¿Qué es la fotografía humanista?
El humanismo se refiere a diversos fenómenos culturales en la sociedad humana.
La fotografía humanística, como su nombre indica, toma como tema de fotografía a personas o actividades humanas.
Actualmente, este término se utiliza habitualmente en actividades de fotografía artística. La fotografía humanista obviamente se refiere a obras que pueden reflejar el contenido avanzado, excelente y saludable de la cultura humana. Estas obras pueden tocar los corazones de los lectores, permitiéndoles resonar con los autores en amor, cuidado y reverencia.
Fotografía de naturaleza muerta
La fotografía de naturaleza muerta, en comparación con la fotografía de retrato y la fotografía de paisaje, captura objetos inanimados (este concepto de inanimado es relativo, como peces capturados en el mar, camarones, recogidos frutas, etc.) y objetos artificiales que se pueden mover o combinar libremente se utilizan como objetos de expresión. La mayoría de los temas son productos industriales o hechos a mano, objetos naturales inanimados, etc.
Sobre la base de reflejar verdaderamente las características inherentes del tema, a través de la concepción creativa y combinando composición, luz, tono, color y otras técnicas fotográficas, el tema se presentará como una obra fotográfica con belleza artística. Esto se llama fotografía de naturaleza muerta.
La fotografía de bodegones tiene un mundo amplio en cuanto a selección de materiales. Después de seleccionar los materiales, podemos manejar estos objetos a voluntad, porque los objetos son inanimados y se pueden mover en múltiples ángulos para lograr intenciones creativas. La fotografía de naturaleza muerta tiene dos beneficios: primero, es un proceso cada vez más profundo para comprender mejor la visión artística.
Cuando se toman fotografías fascinantes de objetos comunes, en realidad es un proceso de estudio y observación en profundidad de estos objetos. En segundo lugar, puedes adquirir conocimientos fotográficos más prácticos fotografiando naturalezas muertas. Para los fotógrafos, la dificultad de la fotografía de naturaleza muerta radica en su composición única.
Al organizar los sujetos, asegúrese de elegir un buen ángulo de disparo, sea creativo en la iluminación y luego aplique los conocimientos prácticos de fotografía y los principios básicos que aprendió de la fotografía de naturaleza muerta a su fotografía diaria.
Fotografía de retrato
La fotografía de retrato es diferente de la fotografía de retrato ordinaria: la fotografía de retrato toma la descripción y expresión de la apariencia y expresión específicas del sujeto como su principal tarea creativa. Aunque algunos trabajos de fotografía de retrato también contienen una trama determinada, todavía muestran principalmente la apariencia del sujeto. Un número considerable de trabajos de fotografía de retrato solo ilustran la imagen del sujeto sin una trama específica.
La fotografía de personas se centra en los eventos y actividades en las que participa el sujeto. Su tarea principal es expresar la trama específica, en lugar de utilizar imágenes vívidas para expresar la apariencia y el comportamiento del sujeto. La diferencia importante entre los dos es si la apariencia del personaje se describe en detalle.
Ya sea una sola persona o un grupo de personas, ya sea capturado en una escena o posado en un estudio fotográfico, ya sea una trama o no, siempre que muestre principalmente la apariencia específica. y estado mental del sujeto, pertenece al ámbito de la fotografía de retrato.
Aquellos trabajos fotográficos que muestran principalmente las actividades y tramas de personajes y reflejan una determinada temática de la vida, pero la apariencia del sujeto no es muy destacada, ya sea un primer plano o un cuerpo completo, Sólo puede pertenecer a la categoría de fotografía de retrato.
Por supuesto, en un sentido amplio, la fotografía de retrato trata de personas y también pertenece a la fotografía de personas. La fotografía de retrato toma la descripción y descripción de la apariencia y el comportamiento del sujeto como su tarea expresiva. Los personajes deben tener una apariencia distintiva. Se puede dividir en tres categorías: fotografía de retratos en interiores, retratos en interiores en entornos específicos y retratos en exteriores. La fotografía de retrato requiere tanto forma como espíritu.
Fotografía documental
La fotografía documental se refiere a la fotografía que tiene como objetivo principal registrar y reflejar la verdadera imagen de las cosas objetivas.
