¿Cuándo alcanzó la saturación la evolución del arte occidental?
Desde la perspectiva del desarrollo del arte mundial, la tendencia general de la evolución del estilo es siempre introducir lo viejo y sacar a relucir lo nuevo, y transformarse constantemente en lo contrario. El arte de todas las naciones y épocas se ha desarrollado desde la creación inicial hasta la perfección y ha seguido el ritmo de los tiempos. Sin embargo, el mayor cambio de estilo existe entre el arte figurativo y el arte abstracto. Los grandes cambios en el arte occidental en el siglo XX son fundamentales. Los cambios han formado la oposición fundamental entre el arte abstracto (que a su vez se puede dividir en muchas escuelas) y el arte figurativo tradicional. En el desarrollo del arte mundial, este cambio de figurativo a abstracto o de abstracto a figurativo ha aparecido muchas veces, pero. Ninguno fue tan profundo, minucioso e impactante como éste en el siglo XX. Por un lado, puede estar relacionado con el hecho de que el arte moderno occidental se ha desarrollado plenamente dentro del ámbito de la representación.
Desde el Renacimiento hasta el siglo XIX, la evolución del arte occidental ha alcanzado la saturación en el ámbito de representación. La conversión de estilos opuestos se ha repetido muchas veces, el espacio para la innovación se ha hecho cada vez más pequeño. y las técnicas de expresión y el conocimiento histórico han sido incomparablemente ricos, por lo que la presión y el impulso para romper con los esquemas tradicionales del arte figurativo son mayores que nunca. Por otro lado, las enormes turbulencias y conmociones que la sociedad occidental enfrentó y experimentó repetidamente en el siglo XX fueron obviamente el telón de fondo de los grandes cambios en el arte...
Continuaron estallando crisis capitalistas que eventualmente llevaron a a dos guerras mundiales, y la humanidad sufrió. Ha habido un derramamiento de sangre sin precedentes durante años. La lucha de la clase trabajadora, el establecimiento y la desintegración de la Unión Soviética socialista y la Guerra Fría entre los dos campos han mantenido la psicología colectiva de la sociedad occidental en estado de shock; una variedad de emociones de rabia, pesimismo, prejuicios e ilusiones. Estas emociones son las más adecuadas y sólo pueden reflejarse y expresarse en la expresión subjetiva del arte abstracto.
Al mismo tiempo, el rápido desarrollo de la ciencia y la tecnología modernas también ha planteado desafíos al arte: la popularización de la fotografía, la promoción del cine y la televisión, la invención de nuevas tecnologías electrónicas, especialmente el rápido desarrollo. El uso de imágenes para registrar la vida y reflejar la realidad ha jugado un papel en muchos aspectos, obligando a los artistas a entrar en el ámbito de la abstracción subjetiva, donde la tecnología aún es difícil de intervenir, y competir con las imágenes tecnológicas. . Ya podemos ver este cambio del arte figurativo al abstracto en el arte impresionista y postimpresionista de finales del siglo XX. Su lema es: "En el pasado, la gente hablaba de la verdad, la bondad y la belleza, pero hoy sólo buscamos la verdad. Primero persiguieron la realidad de las impresiones y luego desarrollaron la exploración de la realidad de la abstracción, así lo hicieron Cézanne y Van Gogh". Son considerados los padres de la pintura moderna.
Cézanne rompió el cuerpo en pedazos y fue un precursor de diversas formas de cubismo abstracto del siglo XX. Van Gogh, por su parte, intentó tratar la pintura como una expresión subjetiva de uno mismo, lo que fue el origen de todo el expresionismo futuro, como su "Noche estrellada en el Ródano". Por tanto, aunque el género del arte abstracto en el siglo XX fue tan impactante como una inundación, desde la perspectiva de la evolución del estilo, esto era inevitable. No sólo son fáciles de entender, sino que también reflejan la vida moderna de forma abstracta, encarnando la sinceridad del arte y la simplicidad del estilo. En cierto sentido, la vida moderna dominada por la alta tecnología y el ritmo acelerado también requiere algo de arte abstracto que sea diferente del arte tradicional.
¿A principios del siglo XX, la primera escuela moderna famosa adquirió una imagen vívida y un nombre irónico? fauvismo. Era 1905, y en una exposición con muchos artistas jóvenes, las obras de la Nueva Escuela se hicieron populares, pero también hubo una imitación más tradicional del estilo renacentista. Un crítico malicioso elogió especialmente esta obra conservadora, considerando a su autor como el verdadero artista, e incluso dijo que era el único artista verdadero entre un grupo de bestias.
