Linda profesora de cámara, por favor pase~ Tengo algunas preguntas que preocuparle~

1. El concepto de composición

1. ¿Qué es “composición”?

La palabra composición es la transliteración de la palabra inglesa COMPOSITION, que es un término. para artes plásticas. Su significado es: componer, combinar, configurar y ordenar diversas partes para crear un cuadro artístico. En "Cihai", se menciona que "composición" significa que el artista organiza y maneja la relación y posición de personas y objetos en un espacio determinado para expresar el tema y el efecto estético de la obra, y combina imágenes individuales o parciales. en el conjunto del arte. En la pintura tradicional china, se le llama "Zhangfa" o "Diseño". Este término contiene un significado básico y general, que es el de unificar las partes que componen el todo, organizar la imagen representada por el autor en un espacio o plano limitado y formar una estructura específica de la imagen, para realizar la misión del fotógrafo. Mostrar intención. En resumen, la composición se refiere a cómo organizar personas, paisajes y objetos en la imagen para obtener el mejor diseño. Es un método para combinar imágenes y es la suma de todos los medios para revelar imágenes.

La composición también requiere atención a las habilidades artísticas y a los medios de expresión, lo que se denomina "artesanía" en el arte tradicional chino. La sofisticación del artesano está directamente relacionada con la concepción artística de una obra. La composición es una parte importante de la forma vertical, pero debe basarse en la intención original. La composición de una obra encarna el ingenio y la habilidad de arreglo del autor, y encarna la intención del autor y el método específico de expresar el tema. Por lo tanto, es un reflejo específico del nivel artístico del autor. En resumen, la llamada composición es aquella en la que el artista utiliza elementos visuales para organizarlos según el espacio del cuadro. Se basa en la coordinación de puntos visuales, líneas, formas, luces, luces y sombras, y colores. términos de belleza formal.

La composición es un factor importante a la hora de expresar el contenido de la obra, y la organización de todo el lenguaje artístico visual fotográfico en la obra permite que cierta estructura interna compuesta por el contenido se exprese adecuadamente, y solo el La estructura interna y la estructura externa son armoniosas. Sólo a través de la unidad se puede producir una composición perfecta.

2. El propósito de la composición

Cada tema, ya sea sencillo o grandioso, importante u ordinario, contiene belleza visual. Cuando observamos objetos específicos en la vida (personas, árboles, casas o flores), debemos dejar de lado sus características generales y considerarlos como una combinación de forma, línea, textura, luz y sombra, color, iluminación y objetos tridimensionales. Mediante el uso por parte del fotógrafo de diversos métodos de modelado, la forma, el color, la textura, la tridimensionalidad, el movimiento y la relación espacial del sujeto se muestran vívida y claramente en la imagen, de modo que se ajuste a las leyes visuales de las personas y pueda ser verdaderamente sentido por El espectador sólo cuando se pueden lograr efectos visuales satisfactorios: la belleza visual. Es decir, la composición debe ser estética. Como dijo Rodin: "La belleza está en todas partes. Para nuestros ojos, no es una falta de belleza, sino una falta de descubrimiento de la belleza. Como fotógrafo, él simplemente es bueno observando la naturaleza con sus ojos y transmitiendo este sentimiento visual". . Entonces está solo en la pantalla.

Pero la composición no puede ser el fin en sí misma, porque la tarea básica de la composición es aclarar la idea del artista en la mayor medida posible.

El propósito de la composición es enfatizar y resaltar las personas o paisajes típicos de la idea, descartando así lo general, superficial, engorroso y secundario, y organizando adecuadamente los objetos que lo acompañan, eligiendo el entorno. hacer que la obra sea más elevada, más fuerte, más completa, más concentrada, más típica y más ideal que la vida real para realzar el efecto artístico. En términos generales, es el arte de transmitir los pensamientos y emociones de uno a los demás. Esta declaración puede expresar verdaderamente el propósito de la composición.

3. Naturaleza de la composición

Composición y diseño pueden usarse indistintamente porque sus significados son los mismos. El concepto preciso de diseño y su significado original es concepción, es decir, la disposición adecuada de diversos elementos visuales por parte del artista para expresar sus ideas de forma clara y conmovedora.

La composición no solo se refiere a operaciones específicas, sino que también significa usar la forma completa como un objeto a representar en conexión con reglas fotográficas complejas, introduciendo objetos naturales en un ámbito realista y convirtiéndose en una entidad independiente diferente de la naturaleza. . El mundo de la existencia. Cualquier excelente obra fotográfica es una unidad compleja de pensamiento y arte. La complejidad del trabajo está determinada por la complejidad de la vida. Sin embargo, el procesamiento de la imagen es muy natural, colorido y natural, con muy pocos rastros de cincelado. ¿A qué se debe esto? La razón radica en el hecho de que cuando el fotógrafo está creando, es como "un ingeniero que construye una casa". Después de cierta selección y refinamiento, planificación y disposición, y estructura organizativa, el reflejo del fotógrafo se refleja en la "posición de operación y diseño". ". Comprensión de la vida e ingenio. Por lo tanto, debemos llevar a cabo una serie de arreglos organizativos en la creación, pensar ingeniosamente la estructura, diseñarla cuidadosamente, resaltar los aspectos principales, enfatizar lo esencial y plasmar el tema de la obra en una organización de imagen distintiva.

