Ensayo de composición de fotografía de retrato
La luz es siempre algo a lo que los fotógrafos prestan atención. Un verdadero fotógrafo presta atención y utiliza la luz. A continuación se muestran los ensayos sobre composición de fotografías de retratos que compilé para su referencia.
Ensayo sobre composición fotográfica de retrato (1)
Existen muchos tipos de composición fotográfica. En circunstancias normales, a los fotógrafos les gusta colocar al sujeto en el medio de la imagen o en la sección áurea, para que pueda presentarse claramente frente a nosotros. Si una fotografía no tiene una buena composición, muchas veces no resultará atractiva y mucho menos expresará el contenido al máximo. Al ingresar al reino libre del arte, la fotografía juega un papel sumamente importante al igual que la pintura y la composición. Una excelente composición puede hacer que la imagen sea clara y detallada, dando a las personas una sensación de belleza. Una fotografía, si no tiene una buena composición, suele resultar fascinante y no puede expresar plenamente el contenido.
Sin embargo, no existe una fórmula fija para la composición y, a veces, encontrar un enfoque diferente puede conducir a resultados inesperados. La creación fotográfica es inseparable de la composición. La composición fotográfica es la misma que la composición pictórica. Sólo una composición razonable puede reflejar mejor las características de la imagen. Una fotografía con una composición perfecta a menudo da a las personas una sensación de belleza. Nuestra fotografía diaria también debe seguir ciertas reglas para atraer más a los demás. Cada composición tiene sus propios beneficios y ventajas.
Características de la composición
1. Composición equilibrada. Dando a la gente una sensación de satisfacción, la estructura de la imagen es perfecta, la disposición es inteligente, correspondiente y equilibrada. Comúnmente utilizado en noches de luna, superficies de agua, escenas nocturnas, noticias y otros temas.
2. Composición simétrica. Tiene las características de equilibrio, estabilidad y relatividad. Desventajas: rígido, falta de variedad. A menudo se utiliza para expresar objetos simétricos, edificios y objetos de estilo especial.
3. Composición variable. El paisaje está dispuesto deliberadamente en un rincón o lado determinado, lo que puede dar a las personas pensamiento e imaginación y dejar espacio para un mayor juicio. Lleno de encanto e interés. Comúnmente utilizado en escenas de paisajes, deportes, fotografía artística, fotografías de humor, etc.
4. Composición diagonal. Organizar el cuerpo principal en diagonal puede utilizar eficazmente la longitud de la línea diagonal de la imagen y, al mismo tiempo, también puede hacer que el cuerpo que lo acompaña tenga una relación directa con el cuerpo principal. Es dinámico y animado, produce fácilmente la tendencia de las líneas a converger, atrae la atención de las personas y logra el efecto de resaltar el sujeto (por ejemplo, un foco ilumina al sujeto).
5. Composición en forma de X. Las líneas y los tonos están dispuestos en forma de X, lo que tiene un fuerte sentido del tacto y ayuda a guiar la vista de las personas desde los alrededores hacia el centro, o el paisaje tiene la característica de ampliarse gradualmente desde el centro hacia los alrededores. Comúnmente utilizado en construcción, puentes, carreteras, campos y otros temas.
6. Composición compacta. El tema de la escena se amplía en primer plano para que llene parcialmente la imagen, con las características de ser compacto, delicado y microscópico. A menudo se utiliza para retratos, fotomicrografía o para expresar detalles locales. Las expresiones faciales de los personajes a menudo pueden alcanzar un estado realista e inolvidable.
7. Composición triangular. Los tres centros visuales son las posiciones principales del escenario y, a veces, el escenario está dispuesto en una formación geométrica con tres puntos formando un lado, formando un triángulo estable. Este triángulo puede ser un triángulo equilátero, un triángulo oblicuo o un triángulo invertido. Entre ellos, el triángulo oblicuo es el más utilizado y más flexible. La composición triangular tiene las características de estabilidad, equilibrio y flexibilidad.
8. Composición en forma de S. El paisaje de la imagen tiene la forma de una composición curva en forma de S, que tiene las características de extensión y cambio, dando a las personas una sensación de ritmo y creando una sensación de gracia, elegancia y coordinación. Cuando necesites expresar tu sujeto en una forma curva, primero debes pensar en utilizar una composición en forma de S. Comúnmente utilizado en ríos, arroyos, caminos sinuosos, caminos, etc.
