Ilustraciones dibujadas a mano de moda de personajes: ¿cuáles son los estilos de personajes de animación dibujados a mano que son muy adecuados para copiar?

La ilustración de moda, como antiguo medio de comunicación visual, no solo ha seguido desarrollándose en la nueva era, sino que también ha generado muchas nuevas formas de expresión con diferentes estilos. ¿Cuántos de los ilustradores de moda más populares y destacados y sus trabajos conoces?

La edad de oro de la ilustración de moda

En sus inicios, la colaboración entre las ilustraciones de moda y las revistas de moda la ayudó a entrar en su apogeo. Las revistas de aquella época, casi sin excepción, requerían ilustraciones para crear imágenes, desde las portadas hasta las páginas interiores. En ese momento, los lectores recibían información sobre moda, arte, gusto, etc. a través de exquisitas ilustraciones. Se puede decir que las revistas de moda y las ilustraciones de moda de esa época tuvieron éxito mutuo.

Portada de la revista Harper

La colisión entre pinturas de moda y marcas de moda

En la era digital, la fotografía se ha convertido en la principal fuente de comunicación visual para las publicaciones de revistas. Aunque la era de las revistas con ilustraciones de moda como principal medio de promoción ha terminado, la industria de la ilustración de moda no ha estado dormida, sino que ha ido desarrollándose y evolucionando hacia nuevas direcciones.

La cooperación entre ilustraciones de moda y marcas de moda es el nuevo camino más exitoso descubierto hasta ahora. Como la marca más popular hoy en día, Gucci suele buscar algunos ilustradores populares en las redes sociales para colaborar.

Las siguientes obras coloridas y poéticas fueron creadas por la ilustradora Helen Downie. Cabe mencionar que esta ilustradora altamente profesional es en realidad un ama de casa sin experiencia profesional. Su experiencia legendaria y sus pinturas se hicieron populares en línea al mismo tiempo. Además, su estilo de pintura es sorprendentemente similar al nuevo concepto estético defendido por Gucci, lo que hizo que al director creativo de la marca le gustara su trabajo de un vistazo y lanzó una serie de cooperaciones en profundidad.

Helen Dorney Factory

Aunque es madre, sus imaginativas obras siempre revelan la inocencia de una niña. Especialmente los grandes ojos inocentes de los personajes del cuadro son muy extraños y llenos de infantilismo.

Helendorny Factory

Sin embargo, esta no es la primera vez que Gucci colabora con ilustradores de moda. Anteriormente, la marca también invitó a otro ilustrador, Alex Merry, para una cooperación más "artística".

Desde Nueva York hasta Londres, desde Milán hasta Shanghai, todas las ciudades con paredes de arte fueron ocupadas por las creativas ilustraciones de moda de Alex casi de la noche a la mañana. Es raro que una ilustración de moda tan grande se presente de esta manera, por lo que cuando se publicaron las imágenes del muro artístico, inmediatamente causaron sensación en Internet.

Obras de Alex Merry

Además, Gucci venderá productos en forma de ilustraciones para que todos los consumidores interesados ​​puedan encontrarlos y poseerlos. Hacen realidad estos productos ideales de ensueño. Por otro lado, el público puede ver en estas románticas ilustraciones de moda que el estilo de las ilustraciones de moda ya no es único.

Las obras de Alex Merry

Cuando se trata de cooperación transfronteriza entre ilustraciones de moda y marcas, hay que mencionar a Prada. Para la serie masculina de primavera y verano de 2018, la marca invitó al ilustrador James Jean a colaborar por segunda vez, lo que demuestra cuánta atención han recibido sus trabajos.

Obras de James Jean y Oliver Schrauwen

Esta vez, James Jean y el artista de graffiti belga Oliver Schrauwen crearon conjuntamente ilustraciones para el espacio de exhibición. Los espectadores que miran estas escenas son como leer en vivo una página de un cómic divertido.

Al mismo tiempo, el autor también realizó un vídeo promocional del mismo estilo con imágenes y textos específicamente para Prada. El genial estilo de ilustración de James, combinado con el estilo de moda futurista de Prada, se complementan a la perfección.

