¿Qué es la composición de una imagen?
La composición no es sólo una parte integral de las técnicas pictóricas, sino también un eslabón en el proceso creativo. También es una forma que combina las distintas partes de la obra en un todo. La forma de la composición debe estar sujeta al contenido de la obra y a los sentimientos internos del autor, y debe determinarse de acuerdo con las reglas de belleza formal de la composición. Los conceptos y leyes de la composición están estrechamente relacionados con la conciencia estética, los conceptos, teorías y estilos artísticos. Aprender a dominar los principios y leyes de la composición puede ayudar a los artistas a elegir los fenómenos de la vida, utilizar, organizar y procesar materiales e incluso lograr la perfección formal, mejorando así el atractivo artístico. Sin embargo, es difícil crear una obra de arte viable basándose únicamente en las reglas de composición. Por tanto, la teoría y ley de la composición no es un procedimiento estático; será constantemente negado y desarrollado en los cambios en la práctica artística.
2. Principios básicos de la composición
Ya sea creación o práctica, ya sea que el contenido sean personajes, paisajes o naturaleza muerta, la composición generalmente sigue las siguientes reglas:
1.Arte Todo en la obra debe estar subordinado a la expresión del contenido básico de la obra.
2. Todos los factores formales en una obra de arte deben permanecer conectados.
3. La composición de la obra debe formar un centro visual y atraer la mayor atención del público.
4. La estructura compositiva de un cuadro debe ser un todo cambiante y unificado. Utiliza el contraste y la armonía de formas, luces y sombras, líneas, colores y otros factores, así como el procesamiento espacial, la combinación de volúmenes, el ritmo y el ritmo, para hacer que la forma de la obra sea novedosa y vívida, con la expresión artística más fuerte.
5. En la disposición de los objetos de la imagen y el procesamiento de los detalles, evite cualquier posibilidad y preste atención a la estrecha conexión con el tema.
6. Utiliza el equilibrio en la composición para expresar estabilidad y quietud; utiliza el desequilibrio en la composición para expresar inestabilidad y movimiento.
7. El tamaño de la obra debe coincidir con su contenido; la relación largo-ancho de un marco debe obedecer a las necesidades de la composición.
El principio del equilibrio en la composición tridimensional
El equilibrio es la regla básica de la composición pictórica. El equilibrio produce belleza formal a través de la visión. El equilibrio es diferente de la simetría. La simetría es el equilibrio más estable y simple. La simetría es una forma de belleza y se utiliza principalmente en decoración y patrones. Los edificios y templos tradicionales chinos adoptan un formato simétrico. Las estructuras fisiológicas del cuerpo humano y de algunos insectos hermosos también son simétricas. Las reglas de la composición simétrica también se aplican en la pintura, pero no son absolutamente simétricas en la forma. La simetría presenta un estado muy limpio, que tiene los efectos de perfección, solemnidad, armonía y quietud, pero también tiene las desventajas de ser monótona y carente de interés.
En cuanto a tonos claros y oscuros, se puede equilibrar un poco de negro con un poco de gris claro. Cuando se combinan blanco y negro, se reduce el peso del negro. En cuanto al color, un poco de rojo brillante se puede equilibrar con un toque de rosa o amarillo cálido. Si una obra logra un efecto equilibrado se puede dividir en cuatro partes. Es más fácil distinguir la parte superior e inferior del campo de la imagen, o el ancho izquierdo y derecho, o el ancho de las dos mitades diagonales de la imagen. Los espectadores experimentados aún pueden encontrar factores desequilibrados e inestables en la observación general de la imagen, y no es necesario utilizar el método anterior para comprobarlo. De hecho, la sensación y el concepto de ligereza y ligereza en la imagen se generan por la compleja combinación de varios factores en la imagen.