9. Composición de la cuadrícula de nueve cuadrados: coloque el tema o el paisaje importante en la intersección de la cuadrícula de nueve cuadrados. Los cuatro puntos de intersección del carácter ?? son las mejores posiciones para el sujeto. En general, se cree que la intersección de la parte superior derecha es la más ideal, seguida de la intersección de la parte inferior derecha. Pero no está escrito en piedra. Este formato de composición está más en línea con los hábitos visuales de las personas, lo que hace que el sujeto se convierta naturalmente en el centro visual, lo resalta y hace que la imagen sea más equilibrada.
10. Composición estilo boceto. A través de fotografías de primeros planos y otros medios, y basándose en pensamientos, se utiliza un método de composición para convertir el pequeño escenario original en una imagen humorística llena de interés y significado profundo. Tiene las características de la imaginación libre y el eclecticismo. No existe una estructura determinada en esta composición.
11. Composición centrípeta. El sujeto está en el centro y el paisaje circundante se concentra hacia el centro de la composición, lo que puede guiar fuertemente los ojos de las personas hacia el centro del sujeto y desempeñar un papel de reunión. Tiene la característica distintiva de resaltar el sujeto, pero en ocasiones también puede producir una sensación de opresión del centro y una sensación de agobio y pesadez.
12. Composición vertical. Puede mostrar completamente la altura y profundidad del paisaje. A menudo se utiliza para expresar árboles imponentes en bosques, rocas escarpadas, cascadas, rascacielos y otras escenas compuestas de líneas rectas verticales.
13. Composición de bisección. Divida las partes izquierda y derecha o superior e inferior de la imagen en dos partes con una proporción de 2:1, formando ecos de izquierda y derecha o ecos de arriba y de abajo, y el espacio para la expresión es relativamente amplio. Una parte de la imagen es el sujeto y la otra mitad es el acompañante. Se suele utilizar para expresar figuras, deportes, paisajes, arquitectura y otros temas.
Habilidades de composición exterior del personaje.
La posición en pantalla se refiere a la posición del sujeto (personaje) en la imagen. Esta pregunta aparentemente simple tiene un significado importante en el rodaje real.
En primer lugar, dado que no podemos cambiar la posición de la escena cuando realmente filmamos la escena, a veces el ángulo de filmación es exclusivo de la escena. En este momento, los personajes de la imagen desempeñan un papel en el equilibrio. la imagen; en segundo lugar, el fotógrafo determina la posición de los personajes en la imagen y al mismo tiempo expresa su comprensión de la imagen y le da significado.
Cuando se habla de la posición de la imagen, primero debes decidir si utilizar una imagen horizontal o vertical al disparar. Cuando la dirección del encuadre es la misma que la del sujeto (la dirección del sujeto se refiere a si el sujeto está erguido o acostado), por ejemplo, cuando el personaje está de pie y se toma el retrato, la actuación del la imagen es principalmente para resaltar al personaje; cuando la dirección del encuadre es opuesta a la del sujeto. Por ejemplo, cuando un personaje está de pie y sostiene una pancarta, la imagen trata principalmente sobre la persona en la escena, es decir, la relación. entre la persona y la escena. Por supuesto, esto se refiere a la situación en la que la proporción del área ocupada por los personajes en la imagen es relativamente razonable.
Según la vista tradicional, hay seis posiciones de imagen de uso común: la posición de la línea central, la posición de la sección áurea, la posición de la tercera línea, la posición diagonal de la imagen, la posición del borde de la imagen, y la posición de la esquina de la imagen. La elección de dónde colocar al sujeto depende principalmente de las características de la escena o de la postura o los ojos del sujeto.
Posición central:
Cuando la escena en sí es simétrica o no tiene sentido de dirección, y la postura del sujeto no tiene una direccionalidad obvia, generalmente se utiliza la posición central.
Posición de la sección áurea:
Cuando la escena en sí es simétrica o no tiene sentido de dirección y la postura del sujeto tiene una direccionalidad evidente, generalmente se utiliza la posición de la sección áurea. (La posición de la sección áurea puede entenderse simplemente como la posición entre la línea media y la línea de tres puntos).
