¿Qué factores convirtieron a Cartier-Bresson en el padre del fotoperiodismo moderno?

¿Qué es fotoperiodismo o fotorreportaje? A veces, la composición de una fotografía incomparable es tan vívida y colorida, y el contenido que contiene es tan fascinante, que una sola fotografía es una historia completa en sí misma. Sin embargo, esto sólo puede resultar satisfactorio. Los factores que hacen brillar un tema a menudo están dispersos, no espacialmente dispersos. Está extendido en el tiempo. Juntarlos es una especie de "dirección de escena" y siento que es hacer trampa. Pero si puedes usar algunas fotos para mostrar el núcleo del tema y su brillantez, esta es una historia en imágenes, a través de la disposición de la página, puedes reorganizar los elementos complementarios esparcidos entre varias fotos;

Las historias ilustradas son el resultado de la unión del cerebro, los ojos y el corazón. El propósito del vínculo es representar el contenido de los acontecimientos en evolución y transmitir las impresiones correspondientes. A veces una cosa es tan perfecta y rica en sí misma que hay que fotografiarla desde todos los ángulos para exponer los problemas que expresa. Como el mundo está en movimiento, no puedes tratar una cosa en movimiento con una actitud fija. A veces se necesitan unos segundos para tomar una foto, a veces se necesitan horas o días. Pero no hay reglas ni procedimientos. Tu cerebro, ojos y corazón deben estar alerta y fuertes en todo momento.

Las cosas mismas nos proporcionan tanto material que un fotógrafo debe resistir la tendencia a capturarlo todo. Debemos destilar de los materiales de la vida: destilar, destilar, pero destilar con discernimiento. A la hora de decidir tomar una fotografía, el fotógrafo debe saber exactamente qué debe hacer. A veces sientes que has capturado la foto más poderosa que representa un entorno u ocasión en particular. Pero descubres que tienes que seguir filmando, porque no puedes predecir lo que sucederá a continuación y tienes que esperar para evitar que la esencia de las cosas se repita. Al mismo tiempo, es importante evitar cerrar el obturador como si fuera un tirador de ametralladora, no sea que esos registros inútiles se conviertan en una pesada carga para usted, saturan su memoria y comprometen la precisión de todo el informe.

La memoria es importante, especialmente para recordar fotografías tomadas con prisa. Frente a cosas en constante evolución, los fotógrafos deben asegurarse de no perderse nada útil y de expresar de manera verdadera y completa toda la connotación del evento. Si se enterara más tarde, sería demasiado tarde. Nunca permitirá que el pasado se repita para empezar de nuevo.

Los fotógrafos debemos tomar dos decisiones, cada una de las cuales puede llevarnos a arrepentirnos por una elección equivocada. Una es cuando miramos al sujeto a través del visor; la otra es después de revelar la película y imprimir la fotografía. Después del revelado, asegúrese de seleccionar fotografías que sean buenas pero no muy impresionantes. En este momento descubrirás claramente dónde está el fallo. Aunque ya es tarde, en este momento a menudo puedes recordar tu estado de ánimo inoportuno cuando tomaste estas fotos: ¿dudabas debido a la incertidumbre? ¿O existe una brecha natural entre usted y los acontecimientos que se desarrollan? ¿O es porque pasó por alto detalles relevantes al incidente general? ¿O es por mala vista e incapacidad para concentrarse (esto es lo más común)?

Para cada uno de nosotros, el espacio comienza frente a nuestros ojos y gradualmente se expande hasta el infinito. El espacio que tenemos ante nosotros nos estimula más o menos fuertemente y luego nos abandona. Pero se retiene visualmente en nuestra memoria y cambia de estilo en la memoria. De todos los medios de expresión, la fotografía es el único que puede fijar con precisión un momento fugaz. Los fotógrafos nos enfrentamos a la constante desaparición de cosas, y cuando desaparecen, ningún invento en el mundo puede traerlas de vuelta. No podemos lavar ni imprimir nuestros recuerdos. Un escritor tiene tiempo para pensar detenidamente. Puede aceptar o rechazar, y aceptar después de rechazar. Antes de plasmar su idea en papel, es libre de combinar varios factores relevantes. Se necesita un proceso para que su cerebro "olvide" algo y su subconsciente categorice sus pensamientos. Pero para los fotógrafos, lo que se fue nunca podrá volver. En base a este hecho, nuestra profesión me pone ansioso y nervioso. Una vez que regresamos al apartamento, fue imposible volver a tomar la foto. Nuestra tarea es observar la realidad y casi simultáneamente registrarla en nuestro cuaderno de bocetos: la cámara. No altere la realidad al disparar y no altere el efecto original en el cuarto oscuro. Cualquiera que tenga buen ojo se dará cuenta de estos trucos.