La fotografía nació para grabar. Su poderosa vitalidad tras su nacimiento reside precisamente en su función registradora. Esto es incomparable o irremplazable por otras tecnologías o artes.
Entonces, a grandes rasgos, la fotografía es registro. El resultado de la fotografía documental es un trabajo de documentación de imágenes. En consecuencia, las obras en vídeo incluyen obras en vídeo de noticias y obras en vídeo documental.
El propósito de la fotografía (quizás no el único, pero sí el principal) es registrar; la premisa es respetar la realidad objetiva; el objeto es la representación de cosas objetivas; el método de grabación es reproducir; La imagen a través de la fotografía. Según las diferentes formas de registrar imágenes y los diferentes valores que se persiguen, la fotografía documental se puede dividir en fotografía periodística y fotografía documental.
Fotografía artística
Con el desarrollo de los tiempos, la gente continúa agregando elementos artísticos a la fotografía y comienza a producir fotografías artísticas. La diferencia entre esta y la fotografía documental radica en el nivel artístico, pero no existe un límite absoluto.
Por ejemplo, nos hacemos una foto como documento de identidad, o como recuerdo. Generalmente, las fotografías tomadas en estudios fotográficos tienen como máximo algo de información o valor récord. Sin embargo, 50 años después, el retrato que tomó el Sr. Zheng Jingkang del Sr. Qi Baishi sigue siendo uno de los 20 mejores retratos del mundo. La diferencia es enteramente a nivel artístico.
El efecto de la fotografía artística es más bello, porque requiere no sólo de tecnología, sino también del momento, lugar y ángulo de toma.
Fotografía
La fotografía de retrato siempre ha sido una forma importante de fotografía de retrato con su hermoso lenguaje fotográfico y su hermosa connotación de diseño.
En la segunda mitad del siglo XIX, el fotógrafo británico Landa tomó fotografías de dos caminos de la vida y una vez predijo que "una nueva era de la fotografía está llegando". En una época en la que la fotografía todavía era menospreciada, esta obra fue muy elogiada por la reina Victoria por su inspirador tema y composición. Se puede decir que la Universidad de Lanzhou ha contribuido mucho al desarrollo de la fotografía.
Desde entonces, la fotografía fotográfica se ha ido convirtiendo poco a poco en un género fotográfico importante.
Fotografía Comercial
La fotografía comercial, como su nombre indica, se refiere a las actividades fotográficas realizadas con fines comerciales. En sentido estricto, es fotografía comercial y, en sentido amplio, es un tipo de fotografía para lanzar productos o escribir historias. Este tipo es sumamente importante en las actividades fotográficas actuales.
Este tipo de fotografía existe para intereses comerciales. Se realiza de acuerdo con los requisitos de la empresa y existen relativamente muchas restricciones.
Fotografía con tinta
Al igual que las pinturas con tinta tradicionales, las obras de fotografía con tinta actualmente en el mercado se pueden dividir en paisajes, flores y pájaros, y concepción artística según sus temáticas, que corresponden a las pinturas de paisajes, flores y pájaros en la pintura tradicional china; según la técnica y la concepción artística, se puede dividir en abstracta y concreta, correspondiente a la pincelada a mano alzada y la pincelada fina de la pintura china.
Aunque es inevitable utilizar software como Photoshop para el posprocesamiento de fotografías fotográficas con tinta, esto no significa que las fotografías originales puedan distorsionarse a voluntad. Una buena fotografía con tinta debe modificar la foto original lo menos posible. También pone a prueba la composición y la capacidad del fotógrafo para capturar luces y sombras.
Holografía
La holografía se refiere a una nueva tecnología fotográfica que registra toda la información sobre la amplitud y fase de las ondas reflejadas del objeto. La fotografía ordinaria registra la distribución de la intensidad de la luz en la superficie de un objeto, pero no puede registrar la información de fase de la luz reflejada del objeto, por lo que se pierde el efecto tridimensional.
La holografía utiliza el láser como fuente de iluminación y divide la luz emitida por la fuente de luz en dos haces, un haz se dirige a la placa fotosensible y el otro haz es reflejado por el sujeto y luego disparado hacia el. placa fotosensible. Cuando el ojo humano mira directamente a esta película fotosensible, sólo puede ver franjas de interferencia como huellas dactilares. Sin embargo, si se irradia con láser, el ojo humano puede ver la imagen tridimensional del sujeto original a través de la película.