Posición de la tercera línea:
Cuando la escena en sí no está equilibrada, el sujeto debe colocarse en la posición correspondiente de la tercera línea de la imagen por el bien del conjunto. equilibrio de la imagen.
La posición del borde de la imagen:
La posición del borde de la imagen se refiere a la posición desde la tercera línea de la imagen hasta el borde de la imagen. Puede verse que en la posición de imagen antes mencionada, la posición del sujeto en la imagen está dentro del rango enmarcado por las líneas de cuatro tercios de la imagen. Las posiciones más allá de este rango se consideran los bordes de la pantalla. Cuando el sujeto se coloca en el borde del encuadre, se maximiza el rendimiento del término medio en el encuadre. Se utiliza a menudo en la fotografía popular de bodas de viajes. Pero la posición del borde en la parte superior de la imagen rara vez se utiliza.
Posiciones de las esquinas de la pantalla:
En la pantalla dividida por los "Nueve Palacios", las cuatro posiciones de la parte superior izquierda, inferior izquierda, superior derecha e inferior derecha se denominan las esquinas de la pantalla.
Notas sobre la composición de la fotografía
1. La imagen está demasiado llena. A algunos fotógrafos principiantes les gusta hacer que el sujeto esté erguido y llene la imagen al tomar fotografías. Proceso de postproducción de la fotografía. Al mismo tiempo, también hará que el trabajo luzca rígido y rígido.
2. Al tomar fotografías de retratos laterales u objetos con impulso hacia adelante al golpear la pared sur con la cabeza, no queda un espacio determinado frente al sujeto de la imagen, lo que da a las personas la sensación de estar golpeando. Su cabeza contra la pared sur. La imagen parece aburrida y deprimente.
3. El fondo de los objetos adicionales fue seleccionado incorrectamente, lo que provocó fenómenos como chimeneas que crecían en los hombros y grandes ramas de árboles que emergían de las cabezas, lo que destruía la imagen original de los personajes.
4. Al rodar el interesante centro, faltaba espíritu de reticencia a rendirse. Intentaron llevar todo de una zona a otra, pero querían ser inclusivos, lo que resultó. en una imagen sin prioridad, pocas pistas, estructura suelta y desorganización.
5. Desequilibrio: la coordinación de la estructura de tono y la estructura de color de la imagen no se tiene en cuenta al componer la imagen, lo que resulta en un desequilibrio del color y el tono de la imagen, lo que afecta el efecto fotográfico.
6. Cuando se fotografía al sujeto con un fondo alto, Gu Jing lo ignora y levanta la cámara a ciegas. Como resultado, se captura al sujeto completo, pero a menudo solo se deja la cabeza. la pantalla., cae al final de la pantalla, muy feo.
7. Al tomar una foto grupal de un grupo de personas, las posiciones de los personajes no están bien organizadas y no hay tendencia a acercarse al centro. La imagen está dividida, lo cual es inconsistente. con la temática de la obra.
Ensayo sobre la composición de la fotografía de retrato (2)
Resumen: El diseño de color en la composición de la fotografía de retrato se refiere principalmente a cómo el fotógrafo utiliza las características de los materiales fotosensibles en color, el efecto de la iluminación de la luz, y el sujeto a fotografiar, la disposición del color de los personajes y entornos, y el rendimiento de varios filtros fotográficos se utilizan para crear efectos de color ideales. Incluye el color emocional expresado por el fotógrafo, el color de imagen típico de la persona fotografiada y el color del tema representado por el contenido de la obra.
Palabras clave: fotografía de retrato; diseño de color
1. Deja que los colores de la imagen enriquezcan tus emociones
Marx dijo una vez: La sensación del color es lo más Sentimiento popular en la belleza general. ?Esto es lo que la gente suele llamar ?color emocional?.
La emoción del color muchas veces se refleja a través de las "ideas" que el artista quiere expresar.
Como dice el refrán, el "color emocional" en realidad se refiere a las emociones expresadas por los artistas que utilizan el color. Los colores pueden expresar emociones, no sólo debido a factores fisiológicos y psicológicos humanos, sino también principalmente debido a las asociaciones habituales de las personas con los colores. Por ejemplo: el rojo es como el sol naciente y el fuego, dando a las personas una enorme sensación de calidez y fuerza. El rojo es un color muy activo en una imagen grande, sólo una pequeña mancha de rojo puede darle vida a la foto. El verde es un símbolo de vida y el azul simboliza la calma, la frescura y la profundidad, dando a las personas la sensación de retirarse y encogerse hacia adentro.
