La animación general es similar a la de Naruto. Prueba cómo hacerlo. Quiero pasos detallados.

La primera vez: los pasos previos al primer paso de las operaciones de preproducción.

Generalmente, antes de la llamada producción de animación, suele haber una breve (o algo dolorosa) operación de preproducción. Las operaciones de preproducción se refieren a los preparativos para iniciar la producción. Pero ¿qué pasa con el frente de preproducción?

Frente al sistema está la planificación.

Existen dos tipos de “planificación”. La primera es que en la reunión de planificación anual, el jefe de una empresa de animación o un productor en voz alta ve una animación o novela muy interesante y famosa y siente que hacer una animación debería ser bastante rentable, por lo que llama y pregunta al agente quién. representa este anime o novela para ver si se han vendido los derechos de producción de un anime. Si no, comienza a negociar derechos que son "a veces largos, a veces breves, a veces dolorosos, a veces placenteros". Si ves la palabra "original" al principio de una animación, probablemente pertenezca a este tipo.

El otro es un director o animador que trabaja para una empresa de animación. Debido a que no hicieron dibujos ni enviaron manuscritos a tiempo, pensaron que sería divertido hacer una animación, así que comenzaron a escribirla. propios planes y luego se los entregaban a sus jefes para que los revisaran. Afortunadamente, si el plan se lleva a cabo, el jefe o el productor buscarán financistas... ah, no, los patrocinadores se unirán para responder al gran plan. Si ve la palabra "proyecto original" al comienzo de una animación, probablemente pertenezca a este tipo.

Por favor, no preguntes qué hacer si la negociación falla o el plan falla. La respuesta es sencilla: si la negociación fracasa, busque el siguiente objetivo; si el plan fracasa, redacte otro plan.

La segunda vez: después de que la negociación sea exitosa o se apruebe el plan.

Hablemos primero del siguiente paso de la empresa de animación si se aprueba el plan original.

Las empresas de animación básicamente no tienen los fondos para producir obras de animación de forma independiente (ya sea TV u OVA), por lo que cuando una empresa de animación quiere crear obras originales, lo más importante es proponer un plan para el patrocinador (*1). Ver si está interesado en invertir. Si el patrocinador no está interesado en el nuevo plan de trabajo propuesto por la empresa de animación, o cree que el producto (*2) no tiene valor de mercado, entonces este plan nunca verá la luz al 100%.

En comparación con el caso original, la planificación de la animación de la obra original (*3) suele ser más fácil de conseguir a través de los patrocinadores. Debido a que el trabajo original básicamente tiene una base de clientes fija (*4), los patrocinadores están más seguros psicológicamente y más dispuestos a invertir en adaptar el trabajo original a la animación y vender productos relacionados para recuperar su inversión.

Entonces, ¿de qué forma se presenta este plan a los patrocinadores?

Las productoras estadounidenses primero harán películas piloto. La llamada película piloto se refiere a la esencia del cortometraje y es la principal arma de los patrocinadores para persuadir la inversión. Sin embargo, en Japón, las empresas de animación a menudo no tienen los fondos para producir películas piloto y suelen presentar propuestas o guiones a los patrocinadores en formato impreso. Por lo tanto, el guión podrá completarse antes del trabajo de preproducción. Porque cuanto más comprenda el patrocinador los "puntos interesantes" del trabajo original, más probabilidades habrá de impresionarlo y obtener fondos para la producción.

*1: Patrocinador-Patrocinador. Suele referirse a productoras de cine y televisión, como Bandai Vision, Pioneer LDC o Kind Record… etcétera. Tradicionalmente, las productoras de cine y televisión tienen que producir obras de animación, y las productoras de animación son simplemente subcontratistas. Las productoras de animación tomaron la iniciativa de ofrecer planes de financiación de la producción sólo en los últimos diez o veinte años.

*2. Mercancía: Es innegable que cualquier obra de cine y televisión de entretenimiento es una mercancía. No es difícil de entender si se miran las obras de animación o cinematográficas actualmente populares.

*3. Texto original: incluye cómics, videojuegos y novelas.

*4. Base de clientes: dibujantes populares, novelistas o entusiastas de los videojuegos.

Tercera vez: Cómo calcular los gastos de producción

Teóricamente, el procedimiento de cálculo es muy sencillo.

Supongamos que una empresa de cine y televisión estima que una obra de animación (un DVD de 30 minutos) puede vender 1.000 juegos, y luego supongamos que un DVD se vende por 4.000 yenes, 1.000 juegos x￥4.000 =￥4.000.000 juegos .