Incluso si sólo queda una pequeña parte de la imagen holográfica, aún puede reproducir la escena completa. La holografía se puede utilizar en muchos aspectos de la industria, como pruebas no destructivas, holografía ultrasónica, microscopios holográficos, almacenamiento holográfico, películas y televisión holográficas, etc.
Géneros de fotografía:
1. Fotografía de pintura
La fotografía de pintura es un género artístico popular en el campo de la fotografía a principios del siglo XX y se originó en Inglaterra a mediados del siglo XIX.
Los fotógrafos de esta escuela persiguen el efecto de la pintura o el ámbito de la "poesía y la pintura" en sus creaciones. Ha pasado por tres etapas: la etapa de imitación; la etapa de defensa de la elegancia y la etapa artística;
El pintor propuso que "debería haber un Rafael de la fotografía y un Tiziano de la fotografía".
La pintura y la fotografía han atravesado un largo período de desarrollo. El primer fotógrafo pictórico fue el pintor británico Shiloh (1802-1870). Se especializa en fotografía de retratos y sus obras tienen estructuras rigurosas y formas elegantes. De 1851 a 1853
fue el período de crecimiento de la fotografía pictórica.
En 1869, el fotógrafo británico HP Robinson (1830-1901) publicó un libro sobre el efecto pintoresco de la fotografía.
Propuso: "Un fotógrafo debe tener ricas emociones y un profundo conocimiento artístico para convertirse en un excelente fotógrafo.
No hay duda de que la mejora continua y la invención continua de la fotografía inspiran objetivos más elevados, porque la fotografía en sí, por muy refinada y completa que sea, es sólo un medio para alcanzar un objetivo superior: “Proporciona la base teórica para la escuela.
En 1857, Og Leland (1813-1875) creó una obra de estilo renacentista compuesta por más de 30 negativos: Two Ways of Life, que marca la madurez del arte de la pintura y la fotografía.
La mayoría de las obras de este período están llenas de tintes religiosos y contienen ciertas metáforas. Al disparar, haga un boceto con anticipación, luego organice y arregle la escena con modelos y accesorios, y procese en el cuarto oscuro. Persiga el efecto pictórico de la pantalla fotográfica.
Posteriormente, el contenido de la fotografía pictórica se ha ampliado, pero el estilo aún aboga por el clasicismo, y la forma y la composición aún siguen reglas académicas, por lo que es implícita, tranquila y elegante.
Cuando la escuela llegó a la etapa de pintura, todavía se caracterizaba por la búsqueda de la belleza emocional, la concepción artística y la belleza formal.
Porque el pintor enfatiza los logros artísticos: "Para que la fotografía tenga un lugar en el arte, los fotógrafos primero deben cultivar la capacidad estética y los logros artísticos. Por lo tanto, su contribución histórica es transformar la fotografía de lo mecánico original". Los objetos de imitación fueron orientados al campo de las artes plásticas e impulsaron el desarrollo del arte fotográfico.
Debido a que la creación de pinturas está mayoritariamente divorciada de la vida real, el equipo fotográfico es cada vez más perfecto y los gustos estéticos de las personas también se desarrollan constantemente y se ven afectados por el "naturalismo". A pesar de esto, todavía hoy ocupa un lugar en el panteón del arte fotográfico.
Los principales fotógrafos y obras de este género incluyen: Banquet de Baron Pledge (?-1896), Robinson Crusoe y la escena de la pagoda de Robin Hood "When the Day is Ended", "Autumn", "Two"; Little Girls", "Dying Time", "Juliet with the Poison Bottle", "Dawn and Sunset";
Leyland Baptist, Covenant Asaka, Effie, Chiefs of Virginia, Judith y Holofernes; Mrs. Cameron (1815-1897) Thomas Carlyle y Nida (1820-1910) en su lecho de muerte.
2. Fotografía Impresionista
Del 65438 al 0899 se celebró en Inglaterra la primera exposición de pintura impresionista francesa. Bajo la influencia del pintor Robinson, propuso el estándar estético de que "la fotografía con teclas suaves es más hermosa que la fotografía con teclas suaves" y abogó por la fotografía con teclas suaves. Este género es el reflejo del Impresionismo en la pintura en el campo de la fotografía.