El uso de un grupo de bestias para atacar a los artistas de la nueva escuela mostró el odio del campo conservador y la opinión pública oficial hacia el arte de la nueva escuela en ese momento, pero el nombre se ha vuelto popular y los artistas de la nueva escuela son orgullosos de sí mismos como bestias. En cierto sentido, el espíritu del fauvismo también se concentra en esta palabra descabellada. Todos están deseosos de continuar la exploración iniciada por pioneros como Cézanne y Van Gogh, buscando expresiones artísticas subjetivas más audaces y salvajes. Entre los fauves, ¿su líder Henri? Henri Matisse (1869? 1954) era el mayor, con sólo 35 años en ese momento. La educación artística de Matisse todavía se encontraba principalmente en la tradición académica clásica. Cambió de rumbo bajo la influencia del postimpresionismo, pero siempre creyó que lo que soñaba era el equilibrio, la pureza y la claridad en el arte, por lo que su estilo personal era en realidad muy tranquilo. Considerarlo como el líder del fauvismo es un malentendido histórico.
Pero lo que perseguía era la tranquilidad y la pureza, pero admitió que enfatizó una palabra salvaje en la exploración de técnicas artísticas en ese momento, es decir, a través de la extrema simplicidad para lograr Yu Wenjing y un espejo claro, y este extremo Otra vez salvaje y abstracto. Por ejemplo, uno de sus cuadros de aquellos años, "Le bonheur de vivre" (Le bonheur de vivre), todavía tiene temas y significados clásicos, pero los personajes y el paisaje se simplifican a sólo un rastro de líneas y unos pocos colores grandes. que es mejor que el de Cézanne y Van Gogh. Sus obras dan un gran paso adelante en la abstracción.
Lo interesante es que la creación de Matisse siempre ha mantenido la característica de buscar la tranquilidad y la claridad con extrema sencillez. Su obra representativa "Dessert: Harmony of Red" se basa en el color rojo del mantel y las paredes. El rojo ocupa una gran proporción en la imagen cuando se combina con motivos florales azules, toda la pintura parece una especie de estilo oriental. (estilo abstracto para los occidentales) papel pintado y telas para cortinas.
Aunque hay dos sillas, botellas de agua, frutas, arreglos florales y una criada cargando un plato de frutas en el medio, y se puede ver un rincón del jardín fuera de la ventana, estas imágenes específicas son extremadamente simplificadas y diferentes de las mesas, sillas. y figuras de pinturas al óleo tradicionales occidentales. No importa.
Aquí podemos ver la dedicación y los esfuerzos de Matisse en el aprendizaje del arte oriental, y también podemos ver la agradable belleza de sus pinturas, como su "Ventana Azul". También enfatizó repetidamente que el arte se trata. hacer que la gente se sienta feliz y cómoda. Las obras de Matisse en sus últimos años alcanzaron lo último en tono puro y líneas concisas, como su "La breve Roumaine", que muestra que el arte abstracto no sólo tiene la necesidad de reflejar la vida moderna, sino que también tiene su propio alto grado de belleza. ¿Otro famoso representante del fauvismo, George? ¿Luo (1871? 1958) vino del otro extremo opuesto a la quietud de Matisse? Los aspectos salvajes y accidentados muestran características salvajes.
La "Cabeza de Jesús" de Luo está pintada con pinceles y tiene colores fuertes. Aunque se pueden ver los ojos y las narices de las figuras, todo está envuelto en el caos de las hojas barridas por el viento. Y este fervor es profundamente conmovedor, del mismo modo que los patrones abstractos de las catacumbas paleocristianas son más poderosos que las estatuas clásicas habituales sobre el suelo. La obra maestra de Luo, "El viejo rey", tiene los misteriosos efectos de luz, sombra y color de las vidrieras de una iglesia gótica medieval.
Curiosamente, este tipo de vidrieras también es un importante representante del arte abstracto medieval. El amor de Luo por este arte está relacionado con su aprendizaje en el taller de vidrieras de una iglesia cuando era joven, pero es más importante. Lo único es que, aunque este estilo abstracto pertenece al pasado, está en consonancia con la moda de la nueva era que viven los artistas, así como Matisse admiraba el arte oriental y valoraba su espíritu abstracto. En esta pintura del viejo rey, Luo lo pintó con cabello negro y ojos grandes. Prestó atención a representar no su vejez, sino el desahogo de algunas emociones modernas de depresión, ira e impotencia.
Así que no busca la forma, sino que sólo utiliza líneas gruesas y tinta pesada para delinear el contorno, y utiliza colores planos y gruesos para expresar el cuerpo. Incluso dibujó deliberadamente la cabeza del viejo rey con sus manos pequeñas, pero dibujó los brazos detrás de los hombros, en el lado estricto. Debajo de la enorme y áspera cabeza, todo lo que vio fue un cofre torpe y un grueso contorno negro corriendo desenfrenadamente, sin sentido del ritmo, lo que parecía implicar la contradicción entre los sinceros pensamientos religiosos del artista de salvar el mundo y la fea realidad. Esto resultó en dudas a la hora de pintar con pluma y tinta. Aunque el arte de escuelas como Matisse y Luo es salvaje, conserva una cierta representación de las personas y el medio ambiente, y es menos extremo y abstracto, por lo que sus pinturas son adecuadas para un público más amplio. También son los que más artistas pertenecen a esta escuela, algunos utilizan colores fuertes para pintar sus paisajes abstractos, y otros utilizan líneas gruesas para dar forma a sus figuras abstractas. Cada uno tiene sus propias características y es espectacular.