¿Qué es el arte?

Un fenómeno cultural que satisface mayormente necesidades subjetivas y emocionales y también es una forma especial de entretenimiento en la vida diaria. La raíz de esto es crear constantemente nueva belleza, desahogando así los deseos y emociones internos, que es una vida condensada y exagerada. Cualquier comportamiento o cosa que pueda expresar belleza, como la escritura, la pintura, la escultura, la arquitectura, la música, la danza, el teatro, el cine, etc., es arte.

1. Cultura y arte: obras creadas resumiendo la vida social, incluyendo literatura, pintura, escultura, modelado arquitectónico, música, danza, teatro, cine, etc. En términos simples, cualquier cosa que aligere la carga de nuestras vidas, nos haga felices inexplicablemente o sea agradable a la vista es arte. 2. El arte del liderazgo (gestión): se refiere a la creatividad y eficacia que se muestra en los métodos de liderazgo (gestión). El arte es una mentalidad competitiva en el proceso de evolución humana, y también es una manifestación de las propias habilidades entre personas similares.

El arte es una forma cultural muy importante y común con un contenido muy complejo y rico, que está estrechamente relacionado con la vida real de las personas. Como producto espiritual, el arte tiene tendencias de desarrollo ilimitadas y representa una proporción cada vez mayor de todo el producto social. El valor artístico es un valor espiritual muy importante. Su función objetiva es regular, mejorar, enriquecer y desarrollar la vida espiritual de las personas y mejorar la calidad espiritual de las personas (incluida la capacidad cognitiva, la capacidad emocional y el nivel de voluntad). La apreciación del arte es el descubrimiento y la búsqueda por parte de las personas del valor de las obras de arte. Es la comunicación emocional y la resonancia emocional entre apreciadores, creadores e intérpretes. En el proceso de apreciación del arte, el autor o intérprete utiliza movimientos, colores, sonidos y palabras para expresar las emociones que ha experimentado con el fin de contagiar al público o a los oyentes y hacer que otros experimenten las mismas emociones. Las emociones generadas por la apreciación del arte son superutilitarias en la superficie, pero no es una negación del utilitarismo, sino una afirmación más amplia y profunda del utilitarismo.

Existen muchos tipos de arte Según diferentes estándares de clasificación, el arte se puede dividir en los siguientes tipos: Arte (pintura, diseño, escultura, arquitectura), música (música vocal, música instrumental, danza) , radiodifusión y alojamiento, actuaciones, dramas, etc. pertenecen al arte y existen muchas formas de arte. Se divide principalmente en dos categorías: arte estático y arte dinámico.

Según la forma en que existen las imágenes artísticas, el arte se puede dividir en arte del tiempo, arte del espacio y arte del espacio-tiempo. El arte es una especie de arte espacial. Según el método estético de la imagen artística, el arte se puede dividir en arte auditivo, arte visual y arte audiovisual. Las bellas artes también son un arte visual. Según la forma materializada del arte, el arte se puede dividir en arte dinámico y arte estático. Las bellas artes son principalmente un arte estático. Según los principios estéticos de la clasificación del arte, el arte se puede dividir en arte práctico, arte plástico, arte escénico, arte del lenguaje y arte integral. Las bellas artes son un arte plástico. Según la forma en que se expresan las imágenes artísticas, el arte se puede dividir en arte expresivo y arte representacional. Hay elementos tanto expresivos como reproducibles en el arte. En términos generales, según los diferentes medios y métodos de expresión, el arte se puede dividir en: Artes escénicas (música, danza, etc.) Artes visuales (pintura, fotografía, etc.) Artes plásticas (escultura, arte arquitectónico, etc.) Audio -artes visuales (cine, televisión, etc.) Artes del lenguaje (literatura, etc.) Artes integrales (drama, ópera, etc.) Un método de clasificación relativamente nuevo divide el arte según la naturaleza del tiempo y el espacio: arte temporal, arte espacial , arte integral. El arte informático se refiere a un nuevo medio de creación artística que se basa en la tecnología informática y combina arte y tecnología informática. Todas las creaciones artísticas relacionadas con las computadoras también pueden denominarse CG. CG incluye pinturas fijas y animaciones (películas) bidimensionales y tridimensionales, que van desde la creación libre, el diseño de ropa, el diseño de interiores, la planificación y el diseño de paisajes, el diseño industrial y la televisión. Desde la publicidad (CM) hasta el diseño web, se puede decir que lo abarca todo.