Al principio, filmaron con lentes de enfoque suave, reveladas e impresas en papel tejido, persiguiendo un efecto de expresión artística vaga. Con la aparición del "método de revelado con bromuro de plata" y el método de revelado en papel en el que los pigmentos se mezclaban con pegamento dicromato, las obras impresionistas evolucionaron desde el control de las imágenes con lentes hasta el procesamiento en el cuarto oscuro.
Propusieron que "la obra no debería parecerse en nada a una fotografía" y "si no hay pintura, no hay fotografía real".
Bajo la guía de esta teoría, el Los fotógrafos impresionistas también utilizo pinceles, lápices y borradores para procesar las imágenes, cambiando deliberadamente mis cambios originales de luz y oscuridad y persiguiendo el efecto de "pintura". Por ejemplo, "Park Sweeper" de La Croix de 1900 es como un dibujo al carboncillo sobre lienzo.
Los fotógrafos impresionistas perdieron por completo las características de su propio arte fotográfico, por lo que algunos los llaman "imitacionistas". Se puede decir que es una rama de la pintura y la fotografía.
El arte de este género se caracteriza por tonos oscuros, líneas de sombra ásperas, decoración rica, pero falta de espacio. Sus fotógrafos famosos son Dumas (?-1937), Puyue (1857-1933), Qiu En (1866-1944) y Wattsek (1848-1903).
Los hermanos Hoffmeister (1868-1943; 1871-1937), Durkheim (1848-1965438), Evre (1874-1948) y Mizon.
3. Fotografía realista
La fotografía realista es un género fotográfico con una larga historia que continúa hasta el día de hoy y sigue siendo la base y el género principal de la fotografía.
Es la encarnación del método de creación realista en el campo del arte fotográfico.
Los fotógrafos de este género insisten en las características documentales de la fotografía en sus creaciones. En su opinión, la fotografía debería tener una lealtad "igual a la naturaleza misma". Sólo cuando cada detalle de la imagen tiene "precisión matemática" la obra puede ejercer un atractivo y una capacidad de persuasión que otros medios artísticos no pueden.
A. Stiglitz dijo una vez: "Nuestra misión es sólo hablar de lealtad".
Por otro lado, son tan fríos y puros como un espejo objetivo. Reflejan el objeto objetivamente. Aboga por que la creación debe ser selectiva y el artista debe tener su propio criterio estético sobre lo reflejado. El famoso fotógrafo realista Lewis Hayne dijo una vez un dicho tan famoso: "Quiero exponer lo que se debe corregir; al mismo tiempo, quiero reflexionar sobre lo que se debe elogiar".
Se puede ver Para ello, defendieron la idea de que el arte debería "reflejar la vida". Se atreven a afrontar la realidad y la mayoría de sus temas creativos están tomados de la vida social. El estilo artístico es simple y sin pretensiones, pero tiene un fuerte poder de testimonio e inspiración.
El primer pasatiempo de la fotografía realista fue el documental con colodión realizado por el fotógrafo británico Philip de la Motte en 1853. Más tarde vinieron las fotografías de guerra de Ross Fenton y las Maravillas de Yellowstone de William Jackson a finales de los años sesenta.
Después de 1870, la fotografía realista maduró gradualmente y comenzó a orientar su lente hacia la sociedad y la vida. Por ejemplo, el Dr. Barnardo, fotógrafo de la época, capturó la trágica situación de los niños de la calle, lo cual fue impactante.
Posteriormente, surgieron un gran número de fotógrafos realistas, y sus obras son conocidas por su fuerte autenticidad y profundidad en la historia de la fotografía. Por ejemplo, "The Coal Miners" del británico Brandt; "The Collaborative French Woman's Head Shaved and Parade" del estadounidense R. Capa; "Les Demoiselles" del francés Weiss, etc., son demasiado numerosos para mencionarlos.
4. Fotografía natural
En 1899, el fotógrafo Peter Henry Emerson publicó un artículo titulado "Fotografía naturalista" en respuesta a las debilidades de la creación pictórica, criticando el estilo pictórico de la fotografía. fotografía, que aboga por que los fotógrafos regresen a la naturaleza para encontrar inspiración creativa.
