¿Qué es la puesta en escena?
La concepción y aplicación de la programación de escenas cinematográficas debe basarse en el guión cinematográfico, es decir, la trama, los personajes y las relaciones que proporciona el guión. Directores, actores, fotógrafos, etc. La programación de escenas debe diseñarse en función de las acciones de los personajes y las perspectivas de la escena proporcionadas por el guión y combinarse con las condiciones reales de rodaje. Al utilizar la programación de escenas, puedes representar la personalidad del personaje en la pantalla, reflejar los pensamientos y sentimientos del personaje, expresar la relación entre los personajes, representar la atmósfera de la escena e ilustrar el intervalo de tiempo y la distancia espacial. La puesta en escena también juega un papel importante en el modelado de imágenes cinematográficas.
Pregunta 2: ¿Cuál es la programación de escenas de una película?
Pregunta 3: Método de programación de escenas. La programación de escenas de una película es una combinación orgánica de programación de actores y programación de lentes. Los dos programas se complementan entre sí y se basan en la lógica del comportamiento de los personajes determinada por el desarrollo de la trama, la personalidad del personaje y las relaciones entre los personajes. Para que la imagen de la película tenga un atractivo artístico más fuerte, cuando nos ocupamos de la programación de escenas de la película, podemos partir de las necesidades de la trama y utilizar de manera flexible las siguientes tres técnicas: En el procesamiento específico de la programación de actores y la programación de lentes , podemos utilizar varias formas de contraste, como un fuerte contraste entre movimiento y quietud, velocidad y lentitud. Si la forma se combina con el contraste de una acústica fuerte y débil, o el contraste de colores claros y oscuros, fríos y cálidos, blanco y negro, primer plano y fondo, el efecto artístico será más colorido.
Pregunta 4: ¿Cuál es la diferencia entre puesta en escena y montaje? La puesta en escena de escena, derivada del francés, se utilizó originalmente en obras de teatro. Se refiere al procesamiento artístico que realiza el director de las rutas de acción y estados de los actores en una escena, así como a la comunicación entre actores. Posteriormente tomado del arte cinematográfico, se refiere a la disposición de las cosas en la imagen por parte del director, es decir, el director guía al público para que observe las actividades en la imagen desde diferentes ángulos y distancias. Incluye dos niveles: programación de actores y programación de lentes. La programación de actores significa que el director crea diferentes formas y escenas en la película cambiando la dirección y posición de los actores y los cambios en la comunicación entre los actores, revelando los cambios en las relaciones de los personajes y las emociones para obtener el efecto de la película. La programación de lentes se refiere a que el director utiliza cambios en la posición de la lente, como empujar, tirar, hacer panorámicas, mover, subir, bajar, inclinar, etc., para mostrar las relaciones entre las personas y la atmósfera del entorno en diferentes ángulos y distancias de visualización de cambios y eventos. La programación de planos puede referirse a la programación de una escena completa formada por la combinación de planos, o puede ser la programación dentro de un solo plano. La programación profunda de la escena pertenece a esta última situación, lo que significa que el director utiliza cambios en la escena, composición, luces y sombras, escenario, atmósfera ambiental, movimientos de los personajes y otros factores de modelado en una toma para mejorar el significado y el contenido de la misma.
Montaje significa edición en francés, pero se desarrolló hasta convertirse en una teoría de combinación de lentes en las películas rusas. El montaje es básicamente una teoría desarrollada por directores rusos. Pudovkin la derivó a partir de las técnicas de montaje de Griffith, el padre del cine estadounidense. Posteriormente, Eisenstein también propuso ideas similares. Platts creía que la yuxtaposición de dos planos tenía más significado que la yuxtaposición de un solo plano, e incluso consideraba que el cine era el arte de la yuxtaposición entre planos. Al menos con una perspectiva a largo plazo y muchas conexiones estrechas, el resultado son ideas psicológicas, emocionales y abstractas. Influenciado por la filosofía dialéctica rusa, Eisenstein creía que la yuxtaposición o incluso el conflicto feroz entre planos produciría un tercer significado nuevo. Cuando describimos un tema, podemos juntar una serie de tomas relacionadas o no relacionadas para producir un efecto metafórico, que es el montaje. Por ejemplo, cuando estamos cocinando, lavando ropa, cuidando a nuestros hijos, o incluso cuando nuestro padre está leyendo el periódico, si ponemos a nuestra madre frente al espejo, sentiremos que nuestra madre está muy ocupada.
Montaje en sentido amplio se refiere a edición. En películas anteriores, se filmó un carrete durante más de diez minutos antes de editarlo y se modificó otro carrete. La primera película en la que se utilizó el montaje fue El acorazado Potemkin, en la que el cochecito se cae por las escaleras, la gente filma y la madre está nerviosa. Las imágenes se editan alternativamente.
Tiene un efecto tenso, compacto y metafórico, y se ha convertido en un clásico de invención y creación sin precedentes en la historia del cine. Si no sabes mucho al respecto, puedes consultar "Madre" de Pudovkin o "Pasos en la Odisea" de Eisenstein de "El acorazado Potemkin", pero básicamente el montaje es una forma que tiene el director de manipular la lente, es decir, de control El pensamiento intelectual absoluto y el significado expresivo que el público espera ser inculcado es completamente diferente de la ambigüedad y apertura que presentan las películas poéticamente expresadas de Tarfsky, Wenders, Fellini y otros.