En cuanto al significado y ámbito de aplicación de "arte" y "arte", existen ciertas diferencias entre Oriente y Occidente. En Occidente, "arte" y "arte" se originan en la palabra latina "arte" en la antigua Roma. Su significado original se refiere a "habilidades creadas por el hombre" en lugar de "creación natural", y generalmente se refiere a diversas formas hechas a mano. hizo obras de arte y música, literatura, teatro, etc. En ese momento, el arte en un sentido amplio incluso incluía habilidades en vestimenta, cultivo, boxeo, habilidades médicas, etc. En el período griego antiguo, el concepto de arte todavía se equiparaba con la artesanía y la tecnología. Sin embargo, cuando la pintura y la escultura griegas alcanzaron una etapa madura en el siglo V a.C., se estableció básicamente un conjunto de estándares de belleza clásicos, que proporcionaron la base. base para el significado del arte en el futuro. La evolución sentó las bases. No fue hasta el Renacimiento que el arte se equiparó gradualmente con lo "bello". A mediados del siglo XVIII, se estableció formalmente el sistema de conceptos artísticos basado en la belleza y el arte se convirtió en el principal objeto de la estética. Hoy en día, la palabra "arte" en inglés todavía significa "arte" y "arte". Puede usarse para referirse a la música, la danza, la literatura, el teatro, el cine y otras categorías artísticas diversas y, a veces, también se usa específicamente. para referirse a las artes visuales, incluidas la pintura, la escultura, la artesanía y la arquitectura. En muchas obras occidentales, incluso vemos que el "arte" mencionado por el autor en realidad sólo se refiere a una parte de lo que los chinos consideramos arte: la pintura. Y sus "artes bellas" (que traducimos directamente como "arte") todavía se refieren a la poesía, la música, la pintura, la escultura, la arquitectura, etc. El término "arte" ha sido ampliamente utilizado por escritores, artistas y educadores en China desde el Movimiento de la Nueva Cultura.

En ese momento, cuando Cai Yuanpei usaba el término "arte", también incluía poesía y música. Más tarde, los círculos literarios, artísticos y educativos de China separaron gradualmente los conceptos de "bellas artes" y "arte". "Arte" es el término general para todas las categorías de arte. Utiliza diferentes métodos visuales para reflejar la naturaleza y la sociedad y expresar lo humano. Las emociones son un gran tema de humanidades, que incluye arte, música, poesía, danza, teatro, cine, caligrafía, etc., así como ropa, jardines y otras áreas extensas. "Bellas artes" se utiliza específicamente para referirse a una rama importante del arte: las artes visuales. En resumen, en chino tenemos dos palabras "art" y "art", que tienen diferentes significados y diferentes alcances de referencia, pero en inglés solo hay una palabra "art", que se utiliza para referirse a todas las categorías de arte. , también se utiliza para referirse específicamente a una parte de todas las categorías de arte: bellas artes, o incluso a un aspecto de las bellas artes: la pintura. Ésta es la diferencia en el significado y ámbito de aplicación de las palabras "arte" y "arte" entre Oriente y Occidente. El arte es un arte que utiliza materiales materiales como medio para crear considerables imágenes artísticas estáticas que ocupan un determinado plano o espacio tridimensional. Una ideología social que expresa los pensamientos y sentimientos del autor, y es también una forma de producción. Suele referirse a un arte como la pintura, la escultura, las artes y oficios y el arte arquitectónico que se desarrolla en el espacio, se expresa y apela a la visión de las personas. Cuando Europa empezó a utilizar este nombre en el siglo XVII, generalmente se refería a pinturas, esculturas, literatura, música, etc. con significado estético. Cuando este término comenzó a usarse comúnmente por la época del Movimiento 4 de Mayo en mi país, también tenía una connotación equivalente a todo el arte. Por ejemplo, cuando Lu Xun explicó la palabra "arte" en 1913, escribió: "Arte es una palabra... traducida del Aite de Ying. Aite es originario de Grecia y su amistad es arte". nuestro país Con la palabra "arte" traducida como "Aite", la palabra "arte" se ha convertido en un nombre que se refiere específicamente a artes visuales como la pintura. El arte tiene una gran influencia en nosotros.

