propósito constante desde "Los Diez Mandamientos" y expresó su profundo conocimiento de las condiciones de vida de la gente contemporánea con historias dramáticas que contienen connotaciones espirituales religiosas y filosóficas.
"Blue" ganó el León de Oro de Venecia en 1993 y nueve nominaciones al Premio César.
"White" ganó el Premio al Mejor Director en el Festival de Cine de Berlín de 1994;
"Red" ganó el Premio a la Mejor Película en Lengua Extranjera de la Asociación de Críticos de Cine de Nueva York y de Los Ángeles. Asociación de Críticos de Cine y Nominada a siete Premios César.
En las tres películas, hay decisiones morales dolorosas. En "Red", el viejo juez le dice a Valentine que una familia cercana parece feliz, pero el marido engañó a su esposa y a su hija. Entonces, ¿Valentin debería exponerlo de inmediato? ¿Se sentirán miserables después de ver la verdad o seguirán escondiéndola en silencio? En "Blue", la vecina de Juliet trabaja como stripper en un club nocturno. Ella se cree feliz y el hombre también. ¡Pero un día encontró a su padre sentado en la primera fila del auditorio! En "Blanco", el empresario Miguel tiene una carrera exitosa pero está cansado de la vida. Le pidió a Carew que se pegara un tiro. A cambio, ayudará a Kalaw a regresar a China y tener el capital para iniciar una pequeña empresa. Aparte de esto, Kalaw parece no tener otra forma de ayudarlo a regresar a casa. En los años 1970, el maestro de cine polaco K. Zanussi creó "películas de ansiedad moral" y las obras de Kieslowski llevaron la "ansiedad moral" a un nivel más profundo.
Kieslowski creía que en las sociedades liberales la gente está más aislada moralmente. Porque en una sociedad liberal no hay moralidad estatal, ni moralidad nacional, ni moralidad de clase, ni moralidad nacional ficticia o forzada. Los compromisos morales individuales y sus vulnerabilidades se revelan más plenamente en una sociedad libre. La llamada ética liberal es ante todo una frágil comprensión de los compromisos morales personales. ¿Cuál es el estatus moral de los individuos en una sociedad liberal? Kieslowski todavía explora la carga ética de los individuos libres en la vida diaria a través del dilema moral de la individualidad. Las ideologías de una sociedad libre son la libertad, la igualdad y la fraternidad. La trilogía Azul, Blanco y Rojo explora el significado personal de estos valores. Ningún concepto de valor es abstracto, y las grandes ideas de los sistemas sociales también se reflejan en acontecimientos específicos de la vida privada de cada individuo. Si se quiere conocer el sabor de la ética de un sistema vivo, la forma más adecuada es apreciar las lágrimas en los ojos de los individuos que viven en este sistema vivo.
Shanghai Liming fue un gran shock. El debut como director macedonio de Mirko Micevski (este es su primer largometraje) ganó el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia en 1994, fue nominado al Premio a la Mejor Película en Lengua Extranjera en 1995 y al Premio de la Libertad Independiente en 1996. No fue una casualidad. La película se divide en tres partes: Un amor imposible, un dilema, un fratricidio, el trasfondo social de Shanghai Dawn en la antigua Yugoslavia y varias historias que se rompen sin piedad. Hace que la gente se sienta muy triste por haber perdido el amor y el afecto familiar.
Primera parte: Texto-Macedonia
El amor crece cuando. un joven sacerdote esconde a una mujer que ha escapado. Cuando van a Londres a buscar al tío del fotógrafo, la familia de la mujer la encuentra bajo el arma del hermano, el amor vuela como un pájaro, ¡y no hay nada que podamos hacer! p>
Parte 2: Cara - Ciudad de Londres
Anne es una mujer hermosa, pero también tiene un amante llamado Alex, un fotógrafo de Macedonia que llegó a Londres hace 16 años. De hecho, sabemos muy bien que este Alex es el de la primera película. El tío que buscaba el joven sacerdote. Hay una imagen que nos asusta. La mujer macedonia murió por el arma de su hermano. Lamentablemente, murió. En el tiroteo aleatorio en el restaurante, su rostro quedó borroso.
Parte 3: Imagen - Macedonia rural
Alex regresó a su ciudad natal a los 16 años. Hubo conflictos. La niña fue baleada y se la llevaron sus amigos, y finalmente escapó. Volviendo al comienzo de la primera parte, finalmente conocemos claramente la causa y el efecto de la historia, aunque la niña escapó. no pudo escapar del destino de la muerte en tierra firme. Hubo un aguacero y el cuerpo de Alex yacía bajo la lluvia.
Toda la historia se reencarnó un poco debido al desorden de la forma. Estaba lleno de confusión incontrolable. Resultó que todo se debía a un alboroto. La relación entre las personas en la película también es muy sutil y complicada, pero cada toma es impactante. La familia y el amor son tan crueles. El mismo objetivo. El trasfondo de la película es Macedonia y los Balcanes, que están envueltos en la sombra de la guerra civil. Las tres historias revelan la tragedia de la guerra en la intersección de personajes que son el principal culpable. p>En 1994, el famoso director estadounidense Oliver Stone adaptó la obra de Quentin Tarantino "Natural Born Killers" al cine. La película rápidamente se volvió muy controvertida por su exageración de la violencia y la sátira de los medios de comunicación estadounidenses. Intención original, "Natural Born Killers" sigue siendo una excelente película de Oliver Stone. Las técnicas de rodaje y edición, el uso integral de telenovelas y cómics, así como una gran cantidad de música alternativa y otros lenguajes audiovisuales novedosos. estimuló enormemente a la audiencia. La película reexamina la locura del crimen y el comportamiento igualmente loco de los medios de comunicación desde una nueva perspectiva. Los protagonistas de la obra son una pareja a la que le gusta la sangre y la violencia. Su mayor placer es matar gente. Sus acciones llamaron la atención de un periodista, quien las informó en su propio programa. Como resultado, su popularidad creció rápidamente. Incluso después de sus arrestos, los periodistas continuaron informando. Todos los crímenes parecen diferentes a los ojos de los medios. ¿Deberíamos sentirnos mal por esto?