La ciencia de la composición consiste en estudiar las formas estructurales y las leyes de todas las composiciones, estudiar los principios y principios de la estructura de la composición y estudiar la correspondencia entre la composición y diversas formas de pensamiento. La composición debe basarse en toda la ciencia del pensamiento.

Pero si la composición refleja también las leyes de las cosas objetivas, la gente todavía tiene opiniones diferentes.

Algunas personas creen que "no existe un método fijo para pintar", porque las cosas objetivas cambian constantemente y los contenidos emocionales e ideológicos son aún más complejos, por lo que nadie puede determinar las reglas de composición y estructura. Engels dijo: "La forma universal en la naturaleza es la ley". Por tanto, se puede ver que la ley es la forma universal. La práctica ha demostrado que la estructura de la composición tiene ciertas reglas. En la teoría de la pintura china, "ubicación, disposición, diseño, estructura, luz y color" son discusiones incisivas sobre las reglas de composición.

En la pintura tradicional china, la estructura de la composición se llama "composición" o "diseño", y "la composición del papel desplegado es la primera". La gestión de posiciones es como Go, se pueden realizar todos los movimientos, no se pierda. Se puede escribir con tinta en todas partes en papel normal, pero recuerde no escribir al azar. Hay caminos hacia el ajedrez, hay principios para la pintura y un movimiento en falso es como perder la partida. Los antiguos comparaban la composición con jugar al ajedrez. La fotografía se ha vuelto así. También requiere una cierta composición, diseño y formación.

Por eso, la composición se llama esquema del cuadro. El llamado esquema significa esquema y resumen. La composición del cuadro es como escribir un artículo. Debe ser organizado y metódico, con orden y. dominar, haciéndose eco entre sí y contrastando lo virtual y lo real. Las reglas de composición de ocultar y revelar, la simplicidad y complejidad moderadas y la densidad perfecta están sujetas a los requisitos de la expresión del tema, al mismo tiempo que logran una unidad perfecta y armoniosa. de la forma general. Éste es el objetivo final de la composición.

2. Creación y Composición

La creación fotográfica es un tipo de trabajo espiritual menos fijo y más excepcional, menos rutinario y más cambiante. Cuando la mente de un fotógrafo se siente atraída y poseída por una imagen emocional verdadera, y tiene la capacidad de mantenerla allí y expresarla visualmente, creará una buena composición. La creación fotográfica es inseparable de la composición, al igual que lo comentado anteriormente y la redacción de artículos es inseparable del diseño y la organización. Es uno de los factores más importantes para el éxito del trabajo. La relación entre creación y composición es muy estrecha.

1. La formación del tema

La intención original de la creación es la actividad de la imagen del artista. La razón por la que el arte se diferencia de la reproducción de la vida depende principalmente de la creación y. imaginación, y contiene la pasión y la perspectiva del fotógrafo. La creatividad incluye el pensamiento y la generalización de imágenes. Sin duda, todo fotógrafo puede estar ocupado o excitado por ciertos pensamientos y sentimientos en cualquier momento de su vida, y en ocasiones estos pensamientos y sentimientos le dificultan deshacerse de ellos. Entonces comencé a buscar con entusiasmo la expresión de este tipo de pensamientos y sentimientos en entornos de la vida real. Los fotógrafos crean obras de arte fotográficas en momentos de la vida, lo cual es una forma de pasión única y elevada. Por eso algunas personas llaman a esta pasión "inspiración". Los psicólogos creen que este tipo de inspiración es un fenómeno psicológico que ocurre en las actividades creativas. La inspiración es la capacidad creativa que surge repentinamente debido a una alta concentración de pensamientos. Pero la inspiración no surge de la nada. A menudo aparece después de pensar y meditar mucho. La llegada de la inspiración a menudo llega con cierto grado de casualidad y, a veces, se desencadena sin querer. Hay muchas oportunidades para inspirar, y el papel de varios factores inspiradores en realidad impulsa al fotógrafo a fluir en su imaginación, aclarar los pensamientos y sentimientos informes en un instante y encontrar la hermosa forma de expresión perceptiva. El camarada Zhou Enlai dijo una vez: "La acumulación a largo plazo conduce a una adquisición accidental". Explicó: "Este tipo de adquisición accidental se basa en una vida y un cultivo a largo plazo. Sólo los artistas talentosos pueden descubrir la belleza en las cosas comunes". . Como decía Rodin: "La belleza está en todas partes y sólo quien es sincero y emocional puede descubrirla". La vida y la belleza están estrechamente vinculadas. Todo en la vida está influenciado por el elemento de la belleza. La clave está en la sensibilidad y la imaginación del artista. La mayor sensibilidad del artista respecto a la de la gente común proviene de su continuo esfuerzo por observar la vida y el cultivo artístico.

