¿Por qué la mayoría de las películas utilizan tonos azul verdoso?
Las lentes de efectos especiales se utilizan cada vez más en las películas. Para ahorrar costos y lograr efectos más rápido, las personas y otros accesorios importantes generalmente se filman contra un fondo azul o verde, y luego se agrega el entorno de fondo mediante efectos especiales de posproducción. La disposición de la parte trasera azul y verde es muy importante a la hora de fotografiar, ya que afecta a la autenticidad del producto acabado y a la facilidad de producción.
Declaración 1:
Dos razones:
En primer lugar, la popular lámpara Kino flo ambientada en escenas de rodaje modernas. Las ventajas de este tipo de lámparas son la estabilidad, la baja temperatura, la dispersión de la luz y la ausencia de lentes.
Sin embargo, una desventaja del juego de luces Kinofolo es que se usará durante demasiado tiempo, lo que provocará que la temperatura sea demasiado alta. Se volverá verde cuando el voltaje sea alto y se volverá verde inmediatamente cuando el voltaje y la corriente sean insuficientes. Una vez que se toma una toma verde, para guardar la película más adelante, toda la escena simplemente se vuelve verde.
En segundo lugar, los Siete Pecados Capitales iniciaron la tendencia del reverdecimiento.
Seven Deaths es también uno de los líderes que utilizó lámparas kinofolo para rodar películas. En la película se utiliza mucho verde, como en la casa de Brad Pitt, donde todas las paredes son verdes.
Algunas personas dicen que debido a que la película es sangrienta y quieren resaltar la "sangre", deliberadamente enfatizan el color verde. El llamado "rojo con verde es una mierda apestosa".
Además, algunas personas dicen que fue porque el juego de luces Keno flo de esa época tenía un problema ecológico. El arte de la fotografía siguió la tendencia y simplemente lo hizo verde.
En resumen, después de Los Siete Pecados Capitales, muchas películas se centraron audazmente en el verde.
Declaración 2:
Este es un artículo de una revista, que contiene un párrafo sobre contenido ecológico como referencia.
El director de fotografía polaco Slavomir Itzhak fue nominado al Premio de la Academia a la Mejor Fotografía por su cinematografía visceral e impresionante en "Black Hawk Down". Esta es su primera colaboración con el director Ridley Scott. En los últimos 30 años, Yitzhak ha completado casi 40 películas, incluidas "La doble vida de Verónica" de Kielovsky y "Rojo, blanco y azul: azul", así como "Prueba de vida" y "El último septiembre".
Yitzhak tuvo tiempo suficiente para probar la cámara y planificar el esquema visual de la película. Sin embargo, se considera que se acorta el tiempo de comunicación con el director en la etapa inicial. ? Ridley estaba ocupado editando "Hannibal" y no tenía mucho tiempo para hacer el trabajo de preproducción. ? "Envié por fax algunos de mis pensamientos e ideas, pero realmente no tuve tiempo para sentarme y hablar de ello", recordó el fotógrafo. ?
? En Polonia, la situación de los fotógrafos es muy diferente a la de Estados Unidos. Un director de fotografía suele ser una persona empleada por el director y es en gran medida responsable del carácter artístico de la película. En Estados Unidos, el artista es la primera persona firmada durante la preproducción. Aunque teóricamente se sabe que un fotógrafo trabajará en el set todos los días y colaborará con diferentes directores y actores, sus responsabilidades en el set son obviamente más importantes. ?
Yitzhak reconoció que Scott era conocido por su claridad sobre los elementos visuales que realmente quería, por lo que desde su perspectiva (la de Scott), la discusión previa parecía innecesaria. Las pruebas preliminares del fotógrafo se centraron principalmente en el control del color de sus planos. ? Ridley aceptó rápidamente las sugerencias, por lo que no perdimos tiempo discutiendo guiones y teoría antes de comenzar a trabajar. ?
Como en sus trabajos anteriores, uno de los mayores logros de Yitzhak reside en su uso atrevido e inesperado del color. ? Creo que el color es uno de los medios mediante el cual los directores de fotografía pueden acercarse al subconsciente del público. Él dijo,? Como fotógrafos, todos disparamos con la misma película y el espectador ve miles de atardeceres, desiertos y colores de ciudades similares. Uno de los propósitos de ir al cine es ver algo diferente, o experimentar algo diferente a nuestra televisión y nuestra vida diaria. El uso de colores nuevos o existentes le dará una nueva apariencia al mundo de la pantalla típico. ?
? Ridley mencionaba a menudo que la película iba a hacer que los espectadores se sintieran mal del estómago. Intenté encontrar una tendencia a vomitar, si se me permite decirlo. ? El camarógrafo dijo con humor que, aparte de los chistes, en la película hay muchos verdes, naranjas y algunos azules descoloridos. La elección del color tiene dos propósitos. En primer lugar, ayuda al público a distinguir los diferentes colores de la pantalla: los cuarteles son de un solo color verde, la batalla de la ciudad es de color amarillo verdoso y el centro de mando tiene un monitor azul. ?