Los 4 millones de yenes son el coste de producción. Los fondos asignados al departamento de producción están todos incluidos en estos 4 millones de yenes. Por ejemplo, presentaremos directores de animación, estilistas de personajes, animadores de guiones gráficos, animadores de cámara principal, animadores de base, diseñadores musicales, editores de color, diseñadores de empaques, etc.

De esta forma calcular el coste se vuelve muy sencillo. Pero, de hecho, cómo estimar cuántos decorados puede vender una obra de animación depende de la experiencia en ventas del productor de cine y televisión, la popularidad del director de animación, el encanto del diseñador de personajes y la popularidad del actor de doblaje. Estos factores humanos dificultan la estimación de los costos de producción. Por ejemplo, cada película de animación dirigida por un director famoso establecerá un récord de taquilla para las películas japonesas y ganará premios en festivales de cine internacionales, por lo que los fondos de producción que le asignen los patrocinadores serán mucho más altos que para otras obras. Con suficientes fondos de producción, puede agregar más tomas, invitar a actores de doblaje (o actores) famosos y equipos de producción musical para aumentar la visibilidad del producto y el efecto publicitario. Si es un novato y no tiene "rendimiento", es posible que los fondos sean menores. Dado que la empresa de cine y televisión no tiene un punto de referencia con el que comparar (el desempeño de los recién llegados), será más cautelosa a la hora de invertir en este nuevo proyecto.

El cuarto paso: Tarea de preproducción 1: Guión (*1)

A partir de la imagen a continuación, hemos explicado a grandes rasgos varias cosas importantes antes de hacer la tarea en el paso anterior. . A partir de este punto comenzamos a explicar uno a uno el proceso de trabajo de preproducción. Como puedes ver, el primer paso y el más importante es "escribir el guión". Todo el diseño de personajes (*2), diseño mecánico (*3), diseño artístico (*4) y director deben componer las tomas según el guión. Por tanto, no importa qué tipo de planificación, el guión juega un papel muy importante en el proceso de producción.

Mencionamos por segunda vez que es posible que el guión se haya completado durante la etapa del proyecto. En ese caso, ¿se volverá a revisar el guión una vez aprobado el plan? Depende de las opiniones del productor y director. En la imagen de la izquierda, puedes ver los tres caracteres "Productor" (*5). Los productores son responsables del éxito o fracaso de una obra animada. Entonces, si el productor tiene un problema con el guión (no es lo suficientemente atractivo), el guionista (*6) modificará el guión. Por supuesto, si el director tiene opiniones sobre el guión y el productor está de acuerdo con la opinión del director, entonces las modificaciones al guión son inevitables. Además, aunque el director no esté de acuerdo con el guión preliminar y el productor crea que no es necesario modificarlo, el guión no será modificado.

Las empresas de animación general no tienen guionistas exclusivos y la mayoría invita a escritores independientes (algunos de estos escritores son SOHO y otros crean estudios con varios escritores de ideas afines, como los famosos estudios Orphy). para escribir el manuscrito. La razón por la que no se contratan escritores exclusivos es porque los guiones no son un departamento que se necesita durante todo el año. Entonces, si es necesario, simplemente firme un contrato de proyecto con el guionista. Sin embargo, algunas productoras de animación tradicionales con una larga trayectoria todavía tienen sus propios departamentos de redacción.

Escribir guiones no es una cuestión sencilla. A diferencia de una novela, todas las acciones y sentimientos de los personajes deben ser descritos en detalle por un espectador. Por ejemplo, un personaje está enojado. Debido a que cada uno está enojado de diferentes maneras, es necesario no sólo describir cómo está enojado, sino también describir sus acciones con gran detalle para ilustrar el carácter y las características del personaje (por ejemplo, Taro está furioso = Taro aprieta los puños y su los ojos se convierten en una línea, cómo el sudor gotea de la frente, cómo el fuego en la cabeza se enoja...). Y los buenos guionistas son raros.

Sección 5: Tarea de preproducción 2: Trabajo del director (*1)

El director es el líder de todo el equipo de producción de animación. No existe un punto de referencia determinado en la industria de la animación japonesa para juzgar las calificaciones de un director. Actualmente, todos los directores famosos tienen diferentes procesos para convertirse en director. Algunos de ellos cambiaron de carrera desde la industria cinematográfica, algunos comenzaron como animadores, algunos son guionistas y directores, y algunos son directores empezando desde cero. En términos generales, la mayoría de los directores en las primeras etapas de la animación comenzaron como gerentes de producción (*2) que han estado involucrados en la producción de animación durante muchos años y luego ascendieron a directores o cambiaron de carrera a la industria cinematográfica. Pero con el paso del tiempo, la mayoría de los directores de animación comenzaron como animadores. Lo bueno de ser director es que puedes decidir la dirección de tu trabajo. Pero como el director decide todo y el trabajo está ocupado, el éxito o el fracaso del trabajo depende del director. Por lo tanto, no todos los involucrados en la producción de animación aspiran en última instancia a ser directores. Sin embargo, para una persona que quiere ser director, no importa en qué tipo de trabajo empiece, no es difícil siempre que tenga determinación.