Cuarto, la ley del contraste y la unidad en la composición
Los cambios y la unidad en la composición también se pueden llamar contraste y armonía. Porque en la pintura siempre se persigue el cambio en la comparación y la unidad se logra en la armonía. Si se ignora esta regla de composición y se pierde el efecto de cambio unificado en la imagen, el tema expresado no será vívido y será imposible obtener la belleza formal más perfecta. Hay muchos factores que causan cambios de contraste en la imagen, incluidos cambios en el punto de vista y el campo visual, cambios en la repetición y cambio de posición y cambios de contraste en las formas (como formas cuadradas y redondas, delgadas y completas, etc.). y Contraste del tamaño del espacio (las figuras pequeñas en el marco hacen que el espacio sea más grande; la carrocería más grande hace que el espacio sea más pequeño). Cambios en el contraste de luz y oscuridad. Cambios de contraste en el color (como tono, luminosidad, pureza, calidez y frialdad, etc.) Cambios de contraste en los atributos de la línea (líneas horizontales y verticales, líneas paralelas, curvas paralelas verticales, líneas diagonales, etc.). (como superficie rugosa y superficie lisa). Y el método de expresión mediante el uso de cambios de contraste, como pinceladas y grosor del color. La mayoría de estos factores tienen que ver con la composición. Factores de contraste, ¿cómo conseguir un efecto unificado y armonioso en el procesamiento de la composición? Este artículo toma como ejemplo la impresión en blanco y negro "El pescador" (Figura 5) del rumano Dick Frenk para realizar un análisis de composición unificado con el fin de obtener una comprensión específica. La composición de esta obra es compleja, plena y rigurosa. Hay muchos factores contrastantes en la imagen: bloques blancos y negros, líneas verticales y paralelas, líneas rectas y curvas, líneas largas y cortas, líneas verticales y paralelas, líneas diagonales; hay puertas y ventanas cuadradas en la orilla del río; Los factores formales armoniosos en la imagen: la parte superior de la imagen es principalmente vertical, pero también hay elementos paralelos en la segunda mitad, hay elementos paralelos y elementos verticales; Este procesamiento cruzado de factores de contraste superiores e inferiores crea un eco, dando al contraste una sensación de armonía. La forma de cuadrados de tamaño similar también es un factor importante para aportar contraste y armonía a la imagen. En las partes con alta densidad de puntos y líneas, el efecto visual espacial es un tono medio gris, lo que hace que el fuerte contraste entre el blanco y el negro sea suave y armonioso. El tema de la pintura es un grupo de pescadores en un barco, llamativos mientras procesionan en la brillante orilla del río. Las líneas y superficies onduladas irregulares y cambiantes formadas por los personajes son los factores contrastantes que unifican toda la imagen, resaltando así el tema y formando el centro visual de la imagen.
La armonía es una relación aproximada y el contraste es una relación de diferencia. El contraste se basa en la tendencia y la relación aproximada de varios elementos formales en la imagen para lograr una sensación de armonía. Una composición dominada por la armonía y la unidad también debe tener algunos factores para hacer frente a algunos cambios, de modo que el cuadro completo no sea monótono, sino dinámico.
Factores de estilo en la composición: luz, sombra y líneas
1. La luz y la sombra son uno de los factores importantes en la composición y el diseño. Las sombras se refieren a los distintos niveles de luz y sombra entre los tonos oscuros más profundos y los tonos claros más claros. Los niveles de luz y oscuridad no sólo se utilizan para expresar la estructura física de los objetos, sino también para expresar la luz y la oscuridad en la composición de la imagen.
La alternancia de tonos oscuros puede cambiar el cambio y equilibrio de la imagen y crear una sensación de ritmo. Generalmente se cree que la luz y la sombra son el lenguaje artístico único de la pintura occidental; la pintura tradicional china parece ser indiferente a la luz y la sombra. Por ejemplo, los trabajos de dibujo lineal no requieren tonos claros y oscuros en términos de conceptos formales y técnicas de expresión. Sólo utiliza líneas puras para expresar la forma y estructura de los objetos, y contrasta la densidad de las líneas en la composición y el diseño. De hecho, esto refleja el contraste entre la luz y la oscuridad, es decir, donde las líneas son densas, el tono es oscuro y donde las líneas son escasas, el tono es claro. Se puede observar que la densidad de las líneas también contiene el significado de los tonos claros y oscuros. El contraste de la densidad de las líneas es el contraste de la luz y la oscuridad. Además, aunque las impresiones en blanco y negro solo tienen un tipo de negro, de hecho, mediante el procesamiento y aplicación de puntos, líneas y superficies, los cambios en los niveles de luz y oscuridad producidos en la imagen son muy ricos, lo que juega un fuerte papel. expresión artística en la composición. Por lo tanto, los factores formales de luz y oscuridad se utilizan ampliamente en diversos grados y de diferentes maneras en diversas pinturas. Ahora expliquemoslo desde los siguientes aspectos:
(1) Categorías de tonos de imagen. Al expresar diversos temas y estados de ánimo en las pinturas, existen muchas clasificaciones de luces y sombras, que se pueden resumir aproximadamente en las siguientes tres categorías:
Tonos brillantes: la mayoría de los colores utilizados en la imagen son brillantes y brillante. Este tono es adecuado para expresar emociones alegres, estiradas, tranquilas, brillantes y sencillas, y también puede usarse para temas tristes y trágicos. Los tonos brillantes son más poderosos que los tonos oscuros.