El tema de la creación fotográfica surge de la vida. La formación del tema despierta un deseo creativo y un impulso creativo más fuertes en el fotógrafo. El tema es el alma, algo que es ideológico. "La intención es lo primero" significa que la intención debe establecerse antes de tomar la fotografía. La idea es el tema. La formación del tema es inseparable de la práctica social. El tema es concebido primero por el fotógrafo en la práctica de la vida a largo plazo. y en segundo lugar, se extrae del material de.

2. La relación entre tema y composición

Una vez establecido el tema, la concepción artística es la etapa más activa del pensamiento de imágenes. Aunque hay una imagen en esta etapa, sí lo es. No es una etapa práctica. Por lo tanto, de hecho, todavía hay algunos detalles o personajes que pueden omitirse para completar la intención creativa, las imágenes y dibujos en la concepción deben representarse de manera concreta. Cómo expresarlo es una cuestión de técnica, pero la técnica es una parte integral de toda la idea, y la madurez de la idea depende de la profundidad de su comprensión. Para obtener poder expresivo, el artista busca "motivos de modelado", combinaciones de objetos y diversos cambios en el cuadro, para encontrar el mejor entre ellos, que es la composición.

La idea de la obra se refleja en la composición. Sin la idea no habría composición. El proceso de composición es el proceso de desarrollar la idea y profundizar en el tema.

Cada artista vive en una sociedad real y tiene su propio suelo: personas y vida. Sin este suelo fértil, el árbol de la vida se marchitará y la luz del arte se apagará. Las obras siempre reflejan los sentimientos, pensamientos, juicios y conclusiones del autor sobre la vida. A través de las obras, podemos ver las cualidades, pensamientos, carácter, gustos, exigencias y deseos del autor. Detrás de las obras está la personalidad del autor, que está detrás de la creación real. En las actividades, la imagen tiene una fuerte personalidad.

La composición tiene sus propias reglas y métodos. Los fotógrafos componen según su sensibilidad interior. El arte plástico es un arte visual, y la calidad de la composición se puede distinguir por los ojos. La calidad de la composición debe, en primer lugar, permitir al espectador sentir inmediatamente la intención del autor a través de la intuición visual sin mirar el título de la obra, sin necesidad de introducción o anotación. El autor no puede confiar en palabras para expresar sus ideas y usa títulos para hablar. Se basa en personas, objetos, paisajes y la estructura de toda la imagen para expresar los sentimientos y el amor apasionado por la vida que el autor quiere expresar. El tema de la obra se refleja a través de imágenes típicas realistas con personalidades distintivas creadas por el autor. Sólo estas obras pueden dar al público una sensación real de escuchar la voz, ver a la persona y estar allí.

Por tanto, antes de iniciar el proceso de composición en la creación fotográfica, primero debemos buscar la motivación creativa (la motivación de la idea, la motivación de la forma), y la composición es un proceso de creación de una obra. del arte.La composición es la base de todos los factores de la obra de arte integral. Este tipo de síntesis puede expresar la intención ideológica del autor de manera más completa y poderosa, es decir, el proceso de plasmar los pensamientos del autor en la forma de la obra artística que se puede sentir. Por lo tanto, la composición debe combinar todo en la forma. el contenido de la obra artística factores relacionados entre sí.

3. El estatus y el papel de los acompañantes en la imagen.

Los acompañamientos se refieren a objetos que forman una determinada trama con el sujeto de la imagen y ayudan a expresar las características y connotaciones del sujeto. . Algunos de los objetos organizados en la imagen están en una posición complementaria. Forman una trama con el sujeto y juegan un papel importante al profundizar la connotación del sujeto y ayudar a explicar las características del sujeto. Debido a que hay compañeros en la pantalla, el lenguaje visual será mucho más preciso y vívido. Su función tiene las siguientes características:

1. Acompañar al cuerpo para profundizar en la connotación del tema. Echemos un vistazo a la obra “Los fanáticos de la revolución tecnológica” para ilustrar que los sujetos principales de la imagen son dos trabajadores, y sus compañeros son los engranajes de la máquina y el arroz en la mesa. La máquina, los trabajadores y el arroz juntos. constituyen la trama de la producción de la revolución tecnológica. Debido a que junto a la gran máquina como acompañamiento, hay un plato de arroz sobre la mesa de trabajo, y los trabajadores estudian atentamente, hay muchas connotaciones escondidas en la trama La máquina y el arroz sobre la mesa son el lenguaje de la imagen. los trabajadores, que refleja la En la construcción de las cuatro modernizaciones, es un retrato fiel del trabajo incansable en las innovaciones tecnológicas. El lenguaje visual que los compañeros aquí ayudan a expresar es difícil de expresar con palabras.

