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Películas experimentales

Las películas experimentales son películas no comerciales desarrolladas en los Estados Unidos a partir de la década de 1930. Este tipo de película es principalmente un cortometraje rodado con película de cavidad de 16 mm. No tiene un argumento tradicional y el estilo de expresión principal es el surrealismo y la abstracción. Por su carácter artístico, fue una película pionera en la era del cine sonoro.

Desde la década de 1920 hasta mediados de la de 1940, el cine experimental estuvo en su infancia. Sólo se conservan unas pocas pinturas, como las de estilo abstracto "HZ0" (1929) y "Mechanism" (1930) del fotógrafo Relf Steiner, así como "No. 94L3... La vida y la muerte de un actor secundario silencioso en la comida". muelle" de Slavo Volka Pich 》.

Tras el final de la Segunda Guerra Mundial, el cine experimental experimentó nuevos avances. Si bien el centro permanece en los Estados Unidos, se han filmado películas experimentales en el Reino Unido, Francia, Italia y otros países europeos. Esto se debe a que: 1. La llegada de las cámaras de película sonora portátiles y de alta calidad y bajo costo proporcionó las condiciones técnicas para las actividades de producción personal de aficionados 2. Algunos cineastas europeos de vanguardia, como Hans Rich, comenzaron a ejercer influencia en el mundo intelectual; Con la promoción del Museo de Arte Moderno de Nueva York, se estrenaron en Estados Unidos una serie de películas europeas de vanguardia, incluidas las de Jean Cocteau, que despertaron el interés y el interés de la gente 3. Producción cinematográfica experimental de Meyer-Dillian, Nueva; Los métodos de distribución y exhibición resolvieron el problema de los puntos de venta.

Desde mediados de los años 40 hasta finales de los 50, los principales representantes del cine experimental estadounidense incluyeron a Meyer-Drian, Kenneth Angel, Grigory-Kyle Poros, Coty Harrington, Shirley Smith, los hermanos Whitney y Frank Novotel. . Estas personas pertenecían a dos alas del cine experimental: el surrealismo y la abstracción. Dillion's Today's Web (i9431), On Earth (1944), Dance Practices for the Movie Camera (1945), Angry Fireworks (1945), The Mind of Kyle Dulos Smith fue influenciado por Fischinger, realizó varias películas gráficas abstractas dibujadas a mano. y los hermanos Whitney también llevaron a cabo varios experimentos con gráficos abstractos en cinco prácticas cinematográficas entre 1943 y 1945. Stu Fahey, que estuvo activo en San Francisco, organizó una serie de actividades de proyección "de arte" y produjo. sus propias películas como "Sosari" (1948), intentando integrar poesía y cine a partir de la abstracción.

El Nuevo Movimiento americano que surgió a mediados de los años cincuenta El cine y el cine underground que surgió en finales de la década de 1950 fueron la continuación y el desarrollo de las películas experimentales estadounidenses. Después de que el movimiento cinematográfico underground se extendió a Europa occidental a mediados de la década de 1960, la gente rara vez utilizaba el término "sombra experimental" y lo reemplazaba por "película underground".

Películas surrealistas

Las películas surrealistas aplican los métodos creativos surrealistas de la literatura a la creación del género cinematográfico. Hereda este concepto creativo del abogado André Breidon que enfatizaba la autenticidad del comportamiento irracional y el significado de los sueños. , el poder emocional de las imágenes incongruentes y la búsqueda persistente del placer personal. Se convirtió en un pionero francés en la década de 1920. En el campo de los largometrajes comercializados, el surrealismo no constituía un género independiente y su influencia se limitaba a planos individuales. pasajes de la película. ·La aplicación cinematográfica del surrealismo por parte de Killo es un trabajo típico de este tipo de investigación.

En la década de 1920, los cineastas de vanguardia franceses descubrieron que la naturaleza fotográfica y las técnicas de alineación del montaje del cine lo hacían. surrealista. La expresión más ideal. Esta visión siempre ha sido popular entre los cineastas antitradicionales.