Al filmar una historia fotográfica, tenemos que llevar la puntuación y contar los asaltos como un árbitro en un combate de boxeo. No importa qué tipo de fotografías de historia tomemos, siempre somos como un invitado no invitado. Por lo tanto, debemos acercarnos al objetivo en silencio, incluso si se trata de una naturaleza muerta. Debemos tener manos suaves y ojos agudos como los de un águila. Empujar con fuerza no es apropiado. Además, siempre y cuando respetes la luz real, no deberías utilizar el flash, incluso si no hay luz allí. A menos que un fotógrafo pueda cumplir con estas condiciones, puede convertirse en un infractor intolerable.

La profesión de la fotografía depende en gran medida de la relación que se establece entre el fotógrafo y el fotografiado. Una mala relación, una palabra equivocada o una actitud inadecuada pueden arruinarlo todo. Cuando un fotógrafo se siente un poco incómodo, nuestras cámaras no pueden capturar el verdadero carácter de la persona. No existe un enfoque único para tomar excelentes fotografías porque todo es diferente. Al tomar fotografías, es necesario permanecer cerca del sujeto, pero también requiere que seamos discretos. Personas de diferentes países y diferentes clases sociales tienen diferentes reacciones ante la fotografía.

Por ejemplo, en todo Oriente, un fotógrafo impaciente o apresurado fácilmente podría convertirse en blanco de burla. Si te han notado, incluso cuando acabas de sacar la máquina de exposición, lo único que debes hacer es renunciar a la idea de tomar una foto por un momento y, amablemente, permitir que esos niños revueltos se aferren a ti como espinas.

Sujetos

Al igual que en nuestro propio mundo, hay sujetos fotográficos en todas partes; están en todas partes y no podemos ignorarlos. Por eso, tenemos que ser conscientes de lo que pasa en el mundo y ser fieles a cómo nos sentimos.

Un tema no es una colección de hechos, porque los hechos en sí rara vez son interesantes. Sin embargo, a través de los hechos podemos comprender sus leyes inherentes y así elegir mejor temas sustantivos para expresar los hechos.

En fotografía, las cosas más pequeñas pueden convertirse en grandes temas. Las cosas triviales del mundo pueden convertirse en el tema principal de la música. Observamos el mundo que nos rodea y lo mostramos. Las cosas mismas tienen todo tipo de ritmos orgánicos en su forma.

Hay miles de maneras de extraer la esencia de aquello que nos atrae, y no las describiré todas aquí. En cambio, mantenemos las cosas completamente vivas.

Ahora existe un campo completamente nuevo que ya no depende de la pintura para desarrollarse. Algunos dicen que esto se debe a la invención de la fotografía. Independientemente de dónde venga esta afirmación, sin duda la fotografía se ha ganado su lugar en este campo de las artes plásticas.

Uno de los temas ridiculizados por los pintores actuales es el retrato. Vestidos cruzados, gorras militares y caballos: hasta el pintor más académico se aburriría con estas cosas. Se asfixiarían ante los retratos victorianos de tetonas. Para los fotógrafos, tal vez sea porque no estamos tan preocupados por el valor eterno de nuestro trabajo como los pintores, y no estamos muy descontentos con ello, sólo estamos interesados ​​porque eso es lo que aceptamos.

La gente tiene un fuerte deseo de confiar en los retratos para transmitirlos a las generaciones futuras. Siempre quieren dejar sus mejores imágenes a las generaciones futuras, aunque mezclada con esta necesidad está la necesidad de este tipo de brujería. El miedo profundo al arte, la extraña sensación de sentarse frente a una cámara y exponer tu propia imagen a una sustancia mágica.