2. La esencia de manejar bien la escena y acompañar al cuerpo es manejar bien la trama. La elección del acompañamiento debe poder retratar el carácter del personaje e ilustrar las características del evento, es decir, debe ser típico (como "La alegría de la vejez").

3. La disposición del acompañamiento de la imagen debe basarse en el principio de no debilitar el cuerpo principal y no apoderarse del tema principal El área ocupada por el acompañamiento en la imagen, la disposición de. los tonos, la dirección de las líneas y las expresiones y movimientos de los personajes deben ser consistentes con El sujeto coopera estrechamente y está estrechamente relacionado y no puede separarse del sujeto. Dado que el diseño de la imagen está dividido en prioridades, el cuerpo que la acompaña a menudo está incompleto. Es suficiente dejar solo la parte que puede explicar la imagen completa. Acompañando a todo el cuerpo, el cuerpo principal se debilitará. No seas codicioso de lo grande y busques la perfección. Debes partir de los resultados reales y tener sentido de la proporción en tus elecciones.

4. También existen tratamientos directos e indirectos para el acompañamiento. En ocasiones el acompañamiento no se ve directamente en el cuadro Decimos que aunque el acompañamiento es un objeto que forma la trama con el cuerpo principal, allí. Son algunas imágenes que no están relacionadas con el cuerpo principal. Los objetos que componen la trama no están en la imagen, sino fuera de ella. Los movimientos y expresiones del sujeto en la imagen están relacionados con un objeto fuera de la imagen. Aunque este objeto no se muestra en la imagen, definitivamente aparecerá en la imaginación del espectador. Este tipo de expresión se llama expresión indirecta. cuerpo acompañante.

Lo importante del tratamiento indirecto de los compañeros es que el medio que guía la imaginación debe estar inteligentemente dispuesto.

El procesamiento indirecto de los cuerpos que lo acompañan es una técnica artística para estructurar la imagen. Puede ampliar la capacidad de vida de la imagen, crear una imagen fuera de la imagen y dejar que la imaginación del espectador participe en la creación de la pintura. significado, y despertar el interés de la apreciación y el espacio para el recuerdo. Por lo tanto, la estructura de la imagen debe ser tal que el significado sea visible fuera de la imagen y que haya pintura fuera de la imagen. El marco de la imagen es limitado y el significado de la imagen es limitado. Algunas pinturas clásicas nos dan ejemplos, como "Templo antiguo en las montañas profundas", que solo representa a jóvenes monjes bajando de la montaña para buscar agua del arroyo; "Vendedor del puente del río Bamboo Suo" solo escribe la palabra "vino" en el; parte superior del bambú; "Regresando después de pisar las flores" "Quitar la fragancia de los cascos de los caballos", la fragancia de los cascos de los caballos no está incluida en la imagen. En la imagen solo se ven mariposas revoloteando entre los cascos de los caballos, dejando solo la imaginación del. audiencia. Vale la pena aprender estos conceptos artísticos en las pinturas del concepto y la estructura del fotógrafo. Al seleccionar los materiales y gestionar la imagen, también debemos considerar el lirismo, la filosofía y los requisitos estéticos implícitos. Debemos aprender a utilizar métodos indirectos para tratar con los objetos que la acompañan. realzar la La expresividad y el atractivo de la fotografía.

4. El papel del entorno a la hora de resaltar el sujeto

En muchas obras de arte fotográficas, a menudo podemos ver en la pantalla que algunos objetos sirven como componentes del entorno y tienen un impacto en el tema y la trama. Sirve como complemento para realzar la expresividad del tema. Los objetos que forman parte del entorno están delante del sujeto, lo llamamos primer plano; los objetos que están detrás del sujeto, lo llamamos fondo;

1. Primer plano

El primer plano está frente al sujeto, cerca de la cámara. Se caracterizan por tener imágenes de gran tamaño y tonos oscuros. La mayoría de ellas están en los bordes. Generalmente se utiliza la pintura. Los objetos son árboles, flores y plantas, o personas y objetos. El acompañante también puede ser el primer plano al mismo tiempo.