En general, "La concha y el monje" de Drucker es la primera película surrealista, pero más centrada en Luis. "El perro de Andalucía", de Buñuel, que es una serie de sueños de un vagabundo con trastornos mentales, y "La edad de oro", un análisis freudiano de la lujuria y el amor. Los investigadores del cine occidental coinciden en que después de que Buñuel recurriera al cine, la influencia de. El surrealismo todavía aparece de vez en cuando en su obra, en películas experimentales y underground. Figuras representativas de la tendencia surrealista son Meyer-Dillian y Kenneth Angell de los Estados Unidos. En el campo del cine, los investigadores del cine occidental tienden a atribuir esta descripción. de psicología anormal, potenciales impulsos sexuales y comportamiento irracional hasta el surrealismo cinematográfico, así películas como las series de Hitchcock: Edvard (1945), Vertigo (1958), North by Northwest (1959), Psycho (1962) y The Birds.

Películas de teatro de cámara y películas callejeras

Películas de Kammer spiel

Las películas de Kammer spiel, que aparecieron en Alemania en la década de 1920, eran la antítesis de las películas expresionistas. "Teatro de cámara" fue originalmente un término acuñado por el director de teatro alemán Max Chai Yuenhardt, que se refiere específicamente a obras de teatro en pequeños teatros que se adhieren a la unidad de tiempo, lugar y acción. El guionista de cine austriaco Carl Meiyu aplicó este concepto al cine y creó el cine dramático de cámara. Meiyu escribió el guión de Dr. Caligari en 1919 y se convirtió en uno de los principales exponentes del cine expresionista.

Pero un año después, Meiyu comenzó a romper con la línea expresionista y escribió "La escalera trasera" en 1921, dirigida por Paul Leni, que se convirtió en la primera "película dramática de cámara".

Los dramas de interior abandonan los temas de fantasmas y locos comúnmente utilizados en las películas expresionistas y describen la vida cotidiana y el entorno de pequeñas figuras sociales como trabajadores ferroviarios, dependientes de tiendas y criadas. Se adhiere a las tres leyes de la tragedia clásica, con decorados sencillos (principalmente interiores), pocos personajes, generalmente anónimos y caracterizados únicamente por su profesión. Se presta gran atención a la descripción psicológica de los personajes, y la cámara a menudo permanece en los gestos y expresiones faciales de los personajes durante mucho tiempo. Dado que la trama es simple y no cambia mucho en el tiempo y el espacio, por un lado, se requiere que las dotes de actuación de los actores sean serias y sencillas, evitando la exageración. Por otro lado, se utilizan lo menos posible los subtítulos. el contenido dramático se transmite a través de imágenes visibles. Sin embargo, debido a las limitaciones técnicas de las películas mudas, las personalidades de los personajes eran demasiado simples, los planos demasiado engorrosos y repetitivos y el público ni siquiera podía comprender las motivaciones de comportamiento de los personajes.

Además de una serie de películas como "El ferrocarril" (1921), "Nochevieja" (1923) y "El peor hombre" (1924) escritas por Mei Yu, obras representativas Entre las películas dramáticas de cámara se incluye "Desire" de Paul ·Sinner. Este tipo de películas ha desempeñado un papel importante a la hora de guiar a algunos directores de cine alemanes hacia el realismo (ver "Cine de calle"). En el extranjero, su influencia se refleja principalmente en las formas cinematográficas de algunos directores de cine franceses representados por Marcel Canet.

Street Film Company

El cine callejero (Street film) es una película alemana con la calle como principal trasfondo de acción que apareció bajo la influencia de las películas de drama de cámara. Siegfried Cracovia acuñó el término en De Rigali a Hitler. Las obras representativas incluyen "La calle" de Karl-Gerner (1923), "La calle sin alegría" de Piper (1925) y "La tragedia de la calle" de Bruno Rahn. (i927), etc. Estas películas muestran la realidad social, reflejando la vida cotidiana de las clases bajas en Alemania con un estilo directo, sin pretensiones, objetivo, actuaciones sencillas y escenarios realistas. Este tipo de películas rompe con las locas fantasías del expresionismo, rompe el estrecho mundo del drama de cámara y encarna los esfuerzos del cine alemán hacia el realismo al final del cine mudo. Sin embargo, este esfuerzo fue inmediatamente abortado con el ascenso del poder nazi y el establecimiento del monopolio Ufa Film Company controlado por los nazis.