Él cree que la naturaleza es el punto de partida y el punto final del arte. Sólo el arte que está más cerca de la naturaleza y más parecido a la naturaleza es el arte más elevado. Dijo que ningún arte refleja la naturaleza de manera más precisa, meticulosa y fiel. que la fotografía. "Emocional y psicológicamente, el efecto de la afición a la fotografía reside en las escenas con lentes no modificadas grabadas en materiales fotosensibles."
Otro maestro de la escuela, A.L. Pacho, lo dijo más claramente: "El arte debe dejarse en manos de En lo que respecta a nuestra fotografía, no tenemos nada que depender del arte y debemos dedicarnos a la creación independiente."
Se puede ver que este concepto artístico es una reacción a la pintura, lo que lleva a la gente a la fotografía. se liberó de las limitaciones de la academia y promovió el pleno desarrollo de sus propias características.
Los temas creativos de esta escuela son principalmente paisajes naturales y vida social.
Porque la fotografía naturalista se contenta con describir la realidad superficial de la realidad y la realidad "absoluta" de los detalles, descuidando explorar la esencia de la realidad y refinar los objetos superficiales. En definitiva, no presta atención a la tipicidad de la creación artística y de las imágenes artísticas. Se trata, pues, esencialmente de una vulgarización del realismo. Esto a veces resulta en una distorsión de la realidad.
Los fotógrafos famosos de la escuela incluyen a Deveson (1856-1930), Wilkinson (1857-1921), Geer (?-1906), Scratcher (1856-?), Sutcliffe (1859-1940), etc.
5. Fotografía pura
La fotografía pura es un género de arte fotográfico que maduró a principios del siglo XX. Su fundador es el fotógrafo estadounidense Steve Grizzly (1864-1946).
Abogan por que la fotografía debe dar rienda suelta a sus propias características y expresiones, deshacerse de la influencia de la pintura y buscar los efectos estéticos únicos de la fotografía con tecnología fotográfica pura: alta definición, ricos niveles tonales, y cambios sutiles en luces y sombras, tonos blancos y negros puros, expresión de textura detallada y representación precisa de la imagen.
En resumen, esta escuela de fotógrafos persigue deliberadamente la llamada "calidad fotográfica": expresar de forma precisa, directa, sutil y natural la luz, el color, la línea, la forma, la textura y la calidad del sujeto. sin ayuda alguna. Otros medios de artes plásticas.
El "Looking Over New York" exhibido por la promoción de 1913 es una obra maestra puramente académica.
El fotógrafo contempla desde lo alto una plaza de Nueva York. Aunque no hay procesamiento ni decoración, la composición novedosa y la forma única son refrescantes. Otro ejemplo es Frank K Sandberg de E. Utilizó múltiples métodos de exposición para evitar las limitaciones de espacio y tiempo en una sola obra, y representó las transformaciones emocionales y los tonos del poeta en una imagen. Los cambios en combinación y composición son muy rítmicos.
Desde cierta perspectiva, algunos de los pensamientos y creaciones de los puristas son "híbridos" de formalismo y naturalismo, que luego evolucionaron hacia el "Nuevo Objetivismo". Sin embargo, este género ha impulsado en cierta medida la exploración e investigación de las personas sobre las características y técnicas de expresión de la fotografía.
Fotógrafos famosos de este género incluyen a Strand (1890-1976) y fotógrafos de la organización de fotografía grupal F64, como Adams y Cunningham.
Las obras posteriores de los puristas se desarrollaron hacia la abstracción de líneas, patrones e imágenes distorsionadas. Entre los fotógrafos influyentes se incluyen Yabo, Steiner, Steven y Evans.
6. Fotografía del Nuevo Objetivismo
La fotografía del Nuevo Objetivismo también se conoce como “fotografía dominante” y “fotografía del nuevo realismo”. Es un género artístico de fotografía que surgió en la década de 1920.
La característica artística de este género es buscar la "belleza" en las cosas ordinarias. A través de primeros planos, primeros planos y otros medios, el sujeto se "separa" del todo, se resalta un cierto detalle del sujeto y la estructura de su superficie se representa de manera precisa y verdadera, logrando así un efecto visual deslumbrante.