La comunicación artística se refiere al proceso de transmisión de información u obras artísticas a los destinatarios con la ayuda de determinados medios materiales y métodos de comunicación. La recepción de arte se refiere a actividades activas de consumo, apreciación y crítica basadas en la comunicación, con las obras de arte como objeto y los apreciadores como sujeto. En el pasado, desde las obras de arte hasta la apreciación del arte, la mayoría utilizaba métodos de comunicación simples y directos. La importancia de la comunicación no atraía la atención de las personas, esto se debía principalmente a las limitaciones del nivel de productividad y el nivel tecnológico, lo que provocaba la función de comunicación. se quedaron atrás y no lograron reflejar plenamente que las actividades artísticas tuvieran un mayor impacto. En el siglo pasado, especialmente en las últimas décadas, el rápido desarrollo de la ciencia y la tecnología en el mundo ha tenido un enorme impacto en las actividades artísticas. El desarrollo de tecnologías de alta tecnología, como la tecnología electrónica, la tecnología satelital y la tecnología informática, así como su aplicación generalizada en el campo de la cultura y el arte, han logrado avances significativos en los métodos y funciones de la comunicación artística. No sólo hace que el arte cinematográfico y televisivo sea la forma de arte más popular en la actualidad, sino que también traslada muchas de sus formas de expresión y métodos de comunicación a otras formas de arte, incorporando plenamente las funciones superiores de la tecnología del vídeo. La comunicación artística ha demostrado un papel y un estatus cada vez más importantes en el campo de las actividades artísticas contemporáneas. Afecta la forma, la escala, la velocidad, el ciclo y la proliferación de las obras de arte, así como el método de aceptación y el gusto de apreciación del destinatario. La aceptación del arte, incluido el consumo, la apreciación y la crítica del arte, es el punto final de las actividades artísticas y el camino fundamental para la realización última del valor intrínseco de los artistas y las obras de arte. Las actividades de apreciación y crítica de los destinatarios del arte tienen un fuerte significado subjetivo. No se trata sólo del reconocimiento estético, la interpretación y la creación de obras de arte, sino también la comunicación espiritual y el diálogo con los artistas. La aceptación del arte también puede proporcionar retroalimentación espiritual a los artistas e incluso al mundo de los objetos, realizando así la conexión entre las actividades artísticas y las actividades sociales, integrando las actividades artísticas en el gran sistema de actividades sociales humanas y desempeñando un papel poderoso en él. Es una disciplina que combina el arte con la filosofía, la estética, la cultura, la sociología, la psicología, la comunicación, la antropología, los estudios comparados, la historia del arte, etc. Desde diversos aspectos como la naturaleza del arte, el origen del arte, el desarrollo del arte, la creación del arte, la apreciación del arte y la difusión del arte, exploraremos las leyes de aparición y desarrollo del arte humano, así como sus tendencias futuras. y cambios. La dirección de investigación teórica e histórica de la comunicación artística se centra más en la comunicación de masas en el campo del arte y estudia diversas cuestiones del arte como portador de información y comunicación en el contexto de los nuevos medios.