Escuela Cahiers du Cinéma

La Escuela Cahiers du Cinéma también se llama Grupo Cahiers du Cinéma. Del 65438 al 0955, alrededor de la redacción de Cahiers du Cinema se reunió un grupo de jóvenes críticos de cine, encabezados por André Bazin. Más tarde, pasaron de la crítica cinematográfica al rodaje de películas y se convirtieron en los principales directores de películas francesas de la "Nueva Ola".

La revista "Cahiers du Cinema" fue fundada en 1951, y sus redactores jefe son, Luo, Jacques Darnault-Val Cloze, entre los cuales las ideas estéticas de Bazin jugaron un papel destacado en la creación de la revista. Del 65438 al 0955, un grupo de jóvenes que estaban de acuerdo con las opiniones teóricas de Bazin comenzaron a utilizar los "Cahiers du Cinema" como posición teórica y establecieron nuevos estándares de evaluación utilizando el método de la "teoría del autor". Entre ellos, las figuras principales son Truffaut, Godard, Levitt, Chabrol, Dumas y Sherrill. A partir de 1958, Truffaut, Godard, Levitt, Chabrol y otros rodaron sucesivamente sus primeras películas, que desempeñaron un cierto papel en la formación de la "Nueva Ola" del cine francés. Desde entonces, este grupo de personas recibió el nombre de "Cahiers du". Facción "Cine". Después del declive de la "Nueva Ola" en 1996, este grupo de personas se dividió. Truffaut y Chabrol se convirtieron en directores de cine comerciales populares, pero sus películas aún tenían un alto valor artístico. Levitt recurrió al cine experimental. El camino de Godard fue más complicado y variado. Antes de 1968, sus películas se volvieron cada vez más modernistas, promoviendo la antimoralidad existencial y el pensamiento político anarquista, pero en la forma destruyó sin sentido la gramática cinematográfica tradicional. A partir de 1968, de repente giró hacia la extrema izquierda y rodó una serie de cortometrajes con carga política, oponiéndose al capitalismo y defendiendo la revolución violenta. En 1971 resultó herido en un accidente automovilístico y dejó de filmar. A finales de la década de 1970, comenzó de nuevo a hacer largometrajes y declaró que "ya no estaría involucrado en política".

El Grupo de la Margen Izquierda es un grupo de directores de cine que surgió en Francia a finales de la década de 1950. Lleva el nombre de sus miembros, que viven en la orilla izquierda del Sena en París. Se trata de Alain Resnais, Anise Huada, Chris Marche, Alain Robbe-Grillet, Marguerite Dura y Henri Korpi. Pero... en realidad, la "Ribera Izquierda" no formó una "escuela" o un "grupo". Son solo un grupo de artistas que tienen amistades de larga data, comparten intereses artísticos similares y, a menudo, se ayudan mutuamente en sus creaciones. Básicamente, se pueden dividir en dos categorías: una son los directores que se dedican a la creación cinematográfica desde hace mucho tiempo, como Renai, Varda, Korpi, etc., la otra se dedica principalmente a la creación literaria, como Marche, Dura; y Rob Greer. Porque todas sus películas famosas se estrenaron a finales de los años cincuenta y principios de los sesenta, como "Hiroshima Mon Amour" (i959) de Ai Jun y "The Long Farewell" (1961) de Korpi (ambas escritas por Dora), y There is the love " El último año en Marienbad" (1966-66). Como resultado, sus obras a menudo se clasifican como películas de la "Nueva Ola".

De hecho, existen diferencias significativas entre las películas dirigidas por la Margen Izquierda y las películas dirigidas por los Cahiers, es decir:

1. solo hacen películas específicamente para la película. Los guiones que escriben se convierten en películas y nunca adaptan obras literarias;

2. Siempre se centran en la descripción de las actividades internas de los personajes y registran el entorno externo;

3. Sus técnicas cinematográficas son muy minuciosas, y hay que pulir y pulir los detalles, sin un estilo descuidado y semi-improvisador;

4. los de Doula y Rob Greer, porque es un representante de la novela modernista francesa.