Una de las razones por las que los retratos son tan fascinantes es que nos permiten identificar a una persona paso a paso. La genética de una persona se refleja más o menos en su apariencia: el parecido es tal que uno confundiría la foto de un tío en un álbum familiar con la de un sobrino. Si un fotógrafo quiere fotografiar a una persona, debe estar en un estado normal. Tenemos que respetar el ambiente que rodea a esta persona. E integrar el entorno vital de la persona con su retrato, porque el hombre, como otros animales, también tiene su entorno vital. El primer paso es hacer que el sujeto se olvide de la cámara y de la persona que la usa. En mi opinión, equipos complejos, dispositivos reflectantes y diversos accesorios son suficientes para ahuyentar a los "pájaros" que queremos cazar en vuelo.

¿Qué hay más cambiante y fugaz que las expresiones de los rostros de las personas? La primera impresión que nos da un rostro especial suele ser la más real, pero si un fotógrafo quiere hacer realidad la primera impresión, debe "convivir" con la persona que está fotografiando. El momento decisivo y la psicología, como la posición de la cámara, son factores importantes a la hora de tomar un gran retrato. Creo que es bastante difícil ser fotógrafo de retratos y tomar fotografías para clientes que programan citas y las pagan. Porque, con la excepción de uno o dos patrocinadores artísticos (Mecenas), todos los clientes quieren que sus fotos se vean mejor que ellos mismos y el resultado ya no es cierto. Los fotógrafos son escépticos acerca de la objetividad de sus cámaras, por lo que todo lo que el fotógrafo tiene que hacer es estudiar con precisión su psicología.

Efectivamente, en todos los retratos realizados por el mismo fotógrafo se evidencia un incuestionable sentido de identidad. El fotógrafo necesita encontrar un sentido de identidad con el sujeto y al mismo tiempo expresar su propia experiencia visual. Los retratos reales no enfatizan la ternura del sujeto ni resaltan deliberadamente su extrañeza, sino que muestran la personalidad de la persona.

En comparación con esos retratos posados, prefiero las fotografías de identificación colocadas en filas en la ventana de un pequeño estudio fotográfico especializado en pasaportes. Al menos podemos ver algo malo en este rostro, ser testigo de un hecho simple, en lugar de algo parecido a la poesía que buscamos.

Composición

Para que una fotografía exprese con fuerza un tema, debe establecer relaciones precisas entre las distintas formas de la fotografía. La fotografía significa la comprensión rítmica de cosas reales en el mundo real, por lo que el papel de los ojos es descubrir y centrarse en esos temas especiales en el complicado mundo real. La función de la cámara es simplemente registrar las decisiones del ojo en una película fotográfica. Entender una fotografía es en realidad como mirar un cuadro: podemos verlo todo de un vistazo. En una fotografía, la composición es el resultado de la combinación y cooperación orgánica de varios factores vistos por el ojo al mismo tiempo. Dado que el contenido y la forma son inseparables, no se puede ser inteligente después del hecho y sobreimprimir algo encima del material básico para componerlo. La composición debe tener su inevitabilidad.

La fotografía adquiere una nueva plasticidad debido a la linealidad instantánea que produce el movimiento del sujeto. Trabajamos en armonía, como si hubiéramos previsto de antemano la trayectoria de desarrollo de la vida misma. Pero dentro del movimiento, todos los factores del movimiento tienden a equilibrarse en un momento determinado, por lo que la fotografía debe captar firmemente este momento y fijar este equilibrio.

Los ojos del fotógrafo seguían mirando. Si mueve un poco la cabeza, las líneas se superponen. Si doblara un poco las rodillas, la perspectiva cambiaría.

Si colocaba la cámara más cerca o más lejos del sujeto, podía capturar detalles: podía hacer que le obedecieran o no podía tener control sobre ellos. Pero su tiempo de composición es casi tan corto como presionar el obturador, y su velocidad equivale a una acción refleja.

A veces esperas y dudas, esperando que algo suceda. A veces sientes que todo está listo, pero parece que falta algo. ¿Pero qué debería ser? Quizás alguien entre de repente en tu campo de visión. Lo sigues a través del visor. Esperas y esperas, y finalmente presionas el obturador, y finalmente te vas, y sientes que realmente has captado algo (aunque no sabes por qué). Posteriormente, para comprobarlo, ampliarías la foto y analizarías la geometría. Puedes encontrar que si se abre el obturador en un momento decisivo, debes haberlo hecho.