Teoría del arte marxista Marx y Engels no propusieron una teoría estética general ni llevaron a cabo ninguna investigación sistemática sobre el arte y la literatura. Los comentarios de pasada de Marx sobre esta cuestión suscitaron un debate más que proporcionar un principio de interpretación certificable. En un pasaje de los Grundrisse (Introducción) muy citado, Marx mencionó: “En lo que respecta al arte, se sabe que ciertos períodos de prosperidad no son en modo alguno proporcionales al desarrollo general de la sociedad y, por tanto, no a la base material. desarrollo en proporción directa”. Continuó señalando: En cuanto al arte griego, aunque se combina con formas especiales de desarrollo social, en cierto sentido sigue siendo "una norma y un modelo inalcanzable" para nosotros, y tiene un "encanto permanente" "(Ver " Las Obras Completas de Marx y Engels”, Tomo 46, Páginas 48 y 49).

Esta visión también muestra que, por alguna razón, algunos tipos de arte no están estrictamente determinados por la base material de la sociedad; tienen un valor permanente y transhistórico (aquí, Marx sugiere una explicación psicológica), en otros lugares (ver Capítulo 4, Sección 16 de). "Teoría de la plusvalía"), Marx ridiculizó ese "idealismo francés del siglo XVIII que fue satirizado por Lessing. Dado que superamos ampliamente a los antiguos en mecánica y otros aspectos, ¿por qué no podemos crear también epopeyas? "Las opiniones anteriores puede dar al arte "un estatus especial en la superestructura ideológica" (ver "Bibliografía" ⑤, página 10), y estos puntos de vista también son similares a los de Engels en el siglo XIX. Esto es consistente con la discusión más amplia de la relación entre base y superestructura. en varias cartas escritas durante la década de 1890 (ver cartas a Kahn Schmitt, 5 de agosto y 27 de octubre de 1890; carta del 21 de septiembre de 1890 a Bloch; a F. Melling, 14 de julio de 1893; a W. Borgius, 25 de enero de 1894) .