El siguiente es el contenido general del trabajo real de los directores:

1 Operaciones de preproducción:

* Completar el guión con el autor del guión y. productor.

*Tener reuniones con estilistas de personajes, estilistas mecánicos y diseñadores de arte para finalizar los casos de diseño.

*Perspectiva de producción (*3) (a veces producida por el asistente de dirección)

2 Durante el proceso de producción, discuta la dirección de producción de cada episodio con el asistente de dirección (*4. ).

3. Operaciones de postproducción:

*Edita la película con el editor

*Guía al actor de doblaje y al director de efectos de sonido para crear el efecto ideal.

*Síntesis de imagen y sonido.

4. Participar en todas las actividades publicitarias.

Pregunta: "¿Cuánta mano de obra y recursos materiales se necesitan para producir una animación?"

Respuesta: Una animación OVA simple de 26 minutos requiere al menos 150 personas. En cuanto a recursos materiales, presentaremos a los 150 miembros principales de producción uno por uno.

Ciclo seis: Tarea de preproducción tres: guiones gráficos (*1) y trabajos del asistente de dirección (*2)

La siguiente es la vista en perspectiva de Japón (en su mayoría mesas horizontales en Europa). y América, puedes echarle un vistazo en el proyecto "Animación" del sitio web estadounidense de Cartoon Network (Studio Tour). Una perspectiva es simplemente un "guión presentado como una imagen". El tiempo que tardas en dibujar una imagen reflejada depende de tu progreso. Se necesitan 3 semanas para completar un promedio de 26 minutos de animación. No es necesario dibujar los personajes correctamente en el dibujo en perspectiva, siempre que el personal de posproducción pueda entenderlo. Aun así, antes de que el artista original (*3) confíe en los guiones gráficos para dibujar correctamente las tomas requeridas por el asistente de dirección de cada episodio, el artista del guión gráfico aún necesita practicar el modelado de personajes de cada obra y comprender las características de la obra de antemano. .

Es común ver que el artista del storyboard y el asistente de dirección son la misma persona. La razón es sencilla. Porque el diseñador de los dibujos (artista del storyboard) suele ser la persona que mejor comprende los efectos y las magníficas dotes interpretativas necesarias en cada plano para resaltar mejor el encanto de la obra. Por lo tanto, los guiones gráficos suelen ser obra del asistente de dirección.

El subdirector básicamente comparte la carga del director.

Ya sea una serie OVA de varios episodios o una serie de animación para televisión de 26 episodios, es imposible que un director se ocupe de todos los detalles de producción. Entonces cada serie animada tiene un puesto de asistente de dirección que gestiona la producción de animación de cada episodio. La mayoría de los directores son responsables de los importantes primeros y últimos episodios. El contenido del trabajo del asistente de dirección es básicamente el mismo que el del director, excepto que no es responsable de los guiones de preproducción, los borradores de diseño y las actividades publicitarias de posproducción. Sin embargo, dado que el director es el comandante general de toda la obra, antes de que el asistente de dirección sea responsable de la producción de cada episodio, las escenas secundarias dibujadas por el asistente de dirección deben ser aprobadas por el director antes de que el trabajo pueda ser asignado oficialmente. al animador original para la producción.

Nota:

*1. Vista dividida: Inglés: Storyboard

*2. Asistente de dirección - Inglés: Asistente de dirección, Director del episodio Japonés: Ennshutu.

*3. Animador original-inglés: animador de fotogramas clave japonés: genga.

Séptimo Ciclo: Preproducción Tarea 4: Trabajo de Diseño de Personajes (*1) y Diseñador de Personajes (*2)

La animación es una actividad colectiva que requiere una estrecha colaboración. Por eso, además de un buen guión, un director experimentado y buenos trabajos son, por supuesto, factores importantes que la hacen más atractiva. Por primera vez en esta unidad, explicamos que existen dos tipos de obras de animación: obras originales y casos originales. Entonces los diseños de personajes son diferentes.