Aunque la composición es algo a lo que debemos seguir prestando atención, sólo puede surgir de nuestra intuición a la hora de disparar, porque estamos captando esos momentos fugaces, y todas las relaciones contenidas en ellos cambian constantemente. Cuando se utiliza la regla de oro, la única "brújula" del fotógrafo son sus propios ojos. Cualquier análisis o diagramación geométrica solo se puede realizar después de que la fotografía haya sido tomada, revelada e impresa (debido a su propia naturaleza), y solo para una revisión post mortem de la fotografía. Espero que nunca llegue el día en que las tiendas de equipos fotográficos no vendan cuadrículas gráficas que se enganchan en los visores; la regla de oro no debería estar grabada en nuestras pulidas pantallas de enfoque.

Si quieres obtener una buena foto recortando, significa la muerte del equilibrio geométrico. Además, una fotografía mal compuesta no se puede remediar cambiando la composición con una lupa, por lo que la integridad visual ya no existe. Hablamos mucho de ángulos para tomar fotografías, pero los únicos ángulos que funcionan son los ángulos geométricos de la composición, no los ángulos que el fotógrafo contorsiona para conseguir efectos especiales, apoyar la barriga en el suelo o hacer otras miradas ridículas.

Color

Cuando se trata de composición, siempre consideramos solo el color simbólico: el negro. La fotografía en blanco y negro es una forma distorsionada de fotografía, es decir, es una representación abstracta de las cosas. En la fotografía en blanco y negro todo valor queda desplazado, dándonos más opciones.

La fotografía en color ha traído consigo una serie de problemas aún difíciles de solucionar. Algunos son incluso difíciles de predecir debido a su complejidad y relativa inmadurez. En la actualidad, la sensibilidad del látex de la película en color es todavía muy lenta, por lo que los fotógrafos que utilizan películas en color tienden a fotografiar únicamente naturalezas muertas o utilizar fuentes de luz artificial potentes. Al fotografiar objetos en primeros planos, la baja velocidad de la película en color acorta la profundidad de campo en el campo de visión, lo que a menudo hace que la composición sea rígida. Lo más importante es:

Las películas positivas en color a veces parecen agradables a la vista, pero el siguiente paso lo realiza el fabricante de planchas. En la impresión en color, es necesaria una comunicación adecuada si el fabricante de planchas quiere comprender las intenciones del fotógrafo. Finalmente, están esas tintas y papeles impermanentes. Las fotografías en color impresas en revistas o en ediciones de tapa dura a veces dan la impresión de un gráfico mural interpretativo mal dibujado.

Es cierto que la impresión en color de fotografías o documentos ha alcanzado cierto nivel de realismo, pero otra cosa es conseguir que los colores tiendan a mostrar su verdadera vitalidad. Todavía estamos en la infancia de la fotografía en color, pero nada de esto significa que no podamos interesarnos más en estos temas, o simplemente sentarnos y esperar a que llegue la película en color perfecta, repleta de las habilidades necesarias para usarla. caer en nuestros brazos, debemos seguir explorando nuestro propio camino.

Aunque es difícil predecir con precisión el desarrollo de la fotografía en color en el reportaje fotográfico, parece requerir una nueva actitud en el pensamiento de la gente, un enfoque diferente al estudio de la fotografía en blanco y negro. Personalmente, me preocupa un poco que este nuevo complejo de factores destruya el efecto de vida y movimiento que tan a menudo captura la fotografía en blanco y negro.