Arte Corporal (20 fotos) Por un lado, respecto al estatus social de los artistas, Marx señaló al criticar el concepto de “el único” de Stirner: “Debido a la división del trabajo, el genio artístico es completamente concentrado en Por lo tanto, el genio artístico de las amplias masas populares es suprimido... En una sociedad comunista, no hay pintores puros, sólo personas que consideran la pintura como una de sus muchas actividades." (Marx Las Obras Completas de Engels , Vol. 3, pág. Aquí, según la opinión general de Marx sobre la importancia de eliminar la división del trabajo, la existencia del arte en sí como actividad especial es problemática. "En una sociedad comunista nadie tiene un ámbito específico de actividad. Cada uno puede desarrollarse en cualquier departamento. La sociedad regula toda la producción, lo que me permite hacer lo que quiero hoy. Lo haré mañana, cazando en el mañana, pescar por la tarde, criar animales por la noche y criticar después de cenar, pero eso no me convierte en cazador, pescador, pastor o crítico." ("Obras escogidas de Marx y Engels") Volumen 1, páginas 37- 38). Esta idea no sólo es puramente especulativa, rayana en “hacer recetas para los restaurantes del futuro”, sino que, literalmente, resulta poco realista para cualquier sociedad compleja y tecnológicamente desarrollada, especialmente para la creación artística. Sin embargo, ilustra un concepto importante de la naturaleza humana que se encuentra particularmente en los primeros escritos de Marx (ver La esencia del hombre; entrada práctica). A partir de este concepto, ya sea arte o una conciencia estética desarrollada, como el lenguaje, se considera como una capacidad universal y única del ser humano, como señaló Gramsci, aunque sólo algunas personas cargan con la responsabilidad en la sociedad, del trabajo de los intelectuales; , sin embargo, todas las personas son intelectuales, por tanto, se puede decir que todas las personas son artistas. Merlín (en 1893) y Plejánov (en 1912) escribieron obras pioneras sobre la estética marxista. La principal preocupación de Merlín era la literatura, no el arte ornamental ni la música. Plejánov pretendía desarrollar un determinismo estricto, diciendo: "En mi opinión, el arte de cualquier pueblo siempre está estrechamente relacionado causalmente con su economía" (ver "Bibliografía" ⑦, p. Página 57). Desde este punto de vista, analizó que en las sociedades primitivas la danza expresaba el placer del trabajo (como la caza), mientras que la música asistía al trabajo (a través del ritmo). Sin embargo, al profundizar en la relación general entre el trabajo, los juegos y el arte, señaló: Aunque la producción de arte tiene la fuente de utilidad que requiere la vida material, el placer estético tiene sus propias razones para la alegría. En opinión de Plejánov, aparte de la sociedad primitiva, la economía sólo determina indirectamente el arte a través de la influencia intermediaria desempeñada por las distinciones de clase y el dominio de clase. Por ejemplo, señaló que el teatro y la pintura franceses del siglo XVIII representaban el triunfo del "elegante sabor aristocrático". Sin embargo, más adelante en el siglo, cuando la burguesía desafió el gobierno aristocrático, el arte de Boucher y Greuze quedó "eclipsado por las pinturas revolucionarias de David y su escuela" (ibid., p. 157). La Revolución de Octubre en la Unión Soviética y los movimientos revolucionarios que tuvieron lugar en Europa Central pusieron en primer plano del debate dos temas que en algunos aspectos eran opuestos entre sí: el arte revolucionario y el arte proletario. En la Unión Soviética, Lunacharsky, que se desempeñó como Comisario del Pueblo para Educación y Arte de 1917 a 1929, "rara vez impidió la introducción de la vanguardia" (ver "Bibliografía" ⑨, p. 34, apoyó a The); La Escuela de Arte de Vychebsk, con Shadar como director, también apoyó la reconstrucción de la Sala de Arte de Moscú, que fue impartida por Kanjinsky, Zevzhina y otros y se convirtió en la cuna del "constructivismo" (ibid., págs. 38-39). En Alemania, el movimiento del Consejo de Trabajadores también apoyó la vanguardia en el arte y, aunque el movimiento fracasó políticamente, algunos de sus logros (como la Casa de Arquitectura de Gropius) sobrevivieron hasta la victoria del fascismo. A principios de la década de 1920 todavía existía un animado intercambio entre representantes del arte revolucionario soviético y alemán. Por otro lado, el concepto proletario de arte (o cultura) fue criticado por algunos líderes bolcheviques (entre ellos Trotsky) y llegaron incluso a considerar a las organizaciones culturales proletarias como enemigas del partido y potenciales organizaciones contrarrevolucionarias.