No cree que la esencia del arte resida en la naturaleza del objeto, por lo que su pensamiento estético pertenece al naturalismo. Por ejemplo, el fotógrafo Pacho utilizó una técnica de primer plano para tomar un primer plano del eje giratorio de la locomotora en 1923, mostrando el estado del eje giratorio de la locomotora mientras estaba en marcha. Dado que la imagen abandonó otros detalles, le dio a la audiencia. una fuerte impresión visual.
El pionero teórico del Nuevo Objetivismo es Strand, quien estipuló las características artísticas del Objetivismo de la siguiente manera: "El Nuevo Objetivismo es la esencia de la fotografía, y también es el producto y el límite de la fotografía". La fotografía "tiene un fuerte poder expresivo sobre la vida y requiere ojos para observar las cosas".
Por lo tanto, no se basa en procesos y métodos operativos superficiales, sino que debe utilizar la fotografía pura. Los pioneros de la fotografía del Nuevo Objetivismo fueron Atget y Steichen. El fundador actual es Pacho mencionado anteriormente.
El logro de los fotógrafos de la Nueva Objetividad es animar a las personas a estudiar y explorar las características de la fotografía en sí, y devolverla a la vida real desde el mundo ilusorio de la estética. Sin embargo, debido al énfasis excesivo en la descripción de la estructura superficial de los materiales detallados, sentó las bases para el germen de la fotografía abstracta posterior.
Hacia 1925, debido a la aparición de las pequeñas cámaras de gran diámetro, el campo de expresión del Nuevo Objetivismo experimentó nuevos desarrollos, produciendo numerosos retratos y obras que reflejaban la vida social y los paisajes naturales.
Los fotógrafos famosos del Nuevo Objetivismo incluyen a Sander (1876-1964), Laski (1871-1956) y Haig (1893-1955). ), Eft (1874-1948), Weston Adams (?-1902), etc.
7. Fotografía Surrealista
La fotografía surrealista es un género que surgió en el campo del arte fotográfico durante el declive del dadaísmo y surgió en la década de 1930.
Esta escuela tiene estrictos cursos y teorías de arte. Creen que utilizar métodos creativos realistas para expresar el mundo real es una tarea que los artistas clásicos ya han completado, mientras que la misión de los artistas modernos es explorar el nuevo e inexplorado "mundo espiritual" de la humanidad.
Por lo tanto, las actividades subconscientes de las personas, la inspiración accidental, la psicopatía y los sueños se han convertido en objetos de las expresiones deliberadas de los fotógrafos surrealistas.
El surrealismo en la fotografía, al igual que los fotógrafos dadaístas, utiliza tijeras, pasta y técnicas de cuarto oscuro como principales métodos de modelado para crear un hiperrealismo entre la realidad y la fantasía, lo concreto y lo abstracto. Entonces el efecto es extraño, absurdo y misterioso.
Los fundadores de este género son el fotógrafo británico Winston y el estadounidense Bruegel (1880-1945). El verdadero finalista es el fotógrafo escénico británico Marco Bean (1905-?). En sus propias creaciones, combina la realidad virtual "surrealista" con la realidad real para crear un mundo que es a la vez ilusorio y real.
Por ejemplo, su "Autorretrato de Marco Bean", creado en 1946, es una obra surrealista típica, realizada con cuatro exposiciones: una frontal, dos rostros y un ojo.
Fotógrafos famosos de este género incluyen al pintor Parhan, que trabajó con reflejos surrealistas; el fotógrafo humano deforme Brent; los fotógrafos de retratos y publicidad Carson, Blumenthal y Lowe, Halsman, Lai Yi, etc.
8. Fotografía abstracta
La fotografía abstracta es un género de arte fotográfico que surgió después de la Primera Guerra Mundial.
Esta escuela de fotógrafos niega que el arte plástico refleje la vida y exprese los sentimientos estéticos del artista a través de imágenes artísticas observables, y afirma que la fotografía debe “liberarse de la fotografía”.
Al principio, se utilizó el método de aumento sin fondo para omitir la textura detallada y los tonos ricos del "sujeto", y se hizo una "imagen de luz" que solo mostraba su forma.