Por ejemplo, el tema es una niña inocente. Para expresar su vivacidad, pureza y búsqueda sin fin, podemos usar colores muy puros, brillantes y brillantes (o usar colores con fuerte contraste, por supuesto, los colores son principalmente colores cálidos). Si queremos expresar la ligereza y la alegría del sujeto, podemos embellecerlo con colores de bajo brillo en el grupo de colores con mayor brillo. Si queremos expresar el fuerte sentimiento de melancolía, depresión y depresión del sujeto, podemos usar. colores de bajo brillo y baja pureza para el diseño de color.
2. Mantén los colores en marcado contraste.
La generación de atmósfera de color proviene del contraste de colores. Sin contraste, no hay distinción entre luz y oscuridad. La diferencia entre belleza y oscuridad, la diferencia entre frío y calor. Si desea que los colores de sus fotografías tengan un contraste nítido, puede diseñar colores a partir de los siguientes aspectos.
1. Utiliza el brillo del color para potenciar el contraste. El mismo color muestra un brillo diferente sobre fondos de diferentes brillos. Por ejemplo, los colores brillantes aparecerán más brillantes frente a los colores oscuros, mientras que los colores brillantes aparecerán más claros frente a los colores brillantes. Por lo tanto, para que los colores brillantes parezcan más brillantes, elija colores oscuros para resaltarlos; para que los colores oscuros parezcan más oscuros, elija colores brillantes para resaltarlos.
2. Utiliza diferencias de tono para crear contraste. La gente suele organizar los distintos tonos de colores en un gráfico de rueda de colores en orden en el espectro. Se llama círculo de tono. Los colores que están muy juntos en el círculo de tono tienen un contraste débil, mientras que los colores que están muy separados tienen un contraste fuerte. En términos generales, los colores dentro de 60 en el círculo de tono se denominan colores similares. Los colores son relativamente débiles y los colores dentro de 120 tienen un contraste débil. Para que el contraste de color sea fuerte, la brecha deseable es entre 120 y 180 colores. producir un fuerte contraste de color.
3. Utiliza la pureza del color para crear contraste. Cuando dos colores de diferente pureza se encuentran, el color con mayor pureza aparecerá más brillante, mientras que el color con menor pureza aparecerá más apagado. En términos de disposición de colores, si utiliza deliberadamente paisajes de baja pureza para resaltar el color principal de alta pureza, también puede hacer que la imagen sea colorida y elegante.
4. Utiliza la zona de color para crear contraste. La concentración y dispersión de varias áreas coloreadas en la foto tienen diferentes efectos. Si el color principal se concentra en un área, el contraste entre él y el color de fondo será fuerte; si se dispersa en trozos pequeños, el contraste entre él y el color de fondo se debilitará; Para que el color principal sea vívido, el área del color principal se puede concentrar relativamente. Cuando las áreas de los distintos colores en la pintura son muy diferentes, haga que el área de un color tenga la ventaja absoluta y deje que el color principal sea más vivo. El área del otro (o varios colores) domina. El área de color ocupa una pequeña parte, lo que a menudo produce un fuerte contraste de color, lo que fortalece la expresión artística de la obra.
5. Utiliza los colores cálidos y fríos para crear contraste. El contraste entre colores fríos y cálidos puede formar un contraste de color, enriquecer el efecto de la imagen, reducir el contraste de brillo y mejorar el contraste entre frío y cálido.
3. Utilice la unidad y diferencia de colores para crear efectos de color
En el diseño de color de la fotografía de retratos, la gente suele utilizar "armonía y unidad de color" para apreciar y evaluar los trabajos de retrato. . escala. Los fotógrafos suelen utilizar colores uniformes para buscar la armonía y la unidad de las pinturas. En la fotografía de retratos, cuando aparecen retratos de personas vestidas de rojo, sombreros rojos y fondos rojos, dan a las personas una sensación refrescante. La unidad de color formada por este tipo de "rojo" (también incluye "amarillo", "verde", etc.) es una unidad de un solo color, o la unidad de colores similares. Un color unificado será naturalmente armonioso.