A. Utilice algunas flores, plantas y árboles con características estacionales y locales como primer plano para representar la atmósfera estacional y los colores locales, dando a la imagen un rico sabor de vida. El uso de flores de primavera y jazmines de invierno como primer plano no solo expresa la estacionalidad, sino que también llena la imagen de primavera; usando crisantemos y hojas rojas como primer plano, los colores del otoño llenan la imagen usando osmanto de hielo y ramas de nieve como primer plano; La escena invernal del Norte está como si estuviera ante tus ojos y puedes experimentarla personalmente. Al fotografiar paisajes de Hainan, se utilizan cocoteros y plátanos como primer plano, que están llenos de sentimiento sureño; se utilizan bambú y algodón rojo como primer plano, que tiene un sabor sureño; Estos primeros planos suelen ser poderosas ilustraciones del tema.

B. El primer plano se utiliza para realzar la sensación de espacio y perspectiva en la imagen. La estructura de la imagen coloca intencionalmente la cámara cerca de ciertas personas u objetos, aprovechando su gran imagen y sus tonos oscuros para formar un contraste obvio en tamaño y tono con el paisaje distante, a fin de movilizar la visión de las personas para sentir el espacio de En la distancia, el efecto visual es como si la imagen tuviera un eje de profundidad, lo que hace que la gente sienta que ya no es plana. Cuando algunos fotógrafos experimentados fotografían contenido que muestra escenas espaciales, siempre se esfuerzan por encontrar un primer plano apropiado para enfatizar la perspectiva de cerca y de lejos, y a menudo utilizan escenas similares en primer plano y en vista lejana, como personas, árboles y montañas esperando. Debido a la diferencia en distancia y distancia, cuanto mayor es la diferencia en el área ocupada en la pantalla, más fuerte es la capacidad de movilizar las leyes visuales de las personas para imaginar el espacio y más clara es la sensación del eje de profundidad.

C. Resaltar la generalización del contenido de la imagen Al expresar algunas cosas ricas y complejas, colocar intencionalmente la parte más distintiva de lo que se va a representar en primer plano es fortalecer y resaltar el contenido de la imagen. la imagen es un medio importante (como "For a Data" y "New Kitchen Huangliang"). La imagen está llena de vida Para mostrar la escena cada vez más acomodada de la vida rural, hay dos nuevos cubos de aluminio en primer plano, con trozos de pescado, carne, verduras, arroz, etc., esperando a ser cocinados. están en un Al frente de la imagen, la imagen es grande y distinta, lo que brinda a las personas una fuerte impresión visual, fortalece la generalización del contenido y aumenta el sentido visual de la pintura.

D. Utilice el contraste entre el paisaje de primer plano y de fondo para completar las técnicas de comparación comúnmente utilizadas en el arte fotográfico (como "Gap", "First Contact") para formar un tema que invite a la reflexión.

E. Las perspectivas dan a las personas una sensación subjetiva de estatus. Fortalecer el sentido de estatus de la imagen, como el uso de puertas, ventanas, edificios y otros paisajes distintivos como primer plano, permitiéndoles ocupar una posición más grande en la imagen, brindando a la audiencia un impacto psicológico y acortando de manera invisible la relación entre los La audiencia y la imagen. La distancia entre ellos crea una sensación inmersiva de intimidad. Esto es muy beneficioso para aumentar el atractivo artístico de la imagen. Darle al público una sensación de estatus es muy importante en otras creaciones artísticas y literarias. Para resultar fascinante, primero hay que atraer a la gente. Al igual que el poema de Li Bai, "Hay una luz de luna brillante frente a la cama, sospecho que hay escarcha en el suelo. Levanto la cabeza para mirar la luna brillante y la bajo para pensar en mi ciudad natal". La línea del poema de cuatro líneas es muy importante. Primero, diga dónde está y si está mirando frente a la cama. La luna está brillante, para que la sensación de nostalgia que se desencadena más tarde sea natural y real. El arte de la fotografía puede hacer esto, a menudo con la ayuda del primer plano.

F. El uso del primer plano puede aumentar la belleza decorativa del cuadro. Algunos objetos dispuestos regularmente, así como algunos objetos con formas de patrones, se utilizan como primer plano, haciendo que la imagen parezca decorada con un delicado marco o encaje, agregando belleza y haciendo que la imagen sea vivaz y saltarina (como "Baosteel Waltz " ), "Nueva altura"), los personajes están incrustados en el medio, lo cual es muy gracioso, elegante y libre.

G. El primer plano tiene la función de equilibrar la imagen. A veces, cuando encontramos espacios desequilibrados en la imagen, como cuando el cielo es monótono sin nubes, utilizamos ramas y hojas caídas arriba para compensar. las deficiencias de la imagen a veces Si la parte inferior de la imagen no se puede suprimir y la parte superior es pesada y la parte inferior es liviana, puede usar rocas y barandillas como primer plano. El color oscuro puede hacer que la imagen suprima el color. posición y lograr un efecto estable y equilibrado.

H. El primer plano utiliza la técnica de expresión del enfoque virtual para dar a las personas una sensación nebulosa y hermosa.