Las obras de James Jean

Ese mismo año, en el desfile de ropa femenina de Prada, la marca también decidió colaborar con ilustradores de moda. Esta colaboración invita a ocho ilustradoras: Stellar Leuna, Trina Robbins, Brigid Elva, Joelle Jones, Giuliana Maldini, Natsume Ono, Emma Rios y Fiona Staples.

Además de crear obras murales en el espacio expositivo, también integraron perfectamente obras de ilustración en la serie de moda de la nueva temporada. Sus trabajos de estilo cómic no sólo inyectan vitalidad a la moda, sino que también aumentan la posibilidad de estilizar las ilustraciones de moda.

Hoy en día, la ilustración de moda ya no es la norma. Todos pueden crear sus propias ilustraciones siempre que estén dispuestos a escribir.

Las obras de Grace Coddington

Ilustraciones de moda pioneras

Además de la cooperación transfronteriza con marcas de moda, algunos ilustradores de moda profesionales insisten en la creación independiente. Mientras dominaban las técnicas básicas de la ilustración, también ampliaron y exploraron las formas pictóricas de las ilustraciones de moda y descubrieron su propio estilo.

El pionero de la ilustración de moda Velwyn Yossy ha dibujado una serie de obras únicas. Por las líneas suaves y limpias de los personajes de sus obras y las proporciones generales exageradas pero aún apropiadas, podemos ver que siempre ha perseguido el concepto estético del modernismo.

Las obras de Velwyn Yossy

Otro ilustrador de moda estrella en ascenso, Ernesto Artillo, extiende las ilustraciones de moda en una dirección más abstracta. Su técnica única de expresión visual rompe la comprensión tradicional del público sobre la ilustración de moda.

Algunas de sus obras surrealistas recientes combinan lo dinámico y lo estático, lo virtual y lo real. El impacto visual de las ilustraciones se amplifica infinitamente mediante el dibujo a mano y el collage, dando un pequeño impulso a las ilustraciones de moda orientadas a lo estático. .

Las obras de Ernesto Artillo

Sus obras creativas no sólo se publican en las principales revistas desde hace mucho tiempo, sino que también se exponen a menudo en todo el mundo. Ernesto Artillo dijo: "Cuando veo mi trabajo, quiero sentirme relajado y emocionado". Lo mismo ocurre con la vida normal. Buscaré el equilibrio y cómo romper el status quo existente. "

Las obras de Ernesto Artillo

Aunque la época dorada de la ilustración de moda ha pasado, es innegable que la ilustración de moda sigue ocupando un lugar en el ámbito de la moda y está llena de un alto valor artístico.

La ilustración de moda es una de las pocas industrias que puede combinar perfectamente negocios y arte, y la continua aparición de ilustraciones populares aumenta la posibilidad de que la ilustración de moda siga avanzando.

JamesJean. ilustraciones de moda dinámicas

Después de comprender estas ilustraciones de moda más populares y llamativas, puedes levantar el bolígrafo e intentar explorar un nuevo camino en la ilustración de moda. El siguiente pollo frito puede ser tú.

Maravillosa reseña:

[Editor, texto/Chen Zhuo]