En la fotografía de retratos, la combinación adecuada de dos o más colores con un fuerte contraste puede producir un contraste brillante y un efecto de color vívido y unificado. He visto una fotografía de este tipo. El autor utilizó el alto cielo azul y el vasto mar como fondo para resaltar a una joven que llevaba un pañuelo de seda amarillo. La apasionada brisa del mar soplaba sobre su cabello y un pañuelo de seda, como si flotara como si estuviera bailando. Tiene tanto la vitalidad de la juventud como la ternura del mar. Toda la imagen utiliza una gran área de bloques azules y dorados deslumbrantes para formar un fuerte contraste. El amarillo y el azul aquí son colores complementarios y se yuxtaponen. un fuerte contraste de color. Esta obra utiliza el contraste de colores complementarios para completar la composición de la imagen. Utiliza apropiadamente un amarillo brillante y saturado para complementar el cielo azul y el mar, haciendo que la niña con la cabeza erguida sea más juvenil y enérgica. encanto De esto podemos decir: Los colores opuestos con fuerte contraste forman una unidad; después de eso, el grado de armonía es mucho más atractivo y encantador que la unidad compuesta de un solo color.
Para la composición de fotografía de retrato, el diseño del color es una forma, y su función más fundamental es dar forma a la imagen del personaje y expresar el tema de la obra. El maestro literario Gorky dijo: "Todas las cosas bellas son muy simples, la sencillez es belleza". ?El color es hermoso, pero debe ser simple. Como fotógrafo de retratos, debes aprovechar al máximo los colores simples para embellecer la vida de las personas.
Ensayo sobre composición de fotografías de retratos (3)
Con el rápido desarrollo de los teléfonos móviles y las tabletas, cada uno de nosotros sin duda tiene una "cámara" en las manos. Estas cámaras no las tienes. No necesitas saber la apertura, la velocidad de obturación y el ISO, solo necesitas poder presionar el botón del obturador y podrás disparar. Pero hay una cosa en la que una cámara nunca podrá ayudarte y es en la composición de tu foto. Cuando se trata de composición, mucha gente pensará en varias reglas de composición, como la regla de los tercios, el método de la curva S, etc. Se trata de una larga lista de reglas de composición heredadas de pinturas de fama mundial, que abundan en Internet y en varios libros. Sin embargo, estas reglas sólo pueden confundir a la gente porque el éxito o el fracaso de una fotografía tiene poco que ver con estas reglas. Pero la única regla en la que todos los fotógrafos están de acuerdo es que todas las reglas están destinadas a romperse.
Entonces, ¿cómo podemos mejorar nuestra capacidad de composición? En la práctica de la fotografía, muchos fotógrafos conscientemente no lo hacen. Utilice conscientemente algunos métodos para llamar la atención del lector sobre el tema. El propósito de hacerlo es resaltar los puntos clave. Estos métodos son obviamente mucho más simples y prácticos que las llamadas reglas de composición. Dominarlos puede mejorar rápidamente tus habilidades de composición.
Resalta el sujeto a través del movimiento
La lente puede transmitir movimiento. Cuando un objeto o una persona se está moviendo, puedes utilizar métodos "convencionales" para "congelarlo" en la pantalla. . En circunstancias normales, este tipo de acción de "congelación" no es muy atractiva. En este punto, es posible que puedas difuminarlo. El desenfoque es una de las formas más efectivas de transmitir movimiento, que puede resaltar el sujeto.
En realidad, hay dos formas de tomar fotografías borrosas: una es tener un sujeto claro y un fondo borroso y la otra es desenfocar tanto el sujeto como el fondo; El famoso corresponsal de guerra Robert Capa tomó las fotografías del desembarco de Normandía en la Segunda Guerra Mundial, transmitiendo la tensa atmósfera de guerra a través de la completa desenfoque de los soldados y el fondo. Por supuesto, también puedes hacer que el sujeto en movimiento sea nítido y el fondo borroso. Hay dos formas de producir este efecto: una es usar una velocidad de obturación lenta para perseguir el objeto, dejar que la lente se mueva con el objeto y presionar el obturador durante el movimiento; la otra es usar la función de apertura de la cortina trasera del objetivo; flash para congelar el sujeto y desenfocar el fondo.