Cuando el manga original se adaptó a la animación, debido a que los personajes y el vestuario ya estaban finalizados, no fue necesario más diseño. Pero, ¿por qué cada animación original sigue marcada con "diseño de personaje original" y "diseñador de personaje de animación"? En primer lugar, los cómics son obras estáticas, debido a que el número de cuadrados es pequeño, las líneas y el vestuario de los personajes pueden ser más complicados para profundizar la belleza y la impresión de la obra. Sin embargo, al hacer animación, mantenerse fiel a las líneas de los personajes originales extenderá el tiempo de dibujo y de producción (y más dinero), por lo que es necesario simplificar las líneas de los personajes originales. En segundo lugar, los personajes de anime no tienen que estar coloreados ni tienen que conectar cada línea. Sin embargo, la animación requiere coloración, por lo que es necesario mejorar el modelado original del personaje y conectar todas las líneas para que el colorista (*3) pueda colorearlo. En tercer lugar, algunos personajes de anime originales no son adecuados para obras de anime. Por razones de eficiencia de producción, coloración, modelado de animación y otras razones, la animación original necesita contratar a un diseñador de personajes de animación.

El diseño de personajes para animación original es una tarea creativa y ardua. Cuando los casos de diseño de personajes originales fueron entregados al diseñador de personajes, solo eran instrucciones escritas y verbales del director (*4). Por lo tanto, el diseñador solo puede confiar en el guión y su propia capacidad de dibujo para diseñar personas de la nada que puedan complementar el encanto de la historia y dejar una profunda impresión en las personas. Además, también debemos considerar la cuestión de la eficiencia de la producción y no dibujar personajes con líneas demasiado complicadas. Por lo tanto, incluso los estilistas experimentados pueden tardar un poco (*5) en finalizar el estilo.

El diseño gráfico del trabajo de preproducción está completo (consulte el diseño gráfico que figura en el sitio web del proyecto Hades). Se entregará al artista original para que realice el trabajo de dibujo de cada toma. El diseño de un personaje se puede dividir en tres tipos: diseño de vestimenta, diseño de expresiones faciales y diseño de decoración local. Todos los diseños generalmente se dividen en expresiones frontales, laterales, posteriores y especiales (enojado, triste o sonriente, etc.) para que el artista original los simule.

¿Cómo convertirse en diseñador de personajes? Según el diseñador senior de AIC, "Es muy simple. ¡Sigue practicando dibujo!"... Bueno... no es tan simple. Para la misma persona, el estilo de pintura de cada uno es diferente, algunos son muy atractivos y otros pasan desapercibidos. Realmente se necesita práctica y perfeccionamiento todo el tiempo para lucir diferentes estilos, como dicen. Y el hecho de que un personaje femenino o simplemente un animal pueda dibujarse bien no necesariamente los convierte en diseñadores de personajes animados. Una condición importante para un diseñador de personajes es poder dibujar una amplia gama de personajes especificados en la obra. En otras palabras, la capacidad de dibujo del diseñador debe ser lo suficientemente flexible para cumplir con los requisitos de cada obra. Si puedes cumplir plenamente con los requisitos de la productora y los personajes originales que diseñas son lo suficientemente atractivos, puedes convertirte en un diseñador de personajes de animación llamativo.

La foto de arriba muestra las herramientas que necesita un diseñador de personajes. Una mesa de dibujo, un lápiz, una goma de borrar y una pila de papel blanco son el equipo más básico. Además, un espejo es imprescindible, porque a veces es necesario mirarse en el espejo para dibujar los movimientos y partes del personaje. Otros libros de referencia y herramientas de dibujo dependen completamente de las necesidades de cada diseñador de personajes y no se describirán en detalle aquí.

Nota:

*1. Estilista de personajes → Inglés: Diseño de personajes

*2. Estilista de personajes → Inglés: Diseñador de personajes

*3. Colorista → Artista inglés Japonés: Shi

*4. Según la experiencia del editor, los requisitos del director para el modelado de personajes no son muy claros, por ejemplo: “Este personaje debe ser tanto adulto como pequeño. El encanto de la niña es un poco lindo pero no demasiado lindo, eso es todo, aun así, los diseñadores más hábiles pueden dibujar la forma ideal

*5. Un diseñador rápido y bueno puede enviar el borrador básico para su revisión en una semana, mientras que un diseñador lento y bueno puede tardar más. El tiempo promedio de finalización es de un mes, pero depende completamente del caso de producción y no puede ser. comparado.