En los últimos años, en muchas obras de arte fotográficas, muchas personas suelen utilizar el enfoque virtual y el paisaje desordenado como primer plano. El público no sólo es capaz de aceptarlo, sino que también lo siente. porque el gusto estético de la gente por la fotografía también está cambiando y desarrollándose, volviéndose cada vez más natural y real, y requiere una atmósfera viva. El vacío y el caos del primer plano pueden enfatizar la atmósfera de la escena, y el vacío del primer plano también puede ayudar a resaltar la realidad del sujeto, utilizando la virtualidad para contrastar la realidad. El caos en primer plano también debe estar entre comillas. De hecho, hay orden en el caos. Parece caos, pero se basa en el principio de no obstaculizar la prominencia del tema. Si el caos es tan caótico que el tema queda sumergido, me temo que la audiencia no lo hará. sé capaz de aceptarlo y tampoco estarás satisfecho. Así que el principio es: "Busca la verdad en el vacío y busca la cura en el caos".

Las anteriores son las ocho funciones del primer plano. De hecho, el uso del primer plano suele desempeñar varios papeles al mismo tiempo. Lo mejor es disparar a varias águilas con una sola flecha. En general, la importancia de utilizar el primer plano es enriquecer el vocabulario de la imagen y aumentar la gracia literaria de la imagen. Sin embargo, recuerde que no se debe abusar del primer plano cuando esté disponible, es mejor no usarlo para mantener la imagen simple. Además, la forma y la estructura de las líneas del primer plano deben ser lo más hermosas posible. relacionados y haciendo eco del cuerpo principal, y combinados en un todo para ayudar a expresar el tema.

2. Fondo

El fondo se refiere al paisaje detrás del sujeto que se utiliza para resaltar el sujeto y enfatizar el entorno en el que se encuentra. El fondo resalta la imagen del tema y lo enriquece. Todas las connotaciones juegan un papel importante.

Todos los artistas plásticos conceden gran importancia al papel del fondo. La escultura, la pintura, la arquitectura y otras artes conceden gran importancia al papel del fondo sobre el tema. Hegel dijo en "Estética": "El artista no debe tallar completamente la escultura primero y luego considerar dónde colocarla. En cambio, al concebirla debe conectarla con un determinado mundo externo y su contexto. Forma espacial y ubicación local". Los artistas fotográficos también entienden que el fondo juega un papel decisivo en el éxito o fracaso de una obra fotográfica. A menudo se da esta situación: al fotografiar una obra, el sujeto, el acompañante, la expresión y la postura son ideales, pero falla debido a un procesamiento de fondo deficiente. Al elegir el fondo de una imagen fotográfica, se debe prestar atención a tres aspectos: primero, capturar las características, segundo, buscar la simplicidad y tercero, debe haber contraste tonal;

R. En primer lugar, debemos capturar algunos paisajes con características locales y características de la época como fondo, y explicar claramente el tiempo, el lugar y la atmósfera de la época del evento, para profundizar la comprensión de la audiencia sobre el tema de la obra y capturar su paisaje con las características de la época permite a las personas comprender el trasfondo de la época.

Por ejemplo, utilizar una locomotora humeante o la chimenea de una fábrica como fondo todavía podría hacer que la gente sintiera que los negocios estaban en auge en la década de 1950, y el escenario de una patria próspera podría inspirar los sentimientos estéticos de la gente, pero hoy en día; En la década de 1980, si esto todavía se utiliza como trasfondo, se dirá que es contaminación, lo que refleja la misma situación entre los trabajadores portuarios. Al fotografiar retratos, también damos gran importancia a elegir un entorno característico como fondo para resaltar la ocupación y los rasgos de personalidad del personaje. (Por ejemplo, una niña no puede usar grandes flores rojas como fondo primero), esto se llama retrato ambiental. El entorno resalta a los personajes, y el fondo también se puede dividir en papel positivo y papel negativo. Por ejemplo, un niño feliz usa un jardín de flores como papel de aluminio para el medio ambiente, que es un papel positivo como un hambriento y un niño. niño pobre en una calle bulliciosa en un mundo colorido, lo cual es un contraste negativo.

B. Mantenga el fondo simple y conciso. Alguien dijo una vez: "La diferencia entre los métodos de expresión artística de la pintura y la fotografía es que la pintura usa la suma, mientras que la fotografía usa la resta". Esto se debe a que la pintura siempre agrega algo a la imagen cuando refleja la vida, mientras que la fotografía siempre refleja la vida. posible eliminar cosas innecesarias. Lo más importante es eliminar las cosas prescindibles del fondo que impiden que el sujeto destaque, para lograr una imagen concisa y refinada.