Más tarde, se desarrolló el uso de la luz, la edición de reflejos o la exposición en el medio, o la agitación de la cámara al disparar para desenfocar la imagen del sujeto en la película, o la exposición repetida para hacerla doble. hasta que se cambia la superficie de la imagen. Estructura, cambiando la forma original y la estructura espacial del sujeto, tratando de utilizar el llamado "lenguaje abstracto absoluto" de forma, tono (color) y material.
Convierte el sujeto en una combinación irreconocible de líneas, puntos y formas.
Mostrar lo que los artistas de este género consideran el llamado mundo subconsciente más real y esencial del ser humano. En la obra, el objeto fotografiado es sólo una nota prestada por el artista para generar una "melodía" que expresa libremente su imaginación y personalidad.
El creador de la fotografía abstracta es Talbot (1800-1877). La imagen de la obra original aún mantiene cierto grado de reconocibilidad.
En 1917, los fotógrafos fueron entrenados (1882-?) para fotografiar "Bordeaux Illustrated" con aserrín y fragmentos de vidrio transparente, lo que era irreconocible. En 1922, el pintor abstracto húngaro Moholinaki (1895-?) se reunió con Man Rui (1890-?) y otros, y lo estableció teóricamente.
Posteriormente, los pintores abstractos Kandinsky y Koehler introdujeron la microfotografía y la fotografía de rayos X, que ampliaron enormemente el alcance de la fotografía abstracta, enriquecieron el lenguaje del arte fotográfico y establecieron su propio sistema artístico, popular en Europa y. América.
Además de los mencionados en el artículo, existen otros representantes de esta escuela, como Scott, Fenninger, Anzhen Rand, Freitai, Winkler, Gerry Mbot, Schade y Bruegel.
9. Fotografía comparable
La fotografía de campaña es la principal escuela de fotografía que surgió después de la Primera Guerra Mundial y se opuso a la fotografía de pintura.
Este grupo de fotógrafos aboga por respetar las características de la fotografía, enfatizando la realidad y la naturaleza, abogando por no manipular o interferir con el sujeto al disparar y abogando por captar el estado de ánimo momentáneo del sujeto en un estado natural.
El famoso fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson dijo: "Para mí, la fotografía consiste en registrar el significado de un evento y la forma organizativa precisa que puede expresarlo con precisión en un instante". de este género son objetivos, reales, naturales, amigables, casuales, sin pretensiones, vívidos y llenos de vida.
En cuanto a sus pensamientos estéticos y tendencias creativas, la situación de los fotógrafos de la escuela "Kan" es más complicada. Aunque todos abogan por la expresión de la naturaleza humana y la mayoría se dedica al fotoperiodismo, también los hay naturalistas y realistas.
La obra que dio origen a este género fue "Invierno en la Quinta Calle, Nueva York" del fotógrafo Alfred Stieglitz en 1893. Fue el fotógrafo alemán Ehrlich quien realmente la completó. Su fotografía de una reunión política romana con una pequeña cámara al final de una reunión nocturna entre los primeros ministros alemán y francés se ha convertido en un clásico en la historia de este género fotográfico por su viveza, autenticidad, sencillez y naturalidad.
En estética fotográfica creen que "una fotografía basada en las características básicas de la fotografía no puede ser imitada por un pintor o grabador. Tiene su propio yo inseparable, su propio poder expresivo especial e incluso otras características". que no puede ser expresado por el medio”.
En segundo lugar, para la realización de cosas objetivas, valoran y enfatizan la originalidad, creyendo: "(Los fotógrafos deben usar) sus propios ojos para ver el mundo, no a través de los ojos de otras personas, y esto es lo que distingue a las fotos". El estándar de mediocridad o brillantez, valioso o inútil"
Fotógrafos famosos de esta escuela incluyen a Thomas Dow Weal Maiavoy de Estados Unidos; Celit Modal del Reino Unido; Francia. Victor Hofmann; Louis Dahl Wolff, Peter Stackpear Bruwich y muchos más.
10. Fotografía "Dadaísmo"
El dadaísmo es una corriente literaria que surgió en Europa durante la Primera Guerra Mundial. "Dada" era originalmente una palabra infantil francesa incoherente para "pony" o "caballo de juguete".