Haga que el sujeto sea lo suficientemente grande
Un error común que los principiantes suelen cometer es que al tomar fotografías, a menudo hacen que el sujeto sea demasiado pequeño, de modo que queda sumergido en otro paisaje. Cuando esto suceda, debes avanzar, luego avanzar y pararte lo más cerca posible. Sólo si te acercas lo suficiente el sujeto se destacará.
El fotógrafo estadounidense Joe McNally nos cuenta una historia en su libro. Una joven fotógrafa fue a tomar fotografías de un capitán. Después de tomar fotografías durante un día, regresó y miró las fotografías. En todas sus fotografías, el capitán tenía solo el tamaño de una judía verde. Joe McNally le dijo: Mañana estarás con el capitán todo el día y utilizarás este extremo gran angular. Debes pararte a un metro del capitán para disparar. ?Como resultado, el fotógrafo volvió al día siguiente y la situación era mucho mejor.
Usar un gran angular para hacer que el sujeto sea lo suficientemente grande es una técnica utilizada por la mayoría de los fotoperiodistas. Una ventaja de disparar de esta manera es que permite que la imagen del sujeto domine el encuadre, y disparar a corta distancia con un gran angular puede mostrar la verdadera atmósfera de la escena.
Crea un encuadre para el sujeto
Cuando estás lejos del sujeto y el sujeto no puede dominar el encuadre debido a su tamaño relativamente pequeño (o si está lejos y tú Si quieres expresar una sensación de distancia), no puedes acercarte en este momento, entonces, ¿qué debes hacer? ¡Configura un marco para el sujeto! ¡Esta es otra técnica muy común para atraer la atención!
Para objetos grandes en la distancia al aire libre, como picos de montañas, monumentos y edificios, un método de encuadre común es incorporar ramas de árboles en el marco. Las ramas no dominantes dan a la imagen una sensación de espacio y distancia. Esta técnica se utiliza a menudo en fotografía de viajes y fotografía de arquitectura.
Por supuesto, también puedes utilizar este método en fotografía de retrato. Configure un marco para el sujeto. Este marco puede ser una ventana o dos pilares, puede ser una sección de una cerca en el jardín o pueden ser dos figuras al lado del sujeto; En nuestra vida diaria, este tipo de marcos creativos está en todas partes. Cuando el tema es relativamente monótono, todos podemos considerar este método: construir un marco para él. Sin embargo, esta composición en forma de marco es sólo un "truco". Se utiliza para cambiar el sabor y realzar el atractivo de la imagen. En la realidad, no se debe abusar. Recuerde, su propósito no es hacer que la gente mire más al encuadre y menos al sujeto.
Deja que las líneas converjan hacia el sujeto.
En el mundo en el que vivimos, siempre hay varias líneas. Todos se encontrarán dentro o fuera de tu vista. Bien, entonces tomemos estas líneas y coloquemos el tema donde se unirán las líneas. De esta manera, cuando las personas miren estas líneas, sus ojos eventualmente se dirigirán al tema. En la calle, la carretera y los edificios a ambos lados de la calle acabarán reuniéndose en un punto del campo de visión. ¿Por qué no puedes colocar al sujeto en esta intersección? En el interior, las líneas de la esquina y la mesa pueden aparecer. reunirse, y ellos también pueden venir y servir a nuestros súbditos.
Cualquiera que utilice un objetivo gran angular sabe que un objetivo gran angular mejorará el efecto de convergencia de las líneas, ampliará el espacio real en el primer plano, reducirá el tamaño relativo del cuerpo humano en la imagen, y mejorar la sensación de distancia y soledad.
Coloca al sujeto en un lugar luminoso.
La luz es siempre a lo que los fotógrafos prestan atención. Un verdadero fotógrafo presta atención y utiliza la luz. Y la luz tiene una dirección, y también tiene suavidad y dureza. En los días nublados, la luz exterior es suave y carece de direccionalidad. En el sol, la luz es muy direccional y producirá sombras.
Siempre que miramos por el visor, primero debemos mirar la luz. ¿De dónde viene? ¿Es luz dura o luz suave? ¿Ilumina algo que no queremos que ilumine? ¿Recae sobre el tema, especialmente el tema que queremos resaltar? Debemos experimentar cuidadosamente el efecto de la luz y sus propiedades en este momento. El uso de la luz para resaltar puntos importantes es una de las herramientas más poderosas de la fotografía.