Para ser verdaderamente innovador en el campo de la fotografía en color, es necesario cambiar y ajustar varios colores, de esta manera se logra la libertad de expresión dentro de las reglas prescritas por el impresionismo. Esto es incluso para un fotógrafo. Es difícil de evitar (como la ley del contraste en * * *: cada color utilizará su color complementario para llenar el espacio vacío adyacente; si uno de los dos tonos contiene un color que está ocupado por los dos tonos ocupados. , entonces este color se verá debilitado por los dos tonos yuxtapuestos; cuando se yuxtaponen dos colores complementarios, el efecto de los dos colores complementarios se enfatiza, pero cuando se mezclan, se anulan entre sí, y así sucesivamente). del espacio en la superficie plana de una fotografía implica una serie de cuestiones extremadamente complejas. Algunos colores absorben la luz, mientras que otros la reflejan. Entonces, algunos colores esperan con ansias. Otros parecieron retroceder. Tenemos que ser capaces de ajustar la relación entre los colores, porque el color es una disposición con una sensación de profundidad en la naturaleza y otra disposición en una superficie plana, ya sea una pintura o una fotografía.

Muchas de las dificultades que plantean las instantáneas son que no podemos controlar el movimiento del sujeto; al informar sobre fotografía en color, la verdadera dificultad es que no podemos controlar la relación entre los colores del sujeto. No es difícil pensar en otras cuestiones espinosas, pero es seguro decir que el desarrollo de la fotografía está estrechamente ligado al desarrollo de otras tecnologías.

Tecnología

Los continuos nuevos descubrimientos en química y óptica han ampliado enormemente el alcance de nuestras actividades. Estos nuevos descubrimientos también se aplican continuamente a nuestra tecnología fotográfica, lo que nos permite seguir progresando. Sin embargo, todavía existen muchas supersticiones obstinadas cuando se trata de utilizar medios técnicos para abordar un tema.

Esto por supuesto es muy importante cuando tienes que dominar la técnica y utilizarla para expresar lo que ves. Para registrar eficazmente su visión en una película, sus propias habilidades técnicas deben ser creativas y adaptables. Pero a juzgar por el resultado final, la evidencia más fundamental son las fotografías que finalmente se revelaron; de lo contrario, el fotógrafo hablaría interminablemente sobre las fotografías que casi se tomaron, pero esto es sólo un recuerdo que básicamente no existe en los ojos de un nostálgico. persona .

El fotoperiodismo sólo existe desde hace 30 años. El fotoperiodismo alcanzó la mayoría de edad gracias a cámaras portátiles fáciles de operar, lentes de gran diámetro y películas ultrarrápidas producidas para la industria cinematográfica. La cámara es una herramienta para nosotros, no un hermoso juguete mecánico. La precisión del rendimiento mecánico puede ser una compensación inesperada de la ansiedad y la inquietud que se encuentran en el trabajo diario. Sin embargo, la gente está demasiado preocupada por los problemas técnicos y piensa muy poco en cómo observarlos.

Si un fotógrafo está satisfecho con su cámara y es adecuada para su trabajo, es suficiente. En cuanto al funcionamiento real de la cámara, como la apertura, la velocidad de exposición y otras técnicas similares, debes tener tanta habilidad como cambiar de marcha mientras conduces. Los detalles específicos y exquisitos de estas operaciones, por complicadas que sean, no deberían ser el tema que quiero discutir hoy. Porque en las instrucciones de funcionamiento suministradas con la cámara y la exquisita funda de piel de vaca de color naranja, el fabricante ha explicado todo con precisión en un lenguaje similar al de los términos militares. Si alguien dice que una cámara es un dispositivo ingenioso, al menos nuestra conversación debería ir más allá de eso. Lo mismo ocurre con cómo y por qué deberías tomar fotografías sofisticadas en el cuarto oscuro.

En el proceso de acercamiento, lo más importante es cómo restaurar el valor y el estado al tomar la foto mediante la recreación. Para ello, es necesario cambiar incluso el tono de la fotografía para que coincida con la intención del fotógrafo en el momento de pulsar el obturador. También es necesario restablecer el equilibrio de luces y sombras que el ojo reconoce continuamente. Es por estas razones que las etapas finales de la creación fotográfica tienen lugar en el cuarto oscuro.

Siempre me han interesado las ideas de algunas personas sobre la tecnología fotográfica, que se manifiesta en la búsqueda excesiva de la claridad de la imagen. ¿Es una pasión obsesiva? ¿O, como esperan estas personas, utilizando la misma tecnología que Trompe-I'oeil, podremos acercarnos a comprender la realidad? En otro caso, simplemente dejan de lado el problema real. Como los fotógrafos de otra época, siempre están acostumbrados a difuminar todas sus fotografías, pensando que sólo así pueden considerarse fotografías "artísticas".