Sin embargo, durante un período de tiempo relativamente largo, tuvo una gran influencia el concepto de que el proletariado necesitaba tener su propio arte de clase y que los artistas debían tener primero un "espíritu de partido", y también fue influenciado por Stalin y Zhdanov. de la Unión Soviética, se convirtió en una parte importante del dogma estético del "realismo socialista". Bajo tal sistema, no había lugar para la experimentación radical o los movimientos de vanguardia en el arte, y prevalecía una mediocridad aburrida. Pero incluso en este caso las ideas novedosas en el arte no quedaron completamente excluidas, y Lifschitz (que había estado asociado con Lukács en el Instituto Marx-Engels de Moscú), además de editar el primer volumen de Marx y Engels sobre el arte, además de la colección de comentarios (publicado en 1937), también publicó un tratado muy interesante sobre el pensamiento estético de Marx basado en extensas referencias a las notas y obras tempranas de Marx (ver "Referencias" ⑥). Pero en la década de 1930 y posteriormente, las principales contribuciones a la teoría del arte marxista se hicieron en Occidente. Brecht, que propuso su propio "drama épico" contra el realismo socialista, dijo de Lukács y sus colegas en Moscú: "Para decirlo claramente, son enemigos de la creación; no se crean a sí mismos, (sino) desempeñan el papel de un sirviente y ejercer control sobre los demás” (ver “Referencias” ②, página 97). Las opiniones de Brecht influyeron profundamente en la teoría estética de Benjamin. Consideraba el drama épico como un modelo de cómo transformar las formas y los medios de la creación artística en una dirección socialista (ver "Referencias" ①). El debate entre Brecht y Lukács fue en realidad parte de un debate más amplio que tuvo lugar en el contexto del "realismo socialista" (es decir, la burguesía del siglo XIX enriquecida con nuevos contenidos. Un debate entre los defensores del realismo) y los partidarios del realismo. "modernismo" (especialmente el expresionismo alemán, así como el cubismo y el surrealismo) los partidarios del "modernismo", excepto Brecht. Además de Te y Benjamin, están Bloch y Adorno (ver "Bibliografía" ②, ⑨). La obra de Raphael, que contiene tres ensayos sobre la sociología del arte (ver "Bibliografía" 8), fue otra contribución importante a la teoría del arte marxista en la década de 1930, pero sólo ha sido ampliamente reconocida en los últimos años. En un artículo sobre la teoría marxista del arte, el autor parte de un análisis detallado del texto original de los Grundrisse (Introducción) de Marx para establecer una sociología del arte con el fin de superar el materialismo dialéctico que "en el mejor de los casos puede centrarse en cuestiones artísticas individuales". debilidad existente de realizar algunas investigaciones inciertas y fragmentadas” (ibid., p. 76). Rafael enfatizó la importancia del concepto de Marx del mito griego como intermediario entre la base económica y el arte griego, y planteó una serie de nuevas preguntas sobre la relación general entre mito y arte. También examinó varias cuestiones relacionadas con el "desarrollo desequilibrado" de la producción material y del arte. Finalmente, criticó la explicación de Marx sobre el "encanto eterno" del arte griego, creyendo que esto era "fundamentalmente incompatible con el materialismo histórico". pág.105). La propia explicación de Rafael de por qué el arte griego tenía el “valor estándar” del arte en ciertos períodos de la historia europea es que siempre que los cambios económicos y sociales hacen que toda la cultura experimente una crisis, aparecerá el fenómeno de la “retroversión”. En el tercero de estos ensayos, Rafael consideró el arte de Picasso como el ejemplo más típico del modernismo, que, según él, estaba asociado con el cambio del capitalismo de libre empresa al capitalismo monopolista. En los últimos 20 años, los escritos marxistas sobre arte han estado obviamente dominados por tratados metodológicos (es decir, la formulación abstracta de un concepto marxista adecuado del arte), y sólo unos pocos tratados se han involucrado en alguna investigación sustantiva. Una excepción notable es el excelente estudio de Klinjandel sobre el tema del arte en la Revolución Industrial (ver Bibliografía 4), donde presta especial atención a la interacción entre arte y tecnología, y su investigación sobre el creciente poder del "nuevo tipo de hombre". sobre arte se completó relativamente pronto, pero se volvió a publicar recientemente. Otra excepción notable es el examen detallado que hace Willet del movimiento modernista en pintura, arquitectura y música en Alemania durante el período de Weimar (ver "Bibliografía" ⑨). En cuanto a las discusiones teóricas recientes, se centran en los dos temas siguientes: (1) el arte es ideología, (2) el arte es una expresión básica de la creatividad humana. Estos dos temas han atraído la atención de los pensadores marxistas desde el principio, y sus raíces se encuentran en las diferentes opiniones de Marx sobre el arte. Por un lado, el análisis basado en la idea de que el arte es ideología necesariamente explica que en una etapa histórica especial de la existencia de una clase dominante, el estilo artístico (incluyendo forma y contenido) ocupa una posición especial en todo el concepto ideológico. de la clase. Esto debe ser como lo que Goldman defiende en términos de creación literaria (ver "Bibliografía" (11)): en primer lugar, debemos establecer la estructura del significado interno de la creación artística y el estilo, y luego determinar el papel de la estructura en la creación literaria. un determinado método de producción dentro de la estructura más amplia de las relaciones de clase. Tanto Plejánov como Rafael intentaron hacer esto en el trabajo de investigación mencionado anteriormente. Por otro lado, dado que parte del arte puede considerarse un arma ideológica para la clase oprimida en su lucha por la liberación, el debate entre realismo y modernismo ha girado en gran medida en torno a las características inherentes del "arte revolucionario" y su análisis.