Las películas de la "Ribera Izquierda" se llaman en Francia "películas de escritores", es decir, películas realizadas por escritores literarios. Además de las películas antes mencionadas, entre sus obras representativas se encuentran "Muriel" y "The War is Over" (1967), que luego fueron estrenadas por Renai (1963), así como "The Immortal Woman" de Rob Gerry (1967). ).

La influencia de las películas de la "margen izquierda" es de gran alcance. "Adiós a Filipinas" (1962) de York Rozier, por ejemplo, utiliza diálogos improvisados, una videocámara y un micrófono oculto para mostrar las características de una película vérité. "The Rampage" (1959) de Truffaut también demuestra claramente la influencia del cinéma vérité con su estilo de rodaje y su contenido social altamente naturalistas. Godard incluyó la intervención subjetiva en muchas de sus películas, empleando incluso directamente métodos de cinéma vérité.

CINEMA VERITE es un género de creación cinematográfica caracterizado por la grabación directa desde finales de los años 50. Incluye el movimiento francés Cinema Verité y el movimiento americano Direct Cinema. Entre las figuras representativas se encuentran los franceses Jean Louhi, François Lechbach, Magliot Lustuli y los hermanos estadounidenses David Messer y Albert Messer, Richard De Rico, Don Allen Penny Schell y otros.

Los defensores del cine real afirman que se inspiran principalmente en la teoría y la práctica del "ojo cinematográfico" del soviético Dziga Vertov. En la década de 1920, Vertov filmó una serie de documentales de noticias compuestos de escenas de la vida, y luego editó estas escenas en largometrajes con cierta estructura. Llamó a este tipo de películas "Cinema Pravda", y la película real era en realidad una ocupada traducción al francés de esta palabra sedienta. La diferencia artística entre las obras cinematográficas reales y "Cinema Pravda" es que los hechos expresados ​​en las primeras son más completos y únicos, y por tanto tienen las características de los largometrajes.

Como método de producción, las películas verité tienen las siguientes características:

1. Filmar directamente la vida real y rechazar la ficción;

2. Por adelantado, no utilice actores profesionales;

Solo hay tres personas en el equipo de filmación, a saber, el director, el fotógrafo y el ingeniero de sonido. El director edita el video él mismo.

En este género cinematográfico, la única diferencia entre el cinéma vérité francés y el cine directo estadounidense es el papel del director de cine: los franceses abogaban por que el director participara en el proceso de rodaje de la película. Por ejemplo, cuando Lu estaba filmando "Crónicas de verano" (1961), para dar al público la impresión de que el director no era en absoluto un espectador, insertó en la película una serie de entrevistas y debates con los personajes. Los estadounidenses, por el contrario, intentan evitar interferir en el curso de los acontecimientos y exigen a los directores que adopten una postura estrictamente objetiva para evitar destruir las tendencias naturales del personaje. Por ejemplo, cuando Leacock filmó a David (1962), simplemente siguió la progresión natural de los acontecimientos de principio a fin y filmó a un joven drogadicto en un centro de rehabilitación de drogas sin interferencias.

El método de rodaje de películas reales requiere que el director descubra con precisión los acontecimientos y prediga su proceso dramático, y requiere que el equipo de filmación actúe con rapidez y decisión. Este método inevitablemente limitará el tema de la película, por lo que hay muy pocas películas en el verdadero sentido. La mayor importancia del cinema verité como género es que proporciona un método de filmación que garantiza la máxima autenticidad para la creación de largometrajes en general, y su impacto es de gran alcance. Por ejemplo, "Goodbye, Filipinas" de Yorke Rozzi (1962) utiliza diálogos improvisados, videocámaras y micrófonos ocultos para mostrar la huella del cinema verité. "Rampage" (1959) de Truffaut demuestra la influencia del cinéma vérité con su estilo de rodaje y contenido social altamente naturalistas. Godard incluyó la intervención subjetiva en muchas de sus películas, empleando incluso directamente métodos de cinéma vérité.