Tonos oscuros - A diferencia de los tonos claros, la imagen se compone de colores más oscuros. Los tonos oscuros se utilizan a menudo para temas emocionales como profundos, solemnes, ricos, tranquilos, misteriosos y aterradores. En términos de combinación de colores, utilice más colores oscuros, menos blanco y más negro.
Tonos medios - varios tonos cálidos y fríos entre tonos claros y oscuros, que son los tonos más variados y utilizados. Bajo la luz normal, el entorno de vida y actividad de las personas suele tener un tono neutro. Por lo tanto, en la expresión de varios temas de pintura natural, se utilizan más tonos medios.
(2) Varias formas de procesamiento de claroscuro:
El fondo oscuro resalta el sujeto brillante; varias formas son muy efectivas para resaltar el sujeto y se usan con frecuencia, especialmente en numerosos bodegones y retratos clásicos. Por ejemplo, casi todos los retratos del pintor holandés Rembrandt del siglo XVII adoptaron esta forma contrastante. Los personajes brillantes resaltan con el fondo oscuro y el efecto es simple, concentrado y fuerte.
Un fondo (o entorno) brillante resalta un sujeto más oscuro: muchos retratos del pintor itinerante ruso del siglo XIX Repin a menudo adoptan esta forma de luz y oscuridad. Un fondo brillante hace que la imagen brille y los objetos principales se destaquen.
Los tonos medios resaltan el objeto principal con un contraste brillante: según la experiencia de las personas al observar la vida diaria, los objetos cercanos siempre sienten que la imagen es concreta y prominente, el color es brillante y el contraste entre el negro y el Los tonos blancos son fuertes. En comparación con el paisaje cercano, el paisaje lejano siempre aparece borroso y el contraste entre el blanco y el negro se debilita. Por eso, en pintura, el uso de esta forma de claroscuro es muy común. Tiene un sentido de realidad y es más fácil expresar efectos espaciales, dando a las personas una sensación de inmersión.
El tratamiento de las formas claras y oscuras en la composición debe estar sujeto a la necesidad de expresar el tema. Al mismo tiempo, también se debe utilizar el contraste entre claros y oscuros para mostrar la correcta relación entre la parte principal y la parte de fondo de la composición. En una pintura, también puedes utilizar una variedad de factores de contraste claros y oscuros para abordar temas complejos y expresar temas importantes.
(3) En términos de composición, los cambios en la forma y el área de los bloques claros y oscuros pueden producir diferentes efectos. Los cambios de área de varios tonos en la imagen pueden ser grandes o pequeños, es decir, solo hay tonos oscuros más grandes o tonos brillantes, también pueden ser pequeños y numerosos, es decir, muchas pequeñas manchas de tonos oscuros o tonos brillantes; el tono y la forma son sencillos, límites claros y límites borrosos, que pueden expresar diferentes emociones y producir diferentes efectos de interpretación:
El área del tono es grande, el contraste entre sí es obvio, los límites son claros. y puede producir efectos enérgicos, vivos y conmovedores.
Los grandes tonos oscuros y los pequeños tonos brillantes tienen un efecto solemne, trágico, profundo y misterioso.