Octavo Ciclo: Preproducción Tarea 5: Diseño mecánico y trabajos de diseño de fondos

Hace muchos años, no había estilistas mecánicos dedicados. La mayoría están diseñados por diseñadores de personajes o animadores que son buenos con los motores. Desde "Space Battleship Yamato" hasta "Gundam", realmente nos hemos posicionado como diseñadores profesionales de plástico mecánico.

Los diseñadores mecánicos deben considerar muchos factores en la animación para diseñar el modelado mecánico requerido para cada animación. En primer lugar, normalmente hay que hacer muchos deberes para cumplir con los diversos requisitos de diseño que conlleva. En segundo lugar, se debe diseñar un modelo mecánico de una línea de producción "adecuada" teniendo en cuenta las fechas y cronogramas de producción. Las llamadas líneas "apropiadas" se deben a que si hay muchas líneas, aunque el robot o la nave espacial se vea bien, el animador tardará relativamente mucho en dibujar una toma. Pero si hay muy pocas líneas, el robot parecerá demasiado simple y le faltará coraje, por lo que es muy importante crear líneas adecuadas al diseñar. Al final, el estudio de cada mundo animado consiste en comprender y diseñar un guerrero mecánico o una nave espacial que pueda cumplir con los requisitos del director.

Para convertirte en estilista mecánico debes tener conocimientos de diseño industrial y ser muy aficionado a la maquinaria (como coches, motos, aviones, barcos… siempre que sean de metal).

Los diseñadores de fondos tienen una larga historia en comparación con el modelado mecánico. Ha habido diseñadores de fondos profesionales desde la era de los cómics en blanco y negro. Los diseñadores de fondos básicamente quieren dibujar "agradable, rápido y hermoso". Por eso vuelvo a ello una y otra vez en esta unidad. El tiempo de animación es limitado y no hay mucho tiempo para dibujar lentamente, por lo que los populares estudios de diseño de fondos artísticos profesionales se mueven rápidamente para cumplir con los plazos de entrega ajustados. ¿Cómo convertirse en diseñador de fondos? Esto es lo mismo que dar forma a personajes y estilistas mecánicos. Tienes que amar el dibujo y poder dibujar bien incluso estando acostado (un poco exagerado, pero el tiempo apremia en la industria de la animación y hay muy pocos diseñadores que puedan trabajar en cualquier momento pero son bastante populares). En cuanto a habilidades o herramientas,

Nota:

*1. Modelado mecánico→Inglés: Diseño mecánico

*2 Diseño de fondo→Inglés: Arte de fondo<. /p>

La novena vez

Tarea de preproducción 6: Diseño y distribución del color

Después de completar todo el modelado de personajes y el diseño del modelado mecánico, el director y el estilista deben Trabaje con el diseñador de color para finalizar el color del personaje (pelo, ropa para varias ocasiones o el color del caparazón del robot, etc.). El diseño de color debe coincidir con el tono de toda la obra (fondo y personalidad) a diseñar. El color del personaje. Una vez finalizado el borrador del color, los especificadores de color especifican tipos de color más detallados.

Hace muchos años, antes de que se utilizaran las computadoras para colorear, se usaban pinturas de acuarela para crear diseños de colores sobre papel blanco (en la foto de la izquierda). La mayoría de los colores de las pinturas de acuarela no los prepara la propia empresa de producción, sino que se diseñan en función de las tarjetas de colores y los tipos de colores ya preparados que proporciona la empresa de pinturas. La razón por la que no coloreo yo mismo es simple, porque después del diseño del color, un colorista todavía necesita colorear. Si te coloreas tú mismo, es difícil para un colorista nombrar el mismo color. Por supuesto, si el director lo solicita y los fondos lo permiten, la productora puede pedirle a la empresa de pintura que produzca los colores requeridos, los embotelle y los distribuya a los coloristas. Debido a que la empresa de pintura especifica el tipo de color antes del proceso de diseño del color, los diseñadores de color han servido como especificadores de color durante años. Y los colores de muchas animaciones tienen el mismo aspecto.

En la actualidad, el diseño del color de la animación y la distribución del color se completan mediante software (como se muestra a la derecha). El software utilizado por la empresa (¡animo y RETAS son software de animación populares en Japón! PRO) son diferentes. Siempre que sea un software de procesamiento de imágenes, se puede utilizar para el diseño de color. Cabe señalar que cada software procesa el color de diferentes maneras, por lo que se debe especificar el mismo software para la gradación de color cuando se entrega al colorista. Además, debido a la digitalización de los métodos de producción y la libertad de selección de colores, la gama de opciones de configuración de colores actuales se ha ampliado y se pueden configurar colores más refinados y diversos.