Clientes

La cámara nos da un registro visual. Para mí es mi diario. Nosotros, los fotógrafos, somos quienes suministramos información al mundo a un ritmo rápido: un mundo lleno de prejuicios y ruido, pero también un mundo hambriento de información. La gente necesita fotografías que la guíen. Como fotógrafos, inevitablemente tenemos que evaluar lo que vemos mientras tomamos fotografías. Esto significa una enorme responsabilidad. Pero tenemos que confiar en la industria gráfica, porque para esas revistas de imágenes somos como mecánicos, proporcionando los materiales más originales.

Para mí, vender mi primera fotografía (a la revista France>(VU)) fue realmente una experiencia inolvidable. Este fue el comienzo de mi relación inextricable con la revista. Fue la revista que nos trajo Fotografía. Las masas saben cómo publicar una historia fotográfica basándose en la intención del fotógrafo. Desafortunadamente, a veces distorsionan la intención original de la foto. Incluso las revistas pueden publicar su trabajo tal como lo presentó el fotógrafo. adaptarse al gusto o las necesidades de la revista.

En una historia fotográfica, el título debe proporcionar un contexto gramatical para la foto y resaltar todo lo que la cámara desafortunadamente no puede alcanzar. Sí, los errores son inevitables en el estudio de un asistente de edición. , y estos no son simples errores de ortografía o de redacción. ¡Sucede!

Las fotos pasan por las manos de editores de fotografías y diseñadores de diseño. El editor de fotografías debe seleccionar las fotografías que forman una historia fotográfica. 30 fotos (esto es como dividir un artículo en diferentes párrafos. para hacer una serie de citas). Las historias fotográficas tienen una estructura determinada como una novela. Las fotos elegidas por el editor de fotos se ordenarán en dos, tres o cuatro páginas según. su tamaño de interés o el número de páginas disponibles para su publicación.

El talento artístico más importante de un maquetador es que sabe seleccionar entre un montón de fotos la más especial que merece la pena. de imprimir una página entera o una página doble; al mismo tiempo, es también saber contar la historia (¿Dónde deben insertarse las pequeñas fotografías que puedan servir de vínculo entre el pasado y el siguiente?). Para este conjunto de historias fotográficas, el fotógrafo debe considerar cómo hacer que estas fotos se publiquen de manera efectiva). Los diseñadores de diseño a menudo necesitan recortar una foto y dejar solo una parte de la foto, por lo que también es la más importante para él. para unificar toda la página o toda la disposición del contenido. Cuando el diseñador de diseño puede crear una historia fotográfica, cuando organiza las fotos correctamente, cada página tiene su propia estructura y ritmo, ¡el fotógrafo simplemente les agradeció! p>Cuando el fotógrafo buscaba su historia fotográfica en la revista, estaba muy nervioso por otras formas de hacerlo además de publicar en la revista, como las exposiciones de fotografía.

Tengo. Ya dije basta, pero sólo hablé de una forma de fotografía.

La fotografía se presenta en muchas formas. Desde instantáneas descoloridas en compartimentos de carteras hasta catálogos publicitarios brillantes y mucho más: todo es fotografía. No quiero definir la fotografía como algo que todo el mundo pueda aceptar. Simplemente defino mi propia fotografía:

Para mí, la fotografía es una forma de confirmar el significado de un evento y la forma estructural precisa que lo expresa apropiadamente en un momento.

Creo que a través de la práctica de la vida, nuestra comprensión de nosotros mismos irá a la par de nuestra comprensión del mundo que nos rodea. El mundo puede cambiarnos y nosotros podemos influir en el mundo. Debemos encontrar un equilibrio entre estos dos mundos: nuestro mundo interior y nuestro mundo exterior. El resultado de esta interacción continua es la unificación de los dos mundos. Este es el mundo que debemos expresar.

Sin embargo, aquí solo hablé del contenido de las fotos. Para mí, contenido y forma son inseparables. Pienso en la forma como una estrecha organización de la interacción de planos, líneas y colores. Sólo utilizando esta organización nuestras ideas y sentimientos podrán volverse concretos y contagiosos. En fotografía, la organización visual sólo puede surgir del desarrollo de la intuición.