Pintura de moda: 500 años de historia. "Fashion Devil" Las ilustraciones de moda existen desde hace casi 500 años. Desde que se produce la ropa, es necesario transformar el concepto o la imagen del diseño de la ropa en ilustraciones de moda. Esta forma visual se originó a partir de ilustraciones, pinturas y pinturas al óleo, y también se llama "boceto de moda". Los diseñadores de moda utilizan principalmente "prendas". "Bocetos" para realizar una lluvia de ideas en papel o digitalmente. Su función principal en el diseño es previsualizar y visualizar el resultado final antes de coser la ropa real. A continuación, echemos un vistazo a las ilustraciones de moda. El proceso de desarrollo histórico de este "diablo de la moda" de 500 años. ". 1. El comienzo de la ilustración de moda La ilustración de moda comenzó en el siglo XVI, y la exploración y el descubrimiento global llevaron a una fascinación por la ropa de personas de todo el mundo para explicar las diferentes clases sociales y culturas. Se imprimieron libros sobre ropa para ayudar a disipar los temores. del cambio y el malestar social causado por estos descubrimientos. Entre 1520 y 1610, se publicaron más de 200 grabados, aguafuertes o xilografías de este tipo, que mostraban vestimentas de grupos étnicos o personas específicas. Estas son las primeras ilustraciones. de ropa y son los prototipos de las ilustraciones de moda modernas. Estas ilustraciones probablemente fueron utilizadas por artistas del siglo XVII como Jacques Callot y Abraham Bosse para inspirar nuevos diseños. Se utilizaron técnicas de grabado modernas para producir prendas realistas y detalles de época. en Francia e Inglaterra a partir de 1670 y se consideran las primeras revistas de moda, incluidas Le Mecure Gallant, The Lady's Magazine, La Gallerie des Modes y Le Journal des Dameset des Modes, publicadas durante este período. En respuesta, el número de publicaciones periódicas aumentó. Al creciente deseo de las lectoras de comprender las últimas novedades de moda en el mercado, no fue hasta finales del siglo XVIII y principios del XIX que la ilustración de estilo masculino se volvió tan importante como la ilustración femenina en el plato de moda del siglo XIX. ) fue más popular en París a finales del siglo XVIII, durante este período con publicaciones como "Incroyable set Merveilleuses" de Horace Venet y la serie de pinturas de moda en acuarela de Georges-Jacques Gatine grabadas durante el período napoleónico. La posición de Francia como árbitro de la moda aseguró una demanda continua de ilustraciones de moda tanto en el país como en el extranjero. Este interés y el acceso cada vez más generalizado a la ropa de moda dieron como resultado más de 150 publicaciones periódicas de moda en el siglo XIX. Estas ilustraciones de moda muy detalladas capturan información sobre las tendencias de la moda y brindan pautas generales de vestimenta. También fue en esta etapa cuando apareció la alta costura (en la década de 1860). Las empresas de moda contratan ilustradores que trabajarán directamente con diseñadores de ropa femenina. Mientras el diseñador cubría con la tela un maniquí viviente, el ilustrador esbozaba el nuevo diseño. También dibujarán ilustraciones para cada diseño de la colección completa, que luego podrán enviar a los clientes. A finales de 2019, la impresión manual en color fue sustituida por la impresión a todo color. Los patrones de moda comenzaron a utilizar dos figuras, una de las cuales se podía ver desde atrás o de lado, lo que permitía ver la prenda desde más ángulos, facilitando la copia. El objetivo de los ilustradores del siglo XIX era la precisión y el detalle. Siguen convenciones de imágenes estáticas para proporcionar información y orientación completas al espectador. 3. Revistas de moda e ilustraciones del siglo XX En las primeras décadas del siglo XX, floreció por primera vez la ilustración de moda en el sentido moderno. Trabajar como ilustrador de moda se ha convertido en una carrera a medida que el lanzamiento de los últimos estilos de moda se vuelve cada vez más lucrativo.