A juzgar por muchos trabajos fotográficos, se descubre que muchos fotógrafos experimentados han movilizado por completo diversas técnicas fotográficas para lograr la simplicidad del fondo. Algunos usan el ángulo de elevación para evitar el paisaje desordenado en el horizonte y colocan el objeto principal limpiamente contra el cielo; otros usan el ángulo de elevación para usar la carretera, la superficie del agua y la hierba como fondo para hacer que el contorno del sujeto sea claro y claro; obtenga un fondo conciso use retroiluminación para ocultar las líneas desordenadas en el fondo en las sombras; algunos usan niebla matutina para ocultar el fondo en una neblina blanca; algunos usan lentes de distancia focal larga para reducir el fondo y excluir el paisaje de la imagen; enfoque virtual para suavizar las líneas de fondo. Estos métodos pueden lograr el efecto de un fondo simple.

C. El fondo debe esforzarse por formar un contraste tonal con el sujeto (debe haber contraste tonal en la fotografía en color), para que el sujeto tenga una sensación tridimensional, una sensación de espacio y contornos claros. , y fortalece la intensidad visual.

Reglas para trabajar con formas de contorno: sujetos oscuros sobre un fondo claro; sujetos claros sobre un fondo oscuro; sujetos claros u oscuros sobre un fondo gris neutro, el fondo es brillante y debe haber; un contorno oscuro en el medio; el sujeto es oscuro, el fondo es oscuro y debe haber un contorno brillante en el medio. Debido a que la fotografía es un arte plástico bidimensional, si no hay contraste o intervalo en el tono o tono, la imagen principal se fusionará con el fondo, perdiendo la posibilidad de reconocimiento visual. Por ello, algunas personas comparan el contraste de escena y tono en. la imagen Con él, la imagen de la imagen se destacará y se entregará a la audiencia.

El procesamiento de fondo es un vínculo importante en la estructura de una imagen fotográfica. Sólo mediante una selección cuidadosa durante la toma se puede refinar y precisar el contenido de la imagen y expresar perfectamente la imagen visual.

5. Mantener espacios en blanco

Además de los objetos físicos visibles en la pantalla fotográfica, también hay algunas partes en blanco, que se componen de un fondo monocolor, formando un Los espacios entre objetos sólidos. El fondo de un solo tono puede ser el cielo, el agua, la pradera, la tierra u otro paisaje. Debido al uso de varios métodos fotográficos, han perdido su imagen física original y forman un solo tono en la imagen para resaltar otros objetos físicos. .

Aunque el espacio en blanco no es un objeto físico, sigue siendo una parte indispensable de la imagen. Es el vínculo entre los objetos de la imagen y organiza la relación entre ellos. El papel de los espacios en blanco en la imagen es el mismo que el de los signos de puntuación en el artículo. Puede aclarar la imagen, aclarar los párrafos, suavizar la energía y el pulso y también puede ayudar al autor a expresar sus emociones. El siguiente es un análisis detallado del procesamiento de la parte en blanco de la pantalla y su función:

1. Es necesario dejar una cierta cantidad de espacio en blanco en la pantalla para resaltar el tema principal.

Para que el sujeto sea llamativo y tenga un impacto visual, es necesario dejar una cierta cantidad de espacio en blanco a su alrededor. Por ejemplo, al fotografiar personas, evite siempre superponer la cabeza y el cuerpo con árboles, casas, farolas y otros. objetos, y disponer los personajes en un solo espacio en blanco formado por el fondo tonal y dejar un cierto espacio en blanco alrededor del sujeto se puede decir que es una regla del arte plástico. Porque la gente necesita espacio para apreciar los objetos. Si una hermosa obra de arte se coloca entre un montón de objetos desordenados, será difícil apreciar su belleza. Solo queda una cierta cantidad de espacio a su alrededor, solo las obras de arte exquisitas. emite su luz artística.

2. El espacio en blanco en la imagen ayuda a crear la concepción artística de la imagen.

Si una imagen está llena de objetos físicos y no hay espacios en blanco, dará la gente una sensación de La sensación de depresión y el espacio en blanco apropiado en la imagen darán a la visión de las personas margen de maniobra y la posibilidad de cambios de ideas. La gente suele decir: "Deje tres espacios vacíos en una pintura y la vida surgirá". Un espacio en blanco que se deje correctamente hará que la pintura sea vivaz, etérea y hermosa. El espacio en blanco a menudo se llena con las emociones del autor, los pensamientos del público y el ámbito de la obra también puede sublimarse.

El espacio en blanco de la imagen no existe de forma aislada, siempre es una extensión de lo real. El llamado espacio vacío no está vacío. Es el contraste entre el espacio vacío y el espacio sólido lo que forma diferentes asociaciones y estados de ánimo. Por ejemplo, Qi Baishi pintó camarones. Había un gran espacio en blanco alrededor de algunos camarones transparentes y animados. No había agua en la pintura, pero la gente sentía que los espacios en blanco circundantes estaban llenos de agua. La gestión de espacios en blanco y espacios sólidos en imágenes fotográficas también debería despertar ricas asociaciones en la audiencia, y el uso de espacios en blanco para crear concepciones artísticas tiene un papel creativo en otras artes.