Tanto los diseñadores de color como los distribuidores de color comienzan como coloristas. Ascendido a diseñador de color o diseñador de color después de uno o dos años (dependiendo de las calificaciones individuales). La mayor diferencia entre los diseñadores de color y los especificadores de color es que los diseñadores de color sólo necesitan establecer el color básico (el color bajo la luz solar normal, como se muestra a la izquierda). El colorista también debe trabajar con el asistente de dirección para configurar en detalle las otras luces y colores necesarios para el episodio (anochecer, noche, luces especiales... etc.). ) Como el diseño del color y las especificaciones de color de la animación, se requiere conocimiento del procesamiento del color de imágenes. Debido a que la calidad de la imagen y los colores que muestra cada equipo fotográfico son diferentes, si no diseñamos y especificamos sin una comprensión integral, los colores que se muestran en la pantalla del televisor serán muy diferentes de los de la pantalla de la computadora, lo que reduce el encanto de la obra. Por lo tanto, los coloristas de base necesitan uno o dos años para familiarizarse con el proceso operativo real antes de poder ascender a coloristas y luego a diseñadores de color.

Nota:

*1. Diseño de color → Inglés: diseño de color Japonés: diseño de color/configuración de color.

*2. Asignación de color → Inglés: Configuración de color Japonés: Asignación de color

*3 Coloración por computadora → Pintura digital británica

Período 10: Proceso de producción 1. :Composición, pintura original y orientación de pintura original.

Después de preparar el dibujo en perspectiva y todos los diseños de personajes y fondos, alguien debe juntar todos los materiales y dibujar un dibujo en perspectiva ampliado y detallado para la acción posterior. Es el compositor quien interpreta esta obra.

Como se puede ver en el diagrama de lentes que presentamos antes, el diagrama de lentes a menudo es solo un boceto que ilustra el escenario general de una imagen. Por ejemplo, en una toma donde "Xiao Ming y Jesse están hablando en el campo deportivo", el personal de composición debe seguir la descripción general de cada fotograma de la escena, la tabla de modelado de personajes (ejemplo) y el fondo (como se muestra en la imagen a continuación, la mayoría de las cuales son de tamaño A4) Dibuja una vista ampliada de la relación posicional detallada entre los personajes (Xiao Ming y Jesse) y el fondo (campo de deportes).

Si las instrucciones de la composición no son claras, afectará al posterior trabajo de pintura original. La composición completa y la hoja de diseño de personajes se entregan al artista original, a quien se le pide que comience a dibujar una imagen especular principal más detallada basada en la composición (como la leyenda de la pintura original (*4) al final de este artículo). Como puede ver en la ilustración, Xiao Ming corre gradualmente hacia la cámara. Finalmente, completa la escena sosteniendo una toalla y hablando con Jesse, como en el ejemplo de composición de la izquierda.

Algunas personas se preguntarán ¿por qué el último espejo principal no tiene boca?

Como se muestra en el ejemplo de composición, esta toma es "Xiao Ming corre hacia Jesse → se para frente a Jesse → habla con Jesse". El último espejo principal de esta leyenda original ("Xiao Ming corrió hacia Jesse → se paró frente a Jesse") es "pararse frente a Jesse". En la siguiente parte de "comenzar a hablar", solo la boca de Xiao Ming se mueve, por lo que el espejo principal con solo el movimiento de la boca se dibuja por separado. Los movimientos de la boca dibujados por separado se pueden superponer a la cámara principal "parado frente a Jesse" mediante edición.

La razón por la que existen directores de animación originales es que una obra suele emplear de dos a cuatro animadores originales (más o menos dependiendo de la obra). Cada personaje dibujado por el artista original puede verse diferente según su propio estilo de pintura (o habilidades pictóricas). El trabajo del director de pintura original es modificar la pintura original dibujada por el artista original, unificar el estilo de la pintura y hacerla fiel al borrador del diseño de personajes.

Un buen pintor y director original debe investigar un poco sobre las lentes fotográficas para poder dibujar bien cada lente principal. Las películas pueden requerir que los actores se coloquen en la posición correcta y posen como quiere el director. Pero la animación sólo puede utilizar bolígrafos para dibujar posiciones ideales y movimientos de personajes. Por lo tanto, un pintor original y un director de pintura original con buenas habilidades y calificaciones también significa que puede dibujar la imagen ideal de la cámara principal (la postura y el movimiento correctos del personaje) basándose en los conceptos de fotografía y edición. Hasta donde el editor sabe, muchos pintores o directores originales experimentados aman las películas y han investigado un poco sobre ellas.