El crítico de cine francés Nino-Franck acuñó la frase en 1946, inspirándose en la palabra novela negra. Se refiere principalmente a las películas realizadas por Lucky Shots en los años 1940 y principios de los 1950, que estaban ambientadas en las oscuras calles de la ciudad y reflejaban el mundo del crimen y la depravación. El cine negro no es un género cinematográfico independiente. Está entrelazado con muchos géneros cinematográficos tradicionales, como las películas de gánsteres, los westerns y las comedias. Aunque su tema es principalmente el crimen, no todas las películas policiales pueden clasificarse como cine negro.

Tiene las siguientes características:

1. Hay muchas escenas en la oscuridad, ya sea dentro o fuera, siempre brindando a las personas un futuro oscuro y aterrador.

Debido a la sensación de crisis;

2. Utilizar el estilo de fotografía expresionista alemán para crear la ilusión de un mundo de pesadilla, con sombras extrañas y profundas y tonos lúgubres. El protagonista suele tener características duales. Un personaje rebelde con una personalidad llena de hostilidad hacia el mundo que lo rodea, decepcionado y solitario, y que finalmente encuentra su destino en la muerte.

4. La narración como medio para describir la psicología. Por lo tanto, se puede decir que el cine negro es una combinación de temas violentos estadounidenses, el estilo de fotografía expresionista alemán y el existencialismo francés.

En la década de 1940, el cine negro entró en una época de prosperidad. A mediados de la década de 1950, cuando el público disminuyó y Hollywood recurrió a nuevos estilos, temas y técnicas, las películas negras desaparecieron gradualmente. Las obras representativas incluyen: "El halcón maltés" de John Huston (1941), "Murder on the Train" de Billy Wilder (1943), "Sleep" de Howard Hawks (1946), "Slut's Complaint" de Dai Garnet Special (6544). "El extranjero" (1946) y "La mujer de Shanghai" (1949) de Orson Welles, "Laura" (1944) de Otto Priminger, Ángeles caídos (1948) y "La acera" "El fin".

Cine negro: sacando la oscuridad a la luz

El cine negro a veces se refiere a algunas películas francesas discretas y escapistas de la Segunda Guerra Mundial. Los creadores de estas películas no estaban dispuestos a cumplir con las exigencias políticas del gobierno de Vichy y evitaron deliberadamente el contacto con la vida real. Además, la generación de directores franceses de la posguerra tenía un gran interés por las películas negras de Lucky Strike. Por ejemplo, Jean-Bill Melville intentó restaurar la reputación artística del cine negro en los años 1960 y rodó una serie de películas con características básicas del cine negro, como "Pain" (1962), "Second Breath" (1966), Samurái (1966).

Free Cinema

Free Cinema es el nombre general de seis series de películas experimentales proyectadas por el British National Information Cinema de 1956 a 1959. También es una película representada por esta serie de Películas experimentales El nombre del deporte. De 1954 a 1956, la Fundación Experimental del British Film Institute y la American Ford Motor Company patrocinaron conjuntamente a un grupo de jóvenes interesados ​​en "revivir el arte cinematográfico británico" para rodar una serie de cortometrajes, que se proyectaron en el British National Information. Cine. Durante la proyección de la película, estos jóvenes directores emitieron conjuntamente una serie de declaraciones en las que declaraban que su objetivo creativo era desafiar las ideas conservadoras de la sociedad y la industria cinematográfica. Enfatizan la responsabilidad social de los artistas y requieren atención a los temas de la vida diaria y la expresión personal en sus creaciones. Tenían un fuerte deseo de romper con las ataduras comerciales del cine y ganar libertad creativa.