3. El espacio en blanco sigue siendo una condición para organizar la relación de eco entre varios objetos en la pantalla.

Diferentes disposiciones espaciales pueden reflejar diferentes relaciones de eco. El llamado eco siempre consiste en una cierta distancia entre dos objetos. Si los dos objetos están muy juntos, no hay eco. Todos los objetos mostrarán una cierta direccionalidad y tendrán una relación consecutiva debido a diferentes comienzos, diferentes situaciones de uso, diferentes líneas que se extienden en diferentes direcciones, diferentes exposiciones a la luz, etc. Debe observar cuidadosamente la direccionalidad de los objetos y organizar racionalmente la distancia en blanco para organizar los objetos su relación de eco mutuo.

4. La regla general de dejar espacios en blanco está relacionada con el movimiento de los objetos: los objetos en movimiento, como personas en movimiento, autos en marcha y otros objetos, deben dejar algún espacio en blanco al frente, para que puedan Los objetos en movimiento tienen espacio para estirarse y el público también se siente suave, lo que profundiza sus sentimientos sobre el movimiento de los objetos es también un requisito psicológico que satisface la apreciación de la gente. En resumen, debemos ser buenos utilizando los espacios en blanco de forma flexible y creativa.

5. Debe existir una cierta proporción entre el espacio en blanco de la pantalla y el área ocupada por el objeto real.

Para evitar áreas iguales y simétricas, en términos generales, el área total del espacio en blanco en la pantalla debe ser mayor que el área ocupada por los objetos sólidos, para que la pantalla parezca etérea y delicada. . Si el área total ocupada por los objetos sólidos es mayor que el espacio en blanco, la pintura se centra en el realismo. Sin embargo, si el área total de los dos objetos en la pantalla es igual, dará a la gente una sensación aburrida y mediocre. Esta es una cuestión de percepción formal.

Hay un dicho en la antigua teoría de la pintura china: "La escasez puede provocar movimiento, pero la rigidez es hermética". Es decir, vaya a algunos extremos en el diseño escaso y denso para realzar un diseño. cierto sentimiento de la audiencia y crea tu propio estilo. La retención del espacio en blanco y el cambio en la proporción entre el espacio en blanco y el espacio sólido son, de hecho, medios importantes para el diseño creativo de una imagen.

6. La imagen debe lograr un equilibrio general

En el proceso de componer las distintas partes de la imagen en un proceso completo, el último paso es revisar si la imagen está equilibrada. porque lo que la gente busca es equilibrio. En la vida a largo plazo se forma una especie de exigencia psicológica y sentimiento formal. Que la imagen esté equilibrada o no no sólo afecta a la estructura general, sino que también está estrechamente relacionado con la psicología de apreciación del público.

En la vida real, todos los objetos estables tienen una forma equilibrada: una mesa es estable con cuatro patas, si tiene tres patas, debe formar un trípode equilibrado para ser estable a la hora de construir una casa; la parte inferior es pequeña y la parte superior es grande, lo que da a las personas una sensación de inestabilidad; la carga es pesada en un extremo y liviana en el otro, lo que hace que la postura de las personas durante el parto sea incómoda para caminar; equilibrar el cuerpo y ajustarlo a las características de este trabajo... Muchos fenómenos de la vida cultivan el deseo de equilibrio de las personas y desempeñan un papel en el proceso estético de las personas.

En circunstancias normales, una imagen debe ser equilibrada y estable, haciendo que las personas se sientan estables, armoniosas y completas. Aprovechando los factores psicológicos de las personas que requieren equilibrio, podemos enfatizar la expresividad de la imagen desde varios aspectos:

1. Al enfatizar una atmósfera solemne y solemne, se requiere que la imagen sea equilibrada y estable, e incluso intencionalmente simétrico El equilibrio del estilo muestra una relación simple y solemne desde el equilibrio simétrico estable.

2. En algunas imágenes de paisajes líricos y personajes vívidos e imágenes de tramas que enfatizan la elegancia, la tranquilidad y la ternura, lo que se requiere es que el equilibrio cambiante de la imagen pueda ser escaso y denso, virtual y realista. , pero los requisitos generales están equilibrados.

3. El equilibrio también puede utilizarse desde otro aspecto. Eso es violar deliberadamente la ley del equilibrio, causando que la persona en la imagen se desequilibre y cree una sensación de confusión, como si estuviera impactada por el mundo exterior.

Utilice declinaciones desiguales para expresar el tema profundamente.