Recientemente, un aspecto interesante del pensamiento marxista sobre el arte como ideología ha sido el creciente interés por el arte popular y la "industria cultural" (ver la entrada sobre cultura), que algunos miembros de la Escuela de Frankfurt (como Adol Las obras de Novo y Marcuse se destaca especialmente en este sentido, el arte en la era capitalista avanzada no sólo introduce la degeneración debido a la reproducción mecánica y su amplia difusión, sino que también promueve las disputas mutuas y, al mismo tiempo, el impacto ideológico de cualquier arte revolucionario. se debilita porque las innovaciones radicales son fácilmente absorbidas por el cuerpo ideológico dominante. Sin embargo, Benjamin sostiene la opinión opuesta; en su opinión, el papel principal de la reproducción mecánica es destruir el "aura" artística de las élites y "destruir la tradición" (ver "Bibliografía" ①, página 223), y forjar vínculos entre las élites. proletariado y nuevas formas culturales, como el cine. La percepción de los temas artísticos como expresiones de creatividad plantea cuestiones complejas en el análisis de los valores estéticos (ver la entrada sobre estética) y la naturaleza humana (ver la entrada sobre psicología). En ambos aspectos, el pensamiento marxista no sólo ha permanecido relativamente subdesarrollado hasta hace poco, sino que el creciente corpus de escritos de los últimos veinte años refleja profundas divisiones entre los pensadores marxistas. Sin embargo, en el sentido de la práctica social, la visión del arte como expresión de la creatividad humana universal y una fuerza liberadora (aunque esta visión puede resumirse en última instancia en términos teóricos) significa que en el socialismo la actitud marxista hacia el arte en la sociedad tiene dos principios. : El primer principio es que el arte (como la vida espiritual en general) debe desarrollarse libremente y formar un "dejar florecer cien flores", en lugar de tener que adaptarse a las exigencias de ciertos dogmas artísticos, especialmente los impuestos por el poder político; El principio es generalmente consistente con los pensamientos antes mencionados expresados ​​por Marx en "La ideología alemana", es decir, si bien se permite el desarrollo "nieve y primavera" de genios destacados, es necesario En términos más generales, las actividades creativas de las bellas artes deben ser cultivado y fomentado como fuente de necesidades y placer para la gente corriente. Bibliografía ① Walter Benjamin; "La creación artística en la era de la reproducción mecánica", en "Qiminglu", edición en inglés de 1968. ②Ernst Bloch y otros fueron coautores de: "Aesthetics and Politics", edición en inglés de 1977. ③Manfred Krim, ed.: "Marx y Engels sobre la literatura y el arte", edición alemana de 1968. ④Francis D. Klingendel: "Art and the Industrial Revolution" (1947), edición en inglés de 1968. ⑤David Rahn: "Teoría marxista del arte", versión en inglés 1978. ⑥Mikhail Lifshitz: "La filosofía del arte de Karl Marx" (1933), edición en inglés de 1973. ⑦G.V. Plekhanov: "Art and Social Life" (1912), edición en inglés de 1953. ⑧Max Raphael: "Proudhon, Marx, Picasso - Tres ensayos sobre la sociología del arte" (1933), versión inglesa en 1980. ⑨ John Willett: "Nuevo pensamiento sobrio de 1917 a 1933: arte y política en el período de Weimar", edición en inglés de 1978. ⑩Mismo autor: "Art and Revolution" (1980), en "History of Marxism" editado por Hobsbawm y otros, versión en inglés en 1983. (11) Lucien Goldman: "El Dios Oculto" (1956), versión inglesa de 1967. (12) "Wang Qingsheng": Diccionario de conocimiento de la creación literaria (1987).