La primera parte de Matrix trata sobre el nacimiento. Un gángster común y corriente de Internet, bajo el cuidado y el amor de su padre, liberó su alma y se convirtió en el salvador para salvar a la humanidad del mundo virtual. La segunda parte trata sobre la vida. El Salvador comienza a dudar del valor de su propia existencia y explora la relación entre profecía y elección, y si las personas pueden controlar su propio destino. La tercera parte trata sobre la muerte y los nuevos comienzos. Con los esfuerzos conjuntos de los humanos representados por el salvador y las máquinas representadas por el profeta, se derrotó la destrucción del virus informático, dando a los humanos y a las máquinas una paz simbiótica del yin y el yang.
Al mismo tiempo, esta trilogía es también una gran historia del pensamiento humano, desde un mundo donde el bien y el mal se contraponen, a un mundo donde la relación entre el bien y el mal se difumina, hasta la oposición. entre el bien y el mal desaparece por completo y avanzamos hacia la armonía entre tú y yo. Primero, esta es una tendencia importante en el desarrollo humano, y los aretes de profeta con patrones de yin y yang ilustran este punto.
El "Bullet Time" de "The Matrix" tiene lugar en el mundo virtual de "The Matrix". En un mundo tan programado, todo se puede cambiar, incluidas las leyes naturales que los recursos humanos no pueden cambiar en el mundo real. Por lo tanto, ya sea que Neo esquive balas o la explosión de ondas del muro cortina de vidrio, es el resultado de la destrucción o modificación temporal de las leyes naturales de la simulación de máquinas en el mundo virtual. Se puede ver que el uso del "tiempo bala" no es únicamente para la realización de efectos especiales, sino que en realidad está integrado con la estructura general de la historia de la película. Hoy en día, el "tiempo bala" casi se ha convertido en una especie de "abuso visual". No importa qué película quieras mostrar, todavía hay algo muy original en la pantalla en 1998. La aplicación del efecto especial "Bullet Time" en "The Matrix" es que 120 cámaras Nikon rodean al sujeto, y luego los obturadores de estas cámaras comienzan a tomar fotografías en el orden y el intervalo de tiempo preprogramados por la computadora, y luego escanean. todas las fotos tomadas desde todos los ángulos. Vaya a la computadora, y la computadora reparará virtualmente las diferencias entre las dos fotos adyacentes, para obtener movimientos coherentes y suaves del sujeto bajo la lente de 360 grados. hará que la trilogía de "Matrix" comience con la esclavitud y el odio. Comienza con la historia del judaísmo y el cristianismo. Es una confrontación total entre el bien y el mal, una contienda de vida o muerte entre Dios y Satanás. La escena ambientada en la película es helenística y es la "Alegoría de la caverna" de Platón, que le dice a la gente cómo definir la verdad y cómo descubrirla. Neo se convirtió en el salvador al confiar en el poder del amor más poderoso del cristianismo, por lo que en ese momento, cuando Neo resucitó en el beso de un iraquí, se convirtió en el salvador del cristianismo. Reloaded es una historia existencial. Esta es una era en la que "Dios está muerto" y Superman comienza a dudar del significado de la existencia. Ésta es también la etapa ambigua de la oposición entre el bien y el mal. Al igual que en la literatura de Camus, la oposición no es entre el bien y el mal, sino entre la luz y la oscuridad, y los límites son borrosos. Al mismo tiempo, la confusión de Neo es también la confusión de Guo Jing. ¿Qué determina el bien o el mal? Si la libertad es buena, ¿qué pasa con la destructividad de Smith? El existencialismo cree que la libertad humana es la libertad de elección, no necesariamente la elección de qué hacer, sino también la elección de no hacer algo. No hacer nada es más libre que hacer algo, porque no hacer nada no ofenderá a los demás al hacer algo. Entonces Neo no aceptó los dulces del profeta en la batalla final y tomó la decisión opuesta a la del segundo episodio.
La peculiar estructura de la película de Memento realmente hace que la gente sienta amnesia, el misterio de la identidad propia y de a quién creer, pero ni siquiera ellos mismos pueden creerlo. Si has visto otra película de Christopher Nolan, Henchman, entonces sabrás que ver la película de este director no es un asunto sin preocupaciones. Hace que la audiencia no pueda evitar imaginar el resultado final mientras mira. La película utiliza flashback, comenzando con un robo y terminando con este caso. Sabemos lo que pasó, pero no por qué. Todas las respuestas se encuentran en los recuerdos intermitentes del protagonista. Cada vez que regreses, encontrarás nuevas pistas o fiestas relevantes, que llevarán a la audiencia y a Da Vinci hasta el final, que también se puede decir que es el comienzo.
Puede que haya muchas películas maravillosas llamadas posmodernas que no puedo recordar en este momento. Puede que haya muchas que no he visto, como “Rashomon” de Kurosawa Akira y “Love Letter” de Iwai Shunji. Entonces tuve la oportunidad de verlo.
Quizás las películas posmodernas son películas que no puedes entender de inmediato, y luego parece que entiendes algo, pero no lo entenderás todo, pero siempre te harán sentir algo. Por supuesto, aunque no lo entiendas, no lo digas. Tienes que fingir que lo entiendes.