Los animadores originales y los directores de animación originales en su mayoría comienzan como animadores de base. Debido a que es necesario comprender y familiarizarse con el proceso de producción de animación antes de actualizar a la pintura original, es imposible que los recién llegados realicen trabajos de pintura original tan pronto como se unen a la empresa de animación. Un animador bien calificado y trabajador puede ser ascendido a artista conceptual y luego a director conceptual muy rápidamente. Quienes no están cualificados y no trabajan duro no tienen más remedio que seguir siendo animadores de base.

La animación es una industria orientada a las capacidades. No importa en qué eslabón de producción esté involucrado, siempre que trabaje lo suficiente y fortalezca sus habilidades, quienes lo rodean lo reconocerán.

Los animadores son los trabajadores más pobres de la industria de la animación. Pero aquellos que quieran convertirse en pintores originales, directores de pintura originales y diseñadores de modelos de personajes de animación deben comenzar como animadores. Muchos maestros famosos de la industria de la animación japonesa actual fueron animadores de base en algunas productoras de animación hace más de diez años. Llevaron a jóvenes que perseguían sueños a vivir en apartamentos sencillos y comer fideos instantáneos con salarios exiguos. Echemos un vistazo a cómo practican los animadores y por qué la vida es tan fría.

Los animadores son los empleados de base que limpian las líneas y dibujan los marcos. Después de dibujar el espejo principal, el artista original tiene que entregárselo al animador para que limpie las líneas y dibuje los movimientos del encuadre en el medio. El inspector de animación debe ver el movimiento de encuadre del borrador terminado antes de entregárselo al colorista para que lo coloree. El número de fotogramas a dibujar lo especifica de antemano el animador original, por lo que el animador no necesita dibujar varios fotogramas entre tomas maestras. La animación de cuadros es a la vez simple y compleja. El llamado simple significa movimientos simples de la boca o movimientos oculares. La mayoría de los recién llegados que acaban de unirse a una empresa de animación solo necesitan dibujar (practicar) dibujos de cuadros simples y limpiar los dibujos originales dibujados por el artista original. Antes de enviarlo a un marco complejo de cuerpo completo como la Figura 1, se necesitan varios meses para limpiar el manuscrito y "practicarlo" cuidadosamente. Después de enviarlo al marco complejo, se necesitan entre uno y dos años para convertirse en un original. pintura. Después de convertirte en un pintor original, tu habilidad para pintar podrá ser verdaderamente reconocida en la industria de la animación y tu voz será más grande. Antes de presentar al animador original, mencionamos que la animación es como una película, pero la diferencia es que la animación usa lápiz y papel para crear las imágenes que el director necesita. Por lo tanto, antes de convertirte en un pintor original, debes estar familiarizado con cómo dibujar libremente varios movimientos de personajes y luego componer de forma independiente una acción que sea fiel al diseño del cuerpo humano, adecuada para la producción de animación y con una lente principal perfecta. Es por eso que todas las productoras exigen que los principiantes pasen uno o dos años en clases de animación.

¿Entonces los animadores serán pobres en todo? Actualmente, la industria de la animación calcula el salario mensual en función del número de imágenes completadas. Básicamente, un borrador de animación en pantalla dividida cuesta entre 150 y 300 yenes. Un novato que acaba de incorporarse a una empresa de animación puede completar unas 400 animaciones en pantalla dividida en un mes (normalmente menos de 400). Basado en el mínimo de 150 yenes, sólo recibirás 60.000 yenes al mes (el máximo no superará los 120.000 yenes).

En Tokio, donde el coste de vida es muy alto, es realmente difícil sobrevivir sin vivir con tus padres (sin pagar alquiler) o tener algunos ahorros (perseverancia y determinación) para sustentarte como pintor original.

Convertirse en animador no es difícil, no existen títulos académicos ni restricciones de edad. El atajo es ingresar a una escuela especializada. La escuela presenta a los graduados empresas de producción de animación cada año. Sin embargo, como dicen muchas personas mayores en la industria de la animación, lo que se aprende en una escuela vocacional es inútil en una empresa de animación. Si quieren participar en la producción de animación, es mejor llamar personalmente a la puerta de la empresa de animación y estudiar en la empresa de animación sin perder tiempo ni matrícula.