En diferentes períodos sociales e históricos, las relaciones de valores de las personas tienen diferentes características básicas. El arte de la época que refleja las relaciones de valores de la época también mostrará diferentes características básicas, lo que dará como resultado diferentes tendencias artísticas y arte. escuela. (1) El arte primitivo y el arte moderno El arte primitivo es rígido, inocente, poderoso y salvaje. Esto no se debe sólo a que la relación de valores original suele ser de bajo nivel, superficial, simple, directa e instintiva, sino también a la capacidad cognitiva de las personas. en ese momento era muy limitado y solo puede utilizar formas de arte superficiales, simples, directas y mecánicas para reflejar y describir las cosas objetivas que existen a su alrededor. El arte moderno es avanzado, delicado, complejo y racional. Esto no sólo se debe a que las relaciones de valores modernas suelen ser avanzadas, profundas y complejas, sino también a que las capacidades cognitivas de las personas mejoran constantemente y pueden adoptar métodos avanzados, profundos, complejos y dialécticos. Forma de arte para reflejar y describir las cosas objetivas que existen a tu alrededor. (2) Realismo y romanticismo El realismo toma el estado de existencia de las cosas como la perspectiva básica para observar y analizar el movimiento, el desarrollo y las leyes de cambio de las cosas. El romanticismo toma el estado de conexión de las cosas como la perspectiva básica para observar y analizar los patrones de las cosas; Leyes de movimiento y cambios de desarrollo. Los dos tienen énfasis diferentes: el primero concede importancia al estado de realidad y el segundo concede importancia al estado de conexión. El realismo generalmente se centra en la concreción y particularidad de las cosas, y solo puede comprender cosas específicas e individuales, pero no puede comprender cosas abstractas y universales.

El romanticismo generalmente se centra en la abstracción y la universalidad de las cosas, y las trata de manera abstracta e inductiva. Varias imágenes artísticas románticas tienen un cierto grado de autonomía y aleatoriedad. Dejan de lado la forma y el contenido específicos de la vida real y no están sujetos a condiciones lógicas específicas. , ignorando algunas cosas vulgares y de bajo nivel, revelando lo más profundo y sugerente del alma humana, convirtiendo la creación artística en una aventura creativa. En la sociedad primitiva, la supervivencia humana dependía completamente del entorno natural, y los humanos sólo podían adaptarse pasivamente al mundo. Las relaciones de valores humanos eran simples y estables, y sólo podían reflejarse a través de sentimientos intuitivos, el método artístico más eficaz. Fue el Realismo, en el que el estado actual de las cosas es la perspectiva básica. Con el desarrollo de la productividad social, la dependencia directa de las personas del entorno natural se ha debilitado gradualmente. Las personas no sólo pueden adaptarse activamente al mundo, sino también transformar activamente el mundo. Las relaciones de valores de las personas se han convertido en relaciones de valores complejas y cambiantes, que deben cambiar. Sólo el pensamiento lógico puede reflejarlo con precisión. En este momento, el método artístico más eficaz es el romanticismo, que toma el estado de conexión de las cosas como perspectiva básica. Cuando la sociedad está en un estado de rápido desarrollo, las relaciones de valores de las personas también están en rápido desarrollo, y el arte romántico es más popular en este momento cuando la sociedad está en un estado relativamente estable, las relaciones de valores de las personas también están en un estado relativamente estable; luego arte realista Más popular.

Sin embargo, el desarrollo del arte y el desarrollo de las relaciones de valores que refleja a menudo no están sincronizados y generalmente se quedan atrás durante un período de tiempo. Por lo tanto, las tendencias y escuelas artísticas suelen ir a la zaga del ritmo de desarrollo de las relaciones de valores que refleja. .