Todas las películas producidas en nombre de Free Cinema tienen como objetivo mostrar a personas reales, pero los creadores de estas películas no se atreven a utilizar la palabra documental para describir sus películas porque creen que debido al movimiento documental británico. Alguna vez se defendió el uso de documentales para servir a los intereses de agencias gubernamentales o grupos sociales, por lo que la palabra documental tiene el significado de blanquear y embellecer la realidad. Lindsay Anderson, una defensora del movimiento, incluso afirmó que la tecnología de grabación obstaculizaría la creación de obras maestras cinematográficas. Aunque estos jóvenes directores eran hostiles a la industria cinematográfica, no se oponían a trabajar con cineastas profesionales. Directores de fotografía famosos como Walter LaSalle y John Fletcher han rodado películas para ellos. El Free Film Movement también estuvo estrechamente relacionado con la oposición a las ideas conservadoras que surgieron en los círculos literarios y teatrales británicos en ese momento. Por ejemplo, el famoso dramaturgo anticonservador John Osborne trabajó estrechamente en creaciones cinematográficas con figuras clave del movimiento cinematográfico liberal.

El Movimiento de Cine Libre de 1959 llegó a su fin. En marzo de ese año, Anderson, Carlo Reitz, Lazari y Fletcher emitieron conjuntamente una declaración en la que declaraban que "las películas gratuitas están muertas, ¡larga vida a las películas gratuitas!". La razón por la que este movimiento colapsó rápidamente fue que era financieramente insostenible.

Durante los años de existencia del movimiento, se han producido las siguientes películas que reflejan sus ideas artísticas: Mommy Don't Answer (1955) de Anderson, Every Day But Christmas (1957) y "We Were Ramblers" de Reitz. " (1955)

Después del Free Film Movement, Anderson, Reitz y Richardson se unieron sucesivamente a organizaciones británicas de producción cinematográfica comercial y se convirtieron en famosos directores de largometrajes. Algunas de las películas que hicieron después del movimiento y a principios de la década de 1960, como "A Look Back in Anger" (1959), "A Taste of Honey" (1961) y "The Loneliness of the Distance Runner" (1962) de Richardson. , así como las noches de sábado y los domingos por la mañana de Reitz.

Cine underground:

El cine underground apareció en Estados Unidos a finales de los años 50 y fue un movimiento que proyectaba en secreto películas experimentales producidas por particulares. Pronto el término se utilizó para referirse a todas las películas experimentales de Estados Unidos y Europa occidental.

Desde finales de los años 50 hasta principios de los 60, el Departamento de Policía de la ciudad de Nueva York intervino repetidamente en un archivo cinematográfico dedicado a mostrar películas experimentales porque había cortometrajes que mostraban contenido obsceno y representaban descaradamente el sexo. Los temas prohibidos incluyen la homosexualidad. , travestismo, bailes eróticos y estilos de vida decadentes. En una ocasión, el organizador de una proyección de este tipo fue arrestado. Joe Mekas, líder del "New American Film Group", fue detenido. Como resultado, la producción y proyección de este tipo de películas experimentales se volvió cada vez más clandestina, de ahí el nombre.

Los primeros representantes del movimiento cinematográfico underground incluyen a Jack Newmier (Burning Creatures, 1963, etc.) y Andy Warhol (Kiss, 1963, etc.). En sus películas, la desnudez, las descripciones sexuales y el nihilismo descarado. más convincente que las innovaciones en las técnicas de actuación. Como escribió Jonas Mekas en 1967: “¿Dónde estamos... en la clandestinidad?”, el artículo New American Cinema declaraba: “Nos decimos a nosotros mismos: no sabemos qué es la gente y no sabemos qué es el cine. Por tanto, deberíamos estar completamente abiertos. Nos moveremos en cualquier dirección... Somos el Señor de toda la creación. "Desde mediados de la década de 1960, cada vez más directores de cine experimentales con diferentes tendencias creativas se han unido a las filas del cine underground, proponiendo claramente hacer del cine un arte modernista. Aunque estos cineastas individuales tienen estilos diferentes, se esfuerzan por ser relativamente originales, pero tienen dos características en común: primero, utilizan películas de 18 mm sin excepción como señal de oposición a las películas comerciales, continúan favoreciendo la expresión sexual y defendiendo conceptos morales antitradicionales. Como señala Parker Taylor, “La historia del cine underground. Comienza con la conclusión de que una de las funciones más importantes de la cámara cinematográfica, que no debe olvidarse, es la de penetrar en esos territorios tabú, demasiado privados y demasiado privados para la reproducción fotográfica. (Una historia de la crítica cinematográfica clandestina, Nueva York, 1969)