Ciclo 12: Proceso de producción 3: Coloración/Personal colorante

Otra clase pobre en la industria de la animación es el colorista. Los animadores y coloristas son personal indispensable en la producción de animación, pero su estatus es innegablemente bajo. Su trabajo es muy aburrido y duro, y no pueden brillar cuando la iluminación del escenario es buena. En pocas palabras, el contenido del trabajo es pintar el color especificado por el diseñador de color en la parte especificada por el pintor original (por supuesto, la técnica de coloración real no es tan fácil). El colorista es el paso final antes de editar todas las tomas pintadas juntas. Si se retrasa el proceso anterior, el tiempo de coloración del personal colorante se reducirá relativamente. Sin embargo, es una práctica común en la industria de la animación japonesa no enviar los trabajos a tiempo, por lo que los coloristas a menudo tienen que colorear en un corto período de tiempo para ponerse al día con la edición.

La digitalización de la producción de animación que a menudo se discute en todos los ámbitos de la vida generalmente comienza con este proceso de coloración. Los procesos anteriores (excepto la coloración) son todos de producción manual.

Antes de que se digitalizara el proceso de producción, el trabajo del colorista (como se muestra a la izquierda) era el siguiente

1 Utilice una máquina de calco para copiar las pinturas originales limpias y los dibujos lineales animados. en celofán.

2. Coloréalo con colores anime.

3. Compruebe si el celofán recubierto está mal aplicado o manchado.

Cuando se usaba el violonchelo hace unos años, un colorista experto (en la foto) tenía que aplicar cuidadosamente los colores en el violonchelo copiado de acuerdo con el diseño del color, y también aplicarlos con cuidado (cuidadosamente) Los colores detrás del violonchelo . Si se utilizan tableros de celuloide, comprar láminas de celuloide, pigmentos, etc. le costará mucho dinero a la productora en el transcurso de un año. Además, después de pintar, debes esperar a que se seque la pintura de goma antes de poder editar las fotografías. A veces la pintura no es lo suficientemente buena y hay que pintarla varias veces, lo que requiere mucho tiempo y mano de obra. Sin embargo, muchas obras maestras de animación todavía se completan a tiempo (a veces no, el público no lo sabe) y se distribuyen en televisión o cines todas las semanas (en la mayoría de los casos no, el público no lo sabe). Esto depende de la solidez de las empresas contratadas de producción de animación. en otros países.

Después de digitalizar el proceso de producción (como se muestra en la imagen), el trabajo del colorista es el siguiente

1. Utilice un escáner para guardar la pintura original y los dibujos lineales animados en el archivo. computadora.

2. Limpiar las líneas

3. Colorea según el color especificado.

Tal como se introduce en el diseño de color, la mayoría de las productoras de animación en Japón utilizan ANIMO o RETAS. Pro realiza coloración y asignación de colores por computadora (de hecho, cualquier software de dibujo puede usarse como herramienta de coloración de animación). Actualmente usando RETAS! La industria Pro representa más del 80%. La razón es que el veterano fabricante de animación Toei Animation fue el primero en utilizar ese software para construir un sistema, y ​​muchas productoras lo siguieron. Las operaciones de coloración digital realmente ahorran mucho dinero y mano de obra. Este software le permite dibujar en la ventana, guardar película y pintura. Pero, de hecho, debido a la falta de comprensión de la coloración digital por parte de los artesanos manuales, el arduo trabajo del personal de coloración no se ha reducido.

Primero, al presentar el diseño de personajes, se mencionó el tema de la "conexión". Los lectores que hayan utilizado software de dibujo sabrán que al dibujar con software, si las líneas no están conectadas entre sí, el dibujo excederá el rango especificado. Debido a que el tablero de celuloide está dibujado a mano, las piezas con cableado desconocido se pueden dibujar según la experiencia, independientemente del cableado. Pero después de usar una computadora, ésta no será lo suficientemente inteligente como para ayudar activamente al colorista a identificar la parte del cableado. Por lo tanto, cualquier área desconectada debe ser corregida cuidadosamente por el propio colorista. Más tiempo para colorear (pero sin aumento salarial).

En segundo lugar, los ordenadores ahorran tiempo a la hora de colorear y aumentan la variedad y diversidad de colores. Sin embargo, debido a retrasos en el proceso manual anterior y a la creencia errónea de que los coloristas podían completar o modificar dibujos en más colores en menos tiempo. Esto hace que el colorista siga trabajando muy duro.

Convertirse en colorista no es difícil, siempre y cuando estés familiarizado con el software de dibujo (debido a las cuestiones anteriores, lo ideal es conocer los conceptos básicos del dibujo). Pero si quieres ocupar un cielo en el departamento de color de la industria de la animación, debes hacer un gran esfuerzo para estudiar el color y pensar en ello en una empresa de animación durante uno o dos años antes de poder asumir de forma independiente la importante responsabilidad del departamento de color.

Esto es lo suficientemente detallado, ¡espero que sea útil para el póster original!