De hecho, no debería llamarse simplemente edición, porque existen otras formas que pueden crear efectos de montaje. En resumen, es la palabra "conocimiento" en caracteres chinos. Las personas que se encuentran en diferentes lugares se pueden ordenar mediante edición, lo que te hará sentir que están conectadas. Por ejemplo, una persona primero llama a la puerta y luego trae a su descendencia a la casa. Es posible que lo fotografíen en diferentes lugares mientras camina dentro o fuera.
¿Qué es un párrafo de montaje? Por ejemplo, hay una escena en la que dos personas se enfrentan, seguida de un primer plano de la expresión de una persona.
El público puede conocer las acciones de otra persona a través de la expresión de esta persona, aunque esa persona no aparezca en la imagen. El montaje (edición) es un salto en el tiempo y el espacio, y el tiempo es una conexión de puntos. A diferencia del movimiento de una línea de A a B, el tiempo presentado en el montaje es un punto estrictamente seleccionado por el director. Además, el montaje enfatiza el resultado de un evento, como una mujer discutiendo en un salón seguida de su muerte en el dormitorio. La escena enfatiza el final después de la pelea, considerando el final más que el proceso de su asesinato. El montaje resalta la conmoción del resultado del evento. Primero le permite al público conocer el resultado de la muerte al instante y luego le permite ver la escena desordenada en la sala de estar y rastrear intelectualmente las razones y las escenas.
Pregunta 5: Introducción a la programación de escenas cinematográficas. La palabra programación de escenas proviene del francés mise-en-scène. Su significado original es una técnica para manejar las posiciones de actuación de los actores en el escenario dramático. La programación de escenas se introduce en la creación artística cinematográfica, y su contenido y naturaleza son diferentes a las escénicas. No se trata solo de la programación de actores, sino también de la programación de tomas (o programación de tomas).
Pregunta 6: Programación de contraste de escenas de películas En el procesamiento específico de programación de actores y programación de lentes, se pueden utilizar varias formas de contraste, como contraste dinámico y quieto, contraste de velocidad y lento y otros contrastes fuertes. Si la forma se combina con el contraste de una acústica fuerte y débil, o el contraste de colores claros y oscuros, fríos y cálidos, blanco y negro, primer plano y fondo, el efecto artístico será más colorido.
Pregunta 7: Programación de escenas Programación de fotografías Las formas de movimiento de la programación de la cámara incluyen empujar, tirar, sacudir, seguir, mover, subir y bajar. Según la posición de la lente, hay tomas frontales, tomas traseras, tomas laterales, etc.; según los ángulos de la lente, hay tomas planas, tomas desde arriba, tomas desde arriba, tomas elevadas y tomas giratorias. En términos generales, varios disparos consecutivos realizados en la misma forma de acción darán a las personas una sensación de suavidad, mientras que disparar desde un ángulo inclinado hacia abajo les dará a las personas una fuerte sensación de oposición.
Pregunta 8: ¿Cuáles son algunas películas clásicas que analizan la puesta en escena? En realidad, ¿sabes primero qué es la puesta en escena? Cada película tendrá la programación de escenas propia del director, incluida la programación de lentes, actores, etc. A esto se le llama programación de escenas. No hay duda de qué película es más obvia. Si estás estudiando esto, podrás aprender sobre las películas recomendadas en el libro de texto. ¡Espero que te resulte útil!
Pregunta 9: Desde que la película de montaje de puesta en escena cambió de muda a sonora, el método de disparo continuo de puesta en escena ha reemplazado en gran medida la edición de montaje, pero no ha eliminado por completo el método de montaje. . Con la ayuda del montaje, la puesta en escena y el montaje pueden ir de la mano, y se pueden revelar significados más profundos a través de cambios en la velocidad y el ritmo de los movimientos del actor y la cámara. Sólo cuando estos dos medios de expresión se integren podrá la expresión artística del lenguaje cinematográfico tener un impacto más fuerte en las personas. Supongamos que hay dos escenas: una es un trabajador subterráneo sentado en una silla en una soleada estación de tren esperando, y la otra es un trabajador subterráneo perseguido por el enemigo en la jungla oscura para ponerse en contacto con el enemigo. Uno es un color cálido brillante estático y el otro es un color frío oscuro dinámico. Estos dos clips se comparan muchas veces, lo que permite al público sentir con más fuerza las cualidades sobresalientes de los trabajadores clandestinos que arriesgan sus vidas por la revolución en una atmósfera tensa. Desde la perspectiva de la historia del cine, con el avance continuo de la tecnología cinematográfica, la aplicación de técnicas de programación de escenas cinematográficas se ha vuelto cada vez más colorida. Pero hay dos tendencias que deben evitarse: una es la tendencia * * *. No utiliza la programación de escenas para crear una imagen de película real y conmovedora, y no presta atención a la representación en profundidad de los personajes. En cambio, persiguen el extraño y grotesco efecto pervertido de la imagen de la lente, provocando fuertes rastros artificiales y haciendo que el público pierda la sensación de estar allí. La segunda es la tendencia naturalista. Rechaza la elaborada concepción artística y el procesamiento de escenas de películas y enfatiza unilateralmente el estado natural. De esta manera, aunque parece tan real como la vida real, parece tosca y desordenada y pierde el encanto de las imágenes cinematográficas como imágenes artísticas.