La configuración de una gran zona de tonos brillantes y una pequeña cantidad de tonos oscuros tiene el efecto de resultar confortable, luminoso y cordial.
Los tonos claros tienen un humor bello y puro; los tonos suaves tienen una expresión sugerente, lírica, bella y tranquila.
2. Las líneas son un factor de forma importante en la composición. La pintura prehistórica china comenzó con líneas, al igual que las pinturas infantiles. El dibujo lineal en la pintura tradicional china es la base del modelado. Las líneas se han convertido en una de las características artísticas de la pintura tradicional, refiriéndose principalmente a la aplicación de líneas en el modelado. En cuanto al papel de las líneas en la composición de una imagen, es aún más amplio. Las líneas pueden guiar al público a centrarse en el tema central de la obra, y las líneas mismas tienen su propia expresividad y belleza. Organizar líneas puede dar ritmo y ritmo a la forma compositiva. Las líneas se pueden dividir en muchos tipos:
(1) Línea continua, es decir, una línea con valor propio.
(2) El contorno de la forma de un objeto, como una línea recta, una curva o una combinación de ambas. Cuanto más simple y claro sea el contorno, más llamativo e intenso resultará. Como las xilografías en blanco y negro en las impresiones.
(3) Algunos objetos estrechos también tienen efectos lineales. Como el suelo, la superficie del mar, carreteras, postes telefónicos, troncos de árboles, etc. Cuando el punto de vista es muy bajo.
(4) Líneas horizontales, líneas verticales y líneas diagonales.
(5) Líneas desiguales (como el contorno de un edificio y el fondo, la intersección entre los árboles y el cielo, etc.).
(6) Curvas: curvas planas , curvas verticales, curvas y otras curvas.
(7) Horizonte (el horizonte es muy importante en la imagen y está muy relacionado con la composición).
(8) Líneas de movimiento y líneas que muestran fuerza.
Estas líneas distintivas están estrechamente relacionadas con el efecto artístico de la composición. En la aplicación de líneas, las más importantes son las curvas, las rectas y las diagonales.
Hay curvas verticales, curvas planas y curvas irregulares. Las curvas son suaves, gentiles, elegantes y suaves. El uso inadecuado de las curvas hará que la composición parezca inestable, débil y carente de fuerza. Las curvas verticales, como las llamas, indican una especie de vitalidad; las curvas horizontales, como las olas del agua o las ondulaciones de montañas distantes, tienen una sensación de movimiento elegante y lento.
La línea recta tiene factores emocionales como fuerza, estabilidad, ira, determinación, silencio y seriedad. Las líneas verticales tienden a ser atractivas desde el punto de vista compositivo. Por ejemplo, las líneas verticales de los edificios en las pinturas de paisajes juegan un papel importante al crear una sensación de estabilidad en la escena. Los fondos de algunos retratos a menudo se procesan en líneas verticales o paralelas, como celosías de ventanas y marcos de cuadros, que contrastan con el paisaje. Curvas de los objetos principales y hacen que la imagen sea más vívida y hermosa. Hay líneas verticales, líneas horizontales y líneas diagonales. Las líneas verticales tienen elementos emocionales como seriedad, solemnidad, paz y esperanza; las líneas rectas horizontales tienen una sensación de tranquilidad, tranquilidad, extensión y estabilidad, y pueden usarse para simbolizar la profundidad y la inmensidad del terreno. Las líneas rectas inclinadas son líneas comunes en las imágenes, con elementos emocionales como excitación, movimiento, agitación e inestabilidad. Las líneas rectas horizontales transmiten una sensación de serenidad, tranquilidad, extensión y estabilidad, y pueden usarse para simbolizar la profundidad y la inmensidad del terreno. Las líneas rectas inclinadas son líneas comunes en las imágenes, con elementos emocionales como excitación, movimiento, agitación e inestabilidad.
Las líneas que expresan movimiento y poder en realidad no existen en el espacio. Son sólo la sensación de las líneas del espectador debido a factores psicológicos. Por ejemplo, la fuerza de reflexión producida por la vista humana, o el impulso de un vehículo, etc. En la imagen, generalmente hay un espacio delante del objeto tridimensional, y este espacio forma una línea invisible.