El color también aporta autenticidad a los elementos visuales. Por ejemplo, por la noche, la razón por la que uso el verde es porque no quiero que el verde de las gafas de visión nocturna de los soldados cree un gran contraste con la atmósfera del entorno. Una escena nocturna azul no solo hará que la escena parezca demasiado dominante, sino que también hará que el público sienta que la conoce desde hace mucho tiempo (una convención común del blues nocturno). 2. ¿Una especie de noticia de CNN? Las escenas nocturnas de televisión (noticias) suelen ser verdes (debido al uso de cámaras infrarrojas de visión nocturna), por lo que asociamos automáticamente dichos colores con eventos reales. ?
Otro aspecto destacable del trabajo de Yitzhak es el uso de filtros de color. ? Llevo años fabricando mis propios filtros de película. Su propósito no es sólo dirigir la mirada del espectador hacia un determinado aspecto de la pantalla. ? Mencionó,? Diferentes filtros desempeñan diferentes funciones. Es una herramienta poderosa para mí para mantener la unidad visual de mis escenas. Cada herramienta en manos de los fotógrafos nos ofrece la oportunidad de innovar más allá de los productos estándar industrializados.
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Para crear una atmósfera caótica e inquietante en "Black Hawk Down", Yitzhak eligió varias películas. Para escenas al aire libre, elige principalmente películas Kodak VISION 250D y EXR 50D y, a veces, cambia a EXR 100T. Elijo mi película en función de las condiciones climáticas y su correspondencia con los filtros de color y las luces. ? Para escenas nocturnas, utilizó Vision 500T y 320T.
En el lugar del rodaje, Yitzhak utilizó cámaras MOVIECAM y objetivos Zeiss UP. ? ¿Trabajo principalmente con fotografía MOVIECAM y SL? Él dijo,? En Black Hawk Down, el tamaño de la cámara y la maniobrabilidad fueron muy importantes, y MOVIECAM funcionó excepcionalmente bien en diferentes escenas. Utilicé una cámara ARRI 435 en algunas tomas de alta velocidad y una cámara ARRI 2c en situaciones con mucha gente. ?
? Inmediatamente descubrimos el poder del zoom en una película tan trepidante. A menudo tenemos que reaccionar instintivamente, por eso, además de un juego de lentes ULTRA PRIMES, también preparé un lente zoom ANGENIEU HR 25-350. ? añadió.
Black Hawk Down contiene la escena de batalla más larga e intensa de la historia del cine. Entre los muchos actores, batallas y explosiones, es fácil perderse en la geografía y el vestuario (similares). Pero el fotógrafo no ve esto como una desventaja. ? Aparte del uso sugerente del color, siento que una de las mayores cualidades de esta película es nuestra sensación de pérdida y confusión. ?
¿Señaló? ¿Es esto lo que diferencia a esta película de otras películas de guerra? Los protagonistas (en esas películas) son fáciles de identificar, y los altibajos entre enemigos y amigos son todos artificiales. En "Black Hawk Down", no sabemos quién es quién, pero siento que eso le da autenticidad y aventura a la película. ?
Manipular diferentes niveles de caos organizado (escenarios) es totalmente asombroso en otro nivel. La presión logística que supone rodar una escena de batalla tan larga es inimaginable. ? Cuando establecemos estándares de tiro, el primer estándar es que no existen estándares. ? ¿Isaac recordó? En lugar de ello, combinamos una amplia gama de métodos de trabajo. Básicamente no tenemos la historia completa del calendario de rodaje. Filmamos de la manera más intensa y agresiva posible. El enfoque de Ridley es lograr el fin por cualquier medio necesario. ?
? Decidimos filmar muchas escenas de lucha primero, por lo que básicamente no hubo necesidad de diseñar una toma específica. Entonces utilizamos una cámara de 14 pulgadas para filmar la batalla. En todo momento tenía siete cámaras pertenecientes al primer grupo, cinco cámaras pertenecientes al segundo grupo y dos cámaras WESCAMS en el helicóptero, operadas por el gran fotógrafo aéreo John Marzano. Pronto nos dividimos en pequeños grupos para filmar escenas de acción más detalladas. ?
Con tantas cámaras y equipos de rodaje trabajando al mismo tiempo, controlar la atmósfera general de la película se ha convertido en un problema técnico importante para el fotógrafo.
? Lógicamente, una cuestión muy importante es cómo controlar la textura de la luz cuando dura tanto tiempo. ? Él dijo,? A menudo nos enfrentamos a la luz solar intensa y a las sombras intensas, así como a la dramática pérdida de contraste por la tarde. Ridley resolvió el problema cambiando rápidamente el plan de rodaje para aprovechar la urgente necesidad de ajustar la iluminación. ¿Pronto descubrimos que una película como esta era aún más imposible de hacer? ¿Ambiente de densidad? ¿Pasa ser una película? ¿Tiempo semireal? Lo que se necesita para la estructura. Resolvimos el problema de la densidad de la atmósfera. ¿Pasa el tiempo? El método para conseguir el efecto es ajustar el color durante el disparo y el post-ajuste, es decir, intentar cambiar la luz para satisfacer nuestras necesidades.
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