La moda alguna vez fue obra de un artista, pero ahora se está convirtiendo en una industria, que produce nuevas mercancías en cantidades sin precedentes para llenar los estantes de los grandes almacenes. Estas tiendas crearon un nuevo pasatiempo: la cultura de las compras. Publicada de 1912 a 1925, la revista francesa de lujo Gazette reunió a un grupo de jóvenes artistas a quienes se les dio una libertad sin precedentes para interpretar la moda. Iribe es una figura destacada entre estos ilustradores de moda y colabora con prestigiosas publicaciones como Charles Martin, Eduardo García Benito, George Barbier, Georges Lepape y Umberto Brunelleschi. Las impresiones que produjeron para la Gazette mostraron la influencia de las xilografías japonesas y los nuevos cambios en el estilo Art Déco. En Estados Unidos, las revistas de moda Vogue y Harper's Bazaar cubren ocasiones sociales y tendencias de la moda contemporánea. Harper's Bazaar firmó un contrato exclusivo con Walter, que duró desde 1915 hasta 1938, lo que lo convierte en uno de los contratos más largos en la historia editorial. Desde 1910 hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial, la portada de la revista Vogue siempre aparecía con fotografías y textos. Las primeras portadas de Vogue presentaban obras de los ilustradores estadounidenses Helen Dryden, George Wolf Plank, Georges Lepape y F.X Leyendecker. A las obras, después de la Primera Guerra Mundial, se unieron artistas europeos, entre ellos Eduardo Benito, Charles Martin, Pierre Brissaud y Andre Marty. 4. La edad de oro de la pintura de moda Las décadas de 1920 y 1930 representaron la “edad de oro” de la pintura de moda. Todo artista comercial es considerado un artista elegante y un dibujante consumado. Mucha gente puede utilizar la autoridad y la creencia para representar la textura, el brillo e incluso el peso de una tela. Con el desarrollo de las nuevas tecnologías en fotografía e impresión, las reproducciones de fotografías se colocaron directamente en las páginas de las revistas, lo que significó que los patrones de moda ya no eran representativos de la vida moderna. A principios de la década de 1930, las fotografías comenzaron a convertirse en la primera opción para las revistas. La revista Vogue informó en 1936 que las portadas fotográficas se vendían mejor y se empezaron a incluir ilustraciones en las páginas interiores. Con la recesión económica que siguió a la caída del mercado de valores de 1929, la industria de la moda estadounidense se volvió menos dependiente de la moda parisina. Durante el período de entreguerras, la fabricación de ropa en Estados Unidos logró enormes avances, mejorando los métodos de producción en masa y estandarizando las tallas. Las mujeres de clase media podían confiar en sastres expertos para comprar los últimos diseños de moda a precios asequibles, mientras que revistas como Vogue y Women's Journal publicaban patrones que eran invaluables para los sastres caseros. El objetivo principal de la revista Vogue es mostrar la moda tanto como sea posible a sus lectores. La fotografía liberó a los ilustradores de la necesidad de una documentación precisa de la ropa y favoreció las interpretaciones de la ropa de moda. Según el editor de la revista, "los artistas estaban interesados ​​principalmente en obtener imágenes y efectos decorativos interesantes. Estaban cansados ​​de informar fielmente sobre el espíritu de la moda contemporánea, por lo que se aburrían del "New Look" de Dior de finales de los años 40". inspiración para el resurgimiento de la moda de posguerra. En muchos sentidos, es un estilo retrospectivo, que se remonta al pasado en lugar de mirar hacia el futuro, pero también simboliza un regreso a una era más alegre y optimista. 5. La destrucción y el resurgimiento de la ilustración de moda En la década de 1960, los editores de moda gastaban una mayor parte de sus presupuestos en la edición y difusión de fotografías. La posterior promoción de los fotógrafos de moda al estatus de celebridades significó que los ilustradores tenían que contentarse con trabajar en ropa interior y accesorios o en campañas publicitarias. Durante la década de 1960, la ilustración de moda siguió perdiendo su lugar en la edición de revistas, tendencia que se reflejó en la nueva categoría de revistas juveniles. Muchas de estas revistas se publicaron en la década de 1960 y todas utilizaban la ilustración como una alternativa barata a la fotografía. Antonio López, el único artista que apareció regularmente en Vogue durante este período, comenzó su carrera en Women's Wear Daily. En la segunda mitad del siglo XX, la ilustración de moda tuvo dificultades para sobrevivir, y no fue hasta la década de 1980 que comenzó a resurgir. Una nueva generación de artistas publicados en revistas como LaModeenpeinture (1982+0982), Condenast's Vanity (1981) y VisionAire (191). Este resurgimiento se atribuyó a las campañas publicitarias, en particular a la campaña publicitaria de Barney en Nueva York de 1993 a 1996. Hoy en día, la ilustración de moda se sitúa a medio camino entre las bellas artes y el arte comercial, y recientemente ha sido reevaluada como un género importante. Debido a que la belleza y la elegancia se han vuelto obsoletas en el mundo de la moda y el arte, la ilustración de moda a veces parece ser un retroceso a una época anterior. La fotografía es muy buena para registrar información detallada sobre la ropa, por lo que el foco del ilustrador ya no está en una representación precisa de la ropa, sino en explicar la ropa y sus posibles usuarios. A finales del siglo XX y principios del XX, desarrolló una serie de estilos artísticos únicos, apoyados en herramientas digitales y plataformas de redes sociales.