¿Tirano clandestino? ¿Kangkang? ¿Cómo es la calidad? ¿Song Qiang Xia Wei? Ángel. Realizó muchos cortometrajes, pero ninguno de ellos fue proyectado públicamente. Lo que la gente ve son extractos de algún largometraje o cortometraje que fue robado y difundido después de la primera proyección. Fury se entregó al frenético mundo del sexo y las alucinaciones místicas, con su Inauguración de la feliz consumación, Scorpio Rising (1964) y .

El movimiento cinematográfico underground también impulsó el renacimiento de las películas abstractas: Blatch creó la "película que rompe sueños", que utilizó la conexión de fragmentos de lentes e imágenes superpuestas de varias capas para formar una película puramente abstracta, como como "Dog·Star·Man" (1959-1964); Emschwiller utilizó movimientos de danza para formar figuras abstractas como tótems (1962-1963); mientras que Robert Burrell continuó los experimentos de las películas de vanguardia de los años 1920, directamente en el cine; Pinta cuadros abstractos como Breathing (1963).

En la década de 1960 aparecieron dos nuevas "variantes" del cine abstracto: el "cine de empalme" y el "cine estructuralista". "Spliced ​​​​Movies" es su propio trabajo de empalmar metraje cortado de muchas otras películas. Bruce Connor y Robert Nelson son expertos en la realización de este tipo de películas. La película pornográfica de Connor (1958) fusionó escenas emocionantes de múltiples películas, y "Confesiones de una madre negra en Cuba" de Nelson (1964-1965) combinó las escenas violentas de la película Lucky Strikes con el comportamiento inapropiado de los comerciales de televisión. Las imágenes se unen como una sátira de las películas con fines de lucro. Las "películas empalmadas" de Pat O'Neill y Scottus Barrett son metraje editado que se reprocesa frente a una impresora óptica o una grabadora de video magnética y se adapta a las intenciones subjetivas del cineasta. Cambia la imagen y el color originales, como "Run" de Gunner. (1969-1970) y "Luna del 69" de Balet (65438+).

La característica del "cine estructuralista" es exponer las propiedades físicas y los procesos químicos del cine al público y crear un nuevo concepto de tiempo y espacio. Adams Sitny, acuñador del término y crítico de cine de la revista "Film Culture", cree que los pioneros del "cine estructuralista" son Blalacchi y Varhol, cuyos representantes típicos es Michael Schmidt. Snow's Wavelength (1967) es un plano único de 45 minutos con zoom infinito en una habitación de aproximadamente 2,5 metros de largo. La película (1966) de Tony Conrad y La película con rasguños, pinchazos y manchas (1966) de George Randolph entran en esta categoría.

A partir de mediados de la década de 1960, también surgieron movimientos cinematográficos clandestinos en países de Europa occidental, especialmente en Alemania Occidental, Italia, Países Bajos y Reino Unido. La principal tendencia del cine underground en Europa occidental fue hacer películas abstractas estructuralistas. Los principales representantes incluyen a los británicos Malcolm Le Grace y Peter Goldhaar, Werner Necks de Alemania Occidental y Peter Koppel de Austria.

Películas políticas, películas de combate y la tercera película

Primero, películas políticas

Películas políticas se refiere a:

1 .Películas que representar directamente eventos políticos reales contemporáneos, movimientos políticos y pensamientos políticos

2.

3. Películas que reflejan los principales temas sociales y políticos contemporáneos. Su característica común es que prestan atención a cuestiones políticas, acontecimientos políticos, pensamientos y comportamientos políticos, y su relación personal con estos acontecimientos, pensamientos y comportamientos. Desde finales de los años 1960 hasta mediados de los años 1970, las películas políticas se han convertido en una tendencia en la creación cinematográfica en los países occidentales.