Los artistas dadaístas negaban la racionalidad y la cultura tradicional en sus creaciones, declaraban que el arte estaba desconectado de la estética, abogaban por "abandonar la pintura y todas las exigencias estéticas" y abogaban por la nada. Esto convertía sus creaciones casi en una broma. por eso la gente consideraba que este movimiento artístico se llama "dadaísmo".
Debido a que la fotografía dadaísta no cumplía con los gustos y requisitos estéticos comunes de la gente, a partir de 1924, fue impactada gradualmente por la escuela de arte surrealista con sus tofu y planes artísticos claros y completos. Pero su influencia todavía puede verse en el arte fotográfico modernista posterior.
Fotógrafos dadaístas famosos incluyen a Philippe Halsman, Morgan, László Molina von Jingen y Listerski.
11. Fotografía subjetiva
La fotografía subjetiva es un género artístico fotográfico formado después de la Segunda Guerra Mundial. Es más "abstracto" que la fotografía abstracta, por eso también se le llama "post-. escuela de guerra." ".
Es el reflejo de la filosofía existencial en el ámbito de la fotografía. Su fundador es el fotógrafo alemán Ot Steiner. Él cree que "la fotografía es un campo amplio que tiene la capacidad de desempeñar su propio papel y también tiene un alto grado de iniciativa subjetiva.
Pero ahora se ha convertido en una especie de realismo mecánico. Así que él Propuso el concepto de "fotografía" La propuesta artística de "subjetivización del arte". Se defiende firmemente que lo último del arte fotográfico debería ser recordar a los fotógrafos sus propias ideas vagas y expresar sus inefables estados internos y actividades subconscientes. es fotografía personalizada y personalizada.
Este es el programa de arte de esta escuela. Los artistas de fotografía subjetiva ponen gran énfasis en su propia individualidad creativa y desafían todas las reglas artísticas y estándares estéticos existentes. que "la fotografía subjetiva no es sólo un experimento. El arte de la imagen es un arte creativo libre y sin restricciones". "Podemos utilizar la tecnología para crear fotografías a voluntad". ”
La evolución de la fotografía corporal occidental En la historia del arte mundial, hubo un período glorioso del arte corporal durante el Renacimiento en Grecia y Europa. Después de reproducir inicialmente la realidad objetiva con expresiones artísticas impactantes, tuvo un impacto. espíritu de exploración y los fotógrafos creativos comenzaron a lograr avances en el campo de la fotografía humana.
En 1857, el fotógrafo sueco Radhalan, que más tarde vivió en Inglaterra, tomó fotografías de dos caminos de la vida, que se pueden llamar. Un hito en la historia de la fotografía. Esta imagen tiene una trama rica, muchas escenas y utiliza una gran cantidad de obras humanas. El tema es observar el bien y castigar el mal, con el foco en los dos grupos de personajes de ambos lados. que encarna dos conceptos morales, ideales de vida y procesos de vida diferentes.
Pero también ha sido atacado por algunas personas, diciendo que utiliza tantas mujeres desnudas, que las posturas son groseras y obscenas, y que es. Se puede ver que el arte corporal, por muy positivo que sea su significado ideológico, por muy inteligente que sea, será criticado y atacado por algunas personas, y esto probablemente se haya convertido en una respuesta rutinaria. /p>
La tendencia de desarrollo de la fotografía corporal occidental es muy obvia. Si bien la fotografía corporal tradicional convencional se está desarrollando, la expresión también es popular. Con fuertes sentimientos subjetivos y un lenguaje fotográfico moderno, crea obras de varios géneros y estilos, incluso mostrando. concepciones artísticas de deformación, corte, reorganización, misterio, absurdo y fealdad.
Por ejemplo, la fotografía corporal simbólica de Jerry Usman, la fotografía corporal aleatoria de Roger Martin, la fotografía corporal gigante original de Todd Walker, la fotografía corporal cortada y reconstruida de Robert Hennessy Chin y Kai Tak Su ·Okhama, la fotografía corporal absurda de Lee, Ninda y la fotografía corporal sexy de Congrodonnie Mitchell.
Enciclopedia Baidu: Fotografía