Desde 65438 hasta 0990, ilustradores pioneros como Ed Tsuwaki, Graham Rounthwaite, Jason Brooks y Kristian Russell comenzaron a ascender en el campo de los gráficos por computadora. Este período vio el surgimiento de los programas de diseño por computadora Adobe Photoshop e Illustrator, así como un resurgimiento de las formas tradicionales de ilustración de moda basadas en el arte. La Escuela de Diseño Parsons y la Escuela FIT de Nueva York comenzaron a ofrecer la ilustración como elemento especial en sus cursos de moda. La ilustración "tradicional" hecha a mano ha experimentado un renacimiento, y los ilustradores de moda a menudo recurren a maestros del pasado en busca de inspiración de estilo. Ilustraciones elegantes basadas en métodos clásicos complementan con éxito las creadas con métodos más modernos. Recientemente, la ilustración se ha vuelto popular gracias a colaboraciones entre diseñadores de moda e ilustradores. Con el uso de las redes sociales, los ilustradores de moda han comenzado a atraer la atención de la gente. Las elegantes ilustraciones están llenas de colores vibrantes, patrones complejos y una personalidad infinita que dejan una impresión duradera. Bienvenido a la cuenta pública "Práctica de pintura", obtenga un paquete de regalo gratuito con los secretos de pintura de los ilustradores y conozca los precios de las ilustraciones comerciales en el mundo. ¿Cuáles son algunos estilos de personajes de anime dibujados a mano que son perfectos para copiar? Algunos amigos a los que les gusta dibujar a mano suelen tener sus personajes de anime favoritos. ¿Por qué dices eso?

Entonces, ¿cuáles son los estilos de personajes de anime que te gusta copiar? ¡Echemos un vistazo!

Generalmente los personajes de anime copiados tienen líneas relativamente simples, pero para mí

Cuando estaba aprendiendo a dibujar con mi amiga, simplemente le pedí que me encontrara uno simple, sin color. historietas. Estos personajes de anime son más fáciles de usar, con expresiones y movimientos más simples. Además, a las chicas a las que les gusta dibujar a mano generalmente les gusta copiar personajes masculinos de anime, mientras que a los chicos a los que les gusta dibujar a mano prefieren copiar personajes femeninos de anime.

Algunas personas jóvenes que dibujan a mano también prefieren la versión Q, porque la versión Q es relativamente la mejor, y las pinturas de segundo nivel deben ser sobre personajes, especialmente como se mencionó anteriormente, a los niños les gusta copiar el anime femenino. personajes, y a las chicas les gusta copiar personajes masculinos de anime. Los pintores un poco más avanzados elegirán personas del departamento de ilustradores para dibujar, que es una combinación de personajes, creatividad y escenas. Los pintores a mano jóvenes elegirán aquellos con líneas claras y limpias y una estructura clara. Al igual que algunos dibujos lineales con líneas claras y estructuras simples, las esquinas del dibujo son relativamente planas, lo que es muy adecuado para principiantes y dibujos a mano en ciernes.

En general, a algunas personas les gusta el estilo dibujado a mano. De hecho, cada uno tiene su estilo favorito. Tal vez te guste un estilo más puro, a algunas personas les pueden gustar los más oscuros y a otras les gustan los violentos.

Así que copiar personajes de anime aún depende del estilo que te guste, pero la premisa es que si tus habilidades para dibujar a mano no son muy buenas, se recomienda comenzar desde el nivel básico.