El término cine político fue acuñado con la película "Z" de la directora de cine francesa Kirsty Costa-Gavras. Desde entonces, un gran número de películas políticas se pueden dividir básicamente en cuatro categorías:

1. Largometrajes que muestran a personas reales o están basados ​​en personas reales. Las obras representativas incluyen: la serie de películas de Gavras filmadas en Costa, Francia, como Z (1969, sobre el asesinato del diputado izquierdista griego Grigoris Ramsky por la junta militar), Confession (1970, sobre Checoslovaquia) Caso de esquí), la película italiana "Matthew " (1970). Freehand sobre el asesinato del director general de Terry National Oil, Matthew Yee), las películas estadounidenses "The President's Team" de Alan Pakola (1976, sobre el escándalo Watergate) y "The Executioner" (sobre el asesinato del presidente Kennedy), las películas británicas Fred Zimmerman " El día del chacal" (1973, escribe uno.

2. Largometraje de ficción. Entre sus obras representativas se incluyen la película italiana Damiano-Damiani (1971) "Confesiones de un jefe de policía", "La clase trabajadora va to Heaven" de Elio Petry (1972), "El hombre en espera del juicio" de Nani Roy (1972), de Dino Matteo Ricci. La película francesa "Girls in China" (1967), la película estadounidense "Punishment Park" (1971), "Billy Jack" de Frank (1971), etc.

3. Fantasía y comedia. Entre sus obras destacan la película americana de William Clegg "Mr. Liberty" (1067), la película italiana "Fellini's Band Training" (1978). , "Círculo cerrado" de Gioriano Montaldo (1977) , "Blocking the Road" de Ruigi Comancini

4 Los documentales de actualidad y otras películas son producidas principalmente por el French Combat Film Group (ver "Combat Film") y algunos grupos de cine político estadounidenses.

Las películas políticas tendieron a decaer a mediados de la década de 1970.

La Unión Soviética también mencionó películas políticas, pero solo se referían a películas que ". representaba la lucha de clases internacional". /p>

En segundo lugar, las películas de combate

Las películas de combate se refieren a documentales no comerciales que aparecieron en Francia en la década de 1960 y reflejaban las opiniones políticas "izquierdistas" de Francia. Nacido en Francia Durante la "tormenta de mayo", de 1968 a 1977, hubo más de 30 grupos que produjeron y distribuyeron películas de este tipo en Francia, cuyo tamaño oscilaba entre cuatro o cinco y decenas, entre ellos "Spark Group" y "Les Spark Group". Unique Group", "Diga-Vertov Group", "Proletarian Film Group" y "Film Struggle Group" son los más potentes. Utilizan cámaras portátiles y películas de 16 o súper 8 mm para rodar in situ, normalmente cortometrajes. Estas películas a veces presentan historias sobre las luchas de los trabajadores, las luchas de los campesinos contra la explotación, el movimiento de liberación de las mujeres, el movimiento estudiantil, la difícil situación de los trabajadores extranjeros y las luchas antiimperialistas y anticoloniales de los pueblos de Asia, África y América Latina. América, por trabajadores, campesinos, estudiantes, etc. Ven a jugar. En general, el equipo de producción distribuye sus propias películas y las proyecta principalmente en fábricas, zonas rurales o clubes de cine escolares. Algunas fuentes de fondos de producción provienen de políticos de izquierda. partidos, y algunos dependen de donaciones sociales.

Francia Desde el principio, la "izquierda" francesa estaba en un estado de decadencia debido a las crecientes divisiones internas y la confusión en el pensamiento político. La tercera película

La tercera película, también conocida como "película de guerrilla" y una película contra el colonialismo, está realizada por el director de cine cubano Fernando Solanas y Octavio Getino propuesta por primera vez a principios de los años 1970. Exigieron que las películas se utilicen como armas de combate para cooperar con las luchas armadas contra el neocolonialismo y el imperialismo en Asia, África y América Latina. Solanas afirma que el objetivo de la "Tercera Película" es exponer la "Primera Película" ("cine imperialista" representado por la película Lucky Strike) y la "Segunda Película" (imitación latinoamericana de Buena Fortuna). el "cine nacional" representado por la película